GET LUCKY / DAFT PUNK

" Hace exactamente un año, golpearon mi puerta - en primera instancia fue un toque virtual y luego uno real- Guy-Manuel y Thomas Bangalter. La idea era hacer una colaboración en su nuevo proyecto. Nunca lo había sentido así, pero me parecía ya algo natural, me gusta apoyar y conocer gente. A partir de esa invitación sentí que nos llegaría un golpe de suerte en esas sesiones de grabación. Y así fue, de esa manera me di cuenta que las cosas iban muy bien" comentaba el año pasado el compositor y productor Nile Rodgers en una entrevista con la Rolling Stone, sobre el génesis de ese asombroso y premiado disco del dúo francés Daft Punk, llamado  Random Access Memories.

La razón por la cuál este prestigioso grupo francés se acercó a Rodgers fue simplemente por su amplio conocimiento en el sonido funk de los 70's, en donde este fue actor principal junto a su famosa banda Chic, de la cuál es fundador y que quedó en la retina musical de los fanáticos de la música disco.

Es que en esos momentos los Daft Punk querían volver a esas raíces, y dejar de lado por un instante la ficha de "french house" y empezar a hacer canciones con la estructura básica del Pop (estrofa, estribillo, a 4/4, etc...), y de esa manera, con cierto homenaje a la onda disco, sale la parte instrumental de una pieza llamada "Get Lucky".

Pero aún faltaba alguien para ser la voz principal, y la tarea para los Daft Punk resultó bastante fácil, ya que se acordaron de un cantante, productor y compositor estadounidense que habían conocido en una fiesta en casa de Madonna. Se trataba de Pharrell Williams, un músico estadounidense que formó parte del dúo The Neptunes, y que además trabajó como productor y compositor para artistas como: Michael Jackson, Madonna, Shakira, Britney Spears, Mika, Snoop Dogg, entre tantos más. Pharrell fue contactado por los Daft Punk, y tras escuchar la propuesta que le tenían su respuesta fue bastante simple: "Si desean que toque el pandero, simplemente lo haré".

Tras llegar a un acuerdo de colaboración en el disco, Pharrell se reunió con la dupla de "robots" (así le dice Pharrel a los DP) en París. En esa ocasión Williams le enseñó parte de su nuevo material que tenía preparado para su nuevo proyecto, el cual casualmente estaba inspirado en la onda musical de Rodgers. Cuando Pharrell supo que la canción en la que iba a colaborar había sido producida y compuesta por el líder de Chic, este simplemente se emocionó. "Es algo muy loco, porque, ya sabes, estamos en ambos lados del Atlántico, y la vez estamos en el mismo lugar " mencionaba el rapero en una entrevista para la Rolling Stone.

Se cuenta que al momento de empezar a grabar la parte vocal, los Daft Punk le presentaron a Pharrell un video donde aparecía Rodgers tocando su famosa Fender Stratocaster, junto a ese pegajoso riff con aroma a disco y afros. Una vez que le enseñaron la parte principal de la canción, la tarea fue muy fácil a la hora de escribir la letra. Sobre la temática de la letra, Pharrell declaraba en la Rolling Stone que "simplemente trata sobre pasar un buen momento, e intentar repetirlo una vez más. La frase 'up all night to get lucky'  se refiere a eso, a que la noche no se acabe, que ese momento dorado se vuelva a repetir, tal como pasa con las buenas canciones".

En el día de su lanzamiento, el 19 de Abril del 2013, "Get Lucky" rompió todos los records en descargas por  Spotify. Cabe señalar que la mayor parte de las descargas y reproducciones de este single fueron hechas desde Suecia, Reino Unido y EE.UU.  Además, con esta canción los Daft Punk lograron llegar por primera vez al primer puesto del UK Singles charts (hasta ese entonces el dúo francés sólo había llegado al puesto #2  con "One More Time", en el 2000). Además de eso, en tierras británicas, este single logró romper la barrera de ventas, ya que fue el primer single, sin etiqueta de caridad o de ámbito navideño, en vender cerca de 200 mil copias en tan sólo dos semanas, record que hasta ese entonces tenían los cantantes Will Young y Gareth Gates que lograron lo mismo con sus singles debut con una semana de diferencia a principios del 2002 .

En Francia, "Get Lucky" llegó a la casilla #1 el 24 de Abril del 2013, y llegó a vender 40 mil copias. Además, en tan sólo tres días el single llegó a ser el sencillo digital mas vendido en dicho país. Mientras que en Estados Unidos la canción llegó a la casilla #2 del Billboard, siendo ya un récord para la banda, que hasta esos días nunca había llegado al Top #20. Por si fuera poco, y en el ámbito de las descargas digitales, "Get Lucky" llegó a mas de 1 millón tan sólo en tierras norteamericanas. Con esto superaba todo lo logrado por su single "One More Tome", que fue todo un éxito en el 2001.

Mientras la canción no paraba de sonar en las radios, Nile no escondía su satisfacción por tood el éxito logrado, y declaró al Telegraph que las canciones buenas no siempre deben ser extensas y llenas de arreglos, y que volver a lo básico era una buena señal para el mercado del Pop. "Una canción no tiene por qué ser demasiado intelectual o algo muy complicado para ser bueno y de calidad. No tengo otra explicación, pero por algo llegamos a estos puestos" declaraba el guitarrista y productor.

Mientras que  Williams, al se consultado por su participación en ambos singles exitosos de este disco de los Daft Punk, declaró a la GQ magazine que " ambas canciones son para esas personas que necesitan un relajo". Además el músico declaró que "hay una gran cantidad de mierda en el mundo . Ante eso, algunos necesitan una tarjeta de Hallmark. Pero hay otros que sólo tienen que mover sus traseros y bailar" .

Que la disfruten!!!

ATTICA STATE / JOHN LENNON

9 de septiembre de 1971, cerca de 1200 presos del penal Attica, situado en una parte rural del estado de Nueva York, hicieron el levantamiento carcelario mejor organizado en la historia de los Estados Unidos. En esa ocasión, los presos tomaron como rehenes a 38 guardias y levantaron el lema:"Somos hombres, no somos bestias y no vamos a permitir que nos peguen y nos traten como a bestias".

La razón de este motín era el trato inhumano que imperaban en Attica, y el abuso de poder en su estado máximo.

Por ese entonces Attica, que tenía una capacidad para 1600 reclusos, atendía a casi 2200, y producto de ese hacinamiento los presos debían pasar 16 horas diaras encerrados en las celdas y apenas ganaban un dólar por el día trabajado. Además, a cada preso sólo se le permitía una ducha a la semana, y simplemente le pasaban un jabón y un rollo de papel higiénico para el mes. En cuanto a las visitas y los paquetes que enviaba la familia a su gente que estaba en las celdas, estas casi nunca llegaban y existía cierta restricción para que los presos puedan conversar con su familia o tener acceso a correo.

A todo eso, también hay que agregar la situación de violencia y racismo por parte del pesonal de la cárcel hacía los privados de libertad. Según varios informes, los que eran de raza negra y los latinos eran atacados constantemente por los guardias, quienes le propinaban violentas palizas, las que muchas veces dejaban con heridas graves a los reclusos.

Todos esos abusos, mas el horrible servicio de educación y salud, hicieron que los presos empezaran a organizar un motín con el fin de dejarle en claro a la sociedad que en esa cárcel se les trataba como animales. Liderados  por aquellos reclusos que habían participado movimientos de liberación negra y en la lucha contra la guerra de Vietnam, estos presos lograron llevar a cabo esta rebelión que dejó muchas vidas y que marcó a la historia carcelaria de Estados Unidos.

