MARTHA MY DEAR / THE BEATLES

"Martha My Dear" es una canción de la banda británica The Beatles, que tuvo su aparición oficial un 22 de Noviembre del año 1968 en el famoso disco homónimo, que los fans bautizaron como el "White Album" por su simple portada.

Ese complicado disco doble (que contó con casi 40 músico de sesión!), llevó nuevamente a The Beatles a un panorama histórico para el Rock de verdad. Con un tracklist memorable e histórico, donde cada integrante de la banda tuvo su espacio y su estudio para hacer simplemente lo que les diera la gana, este trabajo musical es una joya que brilla de lejos.
Un disco que trae una mezcla muy singular de estilos musicales que van desde la simpleza y pureza de un rock and roll, hasta el blues mas cruel, paasando por algo de música de salón, toques de psicodelia, unas experimentaciones burlonas y todo lo necesario para que un disco Beatle encante a su gente.

Para esas sesiones de grabación, los músicos buscaban cualquier cosa para buscar inspiración. Desde la paz mundial hasta una caja de bombones, es que todo servía para buscar esa canción que navegaba en el viento.
Un buen ejemplo es "Martha My Dear", escrita e interpretada por Paul McCartney, la cuál tenía su inspiración en su cariñosa perrita de raza pastor inglés que estaba bautizada de manera informal con ese nombre. "Ella fue mi mascota favorita, y la quería mucho. Recuerdo que John (Lennon) se sorprendió al saber que yo era un amante de los animales. Me acuerdo que dijo "nunca lo había imaginado de tí, Paul". Desde ese día lo quedé pensando, y quizás era verdad. Es que cuando abrazas a un perro o a tu mascota, es algo genial, y ella era una perrita muy, muy tierna" señalaría Paul en una entrevista al ser consultado por esta canción y por su "musa".

La historia cuenta, que en el año 1965 y tras comprar su casa en Cavendish Avenue, Londres McCartney decidi´po adquierir un cachorro de raza Pastor Inglés. De tanto buscar, encontró a "Martha", que de inmediato se ganó el cariño del músico por su fidelidad y su buen humor.
Una de esas tardes, y mientras pasaba un buen descanso en esa casa junto a Martha, Paul empezó a practicar nuevas técnicas de interpretación en el piano. Es que Paul no manejaba a la perfección ese instrumento e incluso simplemente lo tocaba con una mano, ya que era la manera mas simple para un zurdo. Por ello, cada vez que llegaba a su casa, se sentaba al piano y empezaba a practicar de la misma forma que cuando era niño, o sea hasta llegar a la perfección.
En una de esas improvisaciones a dos manos nace una melodia con aires a "music Hall", y que no sonaba tan mal. "Recuerdo que varias personas quedaron sorprendidas por mi avance en el piano, y además por la melodía que había logrado crear e interpretar. Es que se notaba que esa partitura musical estaba más arriba de mi técnica o de mi habilidad en las teclas. Pero la escribí para eso, para intentar cosas complejas y aprender. recuerdo que aún no desbloqueaba las frases, hasta que un día apareció la frase "Martha My Dear" que calzaba justo con la melodía" comentaría el autor en una de sus tantas biografías.

De esa manera sale al mundo real una letra fantástica y muy particular, donde el autor le cuenta a su mascota ( o quizás es la excusa perfecta para reclamar amor a su, entonces, novia Jane Asher) todo el cariño que le tiene y además le señala que aunque tenga mal genio o a ratos se porte mal, siempre la amistad iba a estar primero. Asi lo señalaría Paul en las hojas del libro "Many Years From Now", del señor Barry Miles: " Es una comunicación con algo de afecto en el medio, aunque un poco abstracta- "You silly girl, look what you've done"- y cosas por el estilo. Estas canciones son así. Considerando que varias personas creen que la canción está dedicada a una chica llamada Martha, la verdad es que fue escrita para mi perra, y creánme que ambos tenemos una relación platónica".

Pero, tal como adelantamos más arriba, al parecer esta canción esta escrita en sentido figurado, y el cariño hacia Martha es la excusa perfecta para que Paul hable y reclame cosas de su tormentosa relación amorosa con Jane Asher, que en ese entonces pasaba nuevamente por un momento bajo y que llevaría al fin definitivo de la pareja.
Pero en ninguna entrevista a "Macca", posterior al Lp , este ha dado señales de que la canción tiene ese rumbo en su letra, e incluso ha llegado a declarar que esa tal "Martha", aparte de ser el nombre de su mascota, también era una forma de señalar y describir a su "musa" creativa mental, la cuál le ayudaba a capturar frases de la nada para crear buenas canciones , tal como lo hicieran años después Paul Simon con "Cecilia" y el gran Bob Dylan con "Love Minus Zero / No Limit". Bajo ese extraño panorama, lo único estrictamente real en todo esto es que fue escrita para ese perro Pastor Inglés.

Un 4 de Octubre del año 1968 fue la fecha donde se empezó a trabajar esta canción en los "Trident Studios", ubicado en Londres. En esa ocasión Paul se hizo de las suyas y grabó parte de la voz, el piano y la batería. Una vez que terminaron eso, Los Beatles tomaron un descanso y a las 6 de la tarde George Martin hizo ingresar a 14 músicos de sesión para grabar las partes de cuerda y bronces que había ideado para esta canción con el permiso de McCartney. Ese día trabajaron hasta las 9 de la noche.
A partir de la media noche, Paul volvió al estudio de grabación y terminó de grabar la voz principal y le agregó un sonido de palmas a la cinta. Antes de las 4 de la madrugada, Paul ya tenía lista y grabada la línea de bajo y una parte de guitarra solista.

De esa manera, salió a la luz publica una joya "made in Macca", que le dió un plus al disco y demostró que la creatividad de cada Beatleestaba en alza, e incluso iba de la mano con los cambios sociales de la epoca sesentera.
Una balada con dedicación a su mascota favorita, la cuál acompañó " sin querer queriendo" a McCartney en la etapa final de The Beatles.
Que la disfruten!

CUM ON FEEL THE NOIZE / SLADE

"Cum On Feel the Noize" es una canción de la banda británica Slade que fue lanzada como single un 23 de Febrero del año 1973 y que en Septiembre de ese año fue incuída en el compilado Sladest.

Considerados como una agrupación escencial para el Glam Rock de los 70's, esta banda de Wolverhampton supo hacer carrera musical gracias a sus agresivas y fiesteras melodías, que siempre traían una que otra sorpresa para su fanaticada. Además hay que destacar que cada uno de los integrantes ya contaba con una gran experiencia en los escenarios rockeros ya que habían pertenecido a varias bandas que tuvieron un moderado éxito en los 60's pero con ello lograban tener mas segurdad a la hora de crear canciones y modelar sus discos bajo ese estilo musical tan popular en la década de los 70's.

Tras romperla con todo gracias a su memorable tercer disco, el recomendado Slayed?, la banda ya había tomado el vuelo suficiente para empezar a hacer amistad con la fama y las extensas giras por todo el mundo.
Con esto, Slade lograba sobresalir dentro del género Glam por sus potentes canciones y una puesta en escena que era de alta calidad a la hora de tocar en vivo.
Por ello, inspirados en esa creciente fama, en el cambio rotundo de vida rockera y de pasar a tocar en teatros a llenar estadios, los integrantes de la banda decidieron crear una pieza rockera en homenaje a los fans y quizás a ellos mismos también.

Los encargados de escribir esa canción fueron el bajista y violinista Jim Lea y el guitarrista Noddy Holder. Este último, declaró años despues en su autobiografía que la canción trataba de recrear y describir las sensaciones mágicas que tenían en cada concierto, donde hasta los gritos y el extásis del público eran el premio a tanto esfuerzo por lograr la tan anhelada fama.
"Recuerdo que cuando tocabamos en cualquier escenario, la gente cantaba tan fuerte nuestras canciones que no podía oír mi voz al cantar" comentaría el guitarrista en su libro. Además señaló que originalmente esta canción se llamaba "Cum on Hear the Noize", pero tras ensayarla y sentir su potencia, fue Jim Lea quien decidió cambiar ese título por el que quedaría de forma definitiva.
Siguiendo en el tema de la temática de la canción, en el año 1986 el guitarrista Dave Hill comentó en una conferencia con un club de fans que esta "canción se basó en nuesto público y las cosas que estaban ocurriendo entre nosotros. Estaba sólo basada en nuestras duras experiencias".

