ALRIGHT / SUPERGRASS

"Alright" es una canción del grupo británico de rock alternativo Supergrass. Fue editada en su disco debut titulado I Should Coco el cual fue lanzado un 3 de julio de 1995.

La canción recibió un amplia difusión radial en el Reino Unido donde se le llegó a llamar como "himno adolescente de buena fe" por su letra optimista y esa alegre melodía de piano que parecía tipificar la sensación de Gran Bretaña en ese momento, cuando el Britpop se econtraba en su apogeo.
En aquella epoca cuando lanzaron el single, los integrantes de la banda eran unos adolecentes (el cantante Gaz Coombes acababa de cumplir los 19, cuando fue lanzado este temazo) le añade mas peso a la letra. Sin embargo, el mismo Coombes argumentó en torno al momento de su lanzamiento que, "no fue escrito como un himno. No se supone que sea un grito de manifestación de nuestra generación". El verso que dice 'We are young/We run green...' ("Somos jóvenes/Somos ingenuos") no es sobre el hecho de tener 19 años aunque recién entrados los 13 ó 14 descubres las chicas y el alcohol. Se supone que es algo alegre y un poco gracioso, nada tiene que ver con un llamado rebelde a las armas."
Danny Goffey (baterista del grupo e hijo del presentador de la BBC Chriss Goffey) también agregaría: "Es verdad que no fue escrito en un ambiente muy veraniego. Fue escrito en una casita de campo donde la calefacción se había averiado y estabamos tratando de hacer fogatas para mantenernos calientes."

El single de "Alrigh" fue un exitazo en ventas y le dió mucho exito a la banda inglesa alcanzando el puesto #2 en el UK Singles Chart. Se mantuvo entre los tres más altos por un mes. En una entrevista de 1999, Coombes bromeaba: "No tocaremos "Alright" nunca más. La tocaríamos en un tono menor, y en tiempo pasado."

El éxito del disco fue respaldado por un video promocional animado dirigido por Dom y Nic, con el grupo montando bicicletas alegremente y en una cama sobre ruedas en Portmeirion en Gales del Norte.

Después de haber visto el video, Steven Spielberg se acercó al grupo y les propuso que trabajaran juntos en una serie de televisión al estilo de The Monkees. El grupo lo rechazó prefiriendo trabajar en su segundo álbum In It for the Money. De esto el pariodista Troy Carpenter, co-director de Nude as the News afirma "el gesto dice mucho de la personalidad de la banda — algo que ha marcado al grupo a lo largo de su carrera — que básicamente es la de ser un alegre grupo de rock cuyo innegable talento musical es a veces eclipsado por el gran entusiasmo de su música."

NEED YOU TONIGHT / INXS

"Need You Tonight" es una famosa canción de la banda australiana INXS que fue incluida al ultimo minuto en el disco Kick de 1987 y ademas fue el primer single para promocionar dicho disco.
Como si fuera poco esta canción fue la única que llegó a alcanzar el primer puesto en el ránking Billboard Hot 100, además de conseguir su máxima posición, como número dos, en el UK Singles Chart. Esto la llevo a ser una de las melodias mas representativas de la banda convirtiendose en un clasico ochentero.

Leyendo la biografía oficial de la banda llamada "INXS: Story to Story", Andrew Farriss (tecladista y compositor de la banda) dijo que el famoso riff de guitarra que tiene la canción se le vino a la mente mientras esperaba un taxi para ir al aeropuerto, y desde allí partir a tocar a Hong Kong. Entonces al "iluminarse su ampolleta" decidió pidirle al taxista que esperara un par de minutos mientras traía algo de la habitación del hotel. Pero en realidad no se le habia quedado nada, sino que fue a grabar el pegajoso riff y regresó una hora más tarde con una cinta y feliz por como habia quedado, encontrando al taxista sumamente furioso y aburrido. Ese riff fue descrito más tarde como una mezcla entre la música de Keith Richards y Prince.

Si analizamos el estilo de la canción podemos darnos cuenta que tiene un sonido mas electrónico que lo que venian haciendo en sus discos hasta ese momento, combinando secuenciadores con batería y cortes de guitarra. Para aproximar el sonido de la versión grabada en sus recitales, la banda a menudo utiliza sintetizadores y sonidos del tipo de disparos, los cuales pueden oírse entre la música.

Otra caracteristica notable de este clasico de los ochenta es su video musical, el cual combinó live-action y diferentes tipos de animación. Fue dirigido por Richard Lowenstein, el video mezcló "Need You Tonight / Mediate", y promocionó las dos canciones del álbum. En "Mediate" (que es la canción que esta pegada en el disco), puede apreciarse un tributo a la canción de Bob Dylan "Subterranean Homesick Blues". Los miembros de la banda muestran carteles con palabras de la canción, seguido por un solo de saxofón de Kirk Pengilly. En medio de la canción se muestra una tarjeta con una "fecha especial", la cual se lee como "9-8-1945". Esto se refiere al 9 de agosto de 1945, la fecha en la cual la bomba atómica fue arrojada sobre Nagasaki, Japón. Ya que la fecha se encuentra en el formato australiano, con el día primero y el mes segundo, los televidentes americanos confunden (y no entienden) la fecha con el 8 de septiembre de 1945.

El video obtuvo cinco MTV Video Music Awards incluyendo "Video musical del año", y ocupó el vigésimo primer puesto en el ránking de los cien mejores videos de todos los tiempos llevado a cabo por MTV.

Un tema recomendable...

Que lo disfruten!!!

THAT'S ALL RIGHT / ELVIS PRESLEY

"That's All Right" es una canción interpretada por Elvis Presley y fue publiada a mediados de la decada de los 50's.
Hay que señalar que este temón pertenece originalmente al blusero Arthur Crudup quien la escribió en 1946 bajo el nombre de "That's All Right, Mama".

La versión de Elvis fue lanzada el 19 de julio de 1954 con la canción "Blue Moon of Kentucky" en el lado B. Este fue el primer single que lanzó el "Rey del Rock" con el cual empezaba su carrera llena de exitos y fama. Se le elimino el "Mama" del titulo original para darle un tono mas comercial aunque nunca se dijo la razón verdaderas.
Aparte de Crudup, en la autoria apareció Elvis Presley, Scotty Moore y Bill Black por la adaptación que hicieron al tema y para ganar algunos dolares mas (?).

Fue grabada en los estudios Sun en 1954 con la genial voz de Elvis Presley y la guitarra rítmica de Scotty Moore y Bill Black en el contrabajo. Fue producido por Sam Phillips en el estilo de un "en vivo" en la grabación (de hecho la canción fue registrada en una toma directa de la sala del estudio) . Como dato curioso, esa canción en su grabación "made in Elvis" no contiene tambores o instrumentos adicionales a los ya mencionados.

Al finalizar la sesión de grabación, de acuerdo a palabras de Scotty Moore, Bill Black comentó, "Maldita sea... ojala logremos conseguir que nos toquen en una radio para poder salir a tocar fuera de la ciudad!!" .

Fue hecha justo en la cuarta visita de Presley a los Sun Studios ya que sus dos primeras visitas, efectuadas en el verano de 1953 y enero de 1954, habían sido de tono privado para grabar temas para su madre.

Este tema ha sido interpretado por varias celebridades de la musica popular, por ejemplo: Jonnhy Cash y Bob Dylan, The Beatles en sus sesiones desde la BBC, Led Zeppellin tambien en dichas sesiones, Al kooper, Green Day,Rod Stewart entre mcuhos mas...

Que la disfruten!!

BLACK OR WHITE / MICHAEL JACKSON

"Black or White" es una canción del cantante Michael Jackson. Esta canción fue el primer sencillo extraído del álbum Dangerous que fue lanzado en octubre de 1991. Con el paso del tiempo este single fue considerado como la canción de rock mas vendida en la década de los años 90.
El estilo musical de "Black or White" es una mezcla de hard rock, dance y rap, pero básicamente es una canción de hard rock similar a otra canción del "Rey del pop" llamada "Beat It".

Fue escrita, compuesta y arreglada por el mismo Jackson, además se le agrego una parte de rap hecha por Bill Bottrell.
La tematica de la letra promueve la unidad racial. Ademas el pegajoso riff de guitarra eléctrica de la canción, inspirado en el tema "Hurts So Good" de John Mellencamp, es tocado por Slash (guitarrista de los Guns'n'Roses).

Tal como ya mencionamos para "Black or white" Michael Jackson solicitó la participación del guitarrista de Guns N' Roses, Slash, con la idea de darle a esta canción de hard rock una línea más agresiva y rockera con lo que en ese entonces significaba el pelucon Slash, además cuenta con la participación de Tim Pierce en la segunda guitarra; y el resultado es una mezcla de hard rock, dance y rap. Todo esto fue respaldado por un video cuyos efectos especiales lo hacían sobresalir entre los demás de la época. La dirección estuvo a cargo de John Landis, el mismo de Thriller. Además el jovensisimo actor Macaulay Culkin (el eterno Pobre Angelito) tuvo una participación especial.

En medio del éxito alcanzado por la canción, su vídeoclip causó controversia y censura por dos razones bien "cursis" para estos tiempos:

1.Algunos movimientos sexualmente sugestivos del cantante, como agarrarse la entrepierna.

2. Secuencias del mismo cometiendo actos interpretados como vandalismo (dañar carros, romper ventanas, entre otros).

Por estas razónes hubo muchos canales de televisión que decidieron omitir los cuatro últimos minutos del vídeo musical (increible!!), transmitiéndolo completo solamente en las madrugadas y en programas dedicados a pasar vídeos sin censura.
Hoy en día, la versión censurada sigue siendo la más transmitida, con algunas apariciones de la versión completa especialmente en programas que muestran vídeos que causaron controversia en su época.
Les dejamos este polemico video (?) para que lo analizen, disfruten y rian en estos link: Parte 1 y Parte 2.

Como forma de no dañar el exito del single y de su carrera, Jackson se disculpó por los hechos en el video argumentando que sus movimientos y los actos violentos eran su interpretación del instinto animal de una pantera (animal en que se transforma en el vídeo musical).

Que la disfruten!!!

Q.E.P.D. MICHAEL JACKSON (EL REY DEL POP)

(Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 - Los Ángeles, 25 de junio de 2009)

Hoy, 25 de junio de 2009, se ha informado el fallecimiento del cantante, compositor y bailarín estadounidense Michael Jackson. Un procer de la música hard rock, rhythm & blues (soul y funk), disco y dance.

Aunque no existe información oficial, algunos medios de prensa (incluyendo Associated Press, APE, Reuters entre otros ) han afirmado que Michael Jackson falleció pese a los esfuerzos de los paramédicos y luego de haber entrado en estado de coma.

Como fanaticos de la buena musica quedamos sorprendidos por la noticia... nos unimos a la tristea que provoca su partida, pero como todo buen musico dejó una tonelada de buenas canciones, buenos conciertos con su voz y pasos de baile de otro mundo.

Adios Michael Jackson... que descanzes maestro!!!... You are not alone!!

PD: Este blog es solo dedicado a musica... si quieren descargarse con insultos hacia actos de la vida personal del citado haganlo en otro blog o pagina dedicada a farandula. Aqui solo nos guiamos por el ambito musical y sus derivados. Gracias!

WHATEVER GET YOU THRU THE NIGHT / JOHN LENNON

"Whatever Gets You Thru The Night" es una canción compuesta por el gran músico británico e ídolo de mucha generaciones John Lennon para su álbum Walls and Bridges. Fue lanzada como single el 4 de Octubre de 1974.

Hay que señalar que "Whatever Gets You Thru The Night" fue el único single de John Lennon que alcanzó el número uno en las listas de singles de Billboard durante la vida del músico, si bien muchos dicen que la canción "(Just Like) Starting Over" llegó a la misma posición en 1981 en una versión póstuma a la muerte del ex-Beatle pero en el Reino Unido el tema pasó prácticamente sin mayor suceso (solo llegó al puesto #36).

Otra curiosidad de este tema es que en la grabación participó Elton John (el que canta Candle in the Wind y varios exitazos mas) en los coros y en el piano, junto al grupo Muscle Shoals Horns. Durante las sesiones de grabación, Elton apostó que el tema llegaría a lo más alto de las listas ante el escepticismo mostrado por Lennon, desafiándole a aparecer en un concierto si ganaba la apuesta. Cuando el sencillo consiguió el número uno, Lennon aparecería por última vez en el concierto de Elton John ofrecido en el Madison Square Garden el 28 de noviembre de 1974.

En esta curiosa y memorable presentación Lennon actuó como invitado brevemente por apenas unos 15 minutos, interpretando este tema junto a Elton en el piano por única vez en vivo, y otras dos piezas clásicas de su época con The Beatles: una versión extendida de "Lucy in the Sky with Diamonds" y por último "I Saw Her Standing There", canción que fue compuesta e interpretada en su mayor parte por Paul McCartney , algo aún más particular ya que en ese entonces la relación de Lennon con McCartney no pasaba por un buen momento.

En una entrevista realizada en 1975, John Lennon expresó grandes elogios hacia el Sir Elton John luego del concierto: "Recuerdo haber escuchado Your Song de Elton John en América. Lo recuerdo bien, era una grandiosa canción, de esas nuevas sensaciones que uno siempre busca. Era una gran canción. Había algo en la vocalización que la diferenciaba de muchas canciones hechas por musicos ingleses ".

En diciembre de 2005, May Pang, compañera sentimental (geisha?) de Lennon durante dicho periodo, comentó a Radio Times un dato muy interesante sobre la inspiración de la letra de este temón: "A John le gustaba cambiar de emisora radial continuamente, y cogía frases de todos los espectáculos. Una vez, estaba viendo al reverendo Ike, que decía: "Dejad que os diga, no importa, que es lo que os coge a través de la noche." A John le gustó, y dijo: "Tengo que escribirlo o lo olvidaré." Siempre tenía una libreta y un bolígrafo cerca de la cama. Ese es el comienzo de "Whatever Gets You Thru The Night"."

Para finalizar, en el año 2007, Yoko Ono, viuda del maestro John, permitió a Amnistía Internacional versionar el tema con un buen número de grupos musicales. Ademas la banda Lonely Boys interpretarían el tema como segundo sencillo del álbum Instant Karma: The Amnesty International Campaign to Save Darfur.

Nos vemos!

CALIFORNIA GIRLS / THE BEACH BOYS

"California Girls" es una canción de la banda Beach Boys que fue escrita por Brian Wilson y Mike Love para el disco Summer Days (and Summer Nights!!) de 1965. La canción fue lanzada como un single y llego al puesto #3 en el Billboard Hot 100.

Este tema tuvo su inspiración cuando Brian Wilson después de ingerir LSD llegó corriendo a un dormitorio y se ocultó bajo una almohada, gritando "tengo miedo de mi mamá, tengo miedo de mi papá". En ese estado se levantó y dijo "esto es una idea bien buena" y se fue a un piano. comenzó a tocar una partitura una y otra vez hasta que dejó el ritmo de este tema. Al día siguiente, él y Mike Love supuestamente terminaron el resto de la canción.

Ademas "California Girls" es la primera canción de los Beach Boys que se grabó con la voz de Bruce Johnston, quién ya tendria la tarea de sustituir a Brian Wilson en las actuaciones en vivo ya que fue en esa epoca cuando dejó de escribir canciones y se volvió adicto a la cocaína. Cabe señalar que Brian pasó la mayor parte de los siguientes años en su dormitorio durmiendo, tomando drogas, y comiendo demasiado.

Esta canción ha sido muy usada por diversos artistas en sus conciertos y ademas fue de vital inspiración para la canción The Beatles llamada "Back in the U.S.S.R.", la cual es considerada como un homenaje a esta maravillosa canción.

Una gran canción de una banda que cambió la escencia musical en los sesenta con sus magicas y alegres composiciones...

Bonus Track: La versión del ex vocalista de la banda Van Halen... David Lee Roth

PARADISE CITY / GUNS'N' ROSES

"Paradise City" es una canción de la banda estadounidense Guns N' Roses. Está incluida en el famoso álbum de 1987 Appetite for Destruction.

Para que sepan el dueño del famoso riff de guiatarra es obra de Slash. Todo comenzó en un ensayo mientras los integrantes practicaban con guitarras acústicas y el melenudo Slash comenzó a tocar el riff. Luego Izzy y Duff comenzaron a tocar su parte sigiendo la onda y el vocalista Axl comenzó a gritar la frase "Take me down to the paradise city...". Luego de ensayarla y cambiarle la letra varias veces entre Slash y Axl lograron sacar una canción que haria historia y un himno del hard rock.

Es considerada por muchos fans , junto con "Welcome to the Jungle" y "Sweet Child O´ Mine", una de la canciones mas influyentes y famosas de la banda.
Se cree que la famosa estrofa "Take me down to the paradise city where the grass is green and the girls are pretty" (Llevame a la ciudad paraíso donde la hierba es verde y las chicas son bellas") podría ser una referencia a la heroína, ya que reordenando las letras del titulo se logra formar la frase "Easy Acid Trip", pero esto es muy poco creible aunque tambien puede tener un mensaje oculto.. pero quien sabe lo que nos puede cantar Axl?.
Para otros Paradise city es considerada como una canción que trata de Los Ángeles y su corrupción que tenia por esa época.
Axl dijo sobre esta canción "los versos son más que nada sobre el estar en la jungla, los coros es como volver al medio oeste o algún lugar así".

La banda tambien le hizo un videoclip para que sea promocionada en los canales de televisión, el cual estaba filmado en el Stadio Giants en New Jersey mientras Guns N Roses estaban en gira junto a Aerosmith; hacia la mitad del video, se puede ver a la banda embarcandose en el avión Concorde para que pudieran hacer una actuación en Inglaterra; regresaron tan rápido como les fue posible a los Estados Unidos para continuar la gira con una de sus mayores influencias rockeras (nos referimos a los Aerosmith).
El concierto que hicieron en Inglaterra fue el famoso Monsters of Rock, enlazado con el de Donington Park. En aquellos conciertos ocurrieron mcuhos desmanes en el publico mientras la banda tocaba sus riffs rockeros. Hubieron heridos, gente colapsada y locura extrema mientras la banda tocaba.

Esta canción fue a menudo usada como la canción de cierre de la banda durante las giras de Appetite y el Illusion, y es aún hoy en día usada para cerrar sus conciertos.

Para finalizar, diremos que "Paradise City" fue puesta en la posición #21 en las 40 Greatest Metal Song of All Time por la VH1.
La revista Total Guitar la colocó en el puesto numero tres de su ranking de Las 100 mejores canciones de todos los tiempos, y ganó varios premios similares a través de los años.

TOO MUCH HEAVEN / THE BEE GEES

"Too Much Heaven" es una canción escrita por The Bee Gees. Esta balada fue la contrubución de la banda a la campaña "Music for UNICEF fond" (Fondo de la UNICEF para la música).
Los Bee Gees interpretaron este tema en el famoso Music for UNICEF Concert (Concierto de la Música para la UNICEF) efectuado el 9 de enero de 1979.

Ademas, esta hermosa balada salió publicada en el disco numero trece de la banda de los hermanos Gibbs titulado Spirits Having Flown en 1979.
La canción llego a los primeros puestos en las listas de los Estados Unidos y Canadá y estuvo dentro de los top-3 en el Reino Unido. Cabe destacar la participación de parte de la banda Chicago (James Pankow, Walt Parazaider y Lee Loughnane) en la grabación del tema en los estudios.

"Too Much Heaven" fue grabada nueve meses después de otro exito llamado "Night Fever". El single fue lanzado a fines del otoño de 1978 (fue originalmente propuesta para usarla en la película de John Travolta llamada Moment By Moment, pero fue sacada antes del lanzamiento de la película porque Barry Gibb pensó que la película era horrible y mala cuando vio un pedazo del thriller.), y empezó un lento ascenso a las listas de música.

La idea de trabajar para la UNICEF comenzó en el verano de 1978, cuando los hermanos Gibb anunciaron su proyecto más reciente en una conferencia de prensa en las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York. Todas las ganancias que dieran los conciertos y el sencillo irían a la UNICEF, para celebrar el Año Internacional del Niño, designado a ser 1979.
En efecto, la canción obtuvo más de 7 millones de dólares en ganancias en poco tiempo de su lanzamiento. El en ese entonces Secretario General de las Naciones Unidas Kurt Waldheim anunció esto como "an outstanding and generous initiative." (Una extraordinaria y generosa iniciativa).

Luego de esto los Bee Gees fueron invitados a la Casa Blanca, donde el presidente Jimmy Carter agradeció al grupo por su donación hacia esa causa. En la ceremonia, los hermanos presentaron a Carter con una de sus chaquetas negras de satín. Carter remarcó, con la tipica sonrisa de un politico, que él "no era un fan de la música disco" pero sabía suficiente acerca de su música porque su hija Amy era una gran fan.

Esta balada que tiene toques de bluseros es un clasico de la banda oriunda de Manchester que supo colocarle ritmo a los setentas...

Que la disfruten!!

HIGH HOPES / PINK FLOYD

"High Hopes" es una canción de Pink Floyd editada en su álbum de Pink del año 1994, The Division Bell. Fue escrita por David Gilmour y Polly Samson. Recordemos que esta canción es de la formación que no incluia a Roger Waters.

Analizando la letra nos percatamos que nos habla de cosas que se han ganado y perdido en la vida, escrita, quizás, desde un ángulo autobiográfico por Gilmour.
El titulo de la canción nació de la idea de Douglas Adams, amigo de Gilmour, que escogió el nombre de una estrofa de la canción que ademas era la ultima en ser grabada paa el disco ocupando la ultima lista del tracklist producto de un "destello de inspiración", como lo nombraría Gilmour en entrevistas posteriores.

Ademas de ser la ultima en la grabación y en el disco, es la la última canción que ha escrito Pink Floyd hasta la fecha (y su colocación al final de su último album del nuevo material hasta ahora) por lo cual se presta a interpretación de que la canción narra la historia de la carrera de la banda, desde sus inicios, pasando por su grandioso éxito (como la publicación de los discos "Dark Side of the Moon" y "The Wall") hasta su rompimiento y en adelante. La línea final que dice "The endless river, forever and ever" ("El río sin fin, por siempre y para siempre.") se une a uno de los primeros éxitos de la banda, "See Emily Play"; claramente donde dice "Float on a river, forever and ever" ("Flota en un río, por siempre y para siempre.")

Ademas, notense que el inicio de "High Hopes" trae al recuerdo otra gran canción de a banda llamada "Fat Old Sun" que fue editada en el disco "Atom Heart Mother" (ese que trae en la portada a la vaca Lulubelle III).
El sonido del pájaro y de la mosca también pueden encontrarse en la canción "Grantchester Meadows", perteneciente al álbum de 1969, "Ummagumma", escrita por Roger Waters.

"High Hopes" fue incluida en la recopilación del 2001 "Echoes: The Best of Pink Floyd" con un solo de guitarra acortado, lo cual ya la hace "rara" para los pinkfloydmaniaticos.

Para fializar diremos, como dato musical, que el grupo Nightwish cierra su álbum de "Best of" con una reinterpretación de esta canción (una versión bien oscura y bastante especial). La canción efectivamente cierra la primera fase de su carrera, debido a que la cantante Tarja Turunen dejó el grupo antes del lanzamiento de la recopilación.

WHAT'D I SAY / RAY CHARLES

"What'd I Say" (o tambien se le escribe en algunos discos como "What I Say") es una canción escrita por el músico Ray Charles y fue publicada en 1959.

Lo mas importante que trae este tema, es que después de otros éxitazos que habia lanzado el musico, con esta canción Ray Charles provocó el nacimiento de un nuevo subgénero del "rithm & blues" titulado "soul".
Luego de el exitazo de este tema en los charts y en la critica Charles crearia la canción "I Got a Woman" que sería otro gran exito en las listas de R&B.

Ahora analizemos la historia que trae esta canción...Según las memorias de Ray Charles, esta canción nace despues de un concierto en Milwaukee en un club nocturno, él había interpretado ya la última canción de su repertorio "Night Time Is the Right Time" y ya no tenia nada mas para cantar. Al faltarle un "bis" Charles decidió llenar el tiempo que quedaba realizando una versión improvisada de la canción que tarde o temprano sería grabada como "What'd I Say" y que en ese entonces solo era un demo. Charles le dijo a su banda de apoyo que le dsiguieran la nota y a las chicas del coro que le siguieran el ritmo e improvisaran. Con ello Charles empezó a improvisar la letra y a dar el primer paso para esta canción que nadie sabía de donde la había sacado.

Por eso, un 18 de febrero de 1959, Ray Charles grababa esta canción bako el titulo de What I say, que era el nombre correcto del tema. El single contenia, debido a su larga duración del tema, en la cara A la parte I y en la B la parte II despues de una polemica entre el músico y su sello.
En poco tiempo la canción alcanzó el puesto #6 en el Billboard Hot 100 y llegó a la casilla #1 del aclamado Hot R&B Songs.

Pero la cancion no esta ecenta de polemicas. La gente de terno y corbata del sello discográfico de Charles, Atlantic Records, tenían muchas preocupaciones porque la canción era "demasiado atrevida" y "duraba mucho tiempo".

Debido a esto el sello Atlantic fue convencido por el musico y para remediar el problema de la duración de la canción, el estudio interno divide la canción en dos partes.

La revista Rolling Stone coloco a "What'd I Say" en su Lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos en el puesto #10. En el año 2000, el canal “VH1” la coloco en el puesto #43 en 100 Greatest Song in Rock and Roll y #96 en VH1's 100 Greatest Dance Songs in Rock and Roll con ello es la canción más vieja en la clasificación. Ademas, la canción es una de 500 canciones que están en el Rock & Roll Hall of Fame.

THE WINNER TAKES IT ALL / ABBA

"The Winner Takes It All" es una canción del famoso grupo sueco ABBA. Es el primer single lanzado para promocionar su séptimo álbum Super Trouper en 1980.

La canción fue escrita por Benny y Björn. Según muchos rumores, Björn compuso la letra en menos de 2 horas, siendo la canción que más rápido se grabó de ABBA.
Fue grabada el 6 de junio de 1980 en los estudios de Polar Music bajo el titulo "The Story Of My Life I".
La letra de la canción habla sobre una mujer que le reclama a su pareja el por qué de su abandono y destrozo de la relación sentimental.

Para muchos esta canción está inspirada en el divorcio de Björn y Agnetha (ambos integrantes de la banda), que había ocurrido el año anterior. Björn ha negado muchas veces esto diciendo: en nuestro divorcio no hubo ningún ganador. Además, la letra y música de la canción muestran que la música del grupo maduraba, y que a comparación de otras canciones que hablan de separaciones (como "Knowing Me, Knowing You" y "Mamma Mia"), "The Winner Takes It All" era una canción más triste y dramática.

El sencillo de "The Winner Takes It All" fue lanzado en julio de 1980, como un anticipo para su séptimo álbum. Este single marca el regreso de ABBA a la cima de las listas inglesas, obteniendo su octavo número uno en ese país, y el primero desde 1978.
Ademas el sencillo también entró en el Top Ten en Bélgica, Irlanda, Holanda, Sudáfrica, Suecia, Noruega, Finlandia, Suiza, Austria, Alemania, Zimbabwe (?), México, Australia, Italia, Francia, Estados Unidos, Canadá y en España.Rapidamente se ha convertido en un exitazo de esta banda europea.

También existe un rumor que dice que ABBA hizo una versión en español, puesto que, en unas de las declaraciones del grupo Il Divo (que habian hecho una version de este tema) para el diario 20 minutos, se menciona lo siguiente: "Nuestra idea fue previa al fenómeno. Es una de las primeras canciones que se eligió para el disco y de eso hace más de un año y fue una de las primeras que grabamos. La verdad es que era una idea relativamente antigua. Y la letra española que hemos cantado de esta canción la escribió originalmente ABBA y la llegaron a cantar también. Es un poco la guinda del pastel para nosotros cantar un material original de ABBA pero siendo Il Divo". Si esto es cierto habría que buscarlo en algun bootleg o secuestrar de buena forma a un fanatico que tenga esa cinta (?).

Para finalizar, mencionaremos que la canción forma parte actualmente del musical Mamma Mia!, basado en las canciones de ABBA. Además de eso, la canción ha sido recientemente versionada por la banda británica McFly con motivo de la selección de Inglaterra como sede de los Juegos Olímpicos de 2012.

WHERE DO YOU GO TO (MY LOVELY) / PETER SARSTEDT

"Where Do You Go To (My Lovely)?" es una canción del cantantes anglo-hindú Peter Sarstedt editada en 1969.
Con este tema Peter Sarstedt logró un gran exito llegando al número uno en las listas del Reino Unido por seis semanas durante 1969, y fue reconocida con el premio Ivor Novello (junto a la canción "Space Oddity", de David Bowie). En los Estados Unidos, la grabación sólo llegó al puesto #61 en la lista de los 100 sencillos de Cash Box, y a la posición #70 en los Billboard Hot 100 en mayo de ese año.

La canción habla sobre una muchacha ficticia llamada Marie-Claire quien llega a convertirse en una miembro del Jet Set y vive en París. Las letras la describen desde la perspectiva de un amigo de la infancia; aunque no se sabe si continúan siendo cercanos. La pregunta retórica del título sugiere a que su glamuroso estilo de vida no le ha dado felicidad o satisfacción que ella esperaba.

La letra hace varias referencias a lugares y personas, por ejemplo:
Marlene Dietrich (actriz y cantante alemana), Zizi Jeanmaire (bailarina francesa), Balmain (famoso diseñador francés), el Boulevard Saint-Michel (calle del Barrio Latino famosa por sus librerías), Los Rolling Stones( popular banda inglesa de rock & roll de Jagger y Cia.),Sacha Distel (músico francés), Sorbonne (Universidad de París), Picasso (pionero español del arte moderno), el Juan-les-Pins (famoso hotel ubicado en la Riviera Francesa), Saint Moritz (resort de esquí ubicado en los Alpes suizos), Napoleon brandy (marca de un famoso brandy), Aga Khan (líder islámico dueño de caballos de carrera) y los Topless swimsuit (otra forma de referirse a los Bikinis).

Muchos fans e investigadores de musica a menudo comentan que el nombre Marie-Claire fue inspirado por la revista francesa del mismo nombre que fue publicada por primera vez en 1937. Tambien se cree en una teoría que afirma que esta canción habla acerca de la estrella italiana Sophia Loren, quien fue abandonada por su padre y llevó una vida llena de pobreza y lucha en Nápoles. Mientras que otra teoría (parecen matematicos estos locos) sugiere que la canción ha sido inspirada por la actriz y cantante Nina van Pallandt.
Pero todo eso se fue a la basura cuando el propio Peter Sastedt dijo que escribió la canción inspirado en una muchacha de la cual se había enamorado locamente en Viena en 1965. Aquella niña murió trágicamente durante un incendio en un hotel.

En 1997 Sarstedt grabó una secuela, "The Last of the Breed (Lovely 2)" en su disco "England's Lane". Esta vez retoma la historia de Marie Claire 20 años después, cuando vive en Londres. Hace referencias a más gente y lugares como Belgravia, Ballets Russes, Ciudad del Cabo, Claridge's, Gstaad, John Galliano, Harrods, Jerusalén, Long Island, Milán, Rudolf Nureyev, Palm Beach, Río de Janeiro, e Isabella Rossellini.

Que disfruten este temazoo!!

A CHANGE IS GONNA COME / SAM COOKE

"A Change Is Gonna Come" es una canción del compositor y cantante de Soul Sam Cooke lanzada como single en 1964 para promocionar el disco Ain't That Good News. Meses despues Cooke, con 33 años de edad, falleceria bajo extrañas circunstancias baleado (fue el 11 de diciembre de 1964) en Los Ángeles (California).

Aunque no fue un gran exito de ventas como sus sinlges lanzados anteriormente, esta canción paso a la historia ya que ejemplificó el Movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos de la década de los sesenta. Con el tiempo, la canción ha ganado mucha popularidad y gran aceptación en la crítica musical.

La creación de esta emotiva canción llegó cuando Cooke escucho muy emocionado el tema de Bob Dylan titulado "Blowin' in the Wind" en 1963 y quedó muy sorprendido por el hecho de que una canción tan punzante hacia el tema del racismo en América viniera de un compositor blanco. Por ello, tras hablar con manifestantes de Durham, Carolina del Norte al término de uno de sus conciertos, Cooke se dirigió a su autobús y compuso el primer boceto de lo que más tarde se convertiría en "A Change Is Gonna Come". La canción también refleja gran parte del tormento interior de Cooke. Conocido por su imagen siempre respetable y sus canciones desenfadadas (como "You Send Me" o "Twistin' the Night Away"), sentía desde hacía tiempo la necesidad de tratar en laguna canción la situación de discriminación y racismo que existía en Estados Unidos, especialmente en los estados del sur. Sin embargo, su imagen y su miedo de perder a su gran base de fans blancos impidieron que se centrara en este tema con anterioridad.

El tema es, sin lugar a dudas una apertura de miras para Cooke en términos compositivos, refleja dos acontecimientos significativos en su vida. El primero es la muerte de su hijo de dieciocho meses llamado Vincent, quien se ahogó accidentalmente en Junio de ese mismo año. El segundo acontecimiento se produce el 8 de octubre de 1963, cuando Cooke y su grupo de músicos fueron arrestados por perturbación del orden público al intentar registrarse en un hotel "whites only" (sólo para blancos) de Shreveport, Louisiana. Ambos incidentes son relatados en el tema a través de un tono cansado, especialmente en el verso final There have been times that I thought I couldn't last for long/but now I think I'm able to carry on/It's been a long time coming, but I know a change is gonna come. (En español seria: En ocasiones pensé que no aguantaría demasiado/pero ahora creo que tengo las fuerzas necesarias para continuar/Hace mucho tiempo que está a punto de llegar, pero ahora sé que un cambio se aproxima).

Con el paso del tiempo, esa letra estaba aun en la libreta de Cooke hasta que durante los meses de gira, el 21 de diciembre de 1963 decidió grabar "A Change Is Gonna Come" en los estudios RCA en Los Angeles, California, durante las sesiones para el álbum de 1964 Ain't That Good News, que ademas sería su ultimo album.
Según Peter Guralnick, quien es autor de la biografía de Cooke "Dream Boogie", el apodado "Rey del Soul" dió al arreglista Rene Hall libertad total para los arreglos musicales de la canción. Hall fue quien introdujo un fondo orquestral dramático, ensalzado por las notas de una trompeta. En cambio para las voces, Cooke volvió a sus raíces gospel para cantar con una intensidad y pasión desconocidas en sus anteriores grabaciones pop. Era el nacimiento de esta hermosa balada protestante.

El single fue lanzado en 1964 y no tuvo el exito que creian los dueños del sello. Sin embargo, Cooke y su nuevo manager, Allen Klein, pensaron que la canción merecía mayor promoción asi que empezaron a pensar diversas formas de lograr presentarla. Según el libro de Guralnick, Klein persuadió a Cooke para cantar "A Change Is Gonna Come" en su aparición en el The Tonight Show del 7 de febrero de 1964. Cooke cantó el tema, pero desafortunadamente no tuvo el exito esperado ya que justo coincidió con la actuación histórica de los "melenudos" Beatles en el The Ed Sullivan Show dos días antes, lo cual dejó un record Guiness y fue el comienzo de la Beatlemania por USA. Para mayor desacierto, la cadena NBC no guardó la cinta con la actuación de Cooke, por lo que nunca se utilizó para futuras colecciones.
Debido al poco exito, el sello decidió cambiar el single y poner en las radios el lado B titulado "Shake", el cual fue un exitazo.

Pero cuando por fin se le prestó la atención que merecía, "A Change Is Gonna Come" se convirtió en un éxito entre la comunidad negra, y fue adoptada como himno de las protestas por los derechos civiles en curso.De echo muchos artistas declaran a esta canción como precursora de numerosos sencillos socialmente conscientes que aparecieron con posterioridad, entre los que se incluyen el "What's Going On", de Marvin Gaye.

Con el paso de los años, el tema ha conseguido mayor aceptación y elogios, y en 2005 fue incluida en la posición número 12 de la lista de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos, confeccionada por la revista musical Rolling Stone.

Desafortunadamente, los problemas legales la han perseguido desde su lanzamiento. Una disputa entre ABKCO, editor musical de Cooke, y la discográfica RCA Records apartó la grabación del mercado durante más de cuatro décadas. Aunque el tema aparece en la película de 1992 Malcolm X, no se incluyó en su banda sonora debido a esos problemas. En 2003, las disputas se solucionaron y el tema pudo ser incluido en la versión remasterizada de Ain't That Good News, así como en la antología de Cooke titulada como Portrait of a Legend.

Dato Curioso: Tras ganar las elecciones presidenciales de los estados Unidos en 2008, Barack Obama se refirió a la canción en un encuentro en Chicago con sus seguidores, a través de sus palabras "It's been a long time coming, but tonight, change has come to America."

DEATH ON TWO LEGS (DEDICATED TO...) / QUEEN

"Death on Two Legs" es una canción de la banda inglesa Queen que fue publicada en 1975 en su disco A Night at The Opera.

La letra y música (muy influenciada por Led Zeppelin) de "Death on Two Legs" fue escrita por Freddie Mercury como un carta de despedida al ex-manager de Queen de nombre Norman Sheffiled quien había, según confesión de la banda, abusado de ellos con su rol de manager de 1972 a 1974.
En entrevistas posteriores, Roger Taylor (Baterista) y Brian May (superguitarrista),señalaron que Freddie estaba realmente disgustado por la forma como se repartían las ganancias de la banda, ya que después de 3 álbumes, el tercero de ellos, Sheer Heart Attack, con relativo éxito internacional (en Japon dicen que fue un exitazo!), la banda no había visto aún traducido en ganancía económica todo su esfuerzo musical. Al Parecer las cuentas no cuadraban y se notaban frustrados ante este suceso comercial.

Muchos saben que una de las quejas de Mercury era el hecho de que él consideraba que necesitaba un buen "piano de cola" acorde con su nivel artístico y con la imagen que Queen necesitaba proyectar. Por eso, Freddie quería un Grand-piano blanco, el que aparece posteriormente en el video de Bohemian Rhapsody, a lo que Sheffield se negó a comprar pues consideraba que era un capricho más del excéntrico Freddie. Lo que demuestra la poca confianza que tenía el ex-manager en el grupo en ese entonces.

Ademas, cuando decide colocar esta canción en el disco A Night At The Opera, Mercury da un paso más y añade al título de la cánción el famoso "Dedicado a......?" para evitar demandas. No obstante Sheffield intenta infructuosamente demandarles por la mención de su nombre en los conciertos, lo que lleva a la banda a introducir el tema en vivo diciendo: This next song is from A Night a the Opera, this is about a motherfucker of a gentleman we call him Death on two legs. Las "palabrotas" dichas por Freddie en el intro fuero suprimida con un pitido en el disco en directo Live Killers... lo cual hace mas notable esa versión en vivo.

En lo que respeta al la estructura musical, la canción comienza con una compleja introducción "in crescendo" de arpegios que alcanza niveles "pandemoníacos" para finalmente develar un riff que recrea una atmósfera siniestra, el cual fue compuesto por Mercury al piano (Grand-piano blanco) y luego trasladado a la guitarra por May y que constituye el eje musical sobre el cual se desarrolla toda la melodía.
Death On Two Legs siempre fue una favorita tanto de Queen como de los fans en vivo, por lo que solían tocarla completa hasta 1977. Desde 1978 comenzaron a tocar sólo la mitad de la canción y como introducción de un popurrí compuesto además por Killer Queen y I'm in Love with My Car, entre otras.

Una canción oscura, desgarrante, llena de rabia, con una letra amenazante... que bien se le peude deidcar a muchos managers y uno que otro por ahí...

Saludos y a cuidarse de los resfriados!!!!

I LOVE ROCK'N'ROLL / JOAN JETT & THE BALCKHEARTS

"I Love Rock 'n' Roll" escrita originalmente en 1975 por Alan Merrill y Jake Hooker para su banda llamada The Arrows. Pero la canción fue un éxito mundial gracias a la versión que lanzó la cantante estadounidense Joan Jett en 1982.

Tal como ya mencionabamos "I Love Rock 'n' Roll" fue originalmente grabada y lanzada por The Arrows en 1975, bajo el sello discográfico ROK Records, y fue producida por Mickie Most.
La canción no tuvo éxito en las listas, esto, producto de que no fue bien promocionada por la discográfica de la banda.

Pero en 1982 ,mientras miraba una actuación por televisión de Los Arrows, Joan Jett quedó a gusto con "I Love Rock & Roll" y decidió hacerle un cover.
La primera grabación que Jett realizó de este tema fue en 1979, con dos integrantes de los Sex Pistols: Steve Jones y Paul Cook. Dicha primera versión no fue un éxito. Pero en 1982, Jett re-grabó la canción, esta vez, con su banda The Blackhearts, fue entonces cuando la canción se transformó en nº 1 en el Billboard Hot 100 durante siete semanas, convirtiéndose en el más importante sencillo en la carrera de Jett. Este éxito hizo que el homólogo álbum I Love Rock & Roll de Jett se hiciera con el número 2 en los Estados Unidos.

Aparte para promocionar el single se hizo un video musical, en blanco y negro, que fue todo un éxito en el entonces joven canal MTV. En él, Jett y los Blackherts, se dirigen a un pequeño bar para realizar una interpretación de la canción y cantar el famoso coro.

En marzo de 2005, La Revista Q ubicó en la posición nº 85 a la versión de Jett en su lista de las 100 Pistas de Guitarra Más Exitosas.

Ademas, "I Love Rock 'n' Roll" está en la lista Top 100 Canciones del Siglo XX, de a cuerdo al The National Endowment for the Arts. La canción logró el puesto 484 en las 500 Canciones Más Exitosas de la revista Rolling Stone.

Bonus Track: La versión original de The Arrows:

Fuente: Wikipedia

DAY TRIPPER / THE BEATLES

"Day Tripper" es una canción de la banda británica The Beatles. Fue escrita por John Lennon y Paul McCartney quien se dió el lujo de crear el riff de guitarra que es uno de los más famosos en la historia del rock. Esta canción fue lanzada como single en 1965 mientras realizaban la grabación del disco Rubber Soul.

La historia cuenta que "Day Tripper" fue escrita por la necesidad de lanzar un sencillo para la navidad de 1965 (en aquel entonces todo lo que sacara The Beatles eran ganancias maximas para su sello).
Para su composición, Lennon se inspiró en la canción de Bobby Parker "Watch your step" y en el sencillo, pero efectivo riff de "Satisfaction" de los Rolling Stones. Ademas, la letra fue compuesta por John aunque Paul McCartney también aportó con algunos versos.

El como nació este tema se remonta a cuando John Lennon tuvo su primer "viaje" de LSD con George Harrison en los primeros meses de 1965. Debido a esto, la letra fue descrita como una referencia a los "hippies de fin de semana", que eran personas que se comportaban como hippies a tiempo parcial, y que se ponían sus camisa de flores de vez en cuando para escuchar rock ácido. Sin embargo parece que esta tesis se ajustaría mejor a 1966 y no a 1965, año de composición de la canción. La referencia a las drogas puede que tuviera que ver con la negativa de Sir Paul de tomar LSD.

"Day Tripper" fue grabada el 16 de octubre de 1965, tres días después de grabar la canción "Drive My Car".
Paul decía que durante esos días se grabaron las canciones más divertidas y llenas de bromas en las sesiones del Rubber Soul. La pegadiza línea de guitarra se ha transformado en todo un clásico. Entre los elementos característicos de la grabación se encuentra la batería de Ringo Starr en el canal izquierdo y la pandereta en el derecho, que proporcionan un ritmo adecuado al rock. Esto se suma al destacado trabajo de McCartney en el bajo (muy genial!) y el buen papel, tanto de Lennon como de Harrison, en las pegajosas guitarras.
La grabación demuestra las limitaciones de la grabación de cuatro pistas, sobre todo en grabaciones de 1 sólo día, y hay dos "pinchazos" claramente audibles. El primero se produce a 1:50 de la canción, y el segundo a 2:32. Las dos voces y la pandereta se cortan ligeramente, seguramente en un intento de liberar la pista para que otro instrumento u otra voz se grabaran, lo cual por lo escuchado no sucedió.

Day Tripper estaba diseñada para ser la canción de navidades del 65 hasta que apareció "We Can Work It Out" en escena. La discusión sobre cual canción debería ser el correspondiente a la navidad se resolvió mediante el lanzamiento del primer sencillo de doble cara A en la historia de los Beatles.

Que disfruten este temazo!!

Dato curioso: En 1998 los lectores de la revista Q votaron al disco Rubber Soul como el 40º mejor álbum de todos los tiempos; in 2003 la cadena de TV VH1 lo colocó en el número 6. La revista Rolling Stone lo situó en el número 5.


Fuente: Wikipedia

D'YER MAK'ER / LED ZEPPELIN

"D'yer Mak'er" es una canción de la banda inglesa Led Zeppelin, la cual forma parte de su álbum Houses of the Holy lanzado en 1973. La idea del titulo es que la gente pronuncie "jah-may-kah", con un acento británico que no marca la "erre".

Tal como puedes escuchar, esta canción imita el reggae y el famoso "dub", que emerge en Jamaica a principios de los 70's.
La canción nace de los ensayos en Stargroves en 1972 cuando el baterista John Bonham tocó un ritmo similar a un "doo wop" de los 50's, a lo que luego cambió a un tempo más lento, y de ahí es cuando surge la influencia del reggae.
Para ese sonido distintivo de la batería, se dice que fue logrado colocando tres micrófonos a una distancia considerable de la batería del gran Bonham.

Otro dato llamativo es que "D'yer Mak'er" es una de las pocas canciones de Los Zeppelin donde los 4 miembros de la banda comparten el derecho de autor. Ademas en el libro del álbum tambiénse suma a "Rosie and the Originals" en los créditos, debido a una referencia a la influencia doo wop que se evidencia en la construcción de la canción, y porque comparte progresiones de cuerdas con la canción "Angel Baby" de Rosie and the Originals.

Al principio la banda no tomaba muy en serio a esta canción y muchos críticos musicales se reservaron sus críticas mas ásperas para esta "rara" canción. Incluso el bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones, alguna vez expresó su disgusto por la canción tachandola solo como "relleno para el disco". De todas maneras, D'yer Mak'er se ganó el respeto de la crítica con el paso de los años, y se convirtió en una especie de clásico de la banda.
Hasta la salida del álbum, Robert Plant se inclinaba por lanzar el tema como un single en el Reino Unido pero su disquera ,Atlantic Records, fue más allá y distribuyó el single como un adelanto promocional a DJ's de las radios(los que ahora se convirtieron en valiosos objetos de colección). Al final, cuando se lanzó en los Estados Unidos, y alcanzó solo el lugar# 20 en Diciembre de 1973, se canceló su salida en el Reino Unido.

El 21 de Julio de 2005, Robert Plant habló de la canción en una entrevista con una radio en Estados Unidos. Durante dicha entrevista, habló sobre las diferentes interpretaciones y pronunciaciones del nombre de la canción. El título, que no aparece en la letra del tema, fue elegido porque refleja simplemente el estilo reggae de la canción. Plant dijo que le resultaba divertido cuando los fans americanos ignoraban completamente los apóstrofos y pronunciaban "Dire Maker" (algo así como "hacedor de calamidades" en español). La linea más repetida y más familiar de la canción es "oh(x6), you don't have to go...."

A pesar de ser una canción bastante popular entre sus fans, Led Zeppelin nunca la tocó en concierto debido a la dificultad que suponía adaptarse en directo al estilo del tema.

Que la disfruten!!!

Bonus Track: La versión de Sheryl Crow que hizo para el álbum tributo a Led Zeppelin, llamado Encomium en 1995.

THE MAGNIFICENT SEVEN / THE CLASH

"The Magnificent Seven" es una canción de la banda The Clash. Esta canción aparece en el disco Sandinista! y fue publicada en formato single en abril de 1981.

Esta canción fue grabada en abril de 1980. Cabe señalar que debido a la ausencia del bajista Paul Simonon por su carrera actoral, la banda grabó junto con Norman Watt-Roy en bajo. Watt-Roy era miembro de la banda Ian Dury & the Blockheads.

"The Magnificent Seven" fue probablemente la primera canción con estilo "rap" emitido por una banda de raza blanca. La creciente importancia de la escena hip-hop en Nueva York (bandas como Sugarhill Gang y Grandmaster Flash & The Furious Five), donde The Clash había tocado recientemente, fue el factor importante que inspiró al grupo inglés a experimentar con su diversidad musical en ese género.
Al igual que en el otro tema "estilo rap" del álbum, "Lightning Strikes (Not Once But Twice)", la banda grabó primero la sección instrumental y luego el vocalista Joe Strummer escribió la letra.

Ahora, sobre a letra de la canción podemos mencionar que aborda sobre la rutina de de la vida laboral y la insensatez de la sociedad de consumo las cuales son las críticas que enuncia Joe Strummer en la canción. Hacia el final, el tema sitúa a algunas figuras históricas como Marx, Engels, Martin Luther King, Māhatma Gandhi, Richard Nixon y Sócrates en la sociedad americana del momento. Una de las últimas frases enunciada en la canción, "vacuum cleaner sucks up budgie" (en español sería algo como: "la aspiradora chupa al periquito") fue, según Joe Strummer, un título del periódico News of the World que leyó mientras mezclaba el álbum y le llamó la atención de manera tal que lo agregó a último momento.

Según palabras de Joe Strummer el nacimiento de esta canción vino: "Cuando fuimos a los EE.UU., Mick Jones tropezó en una tienda de música en Brooklyn que tenía muchos discos de hip-hop, por ejemplo de Granmaster Flash and the Furious Five, The Sugar Hill Gang ... estos grupos fueron cambiando radicalmente la música y que cambió todo para nosotros... "

A pesar de que el tema no logró mayor éxito en las listas estadounidenses y británicas fue muy popular en la escena underground, como también lo fueron los remixes "The Magnificent Dance" y el no oficial "Dirty Harry" que ha sido lanzado en varios bootlegs posteriores del grupo y en el box set Clash on Broadway.

Para finalizar, como dato curioso diremos que Watt-Roy y el tecladista Mickey Gallagher, quienes eran compañeros en los Blockheads, reclamaron ser en parte responsables de la composición de esta canción pero eso no influyó en la banda ya que la acreditaron simplemente a los 4 integrantes de la banda.

Que la disfruten!!



Quieres tener el tema en tu PC para escucharlo?... aqui les dejamos este hit!

ROCK AND ROLL ALL NITE / KISS

"Rock and Roll All Nite" es una canción de la banda Kiss y es considerada una pieza clasica del rock clasico. La canción aparece en el disco Dressed to Kill publicado en 1975.

En su lanzamiento, el single de la canción alcanzó solo el puesto # 57 delBillboard singles chart. En octubre de 1975 se lanzó una versión en vivo que llegó al puesto # 12. Desde ahi que esta canción se ha convertido en un emblema de Kiss siendo una de las más identificables melodias de la banda que usaba mascaras llamativas.

"Rock and Roll All Nite" fue escrita por Paul Stanley y Gene Simmons mientras la banda se encontraba en Los Ángeles, como parte de su gira Hotter Than Hell. La gira duró poco tiempo (hasta febrero de 1975) debido a que el disco Hotter than Hell no tuvo los exitos esperado. Debido a esto, Neil Bogart que era dueño de Casablanca Records le ordenó a la banda que grabara un nuevo single pero que este sea un himno basado en el rock and roll... el resultado fue este temazo.

La canción fue inspirada por el temón de la banda Slade llamado Cum on Feel the Noize, la cual muchas veces es citada por la banda en las presentaciones en vivo.

Se cuenta que en la composición del tema, Stanley escribió el coro y Simmons escribió los versos basados en una antigua canción que habia escrito llamada "Drive Me Wild".
En la grabación de los coros participaron todos los "roadies" de la banda, los musicos de estudio y una que otra esposa d elos integrantes de la banda.

Rock and Roll All Nite tambien se convirtió en un himno ochentero pese a ser grabada una decada atras y en palabras de Gene Simmons, esta canción es el “el himno nacional del rock”.

Buenos amigos, no hay mas que explicar sobre esta canción festiva tocada por una banda clasica en el genero del rock and roll. “Quiero rock and roll toda la noche y fiesta todos los días”... ¿y quién no?.

Nos vemos...