HIT THE ROAD JACK / RAY CHARLES

"Hit the Road Jack" es una canción interpretada por el famoso cantante y pianista estadounidense Ray Charles, que fue lanzada como single en Septiembre del año 1961 y logró captar gran popularidad en su momento y que con el paso de las decadas fue considerada como una de las piezas mas famosas en la extensa carrera de este grandiosos artista ciego que hizo bailar a todo el mundo con sus energéticas canciones.

Aunque esta melodía esta fuertemente ligada a la voz de Charles, "Hit the Road Jack" pertenece al cantante y compositor Percy Mayfield, que tuvo un fugaz paso en la escena musical norteamericana pero su futuro se vió truncado luego de un accidente automovilistico que lo dejó con varias secuelas físicas. De ese entonces se dedicó a componer canciones para que sean interpretadas por otros artistas.
A principios de la decada de los 60's, el aclamado Ray Charles andaba en busca de alguna canción para grabar, y en eso se contactó con su viejo amigo Percy Mayfield que le cedió esta canción para que Charles la llevara a la historia.

La mágia musical de "Hit The Road Jack" está en la mezcla de diversos estilos musicales como la escencia del gospel, el lamento del blues, un toque de Jazz, la energía vocal del Soul y ese toque especial de Pop que la hizo muy popular en la sociedad estadounidense.
Pese a no ser una canción complicada ni tan rebuscada en sus acores, el resultado final es una pieza brillante y una joya que marcó la historia del Pop.

Ese juego de voces entre Ray Charles y su conjunto de coristas llamado The Realettes es bastante interesante y marca un nuevo estilo de interpretación para esos años donde todo estaba encasillado a un ídolo juvenil o a una balada megaultratriste.
La dirección musical y los arreglos de los coros fueron hechos por Margie Hendricks, que formaba parte de las Realettes y además era la pareja del pianista en ese entonces.
De ella nace toda la energía y la creativiad de que las mujeres se roben la pelicula dentro de la canción y Charles pase a ser un hombre juzgado que se siente confundido y en busca de alguna salida a sus problemas.

Fue tanta la popularidad de esta canción que lideró por dos semanas el Billboard Hot 100 y estuvo cinco semanas en el primer lugar del R&B Sides chart, lo cual dejó a Ray Charles como el artista mas famoso del año. Eso se vió reflejado cuando recibió un Grammy a la mejor interpretación vocal masculina.

E fín, estamos frente a una canción histórica, llena de mágia Pop y que en mas de alguna ocasión la hemos escuchado en los medios de comunicaciones o le hemos tarareado como "mono, mono, mono" y tantas cosas más...
Larga vida a Ray Charles, larga vida a la música de cálidad!!!
Que la disfruten!!

WIPE OUT / THE SURFARIS

"Wipe Out" es un famoso instrumental de la banda norteamericana The Surfaris que fue lanzada como single en el año 1962, obteniendo el grado de clásico del rock and roll por su impecbale interpretación y por ser número uno en los charts de Estados Unidos.
Esta canción hizo que la banda se hiciera famosa en todo el mundo, especialmente cuando se hace alguna referencia msuical por medio del Surf, un deporte entretenido y bastante popular en U.S.A.

Pero la historia de esta canción empieza a mediados del año 1962, cuando Bob Berryhill (guitarra), Pat Connolly (bajo), Jim Fuller (guitarra) yr Ron Wilson (batería) se presentaron en las oficinas de Pal Recording Studios en busca de una oportunidad para grabar un single o demostrarle todo su talento a los productores.
En ese moemento se encontraron con Dale Smallin, un manager que andaba en busca de nuevos talentos musicales para financiar y mandarlos al estrellato.
Curiosamente Smallin ya conocía a estos cuatro jóvenes, ebido a que en una ocasión escuchó sus ensayos en la histórica sala que le arrendaba a un grupo de Boys Scout de Glendora, California.
Antes de ese día la banda había tocado varias puertas e incluso cada uno de los integrantes donó sus ahorros con el fin de conseguir el arriendo de un estudio, pero la cosa no estaba tan fácil, hasta ese mítico día...

Luego de que los empresarios de la discográfica le dieran el "sí" y que Smallin se uniera a su proyecto como el manager, la banda se dedicó a depurar sus composiciones para gabar un single.
L a canción que seleccionaron para el single era una entretenida y cálida canción llamada "Surfer Joe". Mientras la banda celebraba la grabación de su nueva canción, los productores de aquella sesión les sugerian grabar otra canción, ya que necesitaban un Lado B, que acompañara a esta pieza.
Bajo esa situación la banda intentó grabar algun cover, pero no quedaban del todo interesados en su sonido a si que decidieron probar con una canción que usaban para precalentar en los ensayos. Esta piea musical llevaba por nombre "Wipe Out" y era un fantástico instrumental con energía pura del surf.

Esta melodía fue escrita por los cuatro muchachos y tuvo su inspiración en "Bongo Rock" del famoso percusionista Preston Epps.
Se dice que el baterista Ron Wilson se le ocurrió la idea de hacer un instrumental donde la batería tomara un rol protagónico con unos notables solos luego de presenciar un recital de Epps.
El guitarista y saxofonista Jim Pash, que no participó en la sesión de grabación del tema por causas desconocidas, mencionó en una reciente entrevista que el "solo" de batería de "Wipe Out" "fue inventado para que los integrantes de la banda entraran a los ensayos al estilo de los jugadores de Football Americano cuando ingresaban al campo de juego". Además, agrega que"en algunas ocasiones Wilson tocaba dicho solo por mas de media hora".

Luego de enseñarle la canción a los productores, estos quedaron maravillados con el sonido. Para ello decidieron grabar una nueva toma y la titularon "Stilletto", pero luego de una discusión pasó a llamarse "Switchblade" .
Para la nueva versión, Fuller decidió colocar un calcetin sobre el microfono para crear un sonido distinto. Además, la banda decidió que su manager participara en la grabación dando el intro con su tétrico "ha ha ha ha ha wipe out".
Todo era diersión en esa grabación, total era un simple lado B que quizás nadie iba a escuchar... Finalmente, decidiern bautizar al instrumental simplemente como "Wipe Out", que en español quiere decir: "Borralo". Ese era el mensaje al oyente...

Pero todo fue distinto, luego de lanzar la canción como single, la gente se dió cuenta que había nacido un nuevo estilo de hacer rock y la sprimeras cien copias que lanzaron desde la discográfica se vendieron en una semana. Es que "Wipe Out" era algo entretenido, fácil de memorizar, acompañaba el ritmo de los surfistas y traía un nuevo estilo de baile. La radios no paraban de meterla en sus programaciones, la gente compraba el single como pan caliente y todos quedaron impresionados con The Surfaris, que son mas conocidos por un instrumental que por una canción pop con vocalista incluído.
Días despues lanzaron la canción como lado A del single y la fama se fue a las nubes y los charts se rendían a los pies de los músicos.

