YOU'RE IN MY HEART (THE FINAL ACCLAIM) / ROD STEWART

"You're in My Heart (The Final Acclaim)" es una canción del cantante y músico británico Rod Stewart que fue publicada dentro de su octavo disco, el comentado Foot Loose & Fancy Free, publicado en Noviembre de 1977.

Tras los exitosos  Atlantic Crossing y A Night on the Town, Rod intentó repetir la fórmula en su octavo trabajo discográfico de estudio, y simplemente el resultado no fue como esperaba desde un principio. No estaba en sus planes recibir tantas crítica y salvó el honor gracias a la seguidilla de buenos singles y al respaldo que aún le entregaban la fanaticada a su carrera musical que pasaba por una buena primavera en ese entonces. El repertorio musical fue algo muy criticado por la prensa, que consideraba que el disco simplemente era un "relajo" o quizás hasta una broma de mal gusto vociferaban algunos. Es que canciones al estilo de "Hot Legs" sonaban fuera de tono, y no tenían nada que ver con lo que venía mostrando el artista. Para su suerte, las baladas jugaban aún  a su favor y una de las que salvó la caída repentina fue la simpleza y la honestidad de "You're in My Heart (The Final Acclaim)".

La historia de esta famosa balada empieza a mediados del año 1977 cuando Rod cae en una profunda depresión tras el término de su relación amorosa con la actriz sueca Britt Ekland. Ambos se habían conocido en el año 1975 gracias a unos amigos en común, y a partir de ese día no se separaron y decidieorn incluso vivir juntos. Los flashes, las camaras y la prensa rosa tenían sus cañones listos para saber de todo sobre la relación del cantante y la que fuera chica Bond en "The Man with the Golden Gun" (1974). La relación iba en viento en popa, porque el cantante pasaba por un gran momento profesional, y su novia había dejado muchos proyectos para poner toda la carne en la parrilla (?) en su relación amorosa y así lograr ser algo tan parecido a John Lennon y Yoko Ono. Lamentablemente  los excesos, las giras, los malos amigos hicieron que la relación amorosa sufriera su decaimiento en 1977, años en que decidieron poner fin a su relación de manera definitiva.

En su libro, "True Britt" (1984), la actriz menciona un episodio que trae a la vista el nacimiento de esta canción. En esas páginas, Britt menciona que una mañana ella despertó y vió a Rod sentado en su escritorio escribiendo una canción. Ella notó que el músico había pasado la noche en banda creando nuevo material para su disco, y cuando le intentó increpar esa actitud, el músico simplemente le cantó  "Tú estás en mi corazón, tú estás en mi alma."

Este fue el motivo esencial para la canción, la cuál traía a un Rod honesto, casi en todo de agradecimiento a esa mujer que lo hizo feliz y que quizás nunca olvidaría (aunque eso pocos se la creyeron...).  "No habla totalmente sobre Britt ... podría también tener algo de alguna persona que estaba conociendo en ese entonces. No sé, hay varias cosas en esa canción" mencionaría el músico a la BBC en los 90's.  Y es cierto, dentro d ela letra de la canción encontramos varios detalle y algunos bastantes llamativos. Por ejemplo cuando  habla de "Beardsley prints"  es una referencia al artista e ilustrador británico Aubrey Beardsley, que tuvo una notable aparición en la sociedad victoriana con sus notables obras que trataban sobre el erotismo, el simbolismo y las caricaturas con sentido político. Si bien Rod no era un amante de los cuadros (así lo ha dicho de manera publica), quizás a su novia sí le gustaban las ilustraciones de este emblemático artista inglés.

Otro detalle de la canción viene ligado al fútbol,  otro de los amores de Rod Stewart y que está en cierta equivalencia con su gusto por las chicas rubias. Por ello en la canción aparece la frase "You're Celtic, United, but baby i've decided. You're the best team i've ever seen" que no es mas que una comparación entre sus dos amores, ya que el cantante se declara un hincha a rabiar del Celtic de Escocia (aunque también fue un "pecador" alguna vez)  y tambien le tiene cierto cariño al Manchester United de Inglaterra.

"You're in My Heart (The Final Acclaim)"  tuvo un éxito rotundo, y se convirtió rápidamente en uno d elos singles mas populares de este blondo cantante. Es que logró llegar a la casilla #4 del Billboard Hot 100 y al puesto #3 en el UK Singles charts, dejando en claro que en el terreno de las baladas la rasposa voz de Rod no tenía límites.

Que la disfruten!!!

