SCHOOL DAYS / CHUCK BERRY

"School Days" es una canción del músico estadounidense Chuck Berry que fue publicada como single en Marzo del año 1957 y que dos meses después entraría en el tracklist de su LP After School Session, considerado por la prensa especializada como una "joya" para el rock and roll.

Tal como hemos mencionado en otras "entradas" dedicadas a este gran artista, hablar de Chuck es hablar del auténtico y verdadero "rey del rock". Sus pautas musicales, ese riff de guitarra y hasta sus emblemáticas performance marcaron a muchas generaciones jóvenes de todo el planeta, que tomaron al rock and roll como un estilo musical y cultural que iba mas allá de vender una tonelada de disco, tener buena facha (y miles de mujeres a su lado) y cantar de 10 puntos.

Tras su repentino éxito con varios ya clásicos del rock and roll, en 1957 Chuck decide retomar a su fanaticada dedicándole una emblmática canción que estaba ligada al contexto social de ese entonces: La escuela secundaria.
Berry, que además era un buen empresario, sabía que una forma de lograr vender y promocionar más su carrera era lanzando una canción que hablara sobre esos jóvenes que gustaban mas del rock and roll ue de estar sentados en una silla escuchando teoremas matemáticos y biografias de gente famosa que jamás conocieron en el plano real.

La llegada de este nuevo estilo de baile, provocó que muchos jóvenes empezaran a mostrar su rebeldía hacía rutina conservadora de la escuela. Por ello, Berry era su mensajero o su superheore que los sacaba un rato de esa repetitiva escena de levantarse temprano, ir al colegio y tras una larga jornada educativa ir a un garito y escuchar los discos que estaban de moda.
Por eso, es que bajo una interesante cortina musical, que contiene detalles del blues, del pop y del Country, el "anti-pedagógico "Chuck Berry le dejaba un mensaje muy claro a sus oyentes: "Aquí tienes rock and roll y eso es todo lo que necesitas".

"School Day" fue grabada un 21 de Enero de 1957 en los estudios del la discográfica Universal Recording, ubicados en Chicago.
La historia cuenta que la canción estuvo marcada por una extensa y agotadora sesión bajo la producción de los hermanos Chess (Leonard y Phil), donde guiaron y perfeccionaron esta obra de Chuck. Además, participaron de esa sesión un "dream team" de músicos de sesión integrado por el legendario guitarrista Hubert Sumlin (que con el paso de los años pasó a ser una leyenda del buen blues), el bajista Willie Dixon (otra leyenda del buen Blues, especialmente en su calidad de productor) y el experimentado baterista Fred Below.

Una vez puesta a la venta, la canción escaló hasta la casilla #3 del Billboard Hot 100, llegando a ser onsiderada como otra obra cumbre de este gran artista que revolucionó a la juventudo de los 50's. Pero eso no era todo, esta vez, y gracias a esta canción, Berry lograba entrar a los charts británicos, donde su pieza quedó dentro del UK Singles Chart en el puesto #24. Obviamente, la fama de Chuck Berry iba en alza...

Fue tanta la influencia de Berry para otras bandas, que "School day" llegó a ser interpretada y re-grabada por varios grupos y solistas con el paso de los años. Tal es el caso de la banda australiana AC/DC que la incluyeron en el cierre de su LP T.N.T. en 1975. Cinco años después de esa versión, serian los Beach Boys quienes harían un tributo a Berry tocando esta canción para su disco Keepin' the Summer Alive. Si hasta los personajes de la famosa serie animada "Los Simpsons" se dieron el lujo de interpretarla en uno de sus LP's lanzados a finales del año 1990...

En fin, les dejamos una canción histórica para la historia del rock... En manos y voz del gran Chuck! Que la disssfruten!

ALL NIGHT LONG (ALL NIGHT) / LIONEL RICHIE

"All Night Long (All Night)" es una canción del cantante y actor estadounidense Lionel Richie que fue lanzada como single en Octubre del año 1983 promocionando su segundo trabajo musical, en calidad de solista, Can't Slow Down.
Tras cerrar su participación dentro de la famosa banda Comodores en 1980, el señor Lionel Richie decidió emprender una carrera en solitario, la cuál lo tuvo desde un principio como uno de los artistas mas exitosos de la década ochentera, siendo solamente superado por sus colegas Michael Jackson y Prince.
Asi fue como su estallido hacia la fama mundial empezó con el exitoso Can't Slow Down, que fue un LP que contenía grandes canciones y que lo tuvo por varias semanas liderando los rankings de venta por todo el mundo.

Dentro de ese exitoso y maravilloso repertorio del LP se encuentra la "joya" musical mas aplaudida: "All Night Long (All Night)".
Esta canción, escrita por Richie, fue el cuarto single que publicó en calidad de solista (bajo el sello Motown), y destaca por contener una interesante mezcla musical basada en diversos ritmos caribeños que invitan a pasar un buen momento.
"Siempre trato de escribir canciones relacionadas con la realidad, y la idea principal de esta pieza era sentir la vida como si vivieramos en un domingo eterno. Siempre habrá un amor infinito. Siempre habrá un tiempo para la noche..." señalaría años mas tarde Richie en una entrevista con la CNN.

La idea principal que quería plasmar este artista en su canción era llevar al oyente a un estado de fiesta, aunque esta durara sólo seis minutos. Pero era un tiempo para dejar de lado los problemas, dejar de lado las preocupaciones y pensar un rato de manera positiva y vivir la vida con alegría y paz.
A pesar de que la lírica es básica, y de un mensaje simple, Richie demoró dos meses en escribir la canción. La inseguridad y la busqueda de nuevos toques musicales para poder dar el término definitivo hicieron que el artista retrasara su nueva joya musical ante la poca paciencia de los productores que trabajaban junto a él.

Finalmente, la canción tuvo su ultimo toque tras un repentino viaje de vacaciones que hizo Richie al Caribe.
Fue gracias a la cultura musical de esas tierras, en que el cantante decidió incluír nuevos arreglos musicales a la canción. Es que tras escuchar y nutrirse de varias canciones ligadas al reggae y al Calypso, Richie encontró la forma perfecta para dar término a su nuevo producto musical. "Tras observar varias actuaciones musicales en esas tierras volví a casa y en una noche logré terminar la canción. Resultó bastante simple ya que sólo tenía que encontrar frases ligadas a esas imágenes que tenía en mente y que mostraban a la gente bailando y disfrutando en la calle" señaló Richie.

Si tomamos mucha atención a la letra, podemos encontrar varios detalles multiculturales, que fueron muy bien planteados y usados por Ritchie. Un buen ejemplo es el uso de la palabra"Karamu", que pertenece al idioma suajili y que significa "fiesta". Otro de esos detalles está reflejado en la palabra "Liming", que es un término muy usado en el caribe y qu se refiere a "juntarse con amigos". Pero Ritchie igual quizo darle un gesto al pueblo de habla hispana y menciona, en un fluído castellano (?), la palabra "Fiesta".

Pero si hay un detalle que llama la atención a los oyentes y fanaticada del buen Lionel es la "pegajosa" frase "Tambo liteh sette mo-jah! Yo! Jambo jambo". Según cuenta el autor de la canción, en un principio iba a grabar esta "rola" sin esa frase, pero tras una larga conversación con gente de la ONU, estos le pidieron al artista un gran favor: Hacer un homenaje al pueblo africano en alguna canción, ya que en esos años esa pobre gente no la estaba pasando muy bien.
Asi que de manera artesanal y tras una descuidada revisipon de varios dalectos africanos, Richie pescó su cuaderno y escribió la frase "Tambo liteh sette mo-jah Yo Jambo Jambo".
Lamentablemente, la traducción exacta de la frase ni Lionel la sabe. Fruto de una improvisación perfecta, oscura y con el tiempo a dos manos para poder grabarla, el artista llegó y pegó palabras encontradas en varios dialectos africanos. " Creo que "jambo" significa "hola", pero solamente en el idioma swahili (sí, "hola"), porque en otros dialentos africanos esa palabra significa "bienvenidos". Por lo tanto no hay que romperse la cabeza por encontrar un significado real y exacto" diría el cantante a su fanaticada a un medio estadounidense.