La canción llegó al segundo puesto del Billboard, y estuvo 4 meses dentro del Top Ten de dicho ranking y la banda recorría los medios de comunicación tocando su pieza tan mal tratada en la grabación.
En el Reino Unido llegaba al quinto puesto de los charts y tenía todas las postas de baile gastadas de tanto meneo y zapateo ocasionado por su mágica melodía.

Es hora de menear las caderas y tirar la melenas al suelo con esta clásica melodía sesentera...
Que la disfruten!!!

THE REFLEX / DURAN DURAN

"The Reflex" es una canción de la banda New Wave británica Duran Duran que fue lanzada como single el 16 de Abril del año 1984 para promocionar su exitoso LP Seven and the Ragged Tiger.

Esta canción dejó a los Duran Duran como el fenómeno Pop de mitad de los 80's gracias a sus inolvidables y pegajosas melodías que se peleaban los primeros lugares de los charts en toda Europa y Estados Unidos.

Luego del enorme éxito que logró su segundo disco titulado "Rio" y los respectivos singles ("My Own Way", "Hungry Like the Wolf", "Save A Prayer" y la canción que le dá el nombre al disco), que logró premios en el Reino Unido, Australia y fue disco de Oro en Estados Unidos, la banda se dispuso a grabar un nuevo LP, el cual tenía como misión llevarlos a la gloria musical en todo el mundo y sobrepasar las metas que logró su placa antecesora.

Para eso en Mayo de 1983, la banda se dirigió en busca de inspiración, y con la idea de evadir impuestos, a una pequeña finca al sur de Francia. En ese lugar establecieron su base donde escribirían y arreglarian sus nuevas composiciones, ya que su casa disquera le había metido mucha presión con el fín de que los muchachos lograran sobrepasar todas las metas comerciales con su nueva placa.
Luego de eso se embarcaron rumbo a la Isla de Montserrat, donde los problemas con las sustancias prohibidas y el abuso del alcohol casi les pasa la cuenta, tienendo mas de alguna pelea en el interior de la agrupación.
En su estadía en tierras francesas y en la faosa isla, los integrantes de la banda pasaron momentos muy duros, ya que la lejanía de sus hogares y sus novias los había dejado algo nerviosos e impacientes y a eso hay que sumarle las noches eternas bajo el efecto de drogas, pastillas para no dormir y bastante vino con sus respectivas resacas.
Fueron seis meses en donde la banda trabajó duro y se preocuparon de más mínimo detalle de cada pista. Un buen ejemplo sobre el trabajo detallista de Duran Duran en esas sesiones de grabación, lo dió el bajista John Taylor en una entrevista radial, donde menciona: "Ninguno de nosotros quería la postergación del disco. Asi que tomamos las sesiones de grabación como las viejas escuelas de arte. Se dedicaron horas y horas solo para perfeccionar el sonido de un mísero platillo. Y mientras trabajabas tenías a un montón de gente observando o trabajando en otras canciones". Además, el dueño de las cuatro cuerdas agrega que " en esos momentos nos sentiamos en una jaula. Por eso yo pasaba bebiendo mientras buscaba una salida a este problema".
Sobre su estadía en tierras lejanas y el cómo influyó eso en el sonido de las canciones del disco, el tecladista Nick Rhodes señaló al documental Extraordinary World:" es como una histeria levemente controlada, que araña por debajo de la superficie".

Fue en esas "cansadoras"(?) sesiones de grabación cuando el vocalista Simon Le Bon junto a Rhodes escribieron la música y la letra de una extraña melodía llamada "The Reflex", que salió luego de experimentar varios sonidos de percusión con un teclado y un sintetizador. En esos momentos, Le Bon le había señalado a sus compañeros que la canción iba a ser una especia de obra conceptual, donde la banda iba a mostrar que no solo dependían del Pop simplón.
Pero su idea se fue "a las pailas", ya que debido al abuso con el alcohol la banda pescó la canción y la grabó tal cual como la demás que componían el resto del disco.
Sobre la temática de la letra, el vocalista solo atinó a decir en una entrevista que no tiene idea de que trata, ya que estaba tan borracho que escribió lo primero que se le vino a la mente. "Aún me da verguenza esa letra, no sé como pudo ser numero uno en las listas" mencionó Simon años después.

Muhos críticos y estudiosos sobre la vida y obra de Duran Duran, señalan que la banda, en el momento que grabó esta canción, pasaba por un "viaje" causado por efecto de drogas, ya que la tesis planteada por Simon Le Bon es bastante debil ya que una borrachera no produce una ceguera mental que haga olvidar algunas acciones.
De ahí en adelante, muchos fanáticos se dieron el tiempo de buscar el significado de la canción. Algunos dicen que es sobre las drogas y el efecto que estas tienen en el ser humano, otros dicen que es una canción que esconde un mensaje sobre el sexo oral y otros tantos andan buscando un significado apocalípitico. Pero lo cierto es que hasta ahora ningun integrante de la banda se ha mencionado con respecto a este tema y quizás se lo lleven a la tumba...

Mas allá de todas esas polémicas y la vida privada de la banda, "The Reflex" fue todo un éxito en las listas y se convirtió en uno de sus singles más populares.
Llegó a la cima del UK singles chart y se convirtió en hit que hizo bailar a toda Europa. Además fue el primer single de la banda en llegar al primer lugar del Billboard Hot 100 (donde estuvo dos semanas) un 23 de Junio de 1984.

Esta es parte de la historia de un hit ochentero perteneciente a una de las bandas mas importantes del Pop británico que hizo bailar, pese a contener una letra muy ciriticada, a toda esa generación que vivió la edad del plástico.
Que la disfruuuuuuten!!

TAKE IT EASY / EAGLES

"Take It Easy" es una canción de la banda estadounidense Eagles, que además fue su primer single, que fue lanzado un 1 de Mayo de 1971 para promocionar su aclamado disco debut de titulo homónimo.
Dicho disco marcó el debit en las pistas musicales para una de las bandas mas exitosas en la historia del buen rock y que en su primer LP se dedicaron a rescatar, con gran aceptación del público, el sonido del sur de Estados Unidos mezclado con sonidos y experimentaciones musicales de la época.

El origen de esta canción se remonta a inicios del año 1971, cuando el famoso cantante y compositor Jackson Browne le presentó a su amigo Glenn Frey una canción que llevaba el titulo "Take it Easy" y que supuestamente iba a incluír en su disco debut como solista. Luego de escuchar la canción, Frey quedó muy a gusto ya que era una canción de gran melodía y sonaba bastante "pegajosa" para el oyente.
Pero no todo andaba bien, puesto que Browne se quejó delante de Frey, de haber perdido la paciencia con la canción ya que no encontraba mas ieas para otras estrofas y el coro no le agradaba mucho. Ese problema de Browne sería la solución de los nacientes Eagles...
Glenn Frey le mencionó a Browne que estaba formando una nueva banda, cuyo nombre era Eagles y que andaba en busca de una buena canción para lanzarla como single. Ahí fue donde el compositor le cedió "Take It Easy", eso sí con una misión. Que Glenn terminara de componer la canción y esa tarea al parecer no era fácil...