THE DAY BEFORE YOU CAME / ABBA

"The Day Before You Came" es una canción del grupo sueco ABBA, que fue lanzada como single un 20 de Octubre del año 1982 y que fue incluida en el compilatorio The Singles: The First Ten Years, el cuál sería el ultimo disco oficial de esta famosa agrupación antes de dar el corte definitivo a su carrera musical que tuvo más éxitos que fracasos.

Mezclar de manera perfecta una pareja de bellas mujeres con un llamativo talento vocal junto a un dúo de compositores extraordinarios, que podían experimentar sin despeinarse cualquier estilo musical bajo las bases le Pop, fue la fórmula perfecta para el éxito de esta agrupación oriunda de Estocolmo.

Fue tanto el impacto que lograron sus singles y sus LP's que llegaron a convertirse en los artistas más exitosos dentro del catálogo de su compañía discográfica —la prestigiosa Universal Music Group— y llegaron a ser nombrados por la prensa como una de las bandas con más ventas en los años 1970. Bajo esos pergaminos, ABBA no es una simple banda de Pop, sino que revolucionó el panorama musical y ayudó a afinar es estilo con talento, frescura y nuevos estilos.

La historia de esta canción, que pertenece a Benny Andersson y Bjórn Ulvaeus, cuenta que fue grabada  un 20 de Agosto de 1982 en las salas de grabación de los estudios Polar Music. En ese entonces la canción llevaba por título "Den Lidande Fågeln" e incluso por unas cuantas horas estuvo bautizada simplemente como "Wind".

La letra de la canción pertenece a Ulvaeus, quien la escribió basándose en el difícil proceso de asumir el divorcio con su compañera de banda, Agnetha Fältskog (quien se encarga de la voz principal), con la que estuvo casado desde 1970 y donde tuvieron dos hijos. La pareja se separó en el año 1979, pero tuvieron que seguir viéndose las caras dentro de la banda y llevar la procesión por dentro ya que los contratos y las actuaciones no daban tiempo para empezar a pensar. Años después Ulvaeus mencionaría que esta es una de las canciones donde la letra se escapaba de la ficción. El guitarrista y compositor declararía sobre esto:    "Si el 90% de las letras eran pura ficción, también existen canciones donde hay sentimientos verdaderos, como "Winner Takes It All " y "The Day Before You Came". Ambas reflejan un tiempo, una escena".

Dentro de la letra podemos encontrar una frase bastante llamativa, que dice: "I must have read a while, the latest one by Marilyn French or something in that style,"  que hace referencia a la famosa escritora feminista Marilyn French (1929-2009), que tuvo su apogeo a finales de los 70's cuando lanzó "The Women's Room" que fue el libro que marcó la historia de la lucha feminista del siglo XX.

 Los que trabajaron con ABBA en el estudio, recalcan que en esas sesiones de grabación la sensación era de tristeza y oscuridad. Es que poco a poco la banda se iba decayendo, y en las canciones eso quedaba muy claro. Los ánimos estaban por el suelo y eso hacía difícil el panorama de trabajar el disco, más si una de las parejas estaba separada y la otra estaba pasando por un fino proceso de poner fin también a su relación. Con eso quedaba claro que la famosa agrupación sueca tenía los días contados.

El ingeniero de sonido Michael Tretow comentó  a un medio escrito que al momento de grabar esta canción Fältskog pidió apagar las luces, ya que tenía miedo a que la vean llorar de la emoción, ya que todos sabían que este era el tan anunciado final.

En materia musical, la canción tenía cierto parecido a "You're So Vain", de la cantante estadounidense Carly Simon y ese detalle fue muy comentado por la prensa al momento de salir el single, más si se trataba de una canción con toques autobiográfica  el cuál era el estilo principal de la cantautora neoyorkina. Sobre esta temática, Ulvaeus comentaría en Marzo del 2010 al The Times: "Tú lo has dicho, ¿verdad? La música está haciendo alusión a ella. Muchos saben que la canción fue hecha cuando estábamos con mucha tensión y con cierto giro hacia el teatro musical. Agnetha hizo el papel principal en la canción. Ahora que miro hacía atrás, creo que fue un cambio rotundo para todos los fans de ABBA. Es que la energía se había ido".

Si lo ánimos estaban por los suelos, las ventas también se tornaron lentas y se empezó a visualizar cierto decrecimiento en cuanto a popularidad. Si bien la canción tuvo un éxito rotundo en países como Suecia, Finlandia, Noruega, Suiza, Bélgica, Polonia, Holanda y Canadá; en el Reino Unido simplemente llegó al puesto #32 y no pudo subir subir más hasta perderse meses después. Mientras que en Estados Unidos la canción ni siquiera entró en los charts, lo que reflejaba que el largo y serpenteante camino de esta agrupación ya estaba llegando a su fin, al igual que su vida en pareja.