La canción fue todo un éxito a nivel planetario. Llegó al primer puesto del Billboard (además lideró las tres sb-listas:pop, R&B y adult contemporary), y alcanzó el puesto #2 en el UK Singles charts. Además "All Night Long" fue todo un éxito en Australia, España, Italia, Suecia, Suiza, Holanda, Canadá, Irlanda y Francia.
En fin, les dejamos una canción eterna, un hit ochentero de alto calibre que hasta el día de hoy mantiene a Richie sobre las pistas junto a otras buenas canciones de su autoría.
Una canción para pasarla bien, para largar una sonrisa y dejar de lado los porblemas y darle cuerda a la felicidad.
Que la disfruten!

IT'S THE END OF THE WORLD AS WE KNOW IT (AND I FEEL FINE) / R.E.M.

"It's the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)" es una canción de la banda norteamericana R.E.M. que fue lanzada como single un 16 de Noviembre del año 1987 y que está incluída en su quinto disco de estudio: Document.

Esta banda oriunda del estado de Georgia, es considerada como uno de los puntáles básicos dentro de la música alternativa que venía ligada al mundo universitario de finales de los 70's y que veía con buenos ojos esa extraña mezcla entre rock sesentero, el folk y la psicodelia sin las manos sucias del mercado y con un mensaje libre y de alto contenido intelectual.

En Abril del año 1987 esta banda formada por Bill Berry (batería, voz), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (bajo) y Michael Stipe (vocalista) decidieron entrar al estudio de grabación para empezar a trabajar en su próximo LP. Para ello, decidieron reclutar al productor Scott Litt, quien ya había trabajado como sistente en algunos trabajos de la banda y que contaba con la experiencia y las ideas claves para que R.E.M diera el salto definitivo a la fama.

Dentro del nuevo repertorio que preparaba la banda se encontraban canciones muy interesantes, y con una lírica marcada por una critica social ante las nuevas políticas estadounidenses. Una de esas piezas que más llamó la atención a los criticos fue "It's the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)" que contenía ciertos toques ligados al cantautor Bob Dylan, en especial por la técnica vocal usada en el clásico "Subterranean Homesick Blues". De hecho, el vocalista, Stipe se declaraba ante los medios como un fanático a rabiar de ese influyente artista e incluso se dió el lujo de imitar a Bob cuando participó en una película de dudosa calidad llamada "Just Like a Movie".

Sobre el orígen de esta canción, la voz principal de R.E.M. declaró en una entrevista con la revista Q que la escribió "a partir de un sueño donde yo estaba en la fiesta de cumpleaños de Lester Bangs y acompañado solamente de personas que tenían como iniciales LB. Yo era el único que no tenía esas iniciales, mientras veía pasar a mi lado a Lenny Bruce, Leonid Brezhnev, Leonard Bernstein ... Luego de eso, y tras despertar algo confundido, terminé la canción mientras cambiaba y cambiaba los canales en mi televisor. Es una colección de imagenes que pasaban por mi mente"

El resultado final fue algo sorprendente: Una canción que habla sobre el fin del mundo. Obviamente esa temática dejó muy sorprendidos a las muchachada que seguía a la banda y muchos declararon que la banda ya estaba evolucionando a una música extraña y sin sentido.
Pero en realidad era una pieza musical notable, donde Stipe y compañía querían pasarla bien hablando del Apocalipsis y de paso, esperar el fin del mundo con unas extensas sonrisas.
Puede que la frase inicial de la canción ( "That's great; it starts with an earthquake...") sea una referencia a la Biblia, ya que en sus páginas finales pner bastante enfásis en que los inicios del tiempo final empezarían con fuertes terremotos. Sea como sea el significado de esa frase inicial, toda esa tragedia está ligada a un ritmo rockero que no deja a nadie sin mover la cabeza.

El título de la canción pasó a ser un mensaje mundial que decoró llamativas poleras, tapas de revistas y las murallas de los barrios. La juventud quedó animada por la música pero quedó marcada por el mensaje oscuro de la letra. No entendían las irónias, ni las incongruencias de esas frases donde aparecían varios personajes que por esos días aparecían en los medios estadounidenses.

R.E.M. traía a la palestra, y bajo el brazo, una pieza pop muy pegadiza que sólo llegó al puesto #69 del Billboard y a la casilla #39 del UK Singles charts, pero que quedó para siempre como una de sus canciones mas coreadas y bailadas en sus conciertos que dieron por todo el mundo. Conciertos que ya son historia, puesto que el pasado 21 de Septiembre la banda anunció su retiro de las pistas musicales y de paso su separación definitiva tras casi 31 años de actividad.
Por eso, era necesario un homenaje a esta gran banda estadounidense que debe estar en el soundtrack de muchas vidas y en momentos inolvidables con sus preciosas y llamativas melodías..
Que la disfruuuten!

IN SPITE OF ALL THE DANGER / THE QUARRYMEN

"In Spite of All the Danger" es una canción de la banda inglesa The Quarrymen, que fue grabada en el año 1958.
Si no le suena el nombre de la banda,quizás si le suenen los nombres de algunos integrantes de esta agrupación oriunda de Liverpool: En guitarras estaban John Lennon, Paul McCartney y George Harrison, quienes ya en ese entonces, en su etapa adolescente, estaban probando suerte en varias fiestas y tertulias culturales mostrando su talento y sus ganas de hacer rock and roll. Junto a los futuros Beatles, completaban la banda John Lowe en piano y Colin Hanton en batería.

Si bien, en un principio la banda (que llevaba ese nombre en honor a la Quarry Bank High School, del cuál Lennon era alumno) tocaba música skiffle, con la llegada de Paul y George dieron un giro musical importante y decidieron poner sus chaquetas de cuero y darle duro al rock and roll con una actitud de rebeldía que dejó a muchos espectadores con la boca abierta. Posteriormente el tiempo les daría la razón...

La historia cuenta que en el verano del año 1958, John Lennon llegó a la sala de ensayo con una buena noticia para sus compañeros de banda: Había logrado arrendar un pequeño estudio de grabación ubicado en el 38 de Kensington, Liverpool donde el productor Percy Phillips los estaba esperando con los brazos abiertos.
Asi que pescaron sus instrumentos y partieron a tomar el autobús, mientras que el baterista tuvo que arrendar una camioneta a algún vecino para llevar sus tambores y platillos.
Al llegar al estudio "Artesanal" del señor Phillips, la banda tuvo que esperar casi un hora, ya que la sala estaba pcupada por otro "artista" que buscaba un demo para la fama. "Esperamos a que salga esa persona y entramos a esa pequeña sala, donde estaba el productor junto a una vieja cabina de control. Este nos preguntó con mucha energía 'Bueno, ¿qué van a hacer? Asi que corrimos a ordenar la batería e instalar los equipos y en un cuarto de hora ya teníamos grabadas nuestras canciones" recordaría años después Paul McCartney.

Por sólo 17 chelines y 6 peniques, los Quarrymen tuvieron acceso a grabar dos canciones, y la oportunidad la aprovecharon al máximo. A pesar de que las condiciones técnicas del estudio eran muy pobres, la banda quería mostrar su talento y además querían sentirse famosos, grabar su demo y escuchar sus voces en el tocadisco de sus casas, esos donde cada tarde después de la escuela o en las tertulias familiares acompañaban el ocio tocando los singles de Elvis, de Holly, de Berry o de Little Richard. Pero esta vez sus familias escucharían a los Quarrymen...

Para la cara A, se grabó una versión del clásico de Buddy Holly, "That'll Be The Day", donde Lennon tomó la parte protagónica cantando de buena manera una de sus canciones favoritas.
Para la cara B decidieron poner una pieza romántica, escrita por McCartney y Harrison, llamada "In Spite of All the Danger", en donde nuevamente la parte vocal se la llevó Lennon, el líder de la banda.