Luego de noches enteras pensado qué escribir, Frey llego a escribir n su totalidad la segunda estrofa de la canción (esa que empieza con: "It's a girl, my Lord, in a flatbed Ford ...") y luego de eso reclutó a sus compañeros de banda para empezar la grabación, del que sería su primer gran éxito en las listas.
Frey se ocupó de la voz principal y la guitarra acústica, su voz fue acompañada por el bajista Randy Meisner y el baterista Don Henley mientras Bernie Leadon tocaba las guitarras electricas y le incluyó una llamativa parte de banjo.
Asi fue como una canción que iba ser parte del debut de Jackson Browne pasó a ser la canción mas famosa de la los Eagles...
Recien en 1973, Jackson Browne se decidió a grabar esta canción para promocionar su segundo disco For Everyman (1973) pero jamás la canción dejó de ser propiedad privada de los Eagles..

"Take It Easy" le dejó grandes ganancias a la banda y a eso hay que sumarle la gran popularidad que lograron en su primer LP.
Tras quedar en el puesto #12 del Billboard Hot 100, la banda capturó gran simpatía entre el público y empezó a llenar estadios, a aparecer en las portadas de las revistas y a ser tocados en las radios. O sea el camino a la fama ya estaba pavimentado... El resto es historia.

Que la disfruten!!

WATED TIME / SKID ROW

"Wasted Time" es una canción de la banda de heavy Metal estadounidense Skid Row, que fue lanzada como single en el año 1991 y su misión fue promocionar el famoso disco Slave to the Grind, que es considerado una de las placas musicales históricas para el Heavy Metal.
Esta canción fue el premio al esfuerzo para una de las pocas bandas de rock que pudo sobrevivir ante el auge del grunge, que fue el soundtrack de principio de los 90's.

Esta canción fue escrita por el vocalista Sebastian Bach, el bajista Rachel Bolan y el guitarrista Dave "the Snake" Sabo y contó con con el trabajo de producción en manos del alemán Michael Wagener, experto en trabajar con discos de bandas metaleras como Dokken, Metallica, Ozzy Osbourne y White Lion, entre otros.

Según Sebastian Bach ( que no tiene nada que ver con el genio Johann Sebastian Bach, ya que su verdadero apellido es Bierk), la canción estaba dedicada a su amigo de infancia, el baterista de la banda Guns N' Roses, Steven "Popcorn" Adler, que por esos años pasaba por malos momentos debido a su fuerte adicción a las drogas.
La letra de la canción lo dice todo, ya que habla de un individuo que promete a sus amigos y failiares que dejaría de consumir drogas pero jamás puede salir y eso lo llevaba a constantes recaídas.
La canción empieza con ciertas frases que hablan sobre el consumo de marihuana pero luego de mueve hacia drogas mas potentes como el éxtasis, la cocaína y finalmente con la heroína, que era el principal problema de Adler y que fue la excusa perfecta para que Axl Roses decidiera despedirlo de la banda con la cual grabó el historico Appetite for Destruction.

Estamos frente a una canción excepcional en cuanto a instrumentación como al contexto de la letra y que quedó como uno de los himnos del rock de los 90's y como una pieza clave para todos esos periodistas que pensaban que el Heavy metal había muerto a causa de los nuevos experimentos musicales.

"Wasted Time" llegó al casillero #88 del Billboard Hot 100 y al puesto #30 en el Mainstream Rock Tracks. En el Reino Unido esta canción llegó al puesto #20.

Que la disfruten!!!

LIVIN' THING / ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA

"Livin 'Thing" es una canción de la banda inglesa Electric Light Orchestra que fue lanzada como single en dos opotunidades: en Octubre de 1976 (edición sólo para Estados Unidos) y en Noviembre de ese mismo año, sólo para ser promocionada en Europa.

Con esta canción, la banda liderada por Jeff Lynne lograba su cuarto single consecutivo en entrar al Top 20 de las listas británicas, dejándolos como verdaderas estrellas del pop setentero, con un material compuesto de extraordinarias canciones.

Esta canción, escrita por Lynne, comienza con un magistral broche de oro típico de una orquesta de camara, para luego dar paso a ese sonido tan caracteristico de la banda donde el Pop se mimetiza perfectamente con los toques clásicos de violines y cellos.
Con una interesante parte de guitarra acustica que va acompañada de una baterpia muy marca, hacen el encaje perfecto para que el timbre vocal de Lynne salga a la perfección y no sobre ni falte dentro de la melodía, llegando al punto medio de la calidad.
En los coros, la banda contó con el apoyo de Patti Quatro (hermana de la famosa cantante y actriz Suzi Quatro). Fue ella quien ayudó a Lynne en la interpretación vocal de los coros, llegando a las partes mas altas y dando uno que otro efecto de sonido.

Con respecto a la letra de la canción, cabe señalar que estuvo durante muchos años sumida en una polémica, debido a que ciertas personas interpretaron que "Livin' Thing" era una canción en contra del aborto (!!!!). Si, tal como lees, algunos fans de la banda se dieron el lujo de decir que esta canción era anti-aborto y fundamentaban su tesis en las metaforas del coro: "it's a livin' thing/it's a terrible thing to lose/it's a given thing/what a terrible thing to lose".
Debido a que ese tema es bastante delicado en algunas naciones, Jeff Lynne tuvo que salir al ruedo para defender a su canción y decir que simplemente es una canción de desamor, o sea de la pena de haber perdido una relación amorosa. Pero los mal pensados siguieron echándole mas leña al fuego...

Mas allá de todas esas falsas polémicas, hay que mencionar que "Livin' Thing" es una de las piezas musicales mas interesantes de la ELO y es considerada la obra cumbre de la banda en uno de sus periodos musicales mas productivos y con mayor éxito en ventas.

"Livin' Thing" llegó al cuerto puesto del UK Singles Chart a finales de 1976 y al puesto #13 del Billboard Hot 100. En el resto de Europa tambien fue un éxito rotundo para la banda, ya que alcanzó los primeros puestos en Alemania, Suiza, Suecia, Holanda, Francia, Austria y Dinamarca.

Les dejamos este temazo... Que la disfruten!!!

SWEET HITCH-HIKER / CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

"Sweet Hitch-Hiker" es una canción de la banda noreamericana Creedence Clearwater Revival que fue lanzada como single en Julio de 1971 y posteriormente colocada en el repertorio del criticado disco Mardi Grass, que a la postres fue el último que editó esta exitosa banda que inmortalizó el "Rock de Pantano".

Luego de lanzar al mercado el aclamado disco "Pendulum", la banda no la pasaba tan bien contradiciendo su éxito en los charts. Los hermanos Fogerty literalmente no se podían ni ver, y eso llevó a que Tom Fogerty se fuera de la banda en mas de una ocasión, generando un desgaste dentro del conjunto. La razón principal que tenía Tom, era que su hermano John se llevaba todas las ganancias y quería tener todo bajo su control y trataba a los demás integrantes de la banda como si fueran simplemente sus músicos de acompañamiento.
Pero luego de las giras, todo llegó a su fin y la rebeldía de Tom lo llevó a tomar la cruel desición de abandonar definitivamente su participación en el "supuesto" cuarteto... Esa herida caló hondo en el interior de los Creedence.