Tras cuatro días de negociaciones, donde nunca salía humo blanco a las propuestas que los presos habían delcarado, el gobernador Nelson Rockefeller se aburrió de los dialogos y ordenó a la Guardia Nacional que llevara  acabo el asalto al pena,. El resultado final fue una catastrofe, donde murieron 43 personas (entre  presos, rehenes y personal armado) y más de 80 personas heridas.

La noticia dio la vuelta al mundo, y de inmediato aparecieron en escena diversos personajes y organizaciones que defendían la actitud  de esos presos, que simplemente buscaban ser tratados como humanos y no como animales. Uno de esos personajes que salió en defensa de esos presos fue John Lennon, quien incluyó una canción llamada "Attica State" en en su comentado disco "Some Time in New York City", publicado el 12 de Junio de 1972.

En esa canción el ex-Beatle muestra su apoyo y respeto hacia la actitud de esos presos que llegaron a perder su vida por defender sus derechos a no ser tratados de una manera innhumana. Además, dentro de la letra de esta rola Lennon y Yoko también le dejan ciertas frases con mucha crítica hacia el sistema penal de Estado Unidos (" Libertad para los presos ,  cárcel para los jueces ").

La historia de esta canción empieza el 9 de Octubre 1971, el día en que John cumplía 31 años y los celebraba con una fiesta junto a sus amigos. En esa celebración aparecieron en la casa de los Lennon- Ono el señor Ringo Starr y Maureen Starkey , Allen Klein, Phil Spector, John Cage, Bob Dylan, Dennis Hopper, Jack Nicholson , Spike Milligan, Andy Warhol y Frank Zappa. Posteriormente, la pareja siguió la jarana en una habitación del Hotel Syracuse donde se le unieron  Klaus Voormann , Allen Ginsberg, Jim Keltner , Mal Evans, Neil Aspinall, Eric Clapton, Ringo Starr y otros tantos mas. En esa noche, plagada de estrellas, salieron a relucir las guitarras, y liderados por el cumpleañero empezaron a entonar, algo pasados de copas, canciones como "Give Peace a Chance", "Imagine" y "Yellow Submarine" . Pero lo más importante de esa noche fue la aparición, dentro de ese repertorio, de una canción que Lennon tenía casi lista para su nuevo proyecto musical, hablamos, obviamente de "Attica State"

El 12 de Noviembre de ese año, Lennon y Ono grabaron dos maquetas de esta canción, con uno que otro cambio en la letra y de acordes. Un mes después,  la presentaron en el concierto en apoyo a John Sinclair en el Crisler Arena en Ann Arbor, Michigan. En esa ocasión,  Lennon y Ono presentaron un set acústico con material, hasta ese entonces, inédito: "Attica State", "The Luck Of The Irish", "Sisters, O Sisters" y "John Sinclair".

No pasaron ni seis días cunado Lennon presentó esta canción en el programa de televisión  The David Frost Show y al día siguiente en un concierto a beneficio de las familias de los que murieron en los motines en las cárceles de Estados Unidos .

Finamente, el 13 de Febrero de 1972 Lennon grabó de manera oficial esta canción en apoyo a los presos que sufren de la injustivca de ser tratados como unos animales. En esa sesión Lennon y Yoko fueron acompañados por Adam Ippolito en el piano, Gary Van Scyoc en bajo y guitarras, Stan Bronstein al saxofón, y Richard Frank y Jim Keltner en la batería.

Si bien la canción no tuvo un gra éxito, si forma parte del lado mas crítico de Lennon, y que quedó plasmado en el disco "Some Time in New York City", un disco muy criticado por la prensa, que hasta el día de hoy lo trata como un trabajo "flojo" y de una calidad muy aja en comparación con sus anteriores trabajos. Aún así, este disco presenta a un Lennon fiero, con ganas de decir las cosas tal como son y estando ahí mismo, donde las papas queman.

Que la disfruten!!!

I WISH / STEVIE WONDER

Era mediados del año 1976, y la discográfica Motown invitó a todos sus artistas asociados a una cena de gala para compartir y mostrar los nuevos talentos que tenían en la palestra. Uno de los tantos invitados, de talla estelar, fue Stevie Wonder, quien era un peso pesado dentro del sello y además, estaba preparando un asalto discográfico de alto calibre: El memorable disco "Songs in the Key of Life".

En esa cena Stevie la pasó de lo lindo, y disfrutó a concho los concursos y los juegos que hicieron entre los invitados para que la noche sea mas que inolvidable. Tan bien la pasó este artista que tras el término de la fiesta, en vez de ir a su hogar a descansar le pidió a su chófer que lo llevara al Crystal Recording Studio, ya que se le había venido a la mente una buena temática para una nueva canción.

Es que tras pasarla bien junto a sus amigos y colegas, Stevie se puso algo nostálgico, ya que empezó a recordar su infancia donde las sonrisas nunca se perdían pese a todos los problemas que le rodeaban, empezando por su ceguera, la cuál nunca fue un impedimento para surgir en su pasión de toda la vida y la posterior separación de sus padres, cuando sólo tenía cinco años de vida.

En esa ocasión un inspirado Stevie Wonder empezó a escribir en el papel todos esos recuerdos que se le venían de su adolescencia en los 50's y 60's, describiéndose como un muchacho "nappy- headed", en alusión a su pelo rizado dado su origen afroamericano, que tuvo que pasar por diversas circunstancias difíciles pero que siempre estuvo feliz y con ganas de surgir. Para Stevie, la pobreza no era impedimento para soñar con algún día tenerlo todo, y por esa razón dentro de la letra de esa canción deja muy en claro que a pesar de todo ese contexto oscuro siempre su única preocupación fue si para navidad le regalarían ese juguete que tanto añoraba y que posteriormente sería su marca registrada por años: Un piano.

En esa primera sesión y aparte de crear parte de la letra, Stevie creó una linea de bajo muy llamativa desde las teclas de su piano eléctrico Fender Rhodes , y además se sentó detrás de la batería (que fue el primer instrumento que aprendió a tocar) y creó de esa manera la base instrumental de esta nueva pieza que ya estaba bautizada como "I Wish".

Esa línea de bajo, que en la edición original de la canción fueron tocadas por Nathan Watts, con el paso del tiempo serían muy codiciadas y usadas por artistas que vieron en las canciones de Wonder una influencia importante para crear nuevas armonías. El mejor ejemplo de esto es la canción de Will Smith "Wild Wild West", publicada en el año 1999 como tema principal de la película del mismo nombre, y que contiene un sampler de la línea de bajo de esta canción.

Aparte de la participación de Watts en el bajo, los demás músicos de sesión utlizados por Stevie Wonder para dar vida y color a esta canción fueron Hank Redd (en saxofón), Raymond Maldonado (trompet), Trevor Laurence (saxo tenor) y  Steve Madaio (trompeta). Mientras que Stevie Wonder se encargó de las voces, el piano Fender Rhodes, la batería y los sintetizadores.

Lanzada como single en Noviembre del año 1976, "I Wish" no tardó mucho en llegar al primer puesto del Bllbard Hot 100 (esecíficamente ese hecho ocurrió el 22 de Enero de 1977) y dejó en claro que el disco "Songs in the Key of Life" es una joya y pieza clave dentro de su extensa discografía.

Es que a Stevie Wonder le llevó casi dos años preparar este disco, debido a su afán por el perfeccionismo en un nivel elevado. De hecho, años después, cuando el disco ya había sacado millones en ventas y aplausos, el artista comentaba que " no me importa si tardo dos años o siete años, lo importante es quedar satisfecho con el resultado".

Este disco se llevó premios Grammys, críticas positivas por todo el mundo y dejó a Wonder en la casilla de leyenda, ya que con este disco se sacaba todas las ganas de hacer algo perfecto de canción a canción, como si fuera un grandes éxitos. Y pensar que la Motown no le tenía mucha fé a este proyecto...

Que la disfruten!!!!