Que la disfruten!!

SOMEONE SAVED MY LIFE TONIGHT / ELTON JOHN

"Someone Saved My Life Tonight" es una canción del pianista y compositor inglés Elton John, que fue lanzada como single un 25 de Junio del año 1975 promocionando el disco "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy". Dicho disco tiene cierto aire conceptual en sus entrañas, ya que cuenta la historia de  cómo se conocieron Elton John y Bernie Taupin, y además relata esos duros primeros años cuando ambos estaban en busca de la fama y un contrato para poder empezar a mostrar su arte musical. Por esa razón, cada pieza musical contiene un pedazo de sus vidas y además las dejaron en orden cronológico, como si fuera una obra de teatro hecha especialmente para su fanaticada.

Lanzado en la primavera musical de ese músico oriundo de Middlesex, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" llegó a vender, sólo en pedidos por adelantado, un millón de copias y lideró de manera inmediata las listas estadounidenses dejando muy en claro que el Rey del Pop de esos años usaba lentes psicodélicos, trajes extraños y tenía un repertorio musical conocido en todo el mundo.

Dentro de ese exitoso disco encontramos una hermosa balada llamada "Someone Saved My Life Tonight", que trae los recuerdos de la dupla de compositores de su grandioso año 1969, cuando la prensa ya empezaba a destacar el talento musical del pianista y sus llamativas canciones. Pero la canción no habla específicamente de la fama, sino que trata de un proceso que en ese entonces tenía entre la espada y la pared a Elton John: Su noviazgo con una mujer llamada  Linda Woodrow.

En esos años, Elton y su novia compartían un departamento en East End junto a Bernie Taupin. Eran los años en que la carrera musical del pianista estaba en notorio ascenso y este simplemente estaba enfocado en llegar a la fama absoluta cueste lo que cueste, ya que era su sueño más buscado. Pero también tenía algo escondido en su interior, algo que no lo podía decir abiertamente así por así ya que le podía costar ese sueño y la prensa, la maldita prensa rosa, lo podía crucificar de manera inmediata, empezar a sacar conclusiones falsas y dejarlo por los suelos: Elton John era homosexual.

Entonces, las contradicciones eran inmediatas, ya que el músico con su talento ya estaba empezando a sacar portadas, pero en su vida tras los escenarios ya tenía una tormenta feroz a causa de cómo decirle a su novia que él no podía casarse, que en realidad su vida no giraba en el gusto por las mujeres. Ante tantos pensamientos, ante tantos consejos que nos servían de nada, ante tantas noches buscando una solución, una palabra para poder decir la verdad y escapar de esa cárcel personal, el músico intentó tomar la solución mas drástica, y era el suicidio. Aquí fue donde aparecieron sus incondicionales amigos, Bernie Taupin y el también cantante Long John Baldry (quien conocía a Elton tras tocar juntos en la banda Bluesology), especialmente este último fue quien mas apoyó al músico en estos duros momentos que la vida le traía al camino. Por eso cuando ya faltaban tan sólo tres semanas para la boda, y tras una larga noche de verdades y exceso de alcohol con su par de amigos, el músico decidió contarle la verdad a su comprometida. "Me iba a casar cuando era más joven, y yo salí y me emborraché con Long John Baldry y Bernie y fue específicamente John quien me dijo que no debía casarme, y eso era lo que quería escuchar, ya que sentía que estaba en lo cierto. Asi que me emborraché, fui a casa y le dije a ella que no podíamos casarnos" recordaría Elton John en una entrevista en la década de los 90's.

La boda de Elton y Linda estaba pactada para Junio de 1970, pero ya en esos días las tarjetas de invitación y la lista de regalos ya habían sido enviadas a los invitados. Pero tras la mencionada borrachera con sus amigos, Elton llegó a casa y acabó con todos los planes que tenía junto a Linda. Con eso, se iban a la basura 18 meses de relación, y Linda simplemente no lo podía creer ya que para ella Elton (o Reginald Kenneth Dwight) era el hombre que la tenía enamorada, era el hombre con el cuál quería ser feliz eternamente.