A partir de eso, la prensa empezó a meter sus garras y a tomar cada declaración de Tom Fogerty contra el orden dictatorial de su hermano como un titular apto para sus diarios. Bajo esas circuntancias, John Fogerty decidió limpiar su imagen y en una rueda de prensa mencionó que la banda continuaría su carrera, pero esta vez como trío y para que no hablen mas de su mala actitud, mencionó que en el próximo disco escucharian mas canciones de Stu Cook y Doug Clifford y que estos dos contarían con todo su apoyo en la producción e interpretación.

Ese disco llevaría como nombre "Mardi Grass" y pese a que contó con mas participación del bajista y el baterista, fue un rotundo fracaso comercial ya que el nuevo sonido experimentado por la banda no pegaba en las radios y las presentaciones en vivo se tornaron caóticas y con escaso publico en las galerías. Despues de eso, John Fogerty decidió terminar con la banda y autoexiliarse de sus canciones que le dieron tanta fama en tan solo 4 años de actividad musical...

Pero un año antes de lanzar dicho disco, mientras el trío componía nuevas canciones, salió al mercado "Sweet Hitch-Hiker", que tenía como gancho comercial la respuesta ante tanta curiosidad por los medios para escuchar el nuevo sonido de los Creedence en formato trío.
"Sweet Hitch-Hiker" pertenecía a John Fogerty. Una canción llena de buenos riffs de guitarra, una envolvente armonía especial para escuchar en la carretera o imaginar que andamos a toda velocidad en una moto. Con la típica voz nasal y furiosa de John que la dejaba como una pieza interesante, bien estructurada y de las pocas que se "salvan" del tormentoso momentos de la banda y la pobreza musical del disco.

En la letra de la canción, John dejó un pequeño guiño a la nostalgia de esos buenos momentos de la banda. Nos referimos a la frase: "We could make music at the Greasy King" que hace mención a un local de hambuerguesas, ubicado en Berkeley, donde los cuatro acudían a comer mientras grababan el Cosmo's Factory.

A pesar de todo el contexto que vivía la banda en esos momentos, esta canción llegó al sexto puesto del Billboard Hot 100. Mientras que en el Reino Unido, este single llegó al puesto #36, siendo el último éxito que tuvo la banda en su historia músical.
Que la disfruten!!!!

I CALL YOUR NAME / THE BEATLES

"I Call Your Name" es una canción de la famosa banda británica The Beatles, que fue lanzada como single el 16 de Junio del año 1964.

Además, esta canción fue incluída dentro del EP Long Tall Sally, que fue uno de los pilares fundamentales para el surgimiento de la Beatlemanía, que sería una buena dosis de Rock, histeria y un cambio en la historia musical.

Esta canción fue escrita en su totalidad por John Lennon, pero por tratos comerciales se le atribuye la autoría junto a Paul McCartney.
La historia cuenta que Lennon ya tenía escrita parte de la canción en 1957 y la había dejado tirada por ahí, ya que la encontraba bastante fuera del estilo musical que practcaba la banda en ese entonces.
Pero fue en la primavera de 1964, cuando Lennon se acordó de "I Call Your name" y se dispuso a terminar la composición de la música.
Con uamelodía simple y bastante limitada, Lennon hizo gracia de todo su talento como compositor y logró crear una canción bastante comercial, que aparentemente calzaba con el perfil de los hits de la banda. Finalmente eso no ocurrió, debido a que las demas canciones que tenían en carpeta para With The Beatles eran bastante mejores, según la opinión de su autor.

Eso hizo que en 1963, Lennon tomara la decisión de cedersela al cantante Billy J. Kramer, que junto a su banda The Dakotas eran oriundos de Liverpool y habían sido aceptado por la Parlophone para trabajar junto a George Martin.
William Howard Ashton, que por consejos de Lennon decidió lanzar su carrera artistica como Billy J. Kramer (la "J" era en honor Julia, la madre de John Lennon), recibió en mas de una ocasión una ayuda musical por parte de los Beatles.
El 26 de Julio de 1963, salía a la venta el single de Kramer y Los Dakotas, que incluía en el lado A una canción llamada "Bad to Me" (otro regalo de Paul y John) y en el lado B, la señalada "I Call Your Name".

A pesar de que la canción fue todo un éxito y el single estuvo tres semanas liderando el UK Singles charts, Lennon se manifestó muy disgustado al enterarse que su canción iba en el lado B de dicho single. Además de eso, otro detalle que no le agradó al Beatle fueron los arreglos musicales que The Dakotas le hicieron a la canción.
Eso motivó a Lennon a pedirle a sus demas compañeros que grabaran una versión de "I Call Your name"
Asi fue como el 1 de Mayo de 1964, en los estudio Abbey Road, John Lennon en voz y guitarra, Paul McCartney en bajo, George Harrison en guitarra y Ringo Starr en percusiones varias, empezaron a depurar, arreglar y finalmente grabar la versión de esta canción.

Musicalmente la canción contiene una parte intermedia con cierto sabor a Ska que la hace parecer como una melodía desesperada y bastante interesante para la cultura Pop de los 60's.
En ciertos pasajes, la parte de guitarra tiene cierta similitud con "And Your Bird Can Sing", canción que Paul y John grabaron en 1966 para el disco Revolver.

The Beatles incluyeron esta canción en el The Beatles' Second Album, que era un compilatorio de canciones hechas entre 1962 y 1964 que solo se vendió en Estados Unidos bajo el sello Capitol Record. Este disco logró llegar al número uno del Billboard y marcó el primer paso para la British Invasion....

Pero las nuevas versiones de esta canción de Lennon no pararon allí. Porque en 1966, la agrupación The Mamas & the Papas lanzaron al mercado una nueva re-versión (de gran calidad) de "I Call Your Name", la cual fue incluída en su disco debut If You Can Believe Your Eyes and Ears.

Les dejamos este hit dedicado a todos los Beatlemaniaticos que andan por ahí en la red...
Que la disfruten!!!

DON'T FORGET ME (WHEN I'M GONE) / GLASS TIGER

"Don't Forget Me (When I'm Gone)" es una canción dela banda de Pop-Rock canadiense Glass Tiger, que fue lanzada como single el año 1986 siendo el primer track promocional para su aclamado disco debut The Thin Red Line.

Esta canción fue el primer gran paso de la banda en los charts, ya que con el paos de los años, esto chicos de Canadá se volvieron muy populares y con parte de la historia musical occhentera.