Sobre la dupla de compositores, resulta extraño ver a Harrison y McCartney compartiendo créditos, y de hecho el bajista de The Beatles declaró en una entrevista con Mark Lewisohn que la canción pertenecía simplemente a su pluma: "Se dice que la escribí junto a George, pero creo que en realidad fue escrita completamente por mí, y George sólo tocaba el solo de guitarra! Pero eramos compañeros de banda y no había peleas por derechos de autor porque ni sabíamos que era eso. Quizás lo pusimos en los créditos a George, porque él hizo el solo de guitarra"

La canción contaba con un sonido muy similar a los éxitos de Elvis Presley, quien en esos días era la estrella del rock que hacía bailar a todo el mundo. Paul decubrió la música de Elvis a los 14 años cuando en un campamento, junto a su grupo de Boy Scouts, uno de sus amigos pescó la guittarra y empezó a cantar la canciones de ese "mesías" del rock. Desde ese momento, todas las canciones que escribía el jóven Paul estaban influenciadas por el "rey del Rock".

Ambas canciones fueron editadas en un vinilo de 10 pulgadas, ya que esa era la oferta del día en el estudio de grabación. Debido a la falta de dinero, la banda sólo pudo comprar una copia, y ahí vino el dilema sobre quien se iba a quedar con ella.
Tras una larga cenversación, los Quarrymen decidieron que cada integrante iba a tener el disco por una semana. El primero que lo llevó a su casa fue Lennon, ya que era el líder de la banda. Luego le tocó el turno a Paul, una semana después fue George quien se lo enseñó a su familia. Luego pasó a las manos de Colin y finalmente, el disco fue a parar a la casa de "Duff" Lowe, quien lo tuvo en sus repisas por casi 23 años.

Obviamente tras el éxito mundial de The Beatles, tener una cinta original y además poco conocida para la fanaticada de los fab-four, era tener un tesoro buscado por muchas manos y de un valor único y a la vez muy alto.
"Duff", que llegó a los Quarrymen tras ser compañero de escuela con McCartney y que fue reclutado por este tras escucharlo tocar parte de "Mean Woman Blues", siempre mantuvo la calma y pese a que varios periodistas le ofrecían altas sumas de dinero para tener acceso a ese disco, mantuvo un bajo perfíl hasta que en el año 1981 decidió salir del anonimato y dar a conocer ese vinilo, que pertenecía a la pre-historia de la banda que revolucionó la historia musical y social del Siglo XX.
En esa ocasión, Lowe le enseñó el "demo" un periodista del suplemento Sunday Times y de paso le dió una entrevista entregando varias "joyitas" sobre el inicio de The Beatles y su participación en el humilde origen de esa banda que tuvo al mundo a sus pies. En esa entrevista, además de dar datos sobre la banda, Lowe declaró que la cinta iba a ser rematada al mejor postor. Asi que varios millonarios ya emepezaban a tocar sus bolsillos y a esperar la fecha...

Pero una semana después de esa entrevista, Lowe recibió una llamada telefónica a su hogar: Era su amigo Paul McCartney y el motivo de esa conversación era el disco de los Quarrymen.
"Fue un domingo a mediodía, y justo me encontraba en la casa de mi madre en Liverpool. Sonó el telefono y era Paul. Quería conversar sobre ese disco, asi que pasamos varios minutos charlando sobre esa época hasta que me dijo seriamente que quería comprarlo. En esos días yo estaba viviendo en Worcester, asi que a esa dirección envió a su abogado y auno de sus gerentes de su empresa para que cerraramos el trato. Luego fui a una sucursal del Barclays Bank y en una pequeña maleta puse el dinero que había depositado a mi cuenta por el trato acordado" señaló Lowe en el libro A Hard Day's Write, de Steve Turner.

Sobre la suma depositada por Paul a la cuenta de Lowe jamás se habló y quedó como uno de los secretos mejor guardados en la historia Beatle. Pero varios medios británicos señalaron que en una primera instancia Lowe rechazó una oferta inicial de 5.000 libras, asi que lo pagado por Paul no fue algo que lo dejó muy felíz, pero a la vez recuperaba de manera perfecta una cinta importante para la historia de la banda y que tenía que estar en sus manos sí o sí.

Una vez que lo tuvo en sus manos, Paul decidió remasterizar y restaurar las dos canciones de su antigua banda. Además, decidió grabar 50 copias de ese single para repartirlas a sus familiares, a los demás Beatles y a varios amigos que en ese entonces estaban cerca de los Quarrymen. Obviamente Lowe recibió una copia de ese disco....

En 1995 la fanaticada de los Beatles por fin pudo tener acceso oficial a "In Spite of All the Danger". Bajo el proyecto "Anthology", esta canción estuvo ( o tenía que estar) dentro del repertorio como una de las piezas históricas para reflejar los orígenes de esta banda.
Por ahí andan rumores de que bajo la remasterización de la cinta Paul editó algunos versos y además hizo que el coro tuviera una repeticipon más. Lamentablemente, "Maccca" nunca ha mencionado si hizo o no tales arreglos a la cinta con el fin de depurar el sonido de un disco que estaba en mal estado debido al paso de los años.

En fin, una canción que marca el orígen de una de las bandas mas influyentes en la historia del rock, y que dejó un legado musical eterno y lleno de buenas melodías que hacen dar un paseo por la nostalgia y los buenos momentos...
Que la disfruten!

CLAMPDOWN / THE CLASH

"Clampdown" es una canción de la banda británica The Clash, que fue lanzada como single un 14 de Diciembre del año 1979 con el fin de promocionar su aclamado disco London Calling, considerado por la prensa especializada como uno de los trabajos musicaels escenciales para la historia del rock.
Es que los Clash con su tercer disco, que venía en formato doble, literalmente la "rompieron" y dejaron marcada la cancha ante todos los que gastaban frases sobre el Punk y la evolución del sonido de la banda, que en ese entonces pasaba por su mejor momento. Con "London Calling" los Clash experimentaron nuevos estilos musicales, se abrieron a mostrar su gusto por el rockabilly, el reggea, la música de los 50's y hasta un toque del Hard-Rock setentero y todo eso acompañado con sus típicas letras de protesta y de frases valientes.

Entre el repertorio del mencionado disco encontramos a "Clampdown", una piez amusical firmada por Strummer/Jones, donde dejan rastros de su gusto por la música bailable, con toques de reggae y riff's ligados a su manoseado Punk de antaño.
Pero "Clampdown" manifiesta, dentro de toda la magía del LP, el mejor pasaje del disco ya que cuenta con una letra, ideada por Strummer, que crítica de manera dura los maltrados del capitalismo ante la sociedad, y se dan el lujo de definirlo a secas como un "mundo oscuro". Por ello, Strummer le tira varios palos a esos jóvenes que creyeron y confiaron en el sistema capitalista y que ahora estaban sufriendo por las deudas en casas comerciales, el consumismo extremo, los créditos bancarios y los abusos laborales por parte de la empresa privada que tenía a sus obreros maltratados y con sueldos miserables.

La historia cuenta que Strummer se inspiró en la historia de vida de Paul Simonon, bajista de la banda, para escribir gran parte de la letra. Es que su amigo era uno de esos tantos jóvenes britpanics que soñaba con algún día entrar a la Universidad y ser más que un simple obrero. Pero por problemas económicos, debido a que provenía de una familia de clase obrera y cuyos padres tenían trabajos temporales, simplemente debía optar a empleos mal pagados o simplemente seguir la línea familiar y ser un obrero, tal como lo exigía el poder oscuro del capitalismo y represión ante las clases sociales.
Simonon siempre recordaba que en su etapa fínal como estudiante de secundaria, los profesores de su escuela los llevaban a visitar ferias donde se presentaban varias empresas promocionando puestos de trabajo disponibles, con el fín de que ya analizaran en qué lugar trabajar y como "parar la olla", ya que esos docentes tenían en la sus venas esa sucia idea de que los hijos de obrero tenían que ser obreros, puesto que así lo exijía el sistema, salvo que tuvieran los recursos monetarios necesarios para optar a estudios superiores.
"A veces nos llevaban a la base central de la Marina. Ahí nos promocionaban sus actividades y nos decían algo así como "esto es lo que ustedes siempre han soñado". Obviamente algunos niños cayeron en la trampa. Recuerdo que bajamos a los astilleros de la armada y nos invitaron a dar un paseo en uno de sus barcos. Ahí nos dieron comida, lo cuál nos dejó muy felices. Fue realmente genial el viaje. Finalmente lograron convencer a unos cuantos niños porque la comida que nos dieron era mucho mejor que lo que comían en sus casas todos los días" confesaba en el año 1984 Simonon en una entrevista con el preiodista y crítico musical Robert Hilburn .