NO REPLY / THE BEATLES

Corría Junio del año 1957, y las radios se rendían ante una canción de una banda oriunda de Nueva York y que profesaba el estilo "Doo woop". Se trataban de los Ray, una banda que venia buscando fama con el sello Chess Records, y que por fin la encontró con la canción "Silhouettes", con la cuál llegaron a escalar hasta el casillero #3 del Billboard Hot 100 y empezaron a abrazar el éxito.

Pero esta canción no sólo fue un éxito en materia musical, ya que también incluía algo muy llamativo, y eso era el relato de la historia de una pareja dentro de su parte lírica. Es que el autor de la pieza, el cantautor Bob Crewe, escribió esta canción tras observar a una pareja despedirse de la manera mas romántica en una estación de tren. Tras esa escena, el compositor tuvo la inspiración para crear una historia de amor que llegara hasta el fondo del corazón de los auditores.

Uno de esos fanáticos de esta canción fue John Lennon, quien siempre buscó alguna formula para hacer algo parecido e incluso mas innovador.

Era el año 1964, y The Beatles ya estaba en la cresta de la ola de la fama, y ya casi eran los dueños del mundo en materia musical. Por ese entonces su manager, el señor Brian Epstein, quería crear una buena selección de artistas oriundos de Liverpool y que estuvieran de escuderos de The Beatles y así fomentar la invasión británica en Estado Unidos y quedar como uno de los mejores empresarios y caza-talentos ligados a las discográficas.

Fue asi como Brian llegó a dar con un joven cantante llamado Tommy Quickly, quien de inmediato firmó contrato y se empezó a mimetizar como un Beatle. De hecho, Brian le pidió a John Lennon que le cediera alguna canción inédita para que fuera su single debut. La estrategia estaba bien estudiada: Un muchacho talentoso, de buena pinta, con buena voz y mas encima en su debut cuenta con una canción escrita por uno de los cerebros de la banda mas famosa de esos días. La ecuación supuestamente daría como resultado el éxito absoluto y el trampolín perfecto para la fama.

Asi fue como Lennon le pasó a Brian una canción llamada "No Reply". En ella, el autor contaba la historia de un chico que está desesperado porque su novia no le contesta el teléfono, y luego, tras ir a su hogar y verla en la ventana, este corre y golpea la puerta de la casa de su novia pero esta no le responde. Lennon la había escrito imitando la canción "Silhouettes".  "Es mía... Fue como una versión de 'Silhouettes'... Tenía esa imagen de ir caminando por la calle, de ver la silueta de ella en la ventana y de que no contestaba al teléfono" comentaría Lennon en 1980 en la mítica entrevista con la revista Playboy.

Pero por alguna extraña razón, que jamás ha sido revelada,Tommy Quickly nunca llegó a grabar esta canción. Finalmente este cantante tuvo un tibio recibimiento en los charts con la canción  "The Wild Side Of Life" y tras un puñado de singles que pasaron sin pena ni gloria por las radios decidió retirarse de la música. "Yo no sirvo para estar en el centro de la atención" declararía un frustado Tommy a la revista Mersey Beat en ese año 1964.

Pero "No Reply" ya empezaba a llamar la atención dentro del circulo de amigos de The Beatles. Uno de ellos fue el editor musical Dick James, quien tras escucharla atentamente en una sesión de grabación, se  acercó a John y lo felicitó por haber hecho una pieza con aires originales, donde cuenta una historia de principio a fin y que además tenía un ritmo muy pegajoso. Sobre esto, Lennon recodaría en una entrevista con la "Hit Parader", en Abril de 1972: " Recuerdo que el editor musical Dick James se acercó a mí después de grabarla y me dijo: 'Estás mejorando mucho: ésta es toda una historia'. Por lo visto, antes pensaba que mis canciones se iban por las ramas".

El 3 de Junio de 1964 The Beatles entraron a los estudios de Abbey Road para grabar la versión demo de "No Reply" que iba a ser usada para presentársela a los productores de Tommy Quickly. Por causas de olvido y de mala coordinación por parte de los trabajadores de esos estudios de grabación, dicha cinta fue archivada en un lugar, al parecer, muy difícil de encontrar, y tuvieron que pasar años para que por fin fuera encontraba y revelada a los fans de los Fab Four. Específicamente fue en el año 1993, cuando empezaron a trabajar en el compilatorio Anthology 1 donde por fin se pudo escuchar parte de esta primera sesión de grabación de esta canción.

En esa primera sesión de grabación la banda se mostraba bajo un exceso de alegría y relajo, lo cuál se ve reflejado en ciertos cambios en la letra y en varias carcajadas y burlas en medio de la interpretación.

En esa primera sesión de grabación la pregunta que rodea a los fanáticos hasta el día de hoy es: ¿Quien tocó la batería? Como ya todos saben, por esas fechas Ringo Starr se encontraba con una fuerte amigdalitis y tuvo que ser hospitalizado en medio de la gira y la preparación del nuevo disco de la banda. Pero como el tiempo es dinero para la industria de la música, de inmediato se le busco un reemplazante para continuar con las giras (pese a que Harrison le declaró a su manager que "si Ringo no va, yo tampoco") y las presentaciones en programas de televisión. El elegido fue Jimmie Nicol, y a él apuntan todos los dedos cuando se trata de dar respuesta a quien tocó la batería en la primera versión de No Reply debido a que por esos días ya había firmado un contrato con el representante de The Beatles.

Nicol fue fichado por teléfono el 3 de junio por Brian. Al día siguiente, y tras aceptar la oferta, ya tenía que presentarse a trabajar y concentrarse en los ensayos junto con John, Paul y George. Esa misma tarde, Nicol fue a la peluqueria por su corte mocker, se fue a probar los trajes que usaba la banda en sus presentaciones y en menos de una semana pasó al ruedo, y tuvo el privilegio de vivir en carne propia la Beatlemanía sobre un escenario.

El 30 de Septiembre de 1964 la banda volvió a los estudios de grabación, con Ringo ya recuperado y al tono, y con las carreras musicales de Tommy y Jimmie sumergidas en el fracaso cada vez mas decreciente (uno pasó al olvido de la noche a la mañana y el otro ya estaba cayendo en la bancarrota y no pudo superar la primavera Beatle). En esa sesión decidieron grabar de manera oficial "No Reply", arreglando ciertas partes de la letra (aquí fue Paul quien puso algo de su ingenio en crear frases cuando su compañero quedaba sin ideas claras). Así fue como la banda, junto a George Martin al piano, empezó perfeccionar la canción y en tan sólo ocho tomas lograron dar con la pieza perfecta para dar inicio al Lp "Beatles For Sale".

Pese  a que muchos crítico reclaman que "Beatles for sale" es el disco mas "flojo" de la banda, ya que solo contiene 8 temas originales y el resto simplemente son covers hechos a la marcha entre giras y presentaciones en estelares de televisión, el éxito fue rotundo, dejando en claro que esta banda ya estaba a otro nivel. El disco, que empezaba de manera sorpresiva con los primeros versos de "No Reply", llegó al nº 1 en las listas del "New Musical Express" y "Melody Maker" desplazando al segundo puesto a su álbum "A Hard Day's Night". Se estima que este disco vendió mas de 1.000.000 de copias en el el Reino Unido y unos 3.0000.000 en Estados Unidos.

Que la disfruten!!!!

JUST BREATHE / PEARL JAM

La vida a veces puede ser un simple "pestañazo". A veces creemos que la rutina es dañina para esta pero al final los únicos dañinos somos nosotros mismo al dejar que ella se meta en el camino, puesto que siempre hay una sorpresa que antepone un cambio en las rutas.

Algo asi fue lo que le sucedió a Eddie Vedder, vocalista y líder de Pearl Jam, cuando fue contactado por el actor y director Sean Penn  para que escribiera y compusiera las canciones de la banda sonora para el film "Into the Wild" en el 2007.