Todo comenzó a mediados del año 1985, cuando los miembros de Glass Tiger decidieron contactar a Jim Vallance para que fuera el encargado de la producción de su primer album. Esta sería la primera incursión de Vallance como productor de un disco, ya que antes de ser llamado por la banda se dedicaba simplementea co-escribir canciones con su socio y amigo Bryan Adams.
Luego de firmar el contrato, la banda y su productor se dirigieron a los estudios de Phase One Studios, ubicados en Vancouver para comenzar a grabar las canciones que ya tenían hechas para su disco debut.
El vocalista Alan Frew, mencionó en una entrevista con la revista Billboard,"que las sesiones de grabación fueron bastante especiales, ya que todos estaban en la misma fase de su desarrollo laboral".
En dicha entrevista, Frew tambien señala que Vallance "no cambió el sonido de la banda. Ya que no experimentamos en nada" y finaliza, destacando que el productor "jamás tuvo mano dura con nosotros, pero si tenía que decirnos algo, nos llamaba."

Fue en esas sesiones de grabación donde Vallance, dueño de una creatividad incomparable, compuso la melodía llamada "Don't Forget Me (When I'm Gone)". La banda quedó muy a gusto con esta canción, y decidió arreglarla y hacer una letra interesante para que sea su primer single.
Así fue como Frew y el tecladista Sam Reid, se sentaron en una mesa y epezaron a escribir la letra de la canción... El single ya estaba hecho.
El ultimo detalle ideado por Vallance era invitar a su amigo Bryan Adamas para que participara en los coros y cantara algunas estrofas dentro de la pista. Ese detalle tenía una sorpresa debajo de la manga del productor, ya que incluír a Adams en la canción era un buen gancho para que sus fans decidieran escuchar la canción. En esos días Adams pasaba por una amplia popularidad en Canadá, donde hoy es considerado un héroe nacional (?).

Dotada de una melodía sólida, con bastante uso de sintetizadores y con arreglos muy bien cuidados, hiceiron de esta canción un himno Pop, y de pasó llevo a Glass Tiger a la tan ansiada fama mundial.
"Don't Forget Me (When I'm Gone)" fue el hit del año 1986 en Canadá, donde estuvo dos semanas liderando el Canadian Singles Chart. En Julio de ese mismo año, la banda recibía un disco de Platino por parte de la Canadian Recording Industry Association. En ese mes, la canción entraba al Top Ten del Billboard Hot 100, donde estuvo cerca de 24 semanas rondando en diversos puestos.
Pero eso no era todo para la banda porque esta canción tambien llegaba al primer lugar del Singles Sales chart y al sexto lugar del Hot 100 Airplay chart.
Luego de pasearse por Norteamerica, la canción tomó rumbo a Europa donde Inglaterra, Holanda, Italia, Alemania, Suiza, Suecia, Noruega y otras naciones se rindieron a los pies de esta increíble pieza musical.

Les dejamos este clasicón de los 80's para que balen, disfruten, salten, rian, recuerden etc...
Que la disfruten!!!

BABY COME BACK / PLAYER

"Baby Come Back" es una canción de la banda norteamericana Player, que fue lanzada como single en el año 1977 para promocionar su disco debut homónimo, que fue toda una sorpresa en las radios y los charts.

Con esta canción, la banda alcanzó su "peak" en cuanto a popularidad, ya que pasó a liderar varios rankings alrededor del mundo y quedaron para siempre en la memoria musical de los aclamados años 70's.

Esta canción fue escrita por Peter Beckett (voz y guitarra) y Crowley JC (voz, teclados y guitarra), ambos miembros fundadores de Player y dueños de las canciones de la banda.
La historia cuenta, que la inspiración para componer esta canción vino luego de la ruptura amorosa de Beckett con su novia. Luego de 5 años de relación, el término de su relación dejó bastante deprimido al músico, que se dió la tarea de dejar plasmada toda su tristeza en las estrofas de "Baby Come Back".
Beckett, que tambien escribió "Twist of Fate" para Olivia Newton-John y "After All This Time" para Kenny Rogers, decidió incluir esta canción dentro del primer disco de su banda, aunque no confiaba mucho en esta balada, el tiempo le daría una sorpresa tan grande como el Titanic.

Si analizamos la parte musical de este superhit, nos podremos dar cuenta que contiene un ritmo muy similar a la canción "She's Gone" del famoso dúo Hall & Oates.
Con unos fantásticos riffs de guitarra y un llamativo juego de voces, "Baby Come Back" logra en el oyente una sensación de suavidad, de erotismo limitado por el bombo de la bateria que simula un latido de corazón marchante y partido por la soledad.

Tal como habiamos mencionado al comienzo de este post, "Baby Come Back" dejó a la banda en la cima de la fama, ya que logró llegar al primer lugar del Billboard en 1978. Eso si, hay que señalar que fue el único "number one" de la banda, ya que de ahí en adelante la fama se fue diluyendo con el paso de los años.
Que la disfruten!!!

1977 / THE CLASH

"1977" es una canción de la banda británica The Clash. Esta canción fue incluída como lado B del historico single debut de la banda, que fue lanzado al público el 18 de Marzo de 1977 que incluía a la potente y furiosa "White Riot" en la cara principal del disco.

Esta canción fue escrita por la famosa dupla Jones-Strummer con el fin de marcar la cancha con el resto de las bandas de rock, con un mensaje apocalípitico y una furia en su cantar y en las gutarras que dejaban en claro que este nuevo sonido llamado Punk no era apto para los amantes de la rutina de la vida.
Tal como ocurrió con varias canciones de la banda, muchos periodistas y fans malinterpretaron la letra de esta canción y le dieron el cartel de que la banda atacaba a las viejas estrellas sagradas del rock, para que bajen de su burbuja y escuchen este nuevo sonido. Esta confusión surge del enigmático verso: "No Elvis, Beatles, or The Rolling Stones in 1977"...
Lo cierto, es que la canción tiene un sentido casi apocalíptico, marcado por los sucesos políticos y sociales que en esa época eran pan de cada día en tierras británicas. Además, fue en 1977, el año donde el Punk se hizo popular y salió de los bares underground para vender discos en las tiendas y hacer mas masiva la moda en todo el mundo. 1977 fue el año donde la clase obrera de Inglaterra sudó la gota gorda, el desempleo iba en aumento y la economía del pais pasaba por un periodo de recesión. Fue en ese año, tambien, donde las tensiones raciales provocaban violentas protestas, mientras la familia Real tomaba té y se divertían en banquetes llenos de lujo y buen vestir con el fin de conmemorar los 25 años en que la Reina Isabel II pasaba viviendo fantasías en el trono. Parecía un chiste del peor payaso del mundo, pero mientras la gente de "sangre azul" reía y bailaba con sus joyas, el pueblo vivía en la miseria y la crísis económica tenía varias ollas vacias en la casa de los obreros. Gran Bretaña parecía cerca del caos, vivía momentos tensos, de ese contexto Strummer y Jones escribieron un himno existencial de tansolo dos minutos. Con furia, con energía y con toda ironía necesaria para protestar contra la injusticia, esta canción marcó a muchas personas,que vieron en el Punk una nueva forma de expresar sus ideas y romper las cadenas del sistema.