El resultado final es una canción furiosa y con una letra potente y de alta crítica social sobre una tempatica que, aunque suene majadero, sigue tan vigente en varios paises del mundo.
Con un Strummer que escupe las frases de manera salvaje, junto a un Mick Jones que en su guitarra pone toda la energía del Rock con una base rítmica sólida y con ese sonido "clash" que cautivó al mundo.

La canción llegó al puesto #16 del UK Singles charts, y eso reflejaba que la banda había logrado crear un LP majestuoso y con el cuál pasaron a la historia mundial...
Que la disfruten!

BONUS TRACK: EL BLOG EN EL PROGRAMA RADIAL MUSIC LOVERS

Este jueves vió la luz pública el especial "Detrás de la Canción" en el fantástico programa radial mexicano "Music Lovers". En esa ocasión, el señor "Jimmy Jazz" habló sobre los orígenes del blog, datos curiosos de algunas bandas, un paseo por la realidad chilena y de paso, analizar 5 canciones seleccionadas finamente por la producción del programa junto al editor del blog.
Aqui les dejamos el audio para que los disfruten!





En fin, agradecer a todos los que trabajan en ese fenomenal programa radial on-line, el cuál queda altamente recomendado para todo fanático del rock que quiera tener un momento de cultura musical extrema.
Saludos!

FUNKYTOWN / LIPPS INC.

"Funkytown" es una canción de la banda estadounidense Lipps Inc., que fue lanzada como single un 18 de Febrero del año 1980 promocionando su exitoso LP Mouth to Mouth.

Esta agrupación, con tintes experimentales y de música desechable, fue creada por el productor y compositor Steven Greenberg quien reclutó para su proyecto a una bella mujer de tez morena llamada Cynthia Johnson, que tenía un llamativo talento vocal y además tocaba muy bien el saxofón. Por si fuera poco, esta artista también tenía en su curriculum un pasado ligado al modelaje, especialmente por su triunfo en el año 1976 en el concurso Miss Black Minnesota.
Sobre el resto de la banda, hay que mencionar que estaba compuesto por varios músicos de sesión que se irían rotando a medida que pasaran las temporadas y la banda lanzara singles.

Una vez que Greenberg le dió el "manos a la obra" a su proyecto musical, se dió el trabajo de escribir una canción que sirviera como hit de entrada y los dejará marcados con un debut estelar.
La inspiración para crear su obra magna vino después de un arrebato por encontrarse encerrado en su natal Minneapolis sin lograr nada para ser reconocido ya que las oportunidades artísticas eran pocas y a la vez estaban dadas para los que tenían mas poder o eran amigos de los "peces gordos". Asi que un día pescó sus cosas y se marchó a Nueva York, la ciudad que por ese entonces llevaba las riendas en lo artístico y en donde todo estaba pasando a finales de los 70's. Por ello, Greenberg denominaba a esa ciudad con el seudónimo de "Funkytown" y de paso le dedicó una llamativa canción que sería historia...

Una vez que la terminó decidió grabarla con Lipps Inc. y con ello empezó su paso a la fama, y tras enterarse que todo el mundo bailaba al compás de su canción quedaron tan sorprendidos como los gerentes de su sello discográfico Casablanca que habían mirado con poca importancia a este proyecto musical.
Es que "Funkytown", con su riff de guitarra muy similar al usado en "Changeling" por The Doors, llegó a estar cuatro semanas en el número uno del Billboard Hot 100 y tabién lideró en el Hot Dance Music/Club Play. Estados Unidos ya se movía al ritmo del Funk-Disco y premió a la banda con un disco de Platino.
En el Reino Unido la cosa fue parecida, ya que estuvo en el segundo puesto de los charts y el mismo cuento se repitió en Suiza, Suecia, Alemania, Canadá, Belgica, Noruega, Nueva Zelanda y Australia. De hecho en este ultimo país la canción tuvo un inesperado remake en el año 1986 cuando una banda llamada Pseudo Echo decidió cambiar los sintetizadores por guitarras electricas y hacer una llamativa versión que llegó al puesto #6 del Billboard y de paso le generó mas ganancias a Greenberg.
Que la disfruten!

OH YOKO! / JOHN LENNON

"Oh Yoko!" es una canción del famoso músico británico John Lennon, que forma parte de su exitoso LP "Imagine", que fue lanzado al mercado en Septiembre del año 1971 y que es considerado por la prensa especializada como la "joya" musical de este artista en calidad de solista.

No hay dudas de que con "Imagine" la carrera solista de Lennon se fue a las nubes, y su pasado Beatle ya iba tomando tono histórico y el presente estaba hecho para seguir remando en los mares musicales experimentando nuevos estilos musicales y demostrando que su talento estaba intacto y no era pasajero. Por eso, y nuevamente bajo la producción del gran Phil Spector, Lennon vuelve a la paletra musical con un disco cargado de emociones, con una abanico de estilos musicales bajo el brazo y con canciones que iban desde el odio a ex-amigos hasta poemas para su amada Yoko Ono.

De hecho, la canción que cerraba este LP era una declaración de amor hacía su amada mujer bajo unos versos simples pero potentes en el mensaje.
Pero la canción aparte de ser un mensaje de amor a su esposa, también traía un mensaje oculto hacía esos periodistas que por ese entonces catalogaron las ultimas composiciones de Lennon, en su etapa Beatle, como canciones de letras simplistas. En especial, cuando en pleno auge del disco "Abbey Road", leyó una columna de un periodista inglés que criticaba de manera dura la canción "I Want You (She's So Heavy)" y bajo esa temática decía abiertamente que el músico había perdido su talento para escribir buenas letras y eso producía que ahora sonara aburrido.

Por eso decidió arreglar una canción que tenía escrita desde ese polémico viaje junto a The Beatles a la India para ir a aprender lecciones de meditación con el Maharishi Mahesh Yogi. Esa canción, escrita en los extensos periodos de ocio que tenía la banda en esas tierras, era un buen argumento para darle una lección a esos periodistas, asi que Lennon decidió darle de beber de su propia medicina y la re-escribió como una canción de amor con una letra simple y altamente Pop. El resultado final fue "Oh Yoko!", una canción cuyo mensaje era simple pero a la vez mundial: Esa mujer estaba en el centro de todas sus cosas, y por ello la necesitaba a su lado por siempre.

Musicalmente esta canción tomaba ciertos acordes de una canción que Lennon escuchaba cuando era un adolescente. Se trataba de la pieza "Lost John" que pertenecía al famoso músico británico Lonnie Donegan, conocido por todo el mundo como el "rey del skiffle".
La canción tendría una breve improvisación en el año 1969, cuando los recien casados Lennon y Yoko decidieron llevar a cabo el segundo "Bed-in" en favor por la paz mundial y esta vez en el Queen Elizabeth Hotel de Montreal. En esa ocasión, la pareja interpretó una extraña versión de la canción que luego pasaría a ser el "esqueleto" de famosa la versión demo.

Finalmente un 23 de Junio del año 1971, Lennon decidió grabar oficialmente esta canción y para ello contó con Nicky Hopkins en piano, Klaus Voormann en bajo y el señor Alan White en batería. Además, Lennon decidió incluír en los coros a Spector, quien ya había trabajado en esa faceta dentro de la grabación de la polémica "My Sweet Lord" de su amigo George Harrison.
Además, otro detalle importante, es que en esta canción Lennon vuelve a grabar un solo de armónica (uno de los instrumentos que mas le apasionaba), lo cupal no es algo menor ya que es una de las caracteristicas mas llamativas de la música, y de verdad hasta llega a sacar aplausos por su excelente ejecución y técnica.

Asi fue como el 5 de Julio de 1971 "Oh Yoko" estaba lista para ser incluída en el disco. Tras escucharla de manera detallada, los gerentes del sello EMI decidieorn plantearle la idea a Lennon de lanzarla como primer single promocional del disco, pero el ex-Beatle rechazó la idea de forma inmediata. Sus razones la contaría en una entrevista con David Sheff: "Era un tema muy Pop, pero yo en esos días andaba muy tímido y avergonzado por romper de manera rápida esa imagen del rockero duro y de lengua ácida. Todo el mundo, me refiero a los que trabajaban en la casa discográfica, querían que esta canción fuera single, pero yo tenía una idea firme y ya planteada a los gerentes: "El disco tenía que ser número uno, no los singles"".