Para Vedder, el haber trabajado en la banda sonora de esta película, y con una total libertad de parte de la productora, fue un momento que le provocó un cambio en su manera de ver las cosas en la vida. Es que el meterse de lleno en esta adaptación del best-seller de Jon Krakauer fue algo que le dejó muchas enseñanzas, y eso se puede ver reflejado en ese puñado de canciones con aroma a folk y cuya temática es la soledad, los días que pasan y el sentir de la libertad. Recordemos que este film estaba basado en las notas del diario de vida del jóven Christopher McCandless, alias "Alexander Supertramp", que a principios de los años 90's dejó todas sus posesiones y sus ahorros a la beneficencia para abandonar el mundo civilizado con rumbo a la salvaje Alaska con el fin de entrar de lleno en contacto con la Naturaleza y descubrir el verdadero sentido de la vida.

En dicha banda sonora, Vedder incluyó una delicada pieza instrumental llamada  "Tuolumne", la cuál tuvo cierta repercusión a la hora de escribir nuevo material  para su banda, que preparaba el disco "Backspacer", que seria publicado en el 2009.

Es que en una de las canciones que estaba preparando en ese 2008, Vedder utiliza los primeros acordes de ese instrumental acústico. En una entrevista con la Rolling Stone, en el 2009, el compositor declaraba que "llegué a una letra que me golpeó fuerte, asi que cogí la guitarra y lo primero que hice fue tocar ese acorde. Entonces me puse a pensar que hacer con ese acorde, y como lograr algo diferente conél. Asi fue como hice una canción más corta, para luego escribirle un puente mientras los demás estaban trabajando en otras cosas en el estudio".

Para Vedder, la letra de esta canción demostraba la madurez de la banda en materia musical y también humana. "Teníamos un pequeño espacio en el Brill Building y cuando escribí el puente corrí a enseñárselo a la banda y al productor. Finalmente ese puente se convirtió en el coro, porque [el productor ] Brendan O'Brien lo escuchó de esa manera. Ese fue un ejemplo del por qué dejamos que Brendan escuchará los demos objetivamente y le siguiéramos todas las decisiones que él tomara. Era algo que no tomabamos muy a gusto hace 10 años atrás. Antes, si uno escribía algo de inmediato aparecían las inseguridades y frases como "Bueno , no, esto es cómo quiero que se haga." Una de las cosas que me di cuenta en esos días, es que a medida que envejecemos, le damos la bienvenida a la opinión d elos demás. Uno siente que ya no es necesario demostrar todo lo que vale" reflexionada Vedder sobre el contexto de esta pieza musical.

Para Eddie esta canción era lo mas cercano a una balada de amor, algo que la banda de Seattle nunca había grabado hasta ese entonces. Es una reflexión sobre la vida y sus simplezas, y de vivirla día a día con la mirada puesta en el presente, con guiños al futuro y sin dejar de lado lo bueno del pasado.

" Nunca hay un momento aburrido en el camino de la vida - todos los días hay algo nuevo. Tal vez por eso mi objetivo es dejar los momentos aburridos. Eso es lo que esta canción es. Es como decir : 'Paremos, estemos juntos... no digas nada, sólo respira para sentirnos mutuamente... mientras los niños están en la cama" declaraba Eddie al  Globe and Mail, en Toronto.

"Just Breathe" fue lanzada el 31 de Octubre del año 2009 y fue incluída en el noveno disco de la banda, Backspacer (2009). La canción llegó a la casilla #78 del Billboard Hot 100, y el pasado 22 de Enero, "Just Breathe" recibió la certificación de platino en ventas digitales por la RIAA.

Que la disfruten!

YES IT IS / THE BEATLES

"En ésta intentaba una nueva versión de 'This Boy', pero no funcionó" era la conclusión que hacía en 1980 John Lennon al ser consultado, en una entrevista con la Playboy, por "Yes It Is", canción que fue el lado B del exitoso single que tenía como principal pieza la aclamada "Ticket to Ride" y que fue lanzado al publico el 9 de Abril del año 1965.

Tras su separación de The Beatles, Lennon siempre fue un crítico sobre algunas de sus canciones de esa etapa musical que lo llevó a ser reconocido a nivel mundial. Nunca tuvo pelos en la lengua para decir que tal pieza musical le daba vergüenza de haber escrito o que tal parte de la canción simplemente le daba asco. Como tampoco tenía mucha compasión con algunas piezas de sus demás compañeros de banda, a las cuales tildaba o de aburridas o de simples "canciones para abuelitas". Lo cierto es que ya en 1980, meses antes de que fuera asesinado por un loco de remate, John se manifestaba maduro, y con aires nuevos de recomenzar todo y de decirlo todo. Total, ya lo había dicho en una de sus míticas canciones ya en nivel solista: "No creo en Beatles".

"Yes it is" fue una de esas baladas al estilo doo-woop a 12/8 que pertenecían a Lennon. En ella el protagonista le pide de entrada a su chica que no lleve un vestido de color rojo, ya que ese era el color favorito de su antigua mujer, de la cuál, al parecer, seguía enganchado a full.

Bajo ese manto sonoro delicado y de una letra muy particular, la canción se vuelve o muy monótona o simplemente un buen proyecto de relleno en una época donde las giras, las entrevistas, los viajes y otros proyectos tenían a los Beatles sumergidos en un mundo aparte y que viajaba casi a la velocidad de la luz.

Esta canción fue escrita a inicios de 1965, en la casa que tenía Lennon en Kenwood, Surrey. En esa sesión musical, si así la podemos llamar, también estuvo presente Paul McCartney, quien hasta el día de hoy encuentra que esta balada es una canción muy buena y con arreglos muy llamativos. "Yo estaba allí cuando John la escribió, e incluso le ayudé en la parte final. "Yes it Is" es una buena canción de John, una balada, algo inusual para John. Si bien mucha gente me tilda como el baladista del grupo, John escribió algunas baladas muy hermosas" recordaba Paul McCartney en su biografía "Many Years From Now".

El 16 de Febrero de 1965, en los Abbey Road Studios, la banda entró a grabar esta canción para que sea sí o sí la acompañante de "Ticket to Ride".

Debido a que días antes la banda había grabado "I Need You", pieza perteneciente a Harrison y donde este había utilizado un llamativo efecto con el pedal de la guitarra, Lennon decidió que su compañero lo volviera a utilizar con el fin de darle un ambiente mas que melancólico a la parte instrumental de su nueva canción.

Asi fue como la banda trabajó esta canción entre las 5 y las 7 pm, donde llegaron a grabar 14 tomas de la parte instrmental. Luego se tomaron otras tres horas en lograr una grabación perfecta de la parte vocal, donde participaban Lennon, McCartney y Harrison.

Parte de estas sesiones de grabación se pueden escuchar en el compilado Anthology 2, publicado en 1996, donde se puede escuchar parte de la toma 2 y la 14 en un remix que dejó muy sorprendidos a los fans, que incluso han declarado que suena mejor que la que aparece en el single original, ya que en la primera parte aparece sólo John en la voz principal (que termina improvisando una extraña letra) y pasa a una segunda parte que tiene un aire menos improvisado y quizas más ligado a la versión final.

Finalmente en Abril de ese año "Yes It Is" fue la acompañante en el single de "Ticket to Ride" que logró llegar al primer lugar en el Reino Unidos y en Estados Unidos. En este ultimo, la canción fue promocionada en los medios como una de las tantas que aparecerían en la película que la banda estaba rodando por esos días, y que ya tenía como titulo " Eight Arms to Hold You" (que finalmente sería cambiado por "Help!"). Finalmente esta canción nunca apareció en la banda sonora, y al parecer ni estuvo en los planes de ser parte del disco.