La guitarras de Mick y Joe acompañan de manera especial la temática de la canción, con una distorsión sucia, sin tantos efectos de estudios, mas bien con el sonido natural que emerge de los sectores urbanos.
En la parte final, la canción toma un sabor "Orwelliano" ya que luego de contar todas las injusticias ocurridas en 1977, pasa a nosmrar el año 1984 para referise a un futuro distópico.
"1977" fue el primer grito de Los Clash fue su primera bomba Punk que explotaba en el relato de la injusticia social, la defensa del obrero y la guitarras marchantes...
Que la disfruten!!

CHAIN OF FOOLS / ARETHA FRANKLIN

"Chain of Fools" es una canción de la cantante estadounidense Aretha Franklin que fue lanzada como single en 1967.
Con esta canción la fama de esta cantante, apodada "Lady Soul", subió hasta las nubes y fue uno de los pilares fundamentales para que fuera conocida en todo el mundo gracias su gran talento vocal que estaba muy marcada por su energía y su destreza en las notas altas.

Esta canción fue escrita en 1953 por el famoso compositor norteamericano Don Convay que, segun señalan diversos investigadores musicales, grabó un single con esta canción que hoy es un objeto de colección, ya que nadie sabe donde está el paradero de esa versión.
Convay, con el paso de los años, se convirtió en uno de los compositores de renombre en la historia del Pop y del Soul, ya que le compuso canciones a artistas de la talla de The Rolling Stones ("Mercy Mercy), Wilson Pickett ("I'm Gonna Cry") y el legendario Otis Redding ("Think About It").

A mediados de 1967, Convey no la pasaba muy bien. Muchos artistas habían cambiado su estilo musical, asi que ya no estab interesados en contratar a un compositor cuyo éxito solo tuvo su primavera antes que entrara la psicodelía en el rock y el Pop se fuera al lado de los primeros Hippies.
Una de esas tardes, Convey fue contactado por Jerry Wexler, quien era el productor de la cantante de moda en esos años, la famosa Aretha Franklin, con la cual habia logrado colocar tres número uno al hilo en los charts norteamericanos.
En ese contacto de trabajo, Wexler le pidió a Convey que le llevara urgente al estudio de Atlantic Record todo el catalogo musical de Otis Redding. El compositor no lo pensó dos veces y agarró todas las canciones que le había vendido al apodado "Rey del Soul" y de paso pescó su guitarra por si tenía que enseñarselas a Aretha.

Esa tarde Convey le cantó todas las canciones que tenía el catalogo de Redding en formato acústico y ante la atenta mirada de Wexler, quien iba eliminado aquellas canciones que no lo parecían un futuro hit para su aclamada artista.
Finalmente el productor se decidió por una canción llamada "Chain Of Fools", cuya letra trataba sobre una mujer que se daba cuenta que su novio era un "Don Juan", ya que tenía filas y filas de pretendientes tras sus espaldas. A pesar de que ella sabe que su relación no tiene mucho futuro, no tiene problemas en seguir al lado de ese tan cotizado hombre ya que quizás puede ser el amor de su vida (?).

El 23 de junio de 1967, en los estudios de Atlantic Record ubicados en la luminosa ciudad de Nueva York, Aretha Franklin grabó su versión de "Chain Of Love" acompañada por los acordes de la Muscle Shoals (mítica banda que trabajó por muchos años junto a la cantante) y una sección de vientos donde participaron King Curtis y la hermanas Carolyn y Erma Franklin.
Cabe señalar que el mítico intro de guitarra electrica fue interpretado por Joe South, que pasaría al salón de la fama del rock por escribir la canción "Hush", que popularizara en 1968 la prestigiosa banda Deep Purple.
"Chain Of Fools" llegó a ser número uno del U.S. R&B chart, y se mantuvo en esa posición por cuatro semanas hasta caer en la segunda casilla en Enero de 1968.
Aretha, gracias a esta magistral interpretación, ganó un Grammy a la mejor interpretación femenida de R&B en 1969. Además recibió un disco de oro por las ventas del single.
Con todos estos premios, la cantante le marcaba la cancha a todos los criticos que alguna vez, en sus sucios periodicos faranduleros, le dijeron al publico que ella fracasaría como cantante...

Les dejamos este "tremendo hit" sesentero que ya está dentro del soundtrack de muchas vidas...
Que la disfruten!!

GOING UNDEGROUND / THE JAM

"Going Underground" es una canción de la banda británica The Jam que fue lanzada como single el 10 de Marzo de 1980.

Esta canción marcó una nueva etapa musical para la banda, donde empezaron a experimentar sus sonidos Punk con algo de la cultura New Wave, lo cual dió una gran sorpresa a esta agrupación oriunda de la localidad de Woking, ya que la canción llegó al primer lugar de los charts británicos, puesto que nunca habían ocupado con sus anteriores singles.
"Goung Underground" fue un alegato musical escrito por el guitarrista y vocalista Paul Weller en contra del gobierno británico, que estaba en manos del Partido Conservador.
En la canción, Weller grita con mucha rabia frases en contra de los politicos que le "lavaban los pies" a Margaret Thatcher y la manipulación comunicacional que hacían los medios para ocultar todo lo oscuro del abuso de poder.
En particular, la lírica de esta canción va con todo contra el gobierno bajo la idea de que gastan mas tiempo y dinero en comprar armas nucleares ante una futura guerra que en fomentar programas gubernamentales beneficiosos para la clase media y obrera.

Con el lanzaiento de esta polémica y valiente canción en 1980, la banda se puso la chaqueta de cuero y empezó a participar activamente en las campañas en favor del desarme nuclear, y apoyaron la causa de Nelson Mandela.
Además, con el éxito de este single, The Jam se embarcó en una gira por Estados Unidos, la cual no tendría un final feliz.
Fue en ese viaje, cuando la banda supo que "Going Underground" había llegado al primer lugar del UK Singles Charts. Al leer esa información la banda y su equipo técnico se fueron de fiesta, con groupies y mucha bebida de la mano. Al otro día ninguno de los integrantesquería hacer la gira promocional por Estados Unidos, sino que quería disfrutar este triunfo musical en sus tierras.
Asi fue como el manager de la banda le informó a los promotores del evento que la banda se encontraba aquejada por un misterioso virus, el cual no les permitía tocar en Norteamérica y que además se volverían a Londres para hacerse los examenes médicos respectivos ante el supuesto Vurus que los tenía en cama.
La mentira dió sus resultados, y a la semana The Jam se encontraban celebrando su primer número uno en el popular programa de TV Top of The Pops.

Simplemente... Que la disfruten!!

TEQUILA / THE CHAMPS

"Tequila" es una famosa pieza instrumental de la banda norteamericana The Champs, que fue lanzada como single un 15 de Enero de 1958.
Esta canción es una de las piezas clásicas del rock and roll, ya quelogró entrar en los primeros lugares de los charts a nivel mundial y a la vez se convirtió en el único hit radial de esta banda.