"Cum On Feel the Noize" fue grabada bajo la producción del gran Chas Chandler, que en ese entonces ya era parte de la historia del rock no sólo por escribir emblemáticas canciones en los 60's sino que por ser el productor y manager de Jimi Hendrix, y por ser de vital ayuda para que el zurdo guitarrista tuviera buena recepción en tierras británicas. Por ello y bajo ese curriculum, para la banda era un sitial de aprendizaje trabajar con este productor que tenía en mente buenas ideas para que la banda la rompiera en los charts. Por algo era su manager y productor...

Con un improvisado "Baby Baby Baby", que años después los mismos integrantes de la banda señalarían que fue producto de un error de Holder ya que sólo era la prueba del micrófono antes de entrar a depurar las cintas, la canción empieza con una energía típica de los hits de esta gran banda.
Con una sólida base de guitarras ligadas con efectivos riffs, esta canción toma de inmediato un tono festivo a la hora de escuchar el coro, el cuál calza de manera perfecta para que el público quede disfónico en los conciertos. En esa parte está la fórmula de esta canción: Un coro pegadizo y una energía rockera de alta calidad.

Una vez que el single tocó los estantes de las disqueras de todo el Reino Unido, ya los gerentes del sello discográfico de la banda se frotaban las manos con felicidad extrema porque tenían casi medio millón de pedidos por adelantado.
Pero eso no sería todo, ya que en menos de 3 semanas, el single ya había vendido otras 500 mil copias, y con ello logró llegar al puesto #1 del UK Singles charts. donde se mantuvo por 12 semanas.
Distinta fue la suerte en tierras estadounidense, donde Slade no lograba sacar puntos de visita. Solo llegó al puesto #98 del Billboard Hot 100, pero igual logró ser influencia para algunas bandas locales. Un ejemplo fue la banda neoyorkina Kiss, quienes inspirados en la energía y el coro de esta rola escribieron su legendaria y poderosa "Rock and Roll All Nite", otro himno rockero de alta calidad.

Pero la revancha de la canción en tierras norteamericanas vendría en el año 1983, pero en las voces de la banda local Quiet Riot, quienes en ese entonces pasaban por una mala racha musical desde 1975 sin tener un hit potente, y que decidieron poner esta canción dentro de su Metal Health (que tiene el record de ser el primer disco de Heavy Metal en llegar a la cima en las listas estadounidenses).
Su renovada versión fue todo un éxito en Estados Unidos, llegando al puesto #5 del Billboard Hot 100, y todo gracias a una humorada, ya que la banda odiaba el tono de esta canción y simplemente la incluyeron en su disco como relleno. Finalmente los productores quedaron a gusto con la nueva versión hecha por la banda y con eso hicieron historia en los 80's y de paso revivieron las canciones y el catpalogo esta gran banda llamada Slade.

Una canción para mover las melenas hasta el suelo. Glam de calidad, Rock de verdad...
Que la disfruten!

GOODBYE STRANGER / SUPERTRAMP

"Goodbye Stranger" es una canción de la banda britanica Supertramp, que fue lanzada como single en Junio del año 1979 y además está incluída en "Breakfast in America" su sexto y aclamado disco que le trajo buenos dividendos economicos y promocionales a esta mítica agrupación de rock progresivo.
Dicho disco es, sin lugar a dudas, una de las joyas comerciales de esta banda ya que lograron mezclar de forma perfecta su complicado rock progresivo con los tintes pop de la época. Gracias a esa idea, los integrantes de la banda sacaron buenos provechos con canciones extraordinarias y todo obra y gracia de la genialidad de los maestros de maestros Roger Hodgson y Rick Davies.

Respaldada con una potente base de teclados y de un piano eléctrico Wurlitzer, y eso sumenle una petente parte de guitarra y bajo, sale a flote en el disco una canción llamada "Goodbye Stranger" cuya autoría recaía en Davies y Hodgson.
La temática de la canción, según sus autores, es simplemente la libertad de un hombre solitario para hacer de las suyas en una noche de acción y excesos. esta temática, fue la fuente de inspiración para el concepto del disco, puesto que la banda quería hacer algo divertido y apto para pasarla bien y dejar de lado, aunque sea por un momento, las experimentaciones y las letras complicadas de tanta metáfora. Así lo señalaría Roger Hodgson en una entrevista con la Melody Maker en 1979: "Las canciones de este disco fueron elegidas de esa forma porque teníamos muchas ganas de transmitir esa sensación de diversión y calidez en todo lo que nos rodea. Creo que el haber hecho tres discos con temáticas oscuras o muy experimentales nos tenía algo aburridos, y decidimos que era hora de mostrar nuestro lado más lígero y alegre".

Pero el disco, y las canciones a la vez sonaban irónicas, puesto que en esos años la banda pasaba por un quiebre entre sus integrantes, y la sensación era muy tensa al momento de grabarla.
Cuentan que en el proceso de grabación de la canciones que irían en el disco, la amistad musical entre Roger Hodgson y Rick Davies estaba en su punto mas bajo, e incluso llegaron a los insultos cuando el tecladista manifestó que habían varias canciones asquerosas que no tenían que estar en el disco.
A raíz de eso, "Goodbye Stranger" suena rara, y a la vez tiene una sensación de que la libertad de ese personaje, y su amplio gusto por el sexo casual, son metáforas de un ser humano que queire arrancar de los problemas e ir a disfrutar la vida sin hacerle daño a nadie.

La canción fue grabada en Septiembre del año 1978 en los estudios The Village Recorder en Los Angeles, California. Con Rick Davies en piano, teclados y voz principal, Roger Hodgson en teclados, guitarra eléctrica y la parte "falsete", John Helliwell en la melódica, Bob Siebenberg en la batería y el escocés Dougie Thomson en bajo.
La canción fue liberada en Junio del año 1979, y recién el 27 de Noviembre se supo que había llegado al puesto #57 del UK Singles charts, donde se mantuvo por 3 semanas.
Mientras que en los Estados Unidos distinta fue la suerte de la canción, ya que logró llegar al puesto #15 del Billboard Hot 100, lo cual fue un gran éxito para la banda.

Tras lanzarla en los medios, la canción provocó tal asombro en estados Unidos, que incluso apareció una polémica que ligaba a la canción con el abuso con las drogas.
Resulta que dentro de la letra está la frase "Goodbye Mary, Goodbye Jane", que de inocentes al parecer no tenían mucho, debido a que en los barrios marginales de ese país se le llamaba a la Marihuana con el apodo de "Mary Jane".
Coincidencia o no, esa frase provocó un giro de la temática de la canción y provocó una que otra molestia en los medios de comunicación, quienes quedaron con algo de confusión por quizás estar promocionando el abuso de las drogas. Pero luego aparecieron otros estudiosos de Supertramp, y dijeron que la canción podría ser sobre un hombre que deja las drogas, y por eso se despide de la Mary y de la Jane. Lamentablemente, ningun integrante de la banda ha salido en defensa de la canción, e incluso se cree que no hacen referencia a a esa polémica ya que también ayudaba a la promoción del single.

Pero mas allá de la balacera de interpretaciones, esta rola quedpo como ua de las joyas musicales de esta banda inglesa que supo hacer buena música a pesar del caos interno por el que pasaban. Además, gracias a ese disco pudieron entrar de lleno en el mercado del Pop, quedando como uno de los artistas mas prestigiosos dentro de ese estilo.
Que la disfruten!

THE NAME OF THE GAME / ABBA

"The Name of the Game" es una canción del grupo sueco ABBA, que fue lanzada como single en Octubre del año 1977 y que luego fue incluída en "The Album", el quinto trabajo discográfico de esta agrupación que dejó al mundo con la boca abierta.

ABBA fue la banda Pop que revolucionó el mercado musical en los 70's, e incluso estuvieron a punto de destronar a The Beatles en cuanto a ventas y posiciones en los charts. Es que la raíz musical de la banda recaía en una pareja de talentosos compositores, Benny Andersson y su compadre Björn Ulvaeus y a esa extraordinaria dupla masculina hay que sumarle dos chicas guapas pero a la vez con extraordinarias voces: Anni-Frid Lyngstad y Agnetha Fältskog. Ese era el secreto de la banda, y con ello llegaron a los mas alto de los charts mundiales con canciones eternas.