Que la disfruten!

SOME MIGHT SAY / OASIS

El 24 de Abril del año 1995 los medios de comunicación informaban al mundo que aparecía en  escena el nuevo single de una de las bandas que por ese entonces empezaba a tomar fuerza entre la juventud. Se trataba de los Oasis y su nueva canción: "Some Might Say".

Con "Some Might Say" la banda quería dejar en claro que no eran una moda pasajera, y que su talento iba en crecimiento absoluto, y eso se vería reflejado meses después tras la publicación y las buenas críticas del histórico "(What's the Story) Morning Glory?", el disco de sus vidas y el que dejó a Oasis dentro de la fama absoluta.

Era marzo de 1995, y la banda se trasladó a Gales, a los históricos Rockfield Studios, donde empezarían a trabajar su segundo disco. En esas tierras los esperaba el productor Owen Morris, con quien la banda ya tenía cierta amistad tras las grabaciones del "Definitely Maybe", donde estuvo a cargo de las mezclas.

Al llegar al estudio de grabación, Noel Gallagher le pasa unas cintas con algunos demos de las nuevas canciones que quería trabajar para este nuevo proyecto, y una de esas joyas sin pulir era "Some Might Say", una canción que había escrito un día antes de mudarse de Manchester a Londres, y que estaba inspirada en ver de manera positiva todo lo que pasaba en la vida, y en las sorpresas que pueden llegar en un buen día. De hecho, el mismísimo Noel le comentó al productor que esta canción tuvo su génesis con la frase "Some might say we will find a brighter day", y de ahí en adelante todo fue muy rápido a la hora de escribir la letra de manera completa.

"Había unos demos de "Some Might Say", que al parecer Noel había grabado en Francia seis meses antes de empezar la grabación del disco. Era una canción algo lenta, de un sonido muy pesado y oscura, con cierto aire a los Rolling Stones. Tras escucharla, nos dirigimos a Loco Studios, que quedaban también en Gales, y pasamos todo el día buscando nuevas versiones a la canción. La idea principal era darle un ritmo más rápido" comentaba Morris en una entrevista con la Q Magazine en Febrero de 2011. Además en esa entrevista el productor del disco agregó: "Cuando llegamos a una versión interesante ya era pasada la medianoche, pero Noel se paró y decidió llamar a sus demás compañeros para grabarla. Así fue como Noel partió rápidamente a despertar a sus demás compañeros, les insistió hasta el cansancio que tenían que abandonar la cama y volver al estudio para grabar. En cuestión de minutos la banda ya estaba grabando la primera toma de la canción, pero el haberlos despertado ocasiono ciertos problemas de ánimo, y el mal genio afloró de manera inmediata".

Cabe señalar que en esa sesión nocturna no se apareció ni la sombra del vocalista Liam Gallagher. Por esa razón, la voz recién fue grabada al otro día, cuando el vocalista, al igual que sus demás compañeros, llegaron con una resaca nivel Dios a trabajar en los estudios de grabación. "Al otro día, Liam llegó a grabar la voz principal en tan sólo dos tomas. No se sentía muy cómodo, ya que la música de fondo era más rápida de lo que él creía y estaba acostumbrado, y fue un detalle que se nos fue esa noche junto a Noel. De hecho, en las primera grabación del coro hubo problemas con la velocidad de la pista y eso armó un buen lío a la hora de entrar a mezclar. Pero al final decidimos simplemente arreglar esas tomas ya que Liam había cantando de manera brillante" declararía el productor.

Otro detalle que rodea a esta canción y su sesión de grabación es que fue la ultima que grabaron junto al baterista, y miembro fundador de la banda, Tony McCarroll , ya que días después se le pidió que abandonara la banda cuando aparecieron en la escena ciertas tensiones entre él y los hermanos Gallagher debido a ciertas regalías y trabas que contenía el nuevo contrato con Creation, el sello que los cobijaba en esos días. "En primer lugar y lo más importante fue mi enfrentamiento con Noel frente a nosotros por Alan McGee y Creación )Records).  Además, el contrato que había firmado le dio el poder de despedirme" declaraba años después el baterista, quien además declaraba que las diferencia de personalidad fue un factor importante a la hora de ser despedido. "Fue una lamentable situación que llevó al extremo la amistad que debía haber durado toda la vida." menciona McCarroll en su comentado libro The Truth. 

Una vez que la grabaron se la presentaron a Alan McGee, el dueño de la discográfica, quien de inmediato se frotó las manos, ya que sentia que ese era un excelente single para la banda y apoyó al ciento por ciento a Noel en la idea de que sea el primer corte promocional de su nuevo disco. Si bien Noel estaba seguro que esta canción sería número 1 en el Reino Unido, el empresario no estaba del todo convencido, y de hecho llegó a decirle al autor de la canción  que la meor idea era publicarla en una doble cara A junto a  "Acquiesce", ya que esta era muy coreada en los conciertos y era un éxito rotundo ya en versión inédita. Pero Noel no estaba para "chiquitas", y mantuvo firme su posición de que el lado A estuviera esta canción y que "Acquiesce " fuera parte del lado B. "Alan McGee no creía que esta canción estaba lista para ser un # 1. Es un gran hombre, pero no tenía idea de como elegir los singles. Desde el día en que escribí 'Some Might Say ' que estaba seguro de que sería un # 1 y al final yo estaba en lo cierto. No tuve ni la más mínima duda. Es como un gin tonic que saca lo mejor de mí" declaró Noel a la NME en Diciembre del 2012.

Finalmente, esta canción llegó al puesto #1 del UK Singles charts, ayudando al ego de Noel (?) y siendo el primer paso para el gran éxito que traía Oasis bajo sus brazos... Un disco de aquellos, un disco que revolucionó la década de los 90's.

Que la disfruten!!

DING DONG, DING DONG / GEORGE HARRISON

1974 fue un año muy intenso para George Harrison. Es que empezó con su comentada separación con esposa Pattie Boyd, y donde la prensa rosa habló de muchas infidelidades en ambas partes y que todo se fue al carajo cuando Harrison supo que su esposa lo engañaba durante meses con Ronnie Wood, por entonces guitarrista de los Faces (después se uniría a la familia Stones). Eso si, Harrison se había ido meses antes a unas secretas vacaciones con la esposa de ese guitarrista.

Pero no todo iba ligado a esa "comidilla" de ciudad, ya que también fue un año donde Harrison buscaba renovar su repertorio, y el primer paso fue funda su propio sello, bautizado como Dark Horse Records, y asi trabajar como productor para discos de figuras tan destacadas como Ravi Shankar y la banda Splinter. También se dió el tiempo de empezar a grabar el que sería su cuarto disco, Dark Horse,  en donde dejaría de lado la estética musical religiosa y volvería a las canciones con aroma a rock and roll y con letras muy ligadas al contexto en que se encontraba por esos días. Además, este disco sería la excusa perfecta para empezar una gira por Estados Unidos, una gira que sería un desastre...

Para empezar esta nueva etapa, a finales de 1973, Harrison decidió encerrarse por unas semanas en su mansión de Friar Park, que había adquirido en el año 1970 y que había pertenecido a Sir Frankie Crisp, famoso abogado y horticultor, que diseñó esa casa con cierto homenaje a  los estilos arquitectónicos del renacimiento francés y aires góticos que lo acompañaba con un extenso jardín que incluye tres lagos.

Pero entre tantos detalles que tenía esa mansión, uno de los que más gozaba Harrison eran ciertos mensajes y frases que estaban escritas en la madera de las paredes y en algunas mesas. De hecho, una de las frases que mas le llamaba la atención al ex-Beatle era una que decía:"Scan not a friend with a microscopic glass", que posteriormente usaría en la letra de la canción "The Answer's at the End", que aparece en el disco Extra Texture de 1975.