"Yo estaba absolutamente destrozada cuando "Reg" terminó su compromiso conmigo", mencionaría Linda al Sunday Mirror en Octubre del 2005. "Yo estaba confundida y perpleja y no entendía la razón por la que todo esto ocurría, no había nada malo entre nosotros. Desde el momento en que lo conocí fuimos felices. Él había estado bebiendo con Long John Baldry y regresó una mañana. Yo sabía que John era gay, pero no sabía si pasaba algo entre ellos. Todo lo que sé es que él volvió, me dijo que se iba de la casa y se acabó todo. Yo lloré y le dije que lo necesitaba, que lo amaba, pero no le importó, y se fue con sus padres. A la mañana siguiente, su padrastro vino y se lo llevó. Nunca más supe de Reg".

"Someone Saved My Life Tonight"es la canción que habla de ese periodo, y es un agradecimiento a la amistad y a los consejos de su amigo Long John Baldry, quien es realmente ese "alguien" que empapa el título de la rola que hoy les traemos al ruedo. Incluso, Taupin se refiere Baldry con el seudónimo de "Sugar Bear" dentro de la letra. Sobre esta temática y la supuesta dedicación de esta canción a su persona, Long John Baldry mencionaría en una entrevista que: "Al parecer, le di a Elton algunos buenos consejos cuando se encontraba en un aprieto personal, y escribió una canción sobre ello. Pero todavía no puedo entender por qué escribió esta  canción".

Una vez que tenía la letra en mano, Elton compuso la música a inicios del año 1974 cuando se encontraba en un crucero disfrutando de unas merecidas vacaciones en Francia. En ese barco, existía un piano a bordo y este fue vital para escribir la música de varias piezas que aparecen en el disco que empezaría a trabajar meses después. Lo mas chistoso es que el músico no disponía de mucho tiempo para usar ese piano, ya que la mayor parte del tiempo era utilizado por una cantante de ópera que tocaba todas las noches en las veladas y ensayaba varias horas ante cada presentación. A pesar de ese inconveniente, Elton John llegó a escribir la música completa para esta balada que iba de agradecimiento a uno de sus mejores amigos.

En Junio de 1974, cuando empezaron oficialmente las sesiones de grabación de este disco en los estudios Caribou Ranch, en Nederland, Colorado, el productor Gus Dudgeon quedó asombrado por la fuerza emocional de esta canción, la cuál llegaba a tal punto de que Elton  buscaba de  manera perfecta calzar la voz con el poder de la letra. A ratos, a tanto llegaba le perfeccionismo del pianista por llegar a una actuación vocal notable que se olvidaba de la letra y empezaba a gritar por la sala varias groserias o buscaba de manera nerviosa un detalle vocal que resultara llamativo para la música. Dudgeon no sabía que hacer, y a ratos prefería arrancar a la sala de control y no observar ese acto de desesperación. Fue en ese momento cuando el guitarrista Davey Johnstone llegó a la sala y le dijo al productor: "¿Sabías que está cantando acerca de un suicidio?" Tras esa declaración, Dudgeon entendió el tema y se puso manos a la obra junto a Elton John con el fin de depurar la canción.

Una vez que la terminaron, Elton decidió que fuera lanzada como single. Pero había un problema fatal, y era que la canción casi llegaba a los 7 minutos de duración y eso hacía que la compañía discográfica la cortara o simplemente no la lanzara como single. Pero Elton John no andaba con ánimos de recortar sus singles, y fue directamente donde los "peces gordos" de su sello a declararles en su cara que no quería acortar su canción y que tenía que ser lanzada como single en su formato original o simplemente se arrepentirían.

Y Elton John ya en ese entonces era un visionario, ya que tras lanzar como single esta balada el éxito llegó de manera inmediata. Es que la canción logró llegar hasta la casilla #4 del Billboard Hot 100 (y el 25 de Septiembre de 1975 recibió un disco de Oro) y al puesto #22 del UK Singles Chart.

Esta fue la historia de una canción eterna, una canción dedicada a la amistad, una canción que quedó como una de las destacadas dentro del canciones de este extraordinario músico ingles.

Que la disfruten!

I WANT TO TELL YOU / THE BEATLES

"I Want to Tell You" es una canción de la famosa banda inglesa The Beatles, que fue incluida en el disco "Revolver", que fue publicado un 5 de Agosto del año 1966.

No cabe duda en que este disco marcó un antes y un después en la trayectoria de estos muchachos de Liverpool. Con canciones renovadas, con estilos experimentales y variados, y a eso hay que sumarle las nuevas aventuras sonoras de las mesas se sonidos (loops, secciones de metales, influencia Hindú,cortes de cinta y guitarras en retroceso), hacen de este LP un material esencial para el rock universal.

Si en algo se caracterizaban Los Beatles, era en el no temer a la renovación musical ni a los parámetros impuestos por las demás discográficas.