Viajemos al finales del año 1975. En esos días, los cuatro integrantes de ABBA, mas sus productores y el director de cine Lasse Hallström estaban reunidos planeando el nuevo proyecto de la banda: Hacer una pelicula-documental para promocionar el sonido en vivo y la vida de los integrantes tras las giras. De esa manera nacía la idea principal de "ABBA: The Movie", la cuál sería una cinta con tintes caseros que mostraría a la banda en carretera y aviones en medio de tierras australianas, con una gira donde interpetarían sus mejores éxitos hasta ese entonces. Obviamente, esta cinta tenía que venir acompañada de un disco de estudio, y que ojalá tuviera canciones inéditas para seguir dandole rienda suelta al éxito de la banda.

Bajo esa idea, Björn Ulvaeus y Benny Andersson empezaron a buscar ideas para crear nuevas canciones antes de la fecha de publicación de la cinta.
La tarea no era para nada fácil, pero estos dos suecos eran bien inteligentes en matería musical, y si algo no resultaba o no habían ideas lo mejor era ir a las influencias. Asi fue como Björn y Benny empezaron a buscar en las disqueras favoritas algun nuevo disco con buenos sonidos para sacar o inspirarse en ideas renovadas. Como ambos eran fanáticos a rabiar del señor Stevie Wonder, se llevaron bajo el brazo el recien publicado Songs in the Key of Life. De ese extraordinario y recomendable disco los dos músicos suecos quedaron asombrados con la canción "I Wish", en especial pon la línea de bajo que sonaba fenomenal.

Inspirados en los exquisitos detalles y arreglos de esa canción, Andersson y Ulvaeus empezaron a escribir una nueva canción para el disco que estaban preparando. A esa nueva canción la titularon, de manera provisoria, como "A Bit Of Myself". Finalmente, el 31 de mayo del año 1977 la banda graba la canción en los Marcus Music Studios, en Sydney, Australia y oficialmente pasa a llamarse "The Name of the Game".

Esta canción es una balada con una temática muy sensible y a la vez madura: Las dudas sobre el rumbo de una relación amorosa. Es que para esos dos amantes, el amor era un juego que pasó de la inocencia a lo peligroso, y ante ese panorama, la mujer le pregunta a su pareja cuál es el verdadero nombre de este juego ó si es amor, ó si es simplemente fantasía desechable.
La lírica era uno de los detalles mas cuidados en la canción, ya que no se paseaba por las metáforas simples que presentaban, por ejemplo, en la juguetona "Mamma Mia".

La parte musical tampoco deja ventajas. En esta canción los arreglos son fenomenales, llegando a un punto donde incluso se experimenta con el Funk setentero. Una base hecha por sintetizadores logra cazar imágenes sonoras fenomenales que van muy d ela mano con el tono dramático de la canción. Por ello, en cada parte de la canción, la emoción tiene un manot musical interesante y que la deja como una de las piezas de ABBA mas fenomenales e influyentes en una década donde el (verdadero mundo del )Pop era mas elaborado y trabajado, y no caía en la sucia simpleza tecnológica actual donde una base musical repetitiva causa furor entre la multitud .

Una vez que la película de ABBA estaba en cartelera, con unas pésimas ganancias y a la vez hecha pedazos por los especialistas que la encontraban monótona y sin tanta producción, los productores deciden lanzar como single a esta balada con el fin de tapar muchas bocas de los crueles críticos.
Finalmente "The Name of the Game", tras varias semanas estancada en los lugares intermedio del UK Singles charts, llegó a la cima de ese ranking y se mantuvo tres semanas comandando la legión de ABBA. Además esta canción, en varios paisesm estuvo en el top 5, donde podemos nombrar: Holanda, Nueva Zelanda, Suecia, Noruega, Zimbawe y Sudafrica. Mientras que en Australia y Suiza sólo entro en el puesto #10 de los charts.
Pero lo mas impactante de esta balada ocurrió el 24 de Diciembre de 1977 cuando entró en el puesto #84 al Billboard Hot 100, el peso pesado de los charts norteamericanos. Pasaron los meses, y el 11 de Marzo ya estaba en el puesto #12, quedando como una de sus canciones mas reconocidas en esas tierras.

En fin, esta es una pequeña muestra de la potencia musical de este cuarteto sueco que dió cátedra en los escenarios setenteros con un Pop melódico de alta calidad y con el talento individual de cada uno de los integrantes.
Una canción eterna... Unos acordes de 10 puntos!
Que la disfruuten!

3 AÑOS DE HISTORIAS Y MOMENTOS

Ya son 3 años compartiendo las historias de sus canciones favoritas por este medio. Han sido buenos tiempos y espero que a partir de esta nueva etapa sigamos remando por alta mar con la buena dirección de siempre.

Personalmente, estoy muy agradecido de todos los comentarios y críticas constructivas que ustedes, amig@s lectores nos han dado en este proyecto y que ayudan a que día a día el blog tome mas oficio. Por eso, en este nuevo cumpleaños le queremos decir que seguimos mas vivos que nunca, y que la escencia jamás se perderá.

Es que las canciones son dulces pajaros invisibles que vuelan libres por todos lados y que se meten en tu hogar, en tu vida y en tu espiritu. Ellas acompañan momentos malos y buenos, ellas son la banda sonora de muchas vidas, incluso algunas defienden y reclaman lo injusto, otras son mas livianas y poéticas, pero al final ellas están siempre en tu reproductor musical. Por eso, en un humilde homenaje a estas canciones este blog tuvo su génesis, con el fin de buscar la historia que hay detrás de esa melodía, de esa prosa y de ese contexto en que nació. Porque tienen vida, porque nosotros le damos otra vida...
Salud! y abrazo de gol para cada uno de los fieles lectores...

Atentamente, Jimmy Jazz

THAT WOULD BE SOMETHING / PAUL McCARTNEY

"That Would Be Something" es una canción del músico británico Paul McCartney que fue incluída en su llamativo disco debut como solista: El oscuro y melancólico "McCartney", que fue publicado un 17 de Abril del año 1970.

Dicho disco, que marcó el debut en solitario de un depresivo Paul tras la ruptura con The Beatles, es una joya musical que con el paso de los años fue muy valorada, e incluso se ganó muchas buenas criticas por parte de la prensa. Es que su especto "casero" (con una producción barata)lo hace ser un disco raro pero a la vez exquisito, con canciones llamativas y marcadas por letras melancólicas y de poco contenido de "relleno".

Tras la ruptura con The Beatles fue Paul quien se llevó la carga más pesada tras querer seguir estirando el chicle de la historia de esa mítica banda cuando sus demás compañeros ya tenían proyectos nuevos y altamente novedosos. Por ello el músico se dejó crecer la barba, empezó a beber en exceso y decidió pescar sus maletas para irse a esconder con su familia a su retirada granja ubicada en High Park Farm, Escocia. De paso, dejó por un tiempo la guitarra para dedicarse de lleno a las labores de un buen agricultor junto a su esposa Linda.

Pero esa idea de dejar la música no iba con Paul. Un fanático de la guitarra y un compositor de la calidad de él no podía estar mucho tiempo sin empezar a trabajar en nuevas canciones. Por ello, un día decidió dejar de cuidar sus carneros y ovejas, para pescar nuevamente su "viola" y echar a volar la creatividad, total la separación de los Beatles no podía quitar los talentos de sus componentes.

De manera artesanal, pero con mucho amor por la música, Paul empezó a grabar sus demos en un improvisado estudio de grabación que hizo en uno de los establos de su granja. Entre esas paredes, el ex-Beatle dió rumbo a todas sus ideas que andaban pidiendo libertad.
El único problema era el no tener a su lado una banda de músicos que lo acompañara, y eso fue solucionado simplemente con esfuerzo y ganas de sobresalir ante esos días tan confusos.
Asi fue como Paul empezó a mezclar cada instrumento, donde tocaba de las guitarras hasta la batería. Tambien se dió el lujo de tocar piano, teclados, y dar rienda suelta a todas las experimentacionescon diversos sonidos y efectos que encontraba en las mesas y las perillas.

Una de las primeras canciones que grabó en ese invierno del año 1969 fue una pieza con aires Folk llamada "That Would Be Something". En esta canción Paul tocaba las guitarras acusticas, bajo y la batería, donde navega por una melodía simple pero a la vez llamativa, digna de su estilo como compositor y con la cuál recorre el mundo deleitando a su fanaticada.
"Esta canción fue escrita en Escocia en 1969 y fue grabada en mi casa en Londres - luego hice las mezclas en el estudio 2 de EMI. Sólo contaba con un micrófono, y con una mezcladora en mal estado. Luego llegó una nueva y la terminé " señalaría Paul en una entrevista en 1970.