Para Harrison, esas frases anotadas en las paredes eran una buena herramienta para escribir letras de canciones, y como era un tipo muy ligado a la ironía, este era el momento perfecto para crear líricas muy oscuras para dejar pagando a la fanaticada.

Por esos días el músico andaba con ganas de escribir una canción con tintes alegres, con aires festivos y que mostrara una nueva faceta. Para ello pescó la guitarra y empezó a mirar fijamente esas frases que estaban en las paredes hasta que encontró una muy singular al costado de la chimenea, y que decía "ring out the old, ring in the new" y de paso le echó la mirada al otro lado de la chimenea y encontró la frase "ring out the false, ring in the true". Esto dejó muy sorprendido a Harrison, quien en tan sólo tres minutos escribió la canción "Ding Dong, Ding Dong".

"'Ding Dong, Ding Dong' fue la canción que he escrito de manera mas rápida. Me tomó sólo tres minutos, pero me llevó cuatro años encontrar esas frases que estaban escritas en la pared de mi casa. Me da risa porque es muy simple, y ya antes de publicarla sabía que sería un éxito. Esta canción me persiguió por cuatro años" comentaría George.

Cabe señalar que la pista instrumental ya había sido grabada en Noviembre de 1973, en su estudio casero. En esa sesión de grabación participaron gran parte de los músicos que trabajaron junto a él en el disco "Living in the Material World ", en 1973. Nos referimos  a Gary Wright en piano, Klaus Voormann en el bajo, y Ringo Starr y Jim Keltner como bateristas.

Una vez terminada la base instrumental, Harrison se puso de productor para hacer algo similar al muro de sonido empleado por Phil Spector, y que en ese entonces volvió a ser muy usado en los hits navideños de bandas glam como  Slade y Wizzard, donde destacaba el uso de dos baterias y saxofón.

Una vez que estuvo lista la parte instrumental y la letra, en Enero de 1974 Harrison le envió la cinta a David Geffen, propietario de Asylum Records y le incluyó el siguiente mensaje: "Es uno de los números repetitivos que le gusta a mas de 20 millones de personas que son ninfomanas de Phil Spector. Trae buenos  coros, suena de manera maravillosa. Pero te agradecería que no dejes que nadie me la robe, porque yo quiero que sea un éxito".

En Septiembre de 1974, y tras hacer algunos conciertos en Estados Unidos, Harrison fue a los estudios de Geffen para re-grabar la parte vocal, pero los avances no fueron muchos ya que se encontraba con laringitis y su actuación vocal era muy débil (en esa gira se notó que la voz de Harrison pasaba por su momento mas delicado). Finalmente, y debido a los buenos cambios de la letra, usaron esa ultima toma donde la voz ronca de Harrison hacía presumir que no sólo era parte de esa enfermedad, sino también de los excesos. Años después Pattie Boyd diría que los excesos de cocaína y brandy hicieron que la voz de su "amado" bajara en calidad.

Finalmente, el 6 de Diciembre de 1974 fue la fecha en que "Ding Dong, Ding Dong "se publicó como single en el Reino Unido, alcanzando el puesto #38 del UK Singles charts y dejandola como una de las canciones emblemáticas de las fiestas de fin de año.

Tras eso, 17 días después la canción fue publicada en Estados Unidos y llegaría a la casilla #36 de Billboard Hot 100, y también sería número especial para las fiestas de Año Nuevo por su simpática letra.

De hecho, para promocionarlo en esas tierras, Harrison filmó una especia de videoclip donde se le puede ver vestido de gris y junto a una Rickenbacker de 12 cuerdas, y además aparecía en algunas escenas con el famoso uniforme que usó en la portada del "Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band", y cuya ultima aparición había sido en el video de la canción "Hello, Goodbye" en noviembre de 1967.

Que la disfruten!!!

JUMPIN' JACK FLASH / THE ROLLING STONES

Era 1968, y los Stones estaban de para por diversos motivos. Uno de los principales era el sorprendente fracaso en ventas del disco "Their Satanic Majesties Request", un ejercicio de aires psicodélicos publicado en 1967.  Por esa razón los músicos se tomaron unas merecidas vacaciones con el fin de reflexionar sobre su próximo trabajo musical y aprender de este gran fracaso musical.

Asi fue como tras meses fuera de las pistas, donde la prensa empezó nuevamente a darle duro a la vida privada de cada uno de los integrantes de la banda, apareció  un nuevo single  el 24 de mayo de 1968. En este aparecía como cara A una rola muy energética, con tintes y aires renovados y que traía de vuelta a los Stones mas bluseros y de carretera. Se trataba de "Jumpin' Jack Flash", y el mensaje estaba mas que claro: Los Rolling Stones volvían al ruedo con todo...

La historia de esta canción empieza a inicios de 1968, cuando Mick Jagger y Keith Richards fueron a vacacionar a Redlands, California. En esa ocasión ambos Stones se quedaron conversando y bebiendo toda esa lluviosa noche en la mansión que tenía KR en esa hermosa ciudad en el condado de San Bernardino. Pero cuando ya amanecía, Jagger casi se muere de susto al ver una persona desconocida pasar por el patio, y sentir el repentino ruido de unas botas en el marco de la ventana de la pieza. Y cuando el vocalista de la banda estaba a punto de gritar, Keith se le acercó y le dijo: "Es solo el jardinero, se llama Jack Dyer y al parecer está saltando". Ahí estaba la frase para una buena canción...

A raíz de ese episodio, Keith encontró cierta inspiración, pescó su guitarra y empezó a improvisar un ritmo de blues mientras entonaba la frase 'Jumping Jack". Tras observar la cara de alegría de su compañero, Mick se  unió a él y le agregó a la frase la palabra Flash, y el resultado los dejó mas que motivados. Tenían la base de una nueva canción (la cual fue titulada en primera instancia como "Supernatural Delta blues by way of Swinging London") , y todo gracias al jardinero de la casa.

 "Esta canción surge tras todo lo ácido de "Their Satanic Majesties Request". Solo trata de salir de los momentos difíciles y duros. Es tan sólo una metáfora para salir de todas esas cosas ácidas" declaraba en 1995 el señor Mick Jagger. Y era así, la canción no tiene nada que ver con mensajes ocultos a drogas, ni referencias al sexo ni a los excesos, simplemente era una canción para sentirse bien y empezar a volar a pesar de problemas.

Si Jagger lo tomaba de un tono mas emocional, el otro autor, el señor Keith Richards, se iba mas a lo técnico, y declaraba que su fanatismo por esta canción venía de lo orgulloso que se sentía por haber creado un riff pegajoso y muy particular para la historia de la banda.  "Cuando uno consigue un riff como el de 'Flash ', aparece una gran sensación de euforia, algo así como una alegría perversa ", declaraba el guitarrista a la Rolling Stone en el 2010. Además, agregaba que "puedo oír a toda la banda despegar detrás de mí cada vez que toco ' Flash'. Y ahí viene ese toque adicional donde todos van marchando para subirse al riff  y empezar a tocar. Es lo mas cercano a la levitación".

Pero años antes de esas palabras de Keith sobre el riff, en 1989 exactamente, en su autobiografia titulada Stone Alone: The Story of a Rock 'n' Roll Band, el bajista Bill Wyman sorprendería a todos los "Stonesmaniticos" al declarar que el mítico riff de guitarra no fue creación exclusiva de Keith, y que fue él el verdadero artífice de esa parte de guitarra durante los ensayos en los Olympic Studios de Londres, Inglaterra.