Seamos sinceros, cualquier canción que hicera Lennon iba a llamar la atención en ese entonces, dado que sus temáticas eran amplias y no tenía miedo en cantar una canción protesta o irse de manera radical a un extremo muy lejano de su repertorio y tocar simples pero potentes e inmortales canciones de amor.
Un genio...
Que la disfruten!

PARENTS JUST DON'T UNDERSTAND / DJ JAZZY JEFF & THE FRESH PRINCE

"Parents Just Don't Understand" es una canción del famoso dúo de hip hop norteamericano DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince, que fue lanzada como single el 1 de Abril del año 1988 promocionando su disco He's the DJ, I'm the Rapper, que era el segundo trabajo musical de esta agrupación formada por el actor Will Smith (The Fresh Prince) y aclamado el productor Jeffrey Townes (DJ Jazzy Jeff).

Juntos eran dinamita pura, y en pleno auge de la cultura del Rap, este dúo ganó buenas críticas ya que su producto musical era altamente "digestible" para las emisoras de radio debido a que sus letras eran simples y las bases eran pegajosas y aptas para hacer bailar a todo el público (según varios fanáticos DJ Jazzy tenía un buen Scratch) . Es que en esos años la cosa no era tan fácil, no cualquiera podía entrar a este estilo musical que era comandando por grandes maestros del género como: Run-DMC, LL Cool J, Big Daddy Kane entre otros.

Tras dejar una buena impresión con su disco "Rock The House", que era un trabajo musical muy bien valorado por la prensa, quienes destacaban el humor y la simpleza de las letras de Smith. Tras el rotundo éxito de su disco debut, Smith y Townes empezaron a crear canciones para su siguientes disco, el cuál tenía como misión lograr ser famosos en todo el mundo.
Para ello, a medidados del año 1987 el dúo viaja a Inglaterra, donde se unirían con el productor Pete Harris para dar a luz uno de sus trabajos mas aplaudidos: He's the DJ, I'm the Rapper.

En este disco, nuevamente decidieron incluír canciones con letras chistosas, ya que con eso atraían a la gente joven y a esos que aún no pescaban la onda del rap. Una de esas tantas canciones que grabaron en esas largas sesiones fue "Parents Just Don't Understand", en donde Smith relata la historia de un joven de 16 años ( en ese entonces el actor tenía 19 años de edad) que está aburrido de los castigos y los retos de sus padres cuando hace sus maldades.
Al parecer, este adolescente pertenece a una familia de clase alta, ya que dice tener un Porche y que la ultima travesura que hizo fue salir a dar una vuelta con su auto y salir pillado por la policía sin licencia de conducir.

Obviamente, tras ser publicada como single sólo en formato vinilo, la canción fue todo un éxito en los charts de gran parte del mundo. En Estados Unidos la canción llegó al casillero # 12 del Billboard. Pero eso sólo era el primer paso, ya que en 1989 "Parents Just Don't Understand" se hizo ganadora de un premio Grammy en la debutante categoría Best Rap Performance. Ese momento llevó a que la banda ganará tanta popularidad que hasta la televisión cayó rendida a los pies de ellos, en especial de Will.

Es que el papel de adolescente travieso le caía de perillas a Smith, y fue gracias a esta canción (en especial por el videoclip que la rompió en MTV) que fue contactado por los productores de la cadena NBC para dar vida al personaje principal de una serie llamada The Fresh Prince of Bel-Air, donde el rapero le daba vida a un muchacho oriundo de Filadelfia que es enviado por su madre a la casa de unos parientes millonarios de Bel-Air, en Los Ángeles. Esta serie fue todo un éxito a nivel mundial, y ayudó a que el rapero empezara con buen pie una fructífera carrera como actor cosechando fama y buenas criticas hasta estos días.

Le damos lugar en este Blog a una canción memorable, quizás no tan histórica ni tan importante para el género del rap, pero fue un éxito radial que cambió la vida de este dúo norteamericano que supo mezclar buenas bases con letras simples y entretenidas.
Que la disfruten!

WALKING ON SUNSHINE / KATRINA & THE WAVES

"Walking on Sunshine" es una canción de la banda británica Katrina and the Waves, que fue lanzada oficialmente como single un 17 de Junio del año 1985 y que está incluída en su exitoso disco debut del mismo nombre editado en Junio del año 1983.

Liderados por el creativo guitarrista y compositor Kimberley Rew , quien se unió a la banda cuando la cantante estadounidense Katrina Leskanich y el baterista Alex Cooper ya tenían a media máquina el proyecto, esta banda logró ser muy reconocida en tierras británicas, donde su simple Pop y su maravillosa actitud positiva tenía a muchos críticos con la sonrisa ancha. No así en Estados Unidos, donde la banda es reconocida simplemente por este hit y pasó a formar parte del aclamado club de los artistas "One-Hit Wonder".

Esta canción, que es sin lugar a dudas el hit mundial de la banda, fue escrita por Kimberly Rew, quien ya tenía un curriculum musical muy amplio tras formar parte entre 1978 y 1980 de la mítica banda The Soft Boys, considerada por la prensa especializada como una de las agrupaciones históricas dentro del Punk de fines de los 70's y de vital importancia para entender de manera perfecta ese estilo musical.
Pero en su etapa con Katrina & The Waves, el guitarrista empezó a crear divertidas melodías y entre esas se destaca la inmortal "Walking On Sunshine", que marcó la cancha dentro del Pop Ochentero.

Puede que la canción sea una "tonta y simple melodía" sin sentido, pero para los nostálgicos esta canción debe importar mucho, y eso se vé reflejado en cada compilado de los 80's donde "Walking on Sunshine" siempre está en el tracklist.
Para esta canción Rew utilizó todos los ganchos y las "mañas" sonoras que debía tener una canción para ser un hit seguro. Un pegajoso solo de bronces (interpretados por Kevin Flanagan), un inolvidable ritmo en la batería y una guitarra que deleita con la cimpleza de su riff. Todo ese manto sonoro acompaña la cálida voz de Katrina Leskanich, que de inmediato transmite energias positivas y no deja a nadie sentado en las fiestas. En fin, estamos hablando de un hit de primera división...

Una vez liberada como single (aunque en 1983 tuvo su primer intento en los charts pero no le fue muy bien), la canción fue todo un hit y dió la vuelta al mundo. Llegó al octavo puesto del UK Singles Charts y de paso entró a la casilla #9 del Billboard Hot 100, siendo de inmediato un hit en tierras norteamericanas. Además fue nominada a los premio Grammy, y ya eso era una sorpresa para el mercado musical de esos años, ya que hacía años que una banda inglesa no lograba tener un debut tan exitoso en los Estados Unidos.

De ahí en adelante la canción fue grito y plata para la banda, si hasta el personaje principal de la serie Futurama la cantaba en un capitulo. Pero eso no es todo, a partir de su éxito "Walking On Sunshine" tuvo su aparición en varias bandas sonoras, donde destacan las cintas: The Secret of My Success (1987), Bean: The Ultimate Disaster Movie (1997) y American Psycho (2000).
Ni hablar del éxito comercial de la canción en cuanto a su uso en la publicidad. Es muy común escucharla en varias propagandas de televisión y radio. Sobre esto, los gerentes de EMI han declarado que gracias a "Walking on Sunshine" logran captar buenos dividendos año tras año, ya que es muy solicitada por las grandes marcas.

En fin, un hit de tomo y lomo que de seguro a mas de alguien le traera buenos recuerdos de los 80's. Una canción memorable, histórica y que no debe faltar en ningun tracklist de esas fiestas que llaman a la nostalgia. Es el gran hit de esta banda inglesa, y con el cual sepultaron su carrera, ya que tras el gran éxito de este single decidieron probar suerte con nuevas melodías en su segundo disco pero ya no era lo mismo, ya que si no sonaba como WOS simplemente era algo normal y parecido al resto...
Que la disfruten!