Finalmente, el 22 de Febrero de 1970, en los estudios Abbey Road, McCartney terminó de grabar la canción en una sesión que duró casi toda la noche.
El resultado final fue una pieza maravillosa, aunque algo oscura e su melodía, pero a la vez la canción con mas sonido rockero del disco junto a la frenética y romántica "Maybe I'm Amazed".
De hecho, una vez que el disco salió a la venta, la critica quedó muy asombrada con este disco McCartney que de verdad fue hecho en calidad de solista a secas. Pero no sólo la prensa dió tintes positivos a este disco y a la canción, sino que también su ex-compañero de banda, el señor George Harrison manifestó su impresión sobre este disco un 25 de Abril de 1970 a una radioemisora de Nueva York: " Para mí "That Would Be Something" y "Maybe I'm Amazed" son las mejores canciones del disco. El disco es bueno, pero un poco depresivo, y quizás eso le juega en contra, creo yo. Pero no era para esperar tanto, y el resto del disco es relleno. Creo que sólo esos dos temas son los mejores y los demás siceramente no me gustan". Con esas palabras, Harrison dejaba en claro que la relación con Paul no estaba aún del todo sana, y que el quibre interno de The Beatles aún los tenía echando balas a distancia.

Una semana antes de publicar el disco de manera oficial, McCartney decidió enviar algunas copias de su disco a algunas radios y canales de televisión. En dichos disco iba incluída una hoja firmada por Peter Brown, entonces gerente de lo que quedaba de Apple, donde le daban la oportunidad a los medios a escribir las preguntas que Paul contestaría en una conferencia de prensa para presentar oficialmente su LP. La pregunta 28, que trataba sobre la separación de The Beatles, fue contestada de manera lapidaria por Paul , la cuál cayó como una bomba para la escena musical británica. "Ya no soy parte de Beatles" fue la respuesta del músico.
Hoy en día, ese disco, con la carta ya señalada, vale millones y más de algún fanático se debe frotar las amnos para tenerlo en su estante...

Ni el luto Beatle, ni las palabras de sus ex-compañeros hicieron que "McCartney" fuera un LP exitoso. Horas antes de salir al mercado, ya había 19.000 pedidos por adelantado en todo el Reino Unido lo cuál hizo que el disco de manera inmediata entrara en los primeros 10 puestos de los charts. Finalmente, el disco llegó a vender más de dos millones de copias en todo el mundo y quedó con el trabajo mas popular de este destacado músico, que pasaba las penas con un buen rock and roll bajo el brazo.
Que la disfruten!

GIVE IT UP / KC AND THE SUNSHINE BAND

"Give It Up" es una canción de la banda funk-disco estadounidense KC and the Sunshine Band que fue lanzada como single un 16 de Julio del año 1983 promocionando su noveno disco, el brillante All in a Night's Work (que lamentablemente fue un fracaso en ventas en sus tierras).

Para el mundo del Pop, y en especial para el mundillo de la música disco setentera, esta banda de Miami liderada por su vocalista y compositor Harry Wayne Casey ("KC") y por el bajista, productor y compositor Richard Finch fue parte escencial para la historia de ese estilo musical que hizo arder las pistas de baile en épocas pasadas. Es que con una magnífica y ejemplar alineación multi-racial, basada en la energía del funk y los tintes poperos del Disco, hicieron danzar a muchas generaciones con canciones que hasta el día de hoy siguen estando en la parrilla programática de muchas radios que llaman a la nostalgia.

A finales de los 70's, la música Disco pasaba por su peor momento. Es que tras estrujar al máximo todas las creaciones y re-versiones de clásicos, el mundo del Pop se estaba mutando en otros estilos ligados en especial a la electrónica y el New wave británico. En ese entonces los KC & The Sunshine Band tampoco la estaban pasando bien, en especial por el trato algo distante entre ellos y su disquera TK Records, quienes poco a poco dejaban de confiar en el éxito de la banda para años futuros.
Fue a mediados del año 1981, cuando un aburrido Casey decidió romper el contrato con su discográfica y firmar uno con Epic Records. Este episodio marcaría el fin de la banda, ya que el bajista Rick Finch, que además compartía créditos en los 5 hits de la banda junto al vocalista, no le gustó mucho esa drástica idea y decidió partir a otro lugar con sus ideas.
Tras una larga y tensa conversación con Casey (donde incluso se dice, que llegaron a usar las malas palabras), Finch le planteó todo su disgusto ante esa desición y rompió toda relación con la banda. Pero aún quedaba algo mas...
"Estabamos ahí, Harry y yo. Luego de charlar me dijo: 'Por favor, vuelve y sólo nos ayudas con una canción más". Y así lo hice. Pero ese día nuevamente me fui con un mal sabor, ya que tuvimos una nueva pelea, y nos dijomos de todo. Ese fue el principio del fin" señalaría Finch en una entrevista hecha en el año 2006. Pero el detalle mas importante de esas palabras fue la canción que alcanzaron a grabar por ultima vez, la cuál se llamaba "Give it Up" y que sería el último gra hit de esta banda estadounidense que ya estaba en su caída extrema.

Pero el éxito de la canción fue gracias a un suceso no tan sano, y que está marcado por un accidente. Resulta que en Enero de ese año, Casey resultó con lesiones de gravedad tras chocar su coche a 7 cuadras de su hogar en Florida. Este fuerte accidente, que provocó un daño en el sistema nervioso del cantante y que lo mantuvo casi un año fuera de las pistas, hizo que la disquera Epic Records empezara a buscar una solución para promocionar a la banda. Debido a que las giras se habían cancelado por el estado de salud de Casey, se decidieron por lanzar un nuevo single con la misión de nuevamente empezar a "pegar" en el reino Unido, donde hace rato las canciones de la banda no entraban a los puestos de avanzada en las listas de venta. La canción elegida fue "Give It Up", esa llamativa canción que había escrito durante las peleas con su ex-socio de banda.

Mientras Casey entraba en proceso de recuperación, Epic Records recibía buenas noticias del el otro lado del Atlántico. Resulta que un día 13 de Agosto de 1983 la canción llegaba a la cima del UK Singles charts. Tras celebrar esa buena nueva, los productores de la banda decidieron ejercer presión para que la filial estadounidense de Epic Records publicara el single en el país, pero estos hicieron oídos sordos y manifestaron poco interés. Por lo tanto, decidieron lanzarla como single bajo un sello independiante y de propiedad de los productores de la banda, y con ese gran esfuerzo lograron que la canción llegara al puesto #18 del Billboard Hot 100, y se convirtiera en un nuevo hit para la banda, que ya pasaba por un momento de cambio.
"Siempre pensé que "Give It Up" iba a ser un éxito, pero me sorprendió mucho cuando la publicaron para el Reino Unido, ya que hace rato que no obteníamos buenos resultados en esas tierras" comentaría años después Harry "KC" Casey, que terminó recuperado de ese accidente automovilistico, aunque mencionó en esa entrevista que aún le quedan alguna secuales, pero de menor grado.

Ahora, sobre los créditos de la canción, donde sólo apare Casey como único autor, Finch mencionó años después que sólo colaboró en "la parte del bajo, y algunos arreglos musicales. Después de eso nada más". Además el bajista mencionó, a tono de reflexión sobre ese moento en que salió a la venta el single de la canción: " Con el paso de los años he intentado tomar contacto con Harry, peor al parecer él ya tiene un grupo de gente a su lado que lo mantiene ocupado todo el tiempo. Por lo que resolver las diferencias del pasado aún está en veremos. Sé cuáles son sus razones, y como todo en la vida siempre se temrina peleando por dinero... Hicimos un gran trabajo juntos, creamos canciones que traspasaron las barreras del tiempo y que sobrevivirán por muchos años más".

Simplemente, saquen sus chaquetas, y a menear el cuerpo con este clásico de la KC & The Sunshine Band... Que la disfruten!

I WANNA BE YOUR BOYFRIEND / RAMONES

"I Wanna Be Your Boyfriend" es una canción de la emblemática banda norteamericana Ramones, que fue publicada el 23 de Abril del año 1976 en su disco debUt homónimo, el cuál es una joya para la historia del punk-rock.