Ellos iban en contra de la ola, en una época donde los "moldes" estaban hechos y la imitación estaba a la vuelta de la esquina. Por eso hay que destacar que con "Revolver" y bajo la decisión de no volver a hacer giras promocionales ni conciertos la banda igual logró llegar a los primeros puestos de los charts. El disco lideró en ventas según las listas del "New Musical Express" y "Melody Maker". Incluso, sólo en pedidos por adelantado alcanzaron los 300.000 discos. Finalmente, las cifras dicen que sólo en territorio británico vendieron 500.000 copias y alrededor de 2.000.000 en todo el mundo.

"I Want To Tell You" fue escrita por George Harrison (en este disco aporta con dos rolas más), en Junio del año 1966. Según el autor, esta pieza solamente habla de "aquellos pensamientos que son tan difíciles de escribir ó decir ó transmitir". En fin, la canción trata sobre un chico que está enamorado, pero no sabe cómo ni qué decirle a esamujer que lo tiene loco de amor y viene ligado a pensamiento orientales en base a contradicciones dentro del ser.

La historia cuenta que esta canción empezó a ser grabada el 2 de Junio en los Abbey Road, y en primera instancia fue titulada simplemente como Laxton's Superb, que provenía de un tipo de manzana y que había sido sugerido por el ingeniero Geoff Emerick durante las sesiones de grabación, donde tuvo la difícil tarea de darle el gusto en todo al guitarrista. Sobre este duro y tenso proceso de trabajo junto a George, el ingeniero Emerick recuerda: "Uno realmente tiene la impresión de que George se toma una cantidad de tiempo definida para grabar sus pistas, mientras que el resto de la banda podía tomarse el tiempo que quisieran. Sentía mucha presión al trabajar con las canciones de George".

Tras grabar las primeras versiones de su canción, George ya tenía claro para donde  quería ir  con la canción. Por ello, cuando apareció George Martin, este quedó muy a gusto con la pieza y le preguntó por el título. "No lo sé" respondió con una sonrisa Harrison y por detrás aparecería Lennon sugiriendo un título creativo con algo de ironía típica de la casa a causa del título que ese entonces llevaba la rola en la cinta: "Granny Smith Part Friggin' Two! Nunca le hemos puesto un título así a alguna de nuestras canciones!".  Finalmente, Martin decidió titular a la canción como "I Don't Know".

En esas sesiones de grabación, Harrison se hizo a cargo de las guitarras y la voz solista (que posteriormente doblaría para darle un nuevo efecto). Mientras que Paul McCartney se hizo a cargo del piano y los coros, John Lennon estuvo a la pandereta, palmas y coros, y Ringo Starr fue a la batería y grabó las maracas.

El 3 de Junio, cuando la canción ya estaba lista para ser incluida en el disco, McCartney grabó la parte de bajo, siendo una de las pocas canciones donde este instrumento fue grabado e incluido en la cinta de manera posterior a la grabación original. La razones de tal decisión nunca han sido reveladas, pero se cree que Harrison quería una parte de bajo especial, y muy cuidada para que los detalles fueran casi perfectos en la armonía. Tras ese momento, la canción ya estaba lista para que el 6 de Junio fuera incluida en el tracklist oficial del disco bajo el nombre "I want to tell you".

Que la disfruten!!

GET IT WHILE YOU CAN / JANIS JOPLIN

"Get It While You Can" es una canción de la cantante estadounidense Janis Joplin que fue incluida en el superventas "Pearl" (11 de Febrero de 1971), el famoso disco póstumo de esta talentosa artistas que enmarcó el movimiento hippie de finales de los 60's con su rasposa pero poderosa voz que la dejó entre las voces mas emblemáticas dentro de la historia del rock.

"Pearl" fue el capitulo final de una artista que estuvo sólo 27 años sobre esta tierra a causa de los excesos y la vida frenética tras el escenario y a la vez fue el único trabajo musical donde participó junto a los Full Tilt Boogie Band, una agrupación de músicos, oriunda de Canadá,que contenía alguno de los componente de la Kozmic Blues Band.

Con esta nueva banda en el estudio y en las giras, y bajo la producción de Paul A. Rothchild (que trabajó con los Doors y Love) fueron el condimento perfecto para que Janis estuviera mas que inspirada y con aires nuevos para empezar a grabar un nuevo repertorio. De ahí es que de manera póstua aparece un disco emblemático, sólido y que en cada pieza deja en claro todo el poder musical de la banda y en especial de esta mujer que cantaba con emoción, rabia, a ratos de risa irónica y en otros con una ternura angelical a ritmo de blues, folk, soul y el rock mas ácido.

Hoy traemos a la palestra la canción que cierra el disco, una pieza escrita por los compositores Jerry Ragovoy y Mort Shuman. La historia cuenta que Ragovoy en ese entonces tenía una poderosa carrera como compositor y como productor, llegando a escribir varias piezas clásicas dentro del soundtrack de los años 50's y 70's. Por ejemplo, este personaje es el dueño de canciones como "Time Is on My Side" (acreditada con un seudónimo: Norman Meade) e interpretada por The Rolling Stones; también escribió la famosa "Pata Pata" para la sudafricana Miriam Makeba y tiene créditos en "Stay with Me" una de las piezas características del repertorio de Lorraine Ellison y un puñado de otras piezas clásicas.

Mientras que su compañero, Mort Shuman, también traía una trayectoria musical notable como compositor, y en especial por cederle piezas a Elvis Presley, Dion and the Belmonts, Bobby Darin, The Drifters y otros artistas célebres de los años 60's.

"Get It While You Can" nos habla sobre darle una oportunidad al amor, y disfrutarla porque la vida es corta y los momentos pueden ser eternos. Puede sonar algo impresionante, dado que es la canción que cierra el Lp, pero tras escuchar la versión demo, Janis quedó muy impresionada con la canción y por su temática que calzaba de manera perfecta con el mundo, donde Vietnam, donde las campañas contra el racismo, donde las frases de paz y amor, eran parte del contexto diario de ese entonces.

Varios historiadores de la vida de Janis concuerdan en que la artista tenía un punto de vista muy claro sobre toda esa filosofía de la contracultura de la juventud de finales de los 60's y también era muy cr´pitica ante ciertas actitudes de algunos "hippies". Por ejemplo, semanas antes de entrar a grabar esta canción, en uno de los tantos conciertos que hizo por Estados Unidos, Janis escuchó decir a uno de los roadies de la banda que la policía simplemente eran unos "cerdos" que abusaban del poder. Ante eso, Janis se paró de su asiento y le interrumpió el discurso al jóven semi-rebelde diciéndole en un tono dulce y a la cara: "Son policías, sólo son personas que deben hacer su trabajo, cariño. No le llames cerdos, eso sólo empeora las cosas ". Eso resume la postura de Janis, una anarquista sin violencia, sino que con dialogo, con mensajes, con ideas claras. buscaba cambiar el mundo.

En las sesiones de grabación, que empezaron el 5 de Septiembre de 1970 en los estudios Sunset Sound de California, Janis se mostraba vital, alegre, motivada, arreglaba las canciones a su modo, les decia lo que tenía que hacer la banda, la pasaba bien en el estudio. De hecho, se cuenta que mientras grababan esta canción, el guitarrista John Till tenía algunos problemas para interpretar ese característico solo de la parte media de la canción. Intentaba, intentaba pero no lograba calzar en la melodía y mientras tanto los demás músicos esperaban por la inspiración de su compañero y líder de la orquesta rockera para seguir grabando. Fue en ese instante, cuando se le vio muy frustrado al guitarrista en que apareció Janis y le dio un beso. "Ella me dio un beso enorme. La verdad es que no me acuerdo de nada después de eso, sólo vi asteristos y tuve un signo de exclamación en mi cabeza. Fue una experiencia rara, era como estar tocando un solo de guitarra frente a cuarenta mil personas y conseguir el beso de Janis" declaró Till en una entrevista.

Pero por dentro, Janis estaba deteriorada, en especial por problemas sentimentales (dado el término de su relación con George Niehaus) y su recaída en la heroína que la llevó nuevamente al abismo. Por ende, este disco fue la medicina perfecta, o quizás el momento dado para sacar todo afuera, para ponerle a cada canción un sentimiento verdadero, un pedazo de vida y en "Get It While You Can" toda esa energía se libera para dar paso al punto final de un disco que no pudo tener promoción, dado que cuando estaba a punto de cumplirse un mes de las grabaciones, específicamente un 4 de Octubre de 1971, se supo que la voz de Joplin se apagaba y que su leyenda se hacía eterna. Tenía sólo 27 años y quedaba claro que la vida era un blues...

Que la disfruten!!!

HEART OF THE COUNTRY / PAUL & LINDA McCARTNEY

"Heart of the Country" es una canción del músico británico Paul McCartney que fue lanzada como single un 13 de Agosto del año 1971 y que está incluída en el famoso Lp "Ram".