JUNK / PAUL McCARTNEY

"Junk" es una canción del famoso músico británico Paul McCartney, que fue incluída en "McCartney", el disco que lanzó en Abril de 1970, en calidad de solista, este artista tras la repentina ruptura con The Beatles.
Mientras los medios estaban de luto por el fin de esa mpitica banda, uno de sus cerebros creativos ya andaba buscando nuevas canciones para emprender su vuelo propio. Asi fue como de manera artesanal, auto-produciendo melodías, tocando todos los instrumentos y trabajndo entre el estudio Abbey Road y en su casa, Paul logra lanzar un disco muy intimo y que en un principio fue duramente criticado por la prensa. "McCartney" sonaba a nostalgia, sonaba a un hombre apurado por no renunciar a la fama ni pasar al olvido eterno. Pero lo mas importante: Era un disco que iba a tomar importancia con el paso de los años, una vez que la sombra Beatle pasar a descansar en paz.

Una de esas canciones que destaca entre todo el maravilloso repertorio del LP es la melancólica y oscura balada "Junk", que data del año 1968 cuando Paul junto a sus compañeros se encontraban en un retiro espiritual con el Maharishi en la ciudad de Rishikesh, en la India.
"Fue escrita originalmente en la India, en el campamento del Maharishi, y se terminó poco a poco en Londres. En esa ocasión grabamos las voces, dos guitarras acústicas, y el bajo lo grabamos en la casa." declaró Paul en una entrevista en 1970.
Fue en esas tierras donde Paul escribió parte de la canción y la pasó a llamar "Jubilee". En primera instancia, Paul había seleccionado esta canción para grabarla en el disco "The Beatles" (mas conocido como el "White Album") pero por una extraña razón decidió sacarla de su tracklist y la dejó escondida en alguna cinta bajo el llamativo título "Junk In The Yard".
En las sesiones "Get Back", de enero de 1969 en los Twickenham Film Studios, Paul volvió a retomar esta canción, pero finalmente fue usada como chiste y material de relleno parapasar el aburrimiento, ya que servía para hacer bromas en un idioma que supuestamente era el francés.

Finalmente, Paul quizo hacer oficial esta canción y la incluyó en su primer disco oficial como solista que estaba preparando a su ritmo. Finalmente, y sin tantos arreglos con respecto a las versiones "demo", "Junk" fue grabada en tan solo dos tomas en su casa ubicada en Cavendish Avenue, de Londres.
En esas míticas sesiones aparece una rareza que también fue incluída en "McCartney": Una versión instrumental de la canción, titulada "Junk Singalong". Con un juego de percusión mas llamativo y potente (hay mas tambores en esta cinta), y con un delicado piano en la voz principal, esta pieza llegó a ser muy cuestionada por la fanaticada. de hecho, gente que trabajó o estuvo en esos años junto a Paul en el periodo de grabación de este disco han declarado que la idea original del ex-Beatle era usar esta base musical en la versión del disco, pero finalmente por falta de tiempo tuvo que lanzarla de manera acústica.

El 25 de Enero del año 1991, en las grabaciones del MTV Unplugged, Paul McCartney se dió el lujo de interpretar la versión instrumental de esta canción, siendo el unico registro en vivo de esta preciosa "rola" con extraño título.

Una canción memorable, delicada y de una interesante sensación de relajo y de paseo por la nostalgia... Es otra joya de Paul, es otra melodía eterna.
Que la disfruten!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

KANSAS CITY / WILBERT HARRISON

"Kansas City" es una canción del cantante estadounidense Wilbert Harrison, que fue lanzada como single en Abril del año 1959 cosechando gran fama en los medios de comunicación y de paso darle una mano de recnocimeinto a la consagrada dupla de compositores formada por Jerry Leiber y Mike Stoller, quienes eran los autores de esta pieza musical.
Influenciado por el country y el gospel, Wilbert Harrison (1929- 1994) empezó una carrera musical que "pintaba" para mucho más que un puñado de canciones conocidas. Dueño de un talento y un carisma especial, este cantante empezó siendo un gran proyecto para su discográfica quienes con el paso de los años fueron quedando muy decepcionados con la baja de ventas de sus discos, y eso se vió reflejado en que después de alcanzar la fama con "Kansas City" tuvieron que pasar casi diez años para que volviera a los podios para luego nuevamente decaer en canciones que pasaron rápidamente al olvido.

Pero la canción "Kansas City" tiene su nacimiento en el año 1952, cuando unos desconocidos Leiber y Stoller empezaban sus primeros pasos a la fama escribiendole esta canción para el pianista y cantante texano Little Willie Littlefield.
La historia cuenta que el nexo entre la pareja de compositores y el pianista fue el productor Ralph Bass, quien andaba en busca de una canción que golpeara fuerte en las radios. Pero no todo iba viento en popa, ya que ellos aceptaron con ciertas dudas esa idea y le cedieron una pieza llamada "K.C. Lovin'" (que luego pasaría al título que hoy conocemos), la cuál venía con algo de polémica ya que había ocasionado cierta tensión dentro de la dupla. En un principio la canción iba a ser algo parecido a una balada, pero a ultima hora Leiber (quien estuvo a cargo de la lírica) decidió dar una vuelta a la canción y ponerle un ritmo mas ligado a R&B, lo que ocasionó el enojo de Stoller.
En una entrevista con Mojo en el año 2009, Leiber se refirió a ese tenso momento, y argumentó que tras escuchar la música hecha por Stoller en primera instancia se paró de la silla y declaró "Eso suena bastante cursi, es como las de Benny Goodman o algo así. Mejor hagamos algo realmente original. Luego Stoller me dijo: "¿Cómo qué?", y empecé a cantarla en formato blues. Luego me dijo: 'No me gusta eso, hay un centenar de canciones parecidas a esa". Tras varios minutos de alegatos , Mike se puso al piano y la interpretó basándose en mi idea y realmente fue un éxito"

Tal como leen, finalmente ganó la idea de Leiber y decidieron enseñarle la pieza Little Willie Littlefield, quien la grabaría a mediados de 1952 en los estudios del sello King en Los Angeles. En esa sesión, el productor Ralph Bass decidió cambiar el título "K.C Love" por "Kansas City", ya que loencontraba mas "a la moda" (en esos años la mayoría de las canciones famosas llevaba nombres de ciudades o pueblos estadounidenses)
La versión de Littlefield tuvo poco éxito en los charts, y tras varias semanas en perdida en los charts se perdió todo rastro de la grabación...

Ahora viajemos al año 1959, época en que Jerry Leiber y Mike Stoller besaban el suelo de tanta fama tras estar detrás de varios éxitos de artistas de la talla de Elvis Presley, Ben E. King, The Coasters entre otros. En marzo de ese año, el productor Bobby Robinson se contactó con la dupla de compositores para pedirle los derechos de "Kansas City", ya que quería hacer una re-versión junto a su pupilo Wilbert Harrison. En esa sesión de grabación, Harrison invitó al talentoso guitarrista Jimmy Spruill para que se hiciera a cargo de los solos.

Basados en la versión de Little Willie Littlefield, y con un pequeño cambio en la letra, en una semana ya tenían lista la nueva versión de la canción y en Abril ya estaba sonando en las radios.
A diferencia de la versión original, "Kansas City" en voz de Harrison fue todo un éxito y llegó al puesto #1 de los charts en Estados Unidos, y de paso elevó a la fama a este cantante de Carolina del Norte. Seis semanas estuvo en el primer puesto de los charts y de paso dió la vuelta al mundo, influenciando a los mismísmos Beatles (que ya la tocaban en sus inicios) y que en el año 1964 la grabarían en su disco "Beatles For Sale" basándose en el medley que le hizo Little Richard, mezclándola con"Hey, Hey, Hey, Hey". Pero ninguna versión logró igualar el éxito de Harrison...

Sobre la versión de los Beatles existe una llamativa anécdota. Resulta que en septiembre del año 1964, y tras el "revival" de la canción por parte de los fab-four y aprovechando que estaban promocionando sus singles en Estados Unidos (meses después empezaría la Beatlemanía), apareció en las oficinas de la banda el famoso empresario estadounidense Charles O. Finley, quien en ese entonces era el propietario del equipo de baseball Kansas City Athletics. Se cuenta que el empresario puso en la mesa del manager de la banda una fardo con 150 mil dólares con el fin de que la banda se presentara en su estadio y de paso entonara esa vieja canción popularizada por Harrison en 1959 y que era entonada como un himno por la hinchada del equipo. Epstein aceptó el trato y asi fue como el 17 de septiembre de ese año la banda tocó un set de 12 canciones donde incluían su versión de "Kansas City". Si bien el estadio tenía una capacidad para 40 mil personas, sólo llegaron al evento unas 20 mil, y eso se debía a que muchos fanáticos del equipo estaban muy enojados con el mandato de Finley, quien les había cambiado los colores de la camiseta, había comprado jugadores que fueron fracaso y además tenía al equipo en los ultimos lugares de la liga. Sin embargo, esa fue la única actuación en Estados Unidos donde los Beatles interpretaron esta canción (por ahí alguien saldrá con la idea de que la tocaron el programa de la televisión estadounidense Shindig!, y están en lo cierto, pero esa actuación fue grabada en Inglaterra) .

Por ultimo, y para fonalizar este interesante post, en una reciente entrevista los autores de la canción declararon que en esos años no conocían Kansas, y que recién en el año 1986 viajaron a esas tierras por motivo de trabajo y también por curiosidad ya que solo la conocían por fotos...
Que la disfruten!

THE MILLIONARE WALTZ / QUEEN

"The Millionaire Waltz" es una canción de la banda británica Queen que está incluída en "A Day at The Races", su quinto trabajo musical que vió la luz pública un 10 de Diciembre del año 1976 y con el cuál lograron seguir con el éxito en crecimiento absoluto.

Este disco nuevamente traían toda la energía y el talento especial de estos cuatro músicos, quienes volvían a la carga con un trabajo lleno de piezas musicales que iban desde el hard Rock mas puro hasta baladas al compás de vals y con tonos de ópera y música barroca. Esto ultimo, fue lo que más impacto en el disco, los excesos vitales de coros llamativos y una producción ideada simplemente por ellos mismo marcaron la pauta de uno de sus trabajos mas recordados.

Una de esas canciones que componen el disco es "Millionare Waltz", una pieza con aroma a vals y con ciertos arreglos musicales similares a la, ya en ese entonces clásica, "Bohemian Rhapsody". De hecho fue el mismísimo Freddie Mercury quien la escribió en tono de homenaje ( irónico??) sobre su manager de ese entonces, el señor John Reid.
Es que tras tener malas experiencas con sus antiguos manager, la banda tuvo cierta cercanía con Peter Grant, quien era el manager de los Led Zeppelin pero al ver y analizar que sus propuestas eran bien extrañas y de altas sumas de dinero decidieron ir en busca del que por esos días era manager y pareja de Elton John, el mencionado John Reid.
Con Reid, la banda empezó a tomar fuerza en el ámbito de las presentaciones en vivo, especialmente en lo que se refería a tecnología de punta y busqueda de espacios para espectaculos masivos, ya que la venta de los disco y el éxito de las canciones en los medios de comunicació hacían crecer cada día mas a la fanaticada de Queen.

Asi, Mercury quizo crear un momento clásico dentro del disco e incluyó esta canción que contiene unos arreglos magistrales y en donde cada integrates (especialmente May y Deacon) se lució en su respectivo instrumento. De hecho, en una entrevista con Capital Radio el cantante de la banda declaró sobre esta canción: "En realidad me gustaría decir que Brian (May) hizo un excelente. Ha logrado calzar de manera justa y perfecta en orquestación, y no sé como lo hará en vivo. John (Deacon) tocó un excelente bajo, dado que él es muy bueno en eso. En verdad, creo que se las ingenió de manera notable para sacar este tema".
Estaba mas que claro, el instrumento que mas destaca, aparte del divertido solo de piano y los llamativos acordes de la guitarra de May, es la línea de bajo que es una de las mejores performance de Deacon hasta ese entonces (después volvería a dar clase con varios "solos" clásicos)

Pocos hablan de la importancia que tuvo John Deacon dentro de la banda. Es que pese a que contribuyó con grandes éxitos para Queen en calidad de compositor, su rol pasivo y su timídez frente a la muchachada siempre lo tenía alejado y simplemente concentrado en su instrumento. Al parecer, y según dicen muchos biografos, él siempre fue así, un tipo que era pausado y que además era muy activo para los negocios y no se le iba ninguna moneda fuera del tiesto (?).
De hecho, en 1978 cuando John Reid dejó de ser el manager de la banda quien tomó las riendas comerciales de la banda fue el bajista. "John tiene muy buen ojo para los negocios. También cuenta con una comprensión y una inteligencia muy completa del ritmo y de cómo deben funcionar conjuntamente el rock y los business" declararía Brian May en una entrevista años después.

Si bien no fue lanzada como single par alos fanáticos de la banda esta canción es una joya perfecta y muestra todo el talento como compositor de Freddie Mercury, quien se "peinaba" en el piano y además gustaba experimentar nuevos estilos musicales aprovechando su camaleónica y brillante voz.
Con extremos musicales, que pasan del vals al rock mas potente (tal como lo hizo en "Bohemian Rhapsody") esta pieza musical pasar a tomar parte de esas creaciones de Queen que son de exclusividad para gusto no tan "poperos" y pasan a la alineación de canciones aptas para ver que Queen no era una simple banda de Rock...
Que la disfruten!!!! y de paso un feliz cumpleaños al gran Freddie Mercury, un hombre talentoso, un músico de verdad y una leyenda del Rock!

99 / TOTO

"99" es una canción de la famosa banda estadounidense Toto, que fue lanzada como single en el año 1979 como el segundo corte comercial de su, también segundo trabajo musical, Hydra.
Si bien este trabajo musical se vió eclipsado por la alta popularidad de su debut con el famoso homónimo que los elevó a la fama absoluta. Pero mas allá de la dura crítica que le hicieron los "especialistas" de esos años, en "Hydra" podemos disfrutar nuevamente de las novedosas creaciones musicales de esta banda integrada por músicos de mucha experiencia, quienes se podían dar el lujo de experimentar y mezclar diversos estilos musicales sin despeinar sus melenas (?).

Esta canción, escrita por el tecladista David Paich, estaba inspirada en el largometraje THX 1138, que marcaba el debut oficial en el año 1971 de un joven director de cine llamado George Lucas. "Esa película me impactó, ya que mostraba a un país bajo un estado totalitario donde el ser humano pierde toda individualidad ya que el el gobierno tenía todo el control sobre la población " señalaría el músico en una entrevista radial.

Para la fanaticada, de seguro, fue impactante escuchar esta canción dentro del Hydra, ya que en medio de sus ganchos poperos con algo de R &B había ciertos detalles raros, partiendo por el título. Pero la "rola" era emocionante, y contaba con un trabajo perfecto por parte del talentoso guitarrista Steve Lukather y unos interesantes ganchos "clásicos" en el teclado de David Paich. Entre ellos está la base musical de esta pieza musical que trataba sobre un amor no correspondido y que al igual que los integrantes de esa pelicula de GL lleva por nombre una ciffra numérica.

En el videoclip queda mas que claro la influencia que tuvo esa cinta para la canción. El fondo blanco, y la estetica futurista llamaban bastante la atención para la fanaticada, quienesreaccionaron de manera muy positiva por el nuevo trabajo de su banda favorita.
De hecho, la estetica del video fue muy "copiada" por otras bandas, quienes promocionaron sus singles con escenas muy parecidas o inspiradas en este videoclip.

Pero, en un principio, fue harta la gente que no entendía mucho la estética ni el contexto de la canción y asoció el título con la nueva moda que se estaba dando en la NFL y la NHL, donde aparecieron varios jugadores vistiendo la camiseta 99 y resistiendo con personalidad a la bronca y a las multas de los dirigentes de alto grado. Esto se debía a que justo cuando la canción sonaba en las radios apareció en la cancha de los New York Jets un renovado Mark Gastineau vistiendo en su espalda el número 99 y días después el talentoso jugador de hockey sobre hielo ,Wayne Gretzky hacía lo mismo y de paso le saca ronchas a los fanaticos más conservadores. Pero la culpa no fue de Toto!

Con esa llamativa anécdota cerramos este homenaje a Toto, una banda ejemplar, llena de buenos músicos y que dictó catedra en los 80's sobre el como crear buenas canciones y ganar mas por el talento que por la facha.
Que la disfruten!

LOVE COMES QUICKLY / PET SHOP BOYS

"Love Comes Quickly" es una canción del famoso duo británico de synthpop, Pet Shop Boys que fue lanzada como single un 24 de Febrero del año 1986 promocionando su exitoso disco debut "Please".

Formada por el cantante y critico musical Neil Tennant junto al tecladista y compositor Chris Loowe, Pet Shop Boys marcó la cancha a mitad de los ochentas con un sonido Pop novedoso que mezclaba varios estilos musicales en medio de sus creaciones. Por ello, su primer paso musical a la fama y al trno del tecno-Pop fue el disco Please, que tuvo un éxito rotundo en ventas y que estaba marcado por el uso de pistas musicales simples pero mezcladas con una lírica muy potente y de alta calidad. Esos detalles los desmarcaba de varias bandas desechables que pasaban sin pena ni gloria por el Pop para terminar siendo devoradas por un sólo hit de paso en en el olvido absluto. Los PSB estaban para otra cosa, y eso quedó claro desde su primer LP.

Tras lanzar como single dos potentes y energéticas canciones como "West End Girls" y "Opportunities", la banda decide publicar un nuevo corte comercial algo mas calmado y a la vez con un toque de oscuro romanticismo. La pista elegida fue "Love Comes Quickly", una pieza ideada creada por Neil Tennant y Chris Lowe, y que tuvo una cooperación en los arreglos del productor estadounidense Stephen Hague, que es considerado por la crítica y los historiadores musicales como un pilar fundamental para el éxito del synth-Pop a nivel mundial debido a sus creativos aportes dentro de este género.

La Canción habla sobre el amor, y el como las personas no pueden vivir sin ese conjunto de sentimientos. Quizás puede sonar "cursi" o simplón, pero el mensaje de "Love Comes Quickly", iba dedicado tanto a las parejas heterosexuales como a las homosexuales, ya que la libertad de pensamiento y actitud tenía que ir junto a la mano músical de la banda.

Bajo un llamativo manto de sintetizadores y secuencias, esta canción toma un tono frío y abrumador. Estos detalles nacen de la idea "made in Tennant" de mezclar toques del Italodisco pegados al new wave británico, logrando algo de alta claidad musical.
Una de las partes mas apludidas de la canción es, sin lugar a dudas, los coros que fueron arreglados de manera muy detallada por Stephen Hague.
En la parte final se puede escuchar un solo de saxofón, el cuál fue interpretado de manera magistral (?) por el señor Andy Mackay, que era miembro de la banda Roxy Music y que además era amigos de este dúo. De hecho, los integrantes de PSB declararon que esa parte de la canción estaba dedicada a esa mítica banda inglesa que marcó a muchos músicos de esa época por su extensas experimentaciones musicales. Por ello, Tennant y Lowe crearon esa atmósfera musical para rendirle un justo homenaje a sus colegas.

Finalmente, esta canción llegó al puesto #19 del UK Singles Charts y a la casilla #62 del Billboard Hot 100. En Alemania, Bélgica y Suiza esta canción tuvo un repentido éxito e incluso le dió especio para ser incluída en cada disco "Greatest Hit" que publicara la banda con el paso de los años.
Que la disfruten!

CRY FOR A SHADOW / THE BEATLES

"Cry for a Shadow" es una instrumental de la famosa banda británica The Beatles, que fue grabado un 22 de Junio del año 1961 y que tuvo su aparición oficial recien en Noviembre del año 1995 cuando fue incluída dentro del famoso proyecto musical Anthology 1, que reunía un buen material de rarezas musicales y entrevistas sobre el periodo pre-Beatle.

La historia cuenta que en Junio del año 1961, The Beatles habían vuelto a tocar en varios bares de mala muerte en Hamburgo. En esas extensas sesiones musicales, ellos entrenaban cada día un nuevo repertorio emzclándolo con re-versiones de los clásicos del rock and roll que sonaban en ese momento.
En una de esas actuaciones les tocó compartir escenario con sus compatriotas de Rory Storm and the Hurricanes (donde la baterísta era el señor Ringo Starr). Antes de salir a escena, y mientras afinaban sus guitarras, el cantante Rory Storm le preguntó a un tímido George Harrison si se sabía losa cordes de los recientes hits de la banda The Shadows, como "Apache" o "Frightened City". De inmediato Harrison empezó a improvisar unas cuantas notas en su "viola", pero dentro de ese invento de acrodes encontró una melodía simpática, simplona pero eficaz para tocar en alguna presentación. A medida que pasaron las actuaciones y los ensayos, ese instrumental fue arreglado por Lennon y pasó a ser bautizada como "Beatles Bop".

Pasaron unas semanas, y The Beatles (que en ese entonces se llamaban "Silver Beatles") fueron contactados por el productor Bert Kaempfert, que trabajaba en esos días con cantante inglés Tony Sheridan, quien se encontraba en tierras alemanas con el fin de grabar un disco pero no tenía una banda de apoyo. Asi que Paul, George, John y el baterista Pete Best decidieron probar suerte y agarrar experiencia bajo el nombre de"The Beat Brothers".
Sheridan y sus cuatro compatriotas (los cuáles se declaraban fanáticos de este cantante y lo apodaban cariñosamente "Teacher") firmaron para el sello Polydor y de inmediato empezaron a trabajar, ocupando como estudio de grabación una sala de actos de una escuela básica en Hamburgo.

Un 22 de Junio de 1961, y tras una agotadora sesión de grabación del repertorio de Sheridan, el productor les dejó un espacio a los Beatles para que grabaran alguna que otra canción que tuvieran preparadas. Asi que los cuatro chicos de Liverpool decidieron grabar su fantástico cover del clásico "Ain't She Sweet", y un instrumental acreditado a Lennon - Harrison llamado "Beatles Bop", y que tras escuchar el resultado final pasó a ser bautizada como "Cry For A Shadow", que era una arreglada versión de esa improvisación creada por Harrison para demostrar su fanatismo por las canciones de The Shadows y que contaba con unos llamativos gritos en la voz de Paul y John.
En el documental del Anthology, Harrison declaró sobre esa sesión de grabación: "Para nosotros era algo decepcionante, porque teníamos esperanza de firmar un contrato como banda con algun sello. A pesar de que grabamos Ain't She Sweet y el instrumental Cry For A Shadow sin Sheridan, no pudimos registrarlas con el nombre de la banda ".

Desde ese día en que la grabaron, este insturmental quedó perdido en alguna cinta del sello Polydor, hasta que en el año 1964, cuando todo el mundo bailaba y giraba por medio The Beatles, los empresarios del sello Polydor se colgaron de la fama de los fab-Four y lanzaron un single de apoyo a Sheridan, con la canción "Why" y en el lado B presentaron este instrumental de The Beatles, el cuál ya era una rareza para los fanáticos. Este single fue lanzado en Marzo de 1964 en el Reino Unido y en Estados Unidos, y obviamente provocó cierto enojo del manager y los integrantes de la banda ya que sentían que se estaban aprovechando de su fama, y con eso podían vender y promocionar los discos de sus artistas bajo la promoción de ese material hasta ese entonces inédito en tierras británicas.

En 1987, Harrison se dió el tiempo de analizar esta canción, hablar sobre su fanatismo por los Shadows y poner uno que otro dato interesante para la fanaticada: "En Hamburgo teníamos que tocar por varias horas, y eso llevó a que tocaramos "Apache". Un día, mientras jugabamos e improvisabamos melodías con nuestras Rickenbacker, y le cambiabamos acordes a esa canción de los Shadows apareció esta melodía divertida, que había sido ideada por una improvisación días atrás. La arreglamos y la empezamos a tocar en las actuaciones".

"Cry for a Shadow" vendría siendo el reflejo de lo que después sería esta banda para el mundo. Aqui demostraban que de sus influencias musicales, que era tan variada, podían crear melodías llamativas y de alto calibre musical. Si bien, este instrumental puede sonar vago, simple o como algo de relleno, hay que destacar que en esa época, donde las bandas solo hacían y sobrevivían a punta de covers, Los Beatles ya empezaban a marcar la cancha y a crear música, que con el paso de tiempo los dejó como una de las bandas de rock and roll mas famosas de todo los tiempos.

Que la disfruten!