Si metemos a una juguera musical los acordes de Chuck Berry, los juegos de voces de The Beach Boys, la creatividad de las canciones de The Beatles, la potencia y el desenfreno de los Stooges y las poesias Glam de T.Rex de seguro sacaremos un repertorio tan potente y explosivo como el que sale en este disco debut de los Ramones, que fue toda una revelación e influencia para muchos jóvenes que vieron en el punk una forma de vida.

Es cierto, para aquella persona que no es tan fanática de esta banda de Queens puede que resuma el disco en tres canciones de tono altamente rockero: "Blitzkrieg Bop," "Beat on the Brat," y "Now I Wanna Sniff Some Glue", y luego con eso saque sus propias conclusiones. Pero el fans a rabiar de esta banda sabe que este disco día a día sorprende con nuevos detalles escondidos en potentes riffs y letras que a ratos parecen no ser tan simples.
Un buen ejemplo, es "I Wanna Be Your Boyfriend", la balada que todo disco debe tener, aunque en este caso es muy al estilo "Ramones" ya que contiene cierto tono de ironía.

Es que el oyente puede reaccionar con sorpresa al escuchar esta "rola", pero es verdad lo que dice su letra: Los Ramones (sí, esos sucios rockeros despeinados!!) también tienen sentimientos. Suena a sinceridad pero también tiene algo artificial que esconde bajo ese manto de guitarras de 12 cuerdas, instrumentos que ya marcaban una línea de diferencia con respecto a sus demás colegas de estilo.

El dueño de esta canción es el señor Tommy Ramone, baterista de la banda, y que en un especial de televisión sobre su ex-banda declaró: "Escribí "I Wanna Be Your Boyfriend" porque en varias canciones sólo utilizabamos la frase 'I Don't Wanna' - 'I Don't Wanna Walk Around With You,' 'I Don't Wanna Go Down To The Basement.' Esas canciones tenían un punto en comun: el sentirse frustrado. Pero siempre escapabamos de nuestra ira con algo de humor. Gran parte de esta canción vino de la sensibilidad de Dee Dee (co-fundandor y bajista de la banda) para no caer en estas cosas"

En el estudio de grabación, esta canción fue de las pocas que tuvieron que ser interpretadas junto a músicos de sesión. Es que en su suave parte instrumental encontramos algunos pasajes donde suenan unas campanas tubulares y además de otro intrumento de percusión idiófono llamado glockenspiel . Lo cuál demuestra que no eran simplemente otra banda de Punk y que podían experimentar a su manera.

Quizás no tiene la energía de las piezas mas famosas, pero "I Wanna Be Your Boyfriend" es la canción mas irónica del disco y puede ser toamada como una burla a lo simple y barato que es escribir canciones de amor, y con las cuáles cualquier fulano puede tener sus quinces minutos de fama en la televisión y luego pasa al olvido como tantos casos que ya hemos analizados en este espacio bloggero.

Un temazo... Que la disfruten!

PASS THE DUTCHIE / MUSICAL YOUTH

"Pass the Dutchie" es una canción de la banda británica Musical Youth, que fue lanzada como single en Septiembre del año 1982 y además estaba incluída en su disco debut The Youth of Today.

Esta agrupación, oriunda de Birmingham, se hizo conocida en el año 1979 por su singular estilo de mezclar las raíces del reggea con los tintes mas comerciales y simples del Pop. En sus primeros años empezaron a hacer escuela en varios bares y pubs de su localidad, hasta llegar a grabar unos demos en un sello independiente. Sin tener mucha experiencia en lo técnico ni en lo que tiene que ver con producción, ya que los integrantes de la banda eran pre-adolescentes, de manera casi fortuita, y tras publicar un single de manera independiante, pudieron aparecer en un estela de la BBC a cargo del emblemático Dj y presentador John Peel, y en donde dejaron boquiabiertos a varios productores, que de inmediato corrieron con un lápiz y un contrato por firmar.

Tras firmar con el sello MCA Records, el productor Peter Collins empezó a buscar nuevas canciones para que la banda fuera pisando terreno musical con un buen hit.
Por ello, y tras una extensa búsqueda, los productores encontraron la inpiración en una canción titulada "Pass The Kutchie", que pertenecía al mítico grupo jamaicano Mighty Diamonds yq ue fue publicada en 1981 con un gran éxito en las listas británicas. Por eso, ya era hora de hacer un buen cover...

Musicalmente la canción estaba de diez puntos e incluso podían acelerar el ritmo para que quedara un poco mas atractiva para el mercado del Pop. Pero el problema venía en la letra, ya que la versión original hablaba, aunque de manera espiritual, sobre los efectos de la cannabis Sativa. Como en ese momento los integrantes de la banda tenían entre 11 y 16 años de edad, la temática de la canción sería muy fuerte para los medios conservadores y las instituciones que velaban por sus derechos de los niños. Por ello, y para no caer en lo polémico y quizás hasta absurdo en materia judicial, se decidió cambiar partes de la letra y partieron de manera inmediata desde el título. Los productores decidieorn cambiar el "Kouchie" ( que se refiere a los porros) por "Dutchie" ( que es una olla muy usada en los sectores suburbanos de Jamaica).

Si la versión original era un poema al consumo de Cannabis, la nueva versión fue una adaptación completa, donde hasta la temática se fue para otro lado, y en este caso la versión de los Musical Youth hablaba sobre la pobreza y el como aún muere gente de hambre en varias partes del mundo, que supuestamente es globalizado y menos frágil que años anteriores por las supuestas economías firmes. Con esa temática, la canción ya tenía uno cuantos puntos ganados...

Y así fue. Tras grabarla en Julio de 1982, la MCA decide publicarla como single en Septiembre, y el resultado fue espectacular para sus arcas y para el debut de la banda. En su debut en el UK Singles charts la "rola" llegó a la casilla #26 pero a la semana siguiente ya estaba en la cima. Mientras que en Estados Unidos, recién en Febrero del año 1983 se supo que la canción estaba en el puesto #10 del Billboard Hot 100, dejando en alto el Pop británico. Casualmente, el país donde mejor le fue a esa canción fue Noruega, donde aparte de llegar a la cima de los charts, también se dió el lujo de vender una tonelada de discos.

Se estima que en todo el mundo el single llegó a vender 4 millones de copias, lo cuál ya es todo un record para esta banda formada por Michael Grant, Kelvin Grant , Dennis Seaton Freddie "Junior" Waite y Patrick Waite. Este último, tras retirarse de la banda con una buena tajada de millones en el bolsillo se dedicó a la vida fácil y término siendo un delincuente y a la vez cayó en un abuso de drogas que casi lo lleva a la cárcel. Finalmente en 1993, y cuando la gente estaba muy alegre poque los Musical Youth nuevamente iban a subirse a un escenario, Patrick murió a causa de un paro cardiaco, producto de la drogas y el alcohol lo cual hizo que ese promocionado regreso simplemente fuera una falsa alarma. Obviamente muchos medios tomaron esa noticia con algo de sorpresa, ya que su primer hit buscó reemplazar las letras ligadas a las drogas para que sonara más ejemplar para los medios a inicios d elos 80's.
Que la disfruten!

JOHN SINCLAIR / JOHN LENNON

"John Sinclair" es una canción del músico británico John Lennon, que fue publicada un 12 de Junio del año 1972 en el polémico disco Some Time in New York City. Este trabajo musical, que era el tercero de caracter formal del ex-Beatle, es considerado por la prensa como uno de sus discos mas políticos y controversiales de toda su carrera musical. Es que cada pieza musical tenía una historia detrás que iba ligada con la protesta ante la sociedad moderna que estaba sumergida en la ignoracia, el odio y las guerras. Además STINYC era un disco doble, donde el segundo disco traía un par de canciones interpretadas en vivo en un recordado concierto de la UNICEF hecho en Londres un 15 de Diciembre de 1969 en el Lyceum Ballroom y que marcó el inicio de la carrera solista de este músico tras la capida de The Beatles. Y en su lado B, aparece un registro histórico para cualquier amante del rock: Una Jam Session junto al maestro Frank Zappa y su banda The Mothers of Invention, efectuada un 12 de Junio del año 1971.

Pero la mejor muestra de que este disco no era un simple puñado de canciones para ser consideradas hits desechables estaba en el tema "John Sinclair", que era un discurso musical en apoyo a la liberación de ese mítico poeta y activista político oriundo de Detroit que había sido condenado en el año 1969 a 10 años de cárcel por microtráfico de Marihuana, tras ser pillado con las manos en la masa una noche en que le regaló dos porros a dos bellas damas que en realidad eran agentes de la policia encubiertos. Sinclair, que además era uno de los fundadores de un grupo radical marxista autodenominados Panteras Blancas (White Panthers), también tenía su gusto por la música y en especial del rock and roll. Esto se vió reflejado cuando se las dió de manager de la banda MC5 entre 1965 y 1969, dejando a la banda como la bandera cultural de su movimiento politico e ideológico, ya que como en más de alguna vez pronunció: El rock era la música de la revolución.

Pero su detención nunca fue olvidada, y con el paso de los meses fueron muchos los activistas políticos que reunieron firmas y promocionaron el abuso de poder que caía sobre el poeta. Incluso, los Panteras Blancas declaraban que había todo un lío político detrás de este caso, ya que por sólo dos porros no podía recaer tanta injusticia en un pueblo donde, al parecer, la libertad simplemente era una estatua.
Fueron muchos los esfuerzos que se hicieron para sacar a los medios la injusticia que vivía Sinclair. Entre las celebridades que apoyaban esta causa se encontraban el tambipén poeta Allen Ginsberg,, la actriz Jane Fonda, y los activistas Jerry Rubin y Abbie Hoffman. Este último, fue quien se mandó flor de "numerito" en plena actuación de la banda The Who en el emblemático escenario del Festival de Woodstock en 1969. En esa ocasión, y sin estar preparado por la producción del evento, Hoffman se paró en el escenario mientras los Who afinaban sus instrumentos, pescó el microfono y gritó a viva voz: "¡Creo que esto es una mierda! Mientras que John Sinclair se pudre en prisión...". Pete Townshend, que no andaba de buen genio, increpó al activista para que se bajara del escenario e incluso, cuentan las malas lenguas, que intentó atacarlo con la guitarra por intentar politizar el show de su banda en tal mítico recinto.

Tras ese fallido, pero comentadom episodio, a mediados del año 1971 los amigos de Sinclair, sumados a los activistas de las Panteras Blancas, decidieron hechar a andar un concierto a beneficio en Ann Arbor, con el fin de recaudar fndos para la familia del poeta y además transmitir el mensaje de las injusticias sociales. Uno de los promotores del evento fue Jerry Rubin, quien era amigo de John Lennon, y además fue qien lo invitó a participar de dicho evento. Las negociaciones con Yoko y John no fueron tan fáciles, ya qe la pareja se encontraba en Nueva York dándole duro a la música y además pasaba por momentos muy marcados por la adicción a las drogas. Pero con el fin de que todo resulte positivo y puedan contar con el ex-Beatle en el escenario, Rubin decidió viajar al departamento de los Lennon con el director de evento, el señor Peter Andrews y Leni Sinclair, esposa del poeta, quien fue la encargada de contarle la historia de vida de su esposo al músico inglés.

Tras escuchar la historia del condenado, Lennon admitió sentirse identificado con Sinclair, ya que él también fue vixtima de la corrupta policia que lo detuvo por posesión de marihuana en octubre del año 1968. Una vez que llegaron a buen puerto las negociaciones, Lennon les dejó muy en claro que ba a escribir una canción sobre la historia de este personaje, y que no tendrían problemas de utilizarla como himno de la campaña de liberación de este jóven oriundo de Detroit. "Ellos querían una canción sobre John Sinclair. Así que la escribí casi de manera artesanal. Siempre que alguien me pedía algo yo lo hacía. Soy capaz de escribir cualquier cosa y ponerle música, sea lo que sea. Pero jamás me gustó esa idea ni ese tipo de trabajo. Me gusta más las canciones que vienen de la inspiración. Nunca más volvería a escribir una canción como esa" mencionaría John en una entrevista que data del año 1980.

Dos días antes del concierto, específicamente un 8 de Diciembre del año 1971 (miren la fecha!!), los encargados del evento llamaron a una conferencia de prensa para señalar que el evento llevaría por nombre The John Sinclair Freedom Rally, y que tendría como invitado a John Lennon. Fue en esa ocasión que aparecieron en la sala John y Yoko, quienes dieron sus impresiones sobre el evento y la causa judicial y además indicaron que tenían todas las ganas de comparecer en el juzgado en ayuda a Sinclair.
Además de Lennon (que era el plato fuerte de este evento), estaban invitados artistas como Stevie Wonder, Bob Seger, Archie Shepp, Phil Ochs y la banda Commander Cody entre otros. Además se daría un espacio para una "performance" a cargo del poeta Allen Ginsberg.
Tras esa conferencia de prensa y en cuestión de horas, el evento ya tenía vendidas 15 mil entradas...

El Viernes 10 de Diciembre a las 7 de la tarde en punto se llevó a cabo el tan esperado evento, en la Universidad de Michigan, que contó incluso con un breve discurso de agradecimiento en voz de John Sinclair desde la carcel por medio de una linea telefónica pirata.
Recién a las 3 de la madrugada, aparecieorn en escena John y Yoko para interpretar un puñado de canciones, entre las cuáles estaba la mencionada "John Sinclair", que antes de ser interpretada, su autor le dedicó unas palabras a la multitud allí presente: "Vinimos aquí no sólo para ayudar a John sino que para poner en la mesa todo lo que está pasando y decirle a ellos que la apatía no existe y que podemos hacer algo ".
Cabe señalar que n ese concierto los Lennon estuvieron acompañados por Eddie Mottau, Tom Doyle y Chris Osborne en guitarras acústicas, David Peel en bajo artesanal, Jerry Rubin, Frank Lanci y Billy Minelli en la percusión, y Leslie Bacon en los coros.

Pero también era hora de mencionar una buena nueva que había ocurrido horas antes del concierto. Resulta que en una (rara) sesión flash, los legisladores del estado de Michigan anunciaron cambios radicales en las leyes sobre posesión de Marihuana, disminuyendo los cargos y las penas carcelarias. Eso ya era una buena señal...
Pero la mejor noticia vino el 13 de Diciembre, cuando tras el pago de una fianza, Sinclair fue liberado de la prisión estatal de Jackson, lo cuál fue celebrado como un triunfo para los amigos de este poeta y activista, quien tras pasar unas horas con sus seres queridos lo primero que hizo fue llamar a John y Yoko para agradecerles de manera personal el apoyo a esta campaña. En esos días, Lennon y Ono se encontraban trabajando en los Record Plant East Studios el repertorio de su nuevo disco, donde iría incluída la canción.
El 16 de Diciembre de ese año, y como un homenaje a este personaje, Lennon decidió interpretar esta canción en el David Frost Show con el fin de promocionar su nuevo trabajo musical que estaba preparando aún pero que ya tenía título en esos días: Some Time in New York City .

Que la disfruten!

BAD REPUTATION / JOAN JETT

"Bad Reputation" es una canción de la cantante estadounidense Joan Jett que fue lanzada como single en Enero del año 1981 promocionando su disco debut que lleva el mismo nombre.

Tras formar parte de la famosa banda The Runaways, entre 1975 hasta 1979, Joan Jett decidió emprender una carrera en solitario probando suerte en primera instancia con re-versiones de temas clásicos del rock hasta encontrar una línea definitiva. Para encontrar una fuente de inspiración, esta cantante y guitarrista decidió pasar un buen tiempo en Inglaterra, donde tenía de amigos a los Sex Pistols, con quienes grabó algunos demos, singles caseros y participó en una que otra tocata. Tras pasar un semestre en tierras británicas, Jett decide volver a Los Angeles donde por esas casualidades de la vida conoce al compositor y productor Kenny Laguna, quien quedó impactado por la actitud y la voz de esa chica rebelde y decidió ayudarla en la búsqueda de singles y un contrato para empezar esa carrera musical post-Runaways.

Una vez que lograron poner mas duros al proyecto, y pasar por un fracaso comercial con el disco homónimo, que tuvo una buena recepción en Europa pero que en Estados Unidos no hubo ningún sello interesado en publicar ese LP, Laguna y Jett deciden tomar cartas en el asunto y forman su propio sello, Blackheart Records. Con esa nueva casa discográfica, ambos músicos se podrían dar el lujo de editar y publicar sus singles sin maniulación de las manos duras de los peces gordos del mercado musical. Luego de eso, Joan y Laguna empiezan a trabajar en su segundo disco, que esta vez tenía que salir al paso con todo.

Laguna, que sabía mucho del mercado musical de esos años, tenía en mente explotar la actitud rebelde que transmitía Jett en el escenario. Esa máscara de mujer salvaje que tenía marcada desde su época con Runaways, que lo rompe todo y que no tienen "pelos en la lengua". Aparte de eso, ambos músicos aún tenían clavada esa "espinita" de haber sido rechazados por las disqueras de su pais. Sobre eso, el compositor señalaría a la revista Rolling Stone: "Nosotros solo estabamos trabajando para encontrar un contrato de grabación, pero en todas las vueltas que dabamos nos decían en la cara 'no, es demasiado loco, como los punks y esos nazis." Joan (Jett) siempre tenía una mala reputación, y ese es su espiritu. Por eso los dueños de las disqueras nos cerraban las puertas, y de ahí pensé que tenía que escribir una canción sobre esto".

Tras esa traumática experiencia, Laguna decide presentarle a Jett una energética canción llamada "Bad Reputation". Tras arreglar ciertos detalles de la letra, Jett y su banda de estudio, que años después pasaría a llamarse The Blackhearts , empezaron a grabarla de inmediato.
La idea de Laguna era que la banda sacara un single con arioma a Punk, y con una letra ácida que hacía gala de la rebeldia de la cantante.
Pero la grabación de la canción no fue tan simple. Debido a su acelerado ritmo, en las primeras tomas el único que estuvo mas concentrado fue el baterísta de la sesión. Tras volver a grabarla, y a repasar algunos detalles, fue la mismísima Jett quine decidió grabar todas las pistas de guitarra, demostrando gran habilidad. Mientras eso pasaba, Laguna tocó una parte de piano, que también fue un triunfo sacarla adelante debido a la rapidez de la interpretación.

El resultado final fue una canción notable, y que marcaba de manera total a la juventud de esa época. En esos días, donde las cantantes ligadas al Pop aparecían en televisión con peinados nuevos y vestidos extraños pero a la vez delicados, aparecía en escena esta jóven que cantaba fuerte, que no se vestía a la moda ni se maquillaba con lo que pedía el mercado musical desechable. Jett provocó un choque y un cambio radical para la juventud, y "Bad Reputation" fue el himno de esa revolución ochentera y además, segun Laguna, era el espejo de vida de la interprete.

Una vez que la grabaron, Jett recibiría una buena nueva: El sello alemán Ariola Records se haría a cargo de los singles de la cantante para promocionarlos en Europa. Asi que tenían que enviar de inmediato la lista de las dos canciones que serían parte de su nuevo single.
En un principio, "Bad Reputation" iba a ir como single, pero los gerentes de Ariola la rechazaron por encontrarla "poco comercial". Asi que decidieron publicar ese disco con "Jezebel" y "You Don't Know What You Got" a cada lado. Pero días antes de su lanzamiento, Laguna se arrepintió de la diea, y decidió comprar todo el tiraje de los singles por 10 mil dólares, con el fin de darse un tiempo para pensar mejor las canciones que iban a sonar en el single promocional del segundo disco para que este genere éxito y hits.

Una vez que cancelaron el single, Laguna se contactó con el DJ Dan Neer, quien trabajaba en Nueva York para las radio WNEW, que era una estación especializada en rock . La idea del productor, era invitar al Dj para que escuchar las cintas del disco, y este, con su oido mágico, seleccionara las canciones mas llamativas para ser lanzadas como single.
Durante esa sesión, Neer quedó muy a gusto con "Bad Reputation" y "Do You Wanna Touch Me". Esta ultima era muy del gusto del productor, asi que ocupaba el primer lugar en preferencias. Asi fue como Neer de manera mas democrática con el fanático, presentó ambas canciones detro de la parrilla programática de su radio, y finalmente la que captó mas oyentes fue "Bad Reputation".

De manera inmediata, esta canción empezó a sonar en varias radios piratas y una que otra cadena tradicional. Cuando fue lanzada como single, el mundo empezó a conocer a esta rebelde Joan Jett e incluso esos viejos sello discográficos que antes le cerraron sus puertas en las narices ahora se peleaban por editar el disco y promocionar este single y ala vez subirse al carro de la victoria.

de esta manera, empezaba la notable trayectoria como solista de esta gran cantante y guitarrista que tapó muchas bocas y que dejó para la histria de la música ochentera un himno a la rebeldía y a la liberación femenina.
Que la dissssfruten!

LONGVIEW / GREEN DAY

"Longview" es una canción de la banda norteamericana Green Day que fue lanzada como single el 1 de Febrero del año 1994.
Esta canción aparece en el disco "Dookie", memorable tercera placa musical de esta banda que fue toda una influencia musical para otras agrupaciones ligadas al comercial Punk-Pop. Un disco que puede sonar simple, e incluso sin tanta mano de producción, pero que tiene una potencia interesante que tiene su representatividad desde que empieza el primer track hasta que finaliza la ultima pieza. Gracias al brutal y sorprendente éxito de este disco, Green Day empezaba su camino al estrellato mundial de la mejor manera posible.

Uno de los episodios mas brutales de este discón, es cuando aparece una temática muy aguda y a la vez representativa de la juventud norteamericana de los 90's: El aburrimiento y el sentirse un perdedor ante la vida. Esa canción es "Longview", cuyo titulo estaba basado en el nombre de una ciudad donde los integrantes tenían a sus mejores amigos, y estaba acreditada al señor Billie Joe Armstrong . "Estaba en medio de un bache creativo y a la vez durmiendo en cualquier sofá, sin hogar ni lugar adonde ir. Esta es una canción sobre eso, sobre el no sentirse un patético ni pensar en la soledad" mencionaría el autor de esta canción en una entrevista con la cadena VH1.

Estaba mas que claro, esta "rola" habla sobre el aburrimiento extremo. En su letra se hace referencia a varios episodios intensos, como el estar sentado todo el día en casa sin hacer nada de nada, también le hecha una "mano" a la masturbación como salida de escape (aunque después Armstrong señalaría que era una metáfora sobre el escuchar canciones aburridas como 'Turning Japanese"). Incluso se le hace referencia a las drogas, en especial a la marihuana que ya ni siquiera era una vía de escape a la diversión sino que aparecía como una costumbre de los cotidiano y plano de su vida.

Sobre esto último, en relación con las drogas, se dice que el mítico solo de bajo del intro fue interpretado por Mike Dirnt bajo los efectos del LSD. Esto sería confirmado años después e incluso el bajista declaró que fue escrita en un "paseo" de LSD con Armstrong con el fin de recordar que cosas hacían bajo esos efectos. Lamentablemente, al otro día cuando ya los efectos de los ácidos era pasado, el bajista no supo ni las notas del riff de bajo que había creado. "Cuando Billie me dijo que tenía que hacer algo notable en "Longview", sabía que consumiendo ácido iba a ser muy difícil. Me puse contra la pared con mi bajo y se me ocurrió una idea. Entonces le dije:" Bill, escucha esto. ¿No es la cosa más rara que hayas escuchado? "Luego de eso, me tomó mucho tiempo para poder tocarla en vivo, pero tenía mucho sentido cuando estaba drogado" señalaría Mike Dirnt a la Rolling Stone, en 1995.

Asi fue como "Longview" se convirtió en el primer single de la banda en ser publicado con un sello grande, Reprise Records, y con ello salir del anonimato musical. Si bien la canción no fue un gran éxito, como lo sería tiempo después "Basket Case", sí ayudó a que la banda agarrara vuelo y empezara a sonar poco a poco en las radios.

Que la disfruten!

WHAT GOES ON / THE BEATLES

"What Goes On" es una canción de la emblemática banda británica The Beatles, que fue lanzada como single un 15 de Febrero del año 1966 sólo para los Estados Unidos. Para el resto del mundo, esta canción formaba parte del prestigioso "Rubber Soul", el sexto LP de los Fab Four. Tal como ya hemos mencionad en estas notas, el "Rubber Soul" fue un puente musical importante para que Los Beatles sean hoy por hoy una leyenda de la música popular. En dicho LP queda mas que claro que la tarea como compositores había evolucionado más allá de los paradigmas del Pop, y eso se nota en cada pieza musical que compone este disco. Con letras oscuras, experimentaciones musicales notables y un discurso poetico muy avanzado hacen de este disco una obra escencial para el buen oyente del rock.

Como ocurría en cada trabajo musical de la banda, siempre tenía que venir el "momento Ringo", que era el espacio que se le dejaba para que el baterista se pusiera detrás del micrófono y cantara una que otra canción con su voz tan singular.
En Rubber Soul su momento musical llevaba por título ""What Goes On" , y de manera sorprendente, especialmente para la prensa, llevana en los crédito a Paul, John y a Ringo. Ese detalle ya la hacía interesante...

La historia cuenta que "What Goes On" data del año 1957, cuando Lennon, McCartney y Harrison formaban parte de The Quarrymen, aunque nunca la grabaron ni siquiera en un demo. Pero la canción, que pertenecía a Lennon, fue arreglada y depurada en cuanto a acordes para ser interpretada ya en la era Beatles frente a George Martin un 5 de Marzo del año 1963 en las míticas sesiones de grabación de su primer LP y donde grabaron oficialmente las canciones "From Me To You" y "Thank You Girl". Lamentablemente la canción ni siquiera quedó seleccionada para ser grabada, ya que no manifestaba características para ser un golpe para los charts.

Dos años después, y en búsqueda de una canción para el baterista, Paul McCartney se acordó de esa vieja canción, y decidió poner algo de sus ideas en la melodía. Para ello, el motivado músico grabó una versión demo donde tocaba del el bajo hasta la bateria y a eso sumenle la parte vocal, que a ratos simplemente era improvisada. Todo sea para que Ringo tenga su momento...
"Paul quería enseñarle la canción a Ringo, pero lo hizo de una manera muy especial. Aprovechando las cintas multiples en la sala, grabó parte de la canción. En ella Paul cantaba, Paul tocaba el bajo y Paul tocaba la batería. Entonces Ringo escuchó la cinta con la canción casi hecha, y simplemente añadió sus ideas momentos antes de la grabación" señalaría en Abril del año 1966 Neil Aspinall, que era roadie y asistente personal de la banda, a la revista The Beatles Book.

Gracias a la actitud de Paul, que llegó y grabó la parte escencial de la melodía, unos cansados Beatles grabaron esta canción en tan sólo una toma en una larga sesión del 4 de Noviembre del año 1965 que duró hasta las 11 de la noche. Es que debido a las giras, y el escaso tiempo para grabar sus discos, tenían que acomodar muy bien los tiempos de producción y areglos para que el LP llegara la fecha determinada con anterioridad pr la gerencia del sello.
Con John y Paul en los coros, y en guitarra y bajo respectivamente, mas la guitarra primera de Harrsion y la batería de Starr, la canción fue terminada de manera muy rápida, y eso se notó en el resultado final donde muchos críticos mencionaron falta de arreglos al encontrarla muy "de relleno" para el disco.

El 3 de Diciembre del año 1965 salió a la venta "Rubber Soul", disco que traía en su tracklist a "What Goes On", que en esas primera ediciones aparecía siplemente acreditada a John y Paul, dejando de lado al baterísta, que en alguna que otra frase puso ideas. Tras percatarse del error, en las semanas siguiente el disco ya aparecía con Starkey en los créditos junto a sus dos compañeros, lo cual ya era histporico para la banda por ser la primera "ayudita " del baterista. Sobre su aporte real dentro de la canción, tras ser consultado por varios peridostas, un humilde e irónico Ringo comentó en una conferencia de prensa en 1966 que sólo había escrito "alrededor de cinco palabras, y es lo mejor que he hecho hasta este momento".

Como ya muchos deben saber, en Estados Unidos la banda era promocionada por Capitol Records, y en ese país no fue editado "Rubber Soul" sino que fue lanzado un compilatorio llamado Yesterday and Today,donde cada lado contenía canciones provenientes de los álbumes británicos Help! y Rubber Soul. En este disco, que fue muy polémico por su portada "carnicera", no fue incluida la canción de Ringo pero tuvo su revancha en un single.
Resulta, que para promocionar dicho disco, los de Capitol records decidieron lanzar un single donde el lado A era "Nowhere Man" y en el lado B estaba la mencionada "What Goes On".

Con sus aromas a música country y western, esta simpática canción sacó varios aplausos y fue una de las joyitas musicales de este gran disco...
Que la disfruten!

TWO OF HEARTS / STACEY Q

"Two of Hearts" es una canción de la cantante y bailarina nortemaricana, y también actriz Stacey Q, que fue lanzada como single un 4 de Febrero del año 1986 promocionando su disco Better Than Heaven, que fue su primer trabajo oficial como solista tras un breve paso por la banda synthpop SSQ, que posteriormente pasaría a llamarse Q y que tuvo un éxito moderado.

Desde su infancia al Sur de California, Stacey Lynn Swain (nombre verdadero de esta cantante) estuvo ligada a las artes escénicas, en espeical cuando fue aceptada con tan sólo 10 años en el Teatro de la Danza de Orange County. A partir de ahí, Stacey empezó a caminar en el mundo del baile, llegando a trabajar incluso en Disneylandia. Ya en su etapa adolescente, esta mujer entró al prestigioso circo Ringling Brothers, donde actuaba bailando junto a unos elefantes en un show muy aplaudido por los espectadores.
Durante esos días, la bailarina estaba "pololeando" con un jóven que trabajaba como músico de sesión en los Casbah Studio. Asi fue como en una ocasión, este jóven le presentó al productor Jon Saint James a su novia, ya que en esos momentos el señor Jon andaba en busca de nuevos integrantes para un proyecto musical llamado Q. A partir de ese momento, la bailarina también se puso a cantar...

Saint James, que era un fanático a rabiar de la banda electrónica germana Kraftwerk, quería formar un proyecto musical ligado a ese estilo musical, con el fin de empezar a "pegar" en los charts. Asi fue como a partir del año 1982 Stacey formó parte de Q, donde hizo de voz principal hasta el año 1985 cuando el proyecto toma su fin definitivo por falta de promoción.
Una vez que la banda pasó a la historia, el productor Saint James decide darle una nueva oportunidad a Stacey, pero esta vez en calidad de solista. Para ello, decide bautizarla como Stacey Q (en honor a su antigua banda y a James Bond!) y le consiguió un contrato con On the Spot Records, una discográfica independiente.
Con este sello, la cantante y bailarina consigue lanzar un cassette de titulo homónimo que fue promocionado con la canción "Shy Girl", que simplemente pasó volando en los charts y en las radios, ya que nadie la puso de manera constante y además el disco fue lanzado en una versión limitada.

Pero dentro de ese disco empezó a llamar la atención una canción que no fue lanzada como single, y llevaba por título "Two of Hearts".
La canción hacía referencia a una de las cartas del tarot, donde el "dos de corazones" es considerada una carta especial puesto que simboliza un amor perfecto y puro, entre dos personas que se aman recíprocamente en perfecta armonía.En caso inverso esta carta representa una ruptura (o quiebre) por la falta de armonia en la vida cotidiana, como puede ser el fracaso de los negocios, una asociación o una relación amorosa.

Pero un año depsués, y con Jon St. James oficialmente como manager, la cantante logra formar un contrato millonario con el sello Atlantic, y en tan sólo tres semanas tenía que empezar a grabar su nuevo disco con todas las de la ley.
Para promocionar su nuevo trabajo musical, los productores deciden lanzar como single la comentada canción "Two of Hearts" pero en una versión mas depurada y mas ligada al Pop. El resultado final fue un hit clave para la década de los 80's.
Es que en pocos días la canción ya llegaba al tercer puesto del Billboard Hot 100, y semanas después las noticias eran mas que buenas: El single había vendido más de 1 millón de copias, y quedaría como uno de los más vendidos en el año 1986.
Con esta canción Stancey Q pasaba a ser una estrella mundial, e incluso fue considerada como ídolo para los adolescentes quienes imitaban su forma de cantar y especialmente la menra que tenía para bailar.
Es que fue tanto el fenómeno musical provocado por Stacey Q, que empezó a tocar en todo Estados Unidos e incluso se dió el lujo de aparecer en la prestigiosa serie de televisión The Facts of Life, donde interpretó este hit de manera espectacular.

Lamentablemente, y tal como pasa con varios artistas de este estilo, con el paso de los años esta cantante fue perdiendo peso en las listas y pasó casi al olvido, aunque siempre se mantuvo lanzando discos y singles que no pudieron repetir el fenómeno ocasionado por esta canción que quedó para siempre como una clásica melodía de los 80's.
Que la disfrruuten!