La historia de esta canción tiene su inicio a medados de 1957, cuando en los Challenge Records, el cantautor Dave Burgess grababa un par de canciones bajo el sobrenombre "Dave Dupree". En esos días, la popularidad de este cantante oriundo de California estaba pasando por uno de sus momentos mas bajos y las radios no pasaban sus nuevas grabacones.
Asi fue como un 23 de Diciembre la compañía disquera llamó a "terreno" a Burgess, y le dió una última opción paa que sacara un single que por lo menos entrara en las listas de venta y no pasara sin pena ni gloria por las casas comerciales.
Para esa sesión, que daba con la previa a las celebracones de Navidad, Burgess llevó a una banda llamada The Flores Trio para que lo acompañara en sus nuevas canciones que tená preparadas para grabar .
En esa mítica sesión de grabación, Burgess y su banda de apoyo grabaron la pegajosa "Train to Nowhere,", "Night Beat" y "All Night Rock."

Las dos ultimas canciones mencionadas, no dejaron del todo satisfecho a los músicos para que sean parte del lado B de"Train to Nowhere" .
Debido a que ya se hacía tarde, gran parte de los Flores Trio abandonaron el estudio de grabación mientras Burgess se "tiraba los pelos" para encontrar una nueva melodía.
Mientras esperaban esa canción, los músicos empezaron a tocar una canción que había escrito el saxofonista Daniel Flores, la cual se titulaba "Tequila!", ya que era la única palabra que se pronunciaba dentro de la llamativa instrumentación.
En esta pieza, Flores tocaba el saxo y era el encargado de decir con una extraña voz el nombre de esa famosa bebida alcoholica mexicana solo apta para meromachos (?).
En el momento que esa llamativa melodá tomaba mas energía, Burgess lanzó su lápiz al cielo de pura felicidad porque ya habían encontrado el lado B de su nuevo single... Eso sí, esta vez irian bajo el nombre de "The Champs".

En Enero de 1958 fue lanzado este single, con muchas buenas vibras para que de una vez por todas lograran tener la fama necesaria para seguir grabando y ser invitados a la Tv.
Pero "Train to Nowhere" no era el plato fuerte para las radios, estaba pasando sin pena ni gloria como todas esas canciones que dejaron a Burgess en la cuerda floja.
Cuando parecía que "la leche estaba derramada" y que Burgess tendrpa que buscar fama con otra expresión artistica o ponerse a estudiar, le llegó una carta donde le menconaban que en sectores como Cleveland, su single era todo un éxito gracias al lado B. La savación fue "Tequila"...

Poco a poco los Dj's fueron colmando las radios y las fiestas con esa pegajosa melodía, hasta que un 28 de Marzo de 1958 la canción llegaba al número 1 del Billboard y la agrupación The Champs no lo podía creer.... Si hasta en el Reino Unido la canción era todo un éxito y estaba en la quinta posición de los charts.

Todo el mundo bailaba al compás de "Tequila", que musicalmente estaba inspirada en "Dearest Darling" del famoso cantautor norteamericano Bo Diddley.
Fue tanta la fama, que la banda tuvo varias ofertas para firmar en otras casas discográficas y uno de esos contratos les llamó bastante la atención.
Con su nueva casa disquera grabaron varias versiones de esta canción y para no tener problemas con su antiguo sello, el autor de la rola, el señor Daniel Flores, se cambió el nombre a Chuck Rio con el fin de no vender los derechos de autor de una canción que hasa el día de hoy suena en las fiestas, propagandas de TV, soundtracks de peliculas y en las radios que se dedican a homenajear la buena música...

Que la disfruten!!!

CENTERFIELD / JOHN FOGERTY

"Centerfield" es una canción del cantante y compositor norteamericano John Fogerty ( quien fuera el cerebro musical de la Creedence Clearwater Revival) que fue lanzada como single en 1985 y que marcó el regreso a las pistas musicales de Fogerty luego de 9 años fuera de actividad.

La historia cuenta que Fogerty escribió esta canción en 1984 luego de ver por televisión el juego de las estrellas de la Major League Baseball. Hay que mencionar que el ex-vocalista de Creedence era un fanático del béisbol, aunque como jugador dejaba harto que desear, gustaba mucho de ir a presenciar partidos o ver las ligas mayores por televisión.
Es que Fogerty se inspiró en esas viejas historias que le contaba su padre sobre los New York Yankees y del famoso "centerfield"( jardinero central) Joe DiMaggio, quien al igual que la familia Fogerty era oriundo de San Francisco.

En una entrevista con el portal MLB.com, John Fogerty dijo: " Desde niño que iba a mirar partidos entre equipos de la Costa Oeste, pero cuando me llevaron a uno de las Grandes Ligas fue algo mítico y sorprendente. Para mí, los jugadores eran unos héroes, y siempre los tengo en la memoria".
Sobre la temática de esta canción, Fogerty mencionó que: "trata sobre el béisbol, pero también es una metáfora sobre la motivación para enfrentar cada desafío que nos ponga la vida o el comenzar una nueva tarea".

La parte lírica de esta canción y algo de la música fue inspirada de la canción "Brown Eyed Handsome Man" del mítico Chuck Berry, que era uno de los ídolos musicales del autor de "Centerfield".
Dentro de la letra, Fogerty se dió el lujo de mencionar a varias leyendas del beísbol como Joe DiMaggio, Willie Mays y Ty Cobb, de esta forma les rinde un homenaje y un reconocimiento a su labor deportiva, y de paso hace que las nuevas generaciones no olviden que estos jugadores fueron un pilar fundamental para la popularidad de este deporte en Estados Unidos.
Además, en la segunda estrofa, Fogerty se refiere al gran Mighty Casey tomando algunas frases del poema Casey At The Bat.

Todos estos detalles llevaron a que "Centerfield" fuera considerada como una de las canciones mas populares que traten el tema del beísbol, siendo tocada en todos los estadios donde se practica este deporte. Cabe señalar que en esos match, cuando suena el tema, la gente empieza a aplaudir al ritmo del intro de la canción, lo cual debe ser ultramegaemocionante(?).

En cuanto a la posición en los charts, esta canción se ubicó en el puesto #44 del Billboard Hot 100 pero su temática deportiva la dejó con una popularidad mas alta, a tal punto que el "inocente" George W. Bush declaró que es una de sus canciones favoritas, mientras buscaba votos para su candidatura presidencial el año 2000. Además declaró que su frase preferida era: "Put me in coach, I'm ready to play." Seguramente a Fogerty no le guste mucho este dato... (Huele a azufre!!)

Les dejamos esta emocionante canción de uno de los compositores mas famosos del rock de erdad, que lo tuvo todo con su banda y que como solista tiene una que otra joya rockanrolera donde nos deja en claro que su talento no se ha acabado...
Que la disfruten!!!

SHE BANGS THE DRUMS / THE STONE ROSES

"She Bangs the Drums" es una canción de la banda británica The Stone Roses, que fue lanzada como single sólo para el Reino Unido en Julio de 1989 y un año despues, especificamente en Marzo de 1990, fue relanzada para el resto del mundo.
Esta gran canción fue incluída dentro del exitoso disco "The Stone Roses",del cual fue elegida como el segundo single promocional, y que es considerado una pieza escencial para el resurgimiento del britpop británico, que tuvo un breve reposo a causa del abuso de los sonidos New Wave, que fueron la banda sonora de la decada de los 80's.