Inspirado en uno de los tantos apodos que usaba el bajista de The Beatles durante su fructífera temporada en los bares de Hamburgo, "Ram" es considerado uno de sus trabajos mas sólidos en su extensa carera en solitario. Con un repertorio musical de alta calidad, donde el artista da rienda suelta a sus gustos por el Blues, el Country, el folk, , la música Hall, las baladas y también se da un paseo por momentos de experimentación donde deja en claro que su panorama creativo es amplio, y que a ratos pareciera no tener límites, dejando en claro que sus discos son más que un paseo musical, sino que son un cuadro multicolor casi de tendencia surrealista donde Paul pone los colores y la temática va navegando de canción en canción.

La historia de la canción que inspira este post y también del disco que la incluye empieza sin querer en Junio del año 1965, cuando Paul McCartney, en pleno auge de la Beatlemanía, decide comprar una granja  en Kintyre, Escocia, con el fin de tener un lugar seguro para el relajo y el descanso de tanto ajetreo musical, cámaras, flashes, vueltas por el mundo y conciertos por doquier.

Año tras año, esa granja se fue convirtiendo en una buena guarida para el Beatle, y además era su punto de conexión con el mundo que estaba alejado de la selva de cemento y un buen lugar para empezar a escribir canciones ligadas a la naturaleza. Una de las primeras canciones que iban dedicadas a esta nueva forma de ver la vida fue la singular "Mother Nature's Son", que fue incluída en el famoso "White Album" de 1968.

Esa granja también fue testigo de un Paul depresivo, ese Paul que a finales de los 60's llevaba la mochila pesada del fin del imperio Beatle. Ese Paul que estuvo caído a la bebida por las presiones de los negocios mal manejados y por el odio de sus demás compañeros, que lo culpaban de ser el "malo" de la película y el que llevó a que el final de la banda fuera una triste realidad. Ese Paul que tuvo que demandar a sus amigos de juerga, a sus amigos de banda, a sus hermanos de carretera de tantos años por un puñado de Libras y derechos de autor. Pese a todo eso, la granja fue su bunker, su mejor escondite, su lugar para zafarse de ese mundo que un día le sonrería de oreja a oreja y que de un día para otro lo apuntaban como un tipo arrogante, que quería hacerlas todas y que quería ser el que comandará la parte creativa de los Beatles en los 70's. Entre tanta mentira y verdades con mucha crema y poca investigación, el músico se fue escondiendo, se fue alejando de la música y encontró en Linda, en su familia y en esos adorables paisajes la energía necesaria para empezar nuevamente a caminar con guitarra en mano y sorprender al mundo con sus nuevas canciones.

Fue bajo ese panorama en que Paul, en Octubre del año 1970, le presenta a sus músicos una nueva canción, con aroma a folk pero con ese condimento tan especial que solo "Macca" puede lograr.

Una canción en formato acústico que habla de un hombre que encuentra la paz en una granja cuando a su alrededor solo abundaba la nada, y quizás también el odio. Una canción que en un principio fue grabada solo acompañado por el guitarrista Dave Spinoza, quien hizo uno que otro arreglo en esas sesiones pero que después terminaría cesado por el ex-Beatle tras empezar a hablar más de la cuenta y hacer caso omiso a las ordenes del jefe. Finalmente todo terminó en que el guitarrista empacaría sus cosas y se volvería a la ciudad, acusando por la prensa que Paul era casi un tirano y que su mujer se creía la productora sin saber tocar ni la puerta. Años después este guitarrista trabajaría con John Lennon y tendría otra singular historia...

Ante ese huracán (?), el que terminaría tocando la guitarra en esta canción sería Hugh McCracken, quien participó en la grabación oficial de la canción hecha en Abril del año 1971 y donde además participaron Linda en los coros y Denny Seiwell en batería.

Tras grabarla, Paul decidió grabar dos clips promocionales en 16 mm para promocionar el disco en los medios televisivos. Para ello contactó al director Ray Benson (que ya había trabajado con el músico en la cinta "Magical Mistery Tour") quien grabó a Paul y Linda en en distintos lugares de esa mítica granja, y en una playa cercana. Las canciones seleccionadas fueron "Heart Of The Country" y "3 Legs" y fueron emitidas en el programa de la BBC  "Top Of The Pops", el 24 de junio de 1971.

Que la disfruten!

NEW YORK MINING DISASTER 1941 / BEE GEES

"New York Mining Disaster 1941" es una canción de la banda británica Bee Gees, que fue lanzada como single en Abril del año 1967 y que además está incluida en el disco "Bee Gees' 1st", el tercer LP de este famoso trío musical conformado por los hermanos Barry, Robin, and Maurice Gibb. 

Si bien la trayectoria musical de esta banda ha sido eclipsada, por la prensa y supuestos eruditos, por su etapa setentera que iba de la mano con la onda disco, cabe señalar que sus inicios estaban ligados al Pop con toques barrocos y unas cucharadas de psicodelia.

Un buen ejemplo para empezar a analizar de manera total la trayectoria musical de este trio es escuchar atentamente el disco "Bee Gees' 1st", que fue grabado por los Bee Gees tras su llegada a tierras británicas, donde encontraron fuertes influencias del Pop Psicodélico y quedaron maravillados por el repertorio y el estilo musical de los discos "Rubber Soul" y "Revolver" de The Beatles.

Bajo la producción de Robert Stigwood, la banda logró dar con un repertorio sólido, enfocado en llamativos y sensibles juegos de voces mezclados con perfectos toques orquestales, que construyen un contexto sonoro memorable y de alta calidad, pese a que estaban en su etapa de debut.

El 7 de Marzo de 1967, en los IBC Studios en Londres, fue el momento exacto en que la banda empezó sus grabaciones de este disco. En esa ocasión los hermanos Gibb grabaron cuatro canciones, donde estaba incluida una melancólica pieza titulada "New York Mining Disaster 1941", que estaba acreditada a Barry y Robin Gibb.

La historia de esta canción empieza unas semanas antes de esa sesión de grabación, cuando los hermanos Gibb estaban ensayando en esas salas pertenecientes al sello Polydor. En una de las escaleras de ese edificio, Barry y Robin se sentaron a pensar en alguna buena canción para poder grabar en su  nuevo disco. En un momento dado, uno de los Gibb se imaginó encerrado en una pieza, o en una mina, bajo la oscuridad absoluta. Tras esa inspiración apareció la idea de hablar sobre un accidente minero, donde un minero quedaba atrapado y se le aparecía toda su vida frente a los ojos.

Finalmente situaron el supuesto accidente minero en Nueva York y hasta le pusieron año, 1941, y empezaron a relatar la historia de ese pobre minero que en medio de su tragedia, y mientras espera por su rescate, empieza  a relatar parte de su vida a uno de sus colegas, el señor Jones, y en especial todo el amor que siente por su esposa.

Si bien nunca hubo un accidente minero en Nueva York en el año 1941, la canción tuvo cierta inspiración en una de las tragedias que marcaron la pauta informativa del año 1966 y que hasta el día de hoy es recordada con mucha tristeza. Nos referimos a la  tragedia ocurrida en una pequeña localidad del Sur de Gales, de nombre Aberfan, donde un derrumbe de una montaña de desperdicios minerales, especialmente de carbón, dio muerte  a 144 personas, de las cuales 116 eran niños. Este dato, de que la canción tuvo cierta inspiración en esa tragedia que marcó la historia de Gales, seria confirmado en el año 1990 por Robin Gibb en una entrevista hecha para un medio estadounidense.

En el libro "The Bee Gees: Tales Of The Brothers Gibb", Maurice Gibb declara que la canción simplemente era una "burla a The Beatles". Años después el músico se retractaría de esos dichos, ya que sus demás hermanos declaraba a viva voz que esta canción estaba inspirada en las melodías de los Fab Four, y que les era inevitable  desligarse de tal influencia en sus canciones de esa época.

Es que en materia musical la canción tiene influencias en las rolas de The Beatles, y además cuenta con un toque muy melancólico e incluso puede ser catalogado de irónico, ya que no sabemos mucho de la vida de este minero, pero los dramáticos juegos de voces, los tristes acordes de guitarra que resuenan en la mente (el rasgueo inicial es de antología) y ese toque orquestal desolador la hacen una de las baladas mas bellas e inteligentes de esta banda que posteriormente conquistarían los charts mundiales.

En la grabación de "New York Mining Disaster 1941" participaron Robin Gibb en voz principal,  Barry Gibb en los coros y en guitarra, Maurice Gibb en bajo, guitarra y coros, y junto a ellos aparecieron Vince Melouney en guitarra y  Colin Petersen en batería.

 "New York Mining Disaster 1941"  se convirtiría  en el primer éxito internacional de esta banda, tras llegar al puesto #14 de Billboard Hot 100 y entrar en el Top Ten en las listas de Holanda, Nueva Zelanda, Australia y Francia. En el Reino Unido, la canción logró entrar a la casilla #12 y muchas personas pensaron en primera instancia que la canción era otra obra maestra escrita por McCartney y Lennon. Pero estaban frente a una de las rolas que daba el primer paso para una de las agrupaciones mas emblemáticas para la historia del Pop.

Que la disfruten!