En esas páginas, el bajista declaraba: "Estábamos en el estudio temprano una vez... de hecho creo que era un ensayo, no creo que haya sido durante una grabación. Y estábamos ahí Brian (Jones), Charlie (Watts) y yo - los Stones nunca llegaba temprano ni juntos, sabes - y Mick y Keith no habían llegado. Y estaba pasando el rato sentado al piano y comencé a tocar este riff: da-daw, da-da-daw, da-da-daw, y después Brian comenzó a tocar su guitarra y Charlie le estaba dando el ritmo. Estuvimos tocándolo por 20 minutos, y cuando llegaron Mick y Keith  paramos, y ellos dijeron: 'Hey, eso suena muy bien, continuen, ¿qué es?.' Al siguiente día lo grabamos, Mick escribió una grandiosa letra y resulto ser un muy buen sencillo."

Tras estas declaraciones, ni Mick ni Keith le han dado tanto hincapié a esas palabras, y pocas veces le han dado importancia. Eso si, en mas de alguna ocasión ambos han mencionado que frases como esa simplemente van ligadas al disgusto del bajista por no aparecer en los créditos de esa mítica canción que grabaron el 23 de Marzo de 1968. De hecho, en 1997, Keith llegó a decir que el riff simplemente "era lo inverso al que usamos en "Satisfaction". Ambos son intercambiables, salvo que esta vez no usamos una Gibson Maestro Fuzztone". Además, el musico agregaría que "me encanta "Satisfaction", es buena y todo eso, pero los acordes son más o menos simples y cumplen el rigor en cuanto a la composición de canciones como esa. Pero "Flash" es particularmente interesante. Es el todo en estos momentos. Es casi árabe o muy vieja, arcaica, clásica, y contiene las configuraciones de acordes que sólo se podía oír en los cantos gregorianos o algo por el estilo . Y tiene esa mezcla extraña de Rock and roll junto a esa música muy, muy antigua, que ni siquiera sabes como las hicieron. Es mucho mayor que yo , y eso es increíble ! Es como un recuerdo de algo, y no sé de dónde vino" .

Pero eso no es todo, ya que para refutar las palabras del ahora ex-bajista de la banda, en el 2003 el baterista Charlie Watts declaró que el riff y los solos de "Jumpin 'Jack Flash" eran de su amigo Keith. Incluso agregó que fue el guitarrista quien le pidió, en esa sesión de grabación, que tocara la batería de cierta forma que acompañara del todo a su nueva creación. "El sonido de "Jumpin 'Jack Flash" es muy fuerte, porque nosotros nos sentamos cerca el uno con el otro y empezamos a tocarla en el estudio. Fue algo asombroso, tanto par nosotros como para los ingenieros en ese día. Nunca hicimos algo así. Nunca mas lo haremos" agregaba el baterista, que además es adicto al buen jazz.

Mas allá de quien hizo el riff y quien no lo hizo, la canción fue tdo un éxito. Es que con "Jumpin 'Jack Flash" la banda volvía a la cima de los charts y al éxito de años atrás. Es que este single llegó al puesto #3 en Estados Unidos y a la cima del UK Singles charts. Esto marcaba la vuelta de la banda a los charts, y el fin de la mala racha, pero a pesar del éxito la canción no fue incluída en ningún disco y quedó simplemente como single, pero en el repertorio de la banda en vivo siempre ocupa un lugar especial.

De hecho, el canal de televisión VH1 colocó a esta canción en el puesto #65 en su lista "100 Greatest Rock Songs". Mientras que la revista Rolling Stone la colocó en la casilla #124 en el especial "500 Greatest Songs of All Time". y en Marzo del 2005, la "Q magazine" dejó a "Jumpin' Jack Flash" en el segundo puesto de su lista "100 Greatest Guitar Tracks".

Que la disfruten!!!

IT'S OVER / ROD STEWART

Esta a puertas de los setenta años de edad, y bajo su teñido pelo rubio y un conjunto de arrugas faciales Rod Stewart aun tiene pila para rato sobre los escenarios. Es que este músico y cantante de nacionalidad escocesa, pero nacido en Londres, y fanático a rabiar del Celtic de Glasgow, tuvo en las guitarras y el rock and roll lo que no le pudo dar una quebrada carrera como futbolista: Fama, dinero y mujeres.

Pero los años no pasan en vano, y había llegado el tiempo necesario para darle una nueva faceta a su vida , esa de sentarse frente a las cámaras y decirle a los medios que "ya no era bebedor ni mujeriego" y que de una vez por todas quería dejar de lado los escándalos que iban mas allá de sus acordes.

De hecho, esta etapa de desintoxicación (?) partía en el 2012, cuando en su autobiografía titulada "Rod" y escrita por el periodista Giles Smith , el músico no dejaba nada a la imaginación y contó todas sus historias ligadas al manoseado lema rockero: Sexo, drogas y rock and roll.  "Yo solo estaba disfrutando del mundo, al igual que todo tío que tuviera esta oportunidad" comentaba Stewart sobre su imagen hedonista. "Para mí, tomar drogas era una cosa social" añade cuando entra en tema los excesos tras los shows.

"Rod" fue todo un éxito en ventas, la fanaticada quedó sorprendida con estas declaraciones de su ídolo, y además disfrutó con cada historia y con derribar mitos como su supuesta faceta de tacaño. Y sí, Rod Stewart en esas páginas se declaró un fanático del dinero, y que le gusta ahorrar y no despilfarrar con mucha urgencia, pero a la vez no se declara un tacaño profesional, sino que gusta ayudar, y gastar en cosas necesarias y que le hagan ser feliz como persona.  " A causa de mi orgullo, y de mi herencia escocesa , solía decir cosas como ' No me importa comprar una ronda de bebidas, pero no compro dos' . Era algo con lo cuál siempre bromeó y a la vez siempre termino diciendo. Soy sagaz sobre el tema de dinero, yo invierto bien y cuido de ella. Pero está en mi naturaleza ser generoso . Me preocupo de la gente " declaraba en The Telegraph en ese mítico 2012. "Hay mucho dinero que gano fuera de estos dos músculos que trabajan juntos a la par" declaraba en esa entrevista el interprete de "Maggie May" mientras señalaba su garganta.

Pero este artista no solo se quedaba en el gusto por los excesos, la pelota y el rock and roll sino que también es un fanático de las mujeres, y su aspecto de seductor fue su mejor herramienta a la hora de conquistar al sexo opuesto, aunque tuviera un anillo de compromiso.

Cuenta una de las tantas leyendas sobre este músico que cuando todavía estaba casado con Alana Hamilton,  se las dió de galán y como todo un campeón de la seducción se las arregló para salir con las modelos Kelly Emberg y Kara Meyers a la vez, alternando las citas en una misma noche y sin que nadie lo pillara.  Finalmente, de esta aventura terminó emparejado con Emberg pero su instinto de adicción a las mujeres lo hizo caer nuevamente en la infidelidad meses después cuando conoció a la actriz Kelly LeBrock. Pero esta vez Rod salió pillado y de la forma mas sorprendente. resulta que mientras cenaba en un lujoso restaurante junto a Emberg,  llegó el camarero de turno a la mesa y le dió una nota al músico que decía "Te echo de menos" y que estaba firmada  LeBrock. Esa misma noche lo mandaron a freir monos al Africa (?).

Pero en 1990 Rod conocería a Rachel Hunter, una jóven modelo de 21 años que protagonizaba videos de aerobica. El flechazo fue de manera inmediata, y en vez de usar su típicas frases de "ganador", Rod terminó imitando los ejercicios que hacía Rachel en sus videos. De esa manera la conquistó.

Se terminaron casando en Diciembre de 1990 y en Enero de 1999 ya se habían separado. Hunter confesaba que la diferencia de edad fue un factor importante para que su relación se fuera a pique. Juntos tuvueron dos hijos y el divorcio recién se logró en el año 2006, y el dinero, ese que a veces cuidaba tanto, fue nuevamnte tema para Rod.