Se dice que esta canción data del año 1987, época donde la banda se encontraba buscando, en su Manchester natal, un sello que entienda su nueva propuesta musical.
La autoría del tema corresponde al vocalista Ian Brown, que se dedicó a escribir la música y algunos versos y al guitarrista John Squire que fue el responsable de os arreglos y de escribir el coro.

Esta canción nos habla sobre la euforia de estar enamorado, de sentirse feliz por tener una "primavera" personal donde todo está basado en las sonrisas y el senturse acompañado. Con un tono muy "beatle", esta canción logró ser una de las melo´dia mas conocidas de esta banda "indie".
Según Squire,""She Bangs the Drums" trata sobre esos breves momentos donde todo sale bien. Algo asi como amanecer junto a esa mujer que amas".

Otro dato curioso sobre esta canción, es que la banda grabó dos videoclip para promocionar el single por medio de los canales de televisión. Uno muestra a la banda en sus sesiones de grabación del disco, que data de Enero de 1989 y el otro es una toma de un concierto de la banda en el Blackpool Empress Ballroom del 12 de agosto de 1989.

"She Bangs The Drums" fue el primer single de la banda que entró en el Top 40 del UK Singles Charts, especificamente en Julio de 1989 y en el casillero #34.
Gracias a esta canción, los Stone Roses quedaron como una de las bandas mas importantes de la escena musical británica y a la vez, quedó como una de las agrupaciones que dieron el primer paso para el sirgimiento de un nuevo Britpop, especialmente en los jóvenes que gustaban de la música alternativa británica, que fue un furor a mediados de los años 1990.
Que la disfruten!!!

DISCO LADY / JOHNNIE TAYLOR

"Disco Lady" es una canción del cantante norteamericano Johnnie Taylor que fue publicada como single el año 1976 y logró conquistar los charts de todos el planeta en los inicios de la manoseada y criticada "música Disco", que hizo que las pistas de bailes tuvieran mas fanáticos que las religiones del mundo.

La historia cuenta que a finales de 1975, el cantante Johnnie Taylor se encontraba con bastantes problemas, ya que su discográfica, Stax, había quebrado y de paso su carrera musical se estancaba y la estrella de R&B pasaba uno de sus peores momentos.
Pero de tanto tocar puertas y negociar con varios sellos, Taylor logró firmar un contraro con Columbia, que era una de las discográficas mas famosas en esos años.
Una de las garantías de ese contrato era que Taylor podía trabajar con su gran amigo Don Davis, que además era el productor de casi todos sus éxitos. Esa dupla lograría algo historico para la historia de la música disco...

Davis y Taylor se dedicaron a buscar y experimentar nuevos sonidos en el estudio de grabación. Día tras día trabajaron puliendo cada acorde y arreglando cada melodía con un fin que era lograr crear un hit para las pistas de baile.
Asi fue como, de una mágica experiencia, nació la canción originalmente esta canción bajo el tpitulo "Disco Baby," donde la letra estaba inspirada en los salvajes y delicados movimientos de una bailarina africana que Davis conoció en un viaje por España.

"Disco Lady" fue grabada en 1976 en los Detroit's United Sound Studio y en la sesión participaron algunos notables musicos pertenecientes al género P-Funk, como el bajista Bootsy Collins, el teclista Bernie Worrell, y el guitarrista Glenn Goines. En los coros, la canción contó con la cooperación de la famosa cantante y actriz estadounidense Telma Hopkins.
Esta canción causó furor en todo el mundo y cada noche era tocada en más de alguna fiesta y que siempre se la pedían a los esforzados Dj's.
Es que "Disco lady" le dió a la musica disco una calidad musical perfecta, con detalles muy cuidados en la melodía, dejando de lado ese sonido "simplón" y repetitivo de algunas canciones que pasaron sin pena ni gloria en los 70's.
Esto queda reflejado en las cuatro semanas que pasó liderando el Billboard Hot 100 (siendo la primera canción que llega a esa posición con la palbra "disco" en su título) y las seis semanas que estuvo en el primer lugar del Billboard R&B chart en Estados Unidos.
Pero eso no es todo, ya que Taylor con esta canción pasó a la historia de la musica popular y de la RIAA, al conseguir el primer disco de platino de la historia, tras vender 1 millón de copias.

Les dejamos esta interesante canción, que dejó al gran Johnnie Taylor en la historia de la música por siempre, con un himno "disco" que hasta estos días es coreado en las fiestas de la nostalgia setentera...
Que la disfruten!!!

HAMMER TO FALL / QUEEN

"Hammer to Fall" es una canción de la banda británica Queen que fue lanzada como single un 10 de Septiembre de 1984 con el fín de promocionar su exitoso album titulado The Works, el cual los volvió a dejar en los primeros lugares de los charts mundiales luego de un periodo de discos extraños y giras promocionales por Estados Unidos.

La autoría de esta potente y energetica canción fue el guitarrista Brian May, que quizó colocar en este disco el sonido del Queen de los 70's, ese que tanto extrañaban los fans luego de que la banda empezara a abusar de los sintetizadores y la música Pop en sus discos ochenteros.
En "Hammer to Fall" la banda, bajo las riendas del crespo guitarista, vuelve al rock en estado puro, ese donde May nos deleita con muchos riffs y potentes solos de su famosa guitarra Red Specials.

En la parte lírica, el guitarrista mencionó años atrás en su sitio Web, que "Hammer To Fall" trata sobre la vida y el concept de la muerte, tomandolo como algo natural que todo ser humano debe pasar en su estadía en el mundo.
El autor de la canción menciona que "debemos aceptar a la muerte como parte de nuestras vidas, ya que todos sabemos que algun día vendrá y no podemos hacer nada para evitarla. Asi que hay que disfrutar cada día..."

Pero no solo de la muerte humana habla esta potente canción. May tambien tomó el tema del fin del mundo, que en sus palabras vendría por medio de una guerra nuclear en los proximos años.
Por ello, él nos relata frases sobre una "bomba" que caerá sobre el mundo y lo hará explotar en mil pedazos, sin importar nacionalidades o status social.
Recordemos que en esos años aún la Guerra Fría hacía de las suyas en el mundo y no sería nada extraño que May haya hecho esta canción con el miedo a que las potencias mundiales arracen con todo en el planeta...

Esta "positiva" (?) canción llego al puesto #13 del UK Singles Charts y fue muy tocada en las radios sudamericanas, donde Queen tiene mucha fanaticada. En Japón, otro pais donde la banda hizo de las suyas, llegó al primer lugar de los charts.
Además esta pista fue incluída en la banda sonora de la pelicula del inmortal Highlander en 1986.

Hoy, donde hasta un pulpo dice adivinar el destino de los humanos, no nos debe asustar una canción que reflexione sobre el futuro oscuro y lo natural del fin de la vida. Por eso Queen llegó donde está hoy, ya que es una de las bandas mas importantes de la historia del rock y no solo por gritar simples y pegajosos "yeah-yeah" sino por hacer pensar y reflexionar sobre la vida a sus humildes fans...

Que la disfruten!!!