“Sufrí una especie de fiebre romántica decimonónica” comentaría años después Rod al recordar el periodo en que Hunter se iba de su casa para siempre. Es que Rod le fue fiel a esta mujer, y eso demostraba que estaba enamorado hasta las "patas" y que por fin encontraba brazos para quedarse por una eternidad, peor la historia quiso otra cosa. Tras la ruptura, Rod quedó tirado en su sofá, se escondió en una de sus mansiones, hizo una terapia y empezó a practicar yoga. "Me dí cuenta que las estrellas de rock también deben pedir perdón" confesaría en una de esas entrevistas basadas en esa etapa de su vida.

Y para dejar en claro su nuevo estado de madurez, Rod también quizo dejar un legado musical que retrata este nuevo momento en su vida, donde la reflexión y las ventanas del pasado empiezan a navegar entre la nostalgia , y  el 3 de Mayo del 2013 salía a la venta "Time", un disco que traía nuevamente a Rod en su faceta original, con creaciones musicales nuevas y renovadas, y listas para dejar de lado discos de covers y una que otra reversión de clásicos setenteros y ochenteros de su repertorio.

Para este disco Rod vuelve a su faceta de compositor,  y la inspiración de sus nuevas creaciones era el aprender de los errores y escribir las enseñanzas de estos pasos de juventud, y una de las canciones que retrata parte de su pasado amoroso y ligado a los excesos de manera perfecta es la balada "It's Over".

Para esta balada Rod le pidió colaboración a un viejo conocido, el compositor  Kevin Savigar, con quien ya había trabajado en la famosa canción "Young Turks".  "Kevin me envió la secuencia musical del coro, y yo sólo puse mis auriculares e improvisé la letra, y de esa manera nace esa canción. No creo que sea una forma tan universal para componer, pero así es como siempre lo hago" comentaba Stewart a la revista Mojo.

En "It's Over" se habla sobre las secuelas de un divorcio, y que va más allá de la pérdida del amor y de una historia de a dos, sino que tiene consecuencias importantes también para los hijos.  "También trae la angustia por los niños, y eso hizo que mi segunda separación fuera muy dolorosa, porque ella me dejó y sin ninguna historia oculta entre nosotros, sin que otro se involucrara. Por esa razón, la escribí para las personas que están pasando por algo parecido" mencionaba el cantante.

Pero en esa entrevista con la Mojo, se le preguntó a Rod sobre lo difícil que debe ser escribir canciones con letras tan personales (en la promoción de su nueva gira Rod llegó a decir que este disco "es mas autobiográfico que la reciente autobiografía"), ante esto el cantante respondió: " Rachel (Hunter ) fue mi divorcio mas reciente, y obviamente había que hacer reflexiones sobre esa ruptura, pero traté de ampliar el tema para todos aquellos que han pasado por lo mismo que yo. Tengo amigos que también han pasado por un divorcio, y eso los ha dejado muy tristes y bloqueados. Todos pasamos por las mismas emociones, los mismos traumas, y por el daño que se les ocasiona a los niños".

"It's Over" fue publicada como single en Abril del 2013 para toda Europa, y tuvo un gran éxito en los charts. Pero mas allá de los premios, mas allá de la fama, esta canción traía a un Rod Stewart honestamente brutal, y a la vez alegre de tener las agallas de compartir parte de su vida y derribar algunos mitos.

Hoy Rod vuelve a sonreír, y está felizmente casado con su tercera esposa Penny Lancaster, a la que conoció en el 2010 cuando ella, fiel fanática, fue a pedirle un autógrafo.  Pero a pesar de que la vida le vuelve a sonreir al viejo Rod, siempre se da un tiempo para recordar su pasado y dejar huella...

Que la disfruten!!!

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SAVOY TRUFFLE / THE BEATLES

La historia cuenta que el señor Eric Clapton conoció a los Beatles a finales de 1964, y de ahí en adelante congenió de manera perfecta con uno de ellos: George Harrison.

La gran amistad que estos entablaron fuera del escenario estuvo llena de colaboraciones mágicas, y también de historias inolvidables y dignas de la prensa rosa, donde destacan incluso el haber compartido la misma mujer, dejando atrás esa ley humana de no meterse con la esposa del amigo. Pero bueno, la historia de Patty Boyd ya ha sido contada en estas ciber-páginas y entrar en detalles simplemente sería irnos lejos de la canción que hoy viene al ruedo y que fue publicada el 22 de Noviembre de 1968 en el famoso disco homónimo. Hablamos de "Savoy Truffle".

Bueno, resulta que si había algo que le llamaba la atención a George sobre su amigo (aparte de lo talentoso que era con las seis cuerdas), era su fuerte adicción a los bombones, y en especial a esos de la marca Mackintosh's Good News. Esa era la razón por la cuál Clapton pasaba con dolores de muelas y tenía tantas caries como ideas musicales en esos años.  En su biografía "I Me Mine", Harrison declaraba que "'Savoy Truffle' era una broma compuesta en los años sesenta. Por aquel entonces, veía a menudo a Eric Clapton, que tenía muchas caries y necesitaba ir al dentista. Siempre le dolían las muelas pero no paraba de comer bombones: era superior a sus fuerzas y cuando veía una caja se los tenía que comer todos".

Harrison la compuso a modo de broma cuando Clapton le contó que en una de las visitas al dentista se le había recetado simplemente dejar los chocolates, pero este no sabía que hacer y de pura desesperación empezó a comprar trufas, pensando que no eran tan dañinas como esos bombones de la chocolatería Mackintoch. "Al parecer no sabía que la trufa era una especie de dulce, al igual que todo lo demás - crema de mandarina, jengibre - sólo cosas dulces. Eric simplemente se tomaba el pelo solo" comentaba el Beatle en el año 1977. Además, agregaba que tras la supuesta rehabilitación, Clapton "un día vino a casa y encima de la mesa había una caja de bombones 'Good News' y escribí la canción a partir de los nombres que salían en la tapa. En la caja aparecían los nombres creme tangerine, montelimart, ginger sling, pineapple treat, coffee dessert, savoy truffle. No había cherry cream sino toffee and cherry cup, ni había apple tart ni coconut gudge, sino coconut and caramel"

Una vez que llegó a la base, y esta fue de su real gusto, Harrison decidió trabajarla para el "Album Blanco". Asi fue como el 3 de Octubre del año 1968 en los Trident Studios se la enseñó a sus compañeros y de inmediato junto a Paul en bajo  y Ringo a la batería empezaron a grabar algunas tomas. Los resultados de esa sesión de grabación fue dejar lista la parte de guitarra, incluído el riff, el bajo y la batería. Dos días después, Harrison trajo parte de la letra (con el listado de los bombones) y antes de empezar a grabar la parte vocal le pidió ayuda a Derek Taylor, quien era en ese momento el jefe de prensa de Apple. Y fue Derek quien le dió la frase "you know that what you eat you are".

Además, fue en esa sesión donde Harrison incluyó en la letra cierta referencia a la canción  "Ob-La-Di, Ob-La-Da", imitando lo que había hecho John en su canción "Glass Onion" donde jugaba con los títulos de las canciones de la banda. Al parecer simplemente fue hecho a modo de relleno.

El 11 de Octubre llegaron al estudio los saxofonistas Art Ellefson, Danny Moss, Derek Collins, Ronnie Ross, Harry Klein y  Bernard George para grabar un arreglo de vientos hecho por Chris Thomas, asistente de George Martin y que además tocó el piano eléctrico en la grabación de este tema.

Recordemos, que en esas sesiones de grabación fue tanta la "mala onda" entre los integrantes de la banda (George le echó la culpa a las esposas de sus compañeros) que por primera vez George Martin decidió salir de la cabina de manda y tomarse unas vacaciones, y dejar como productor a su asistente. "Yo acababa de regresar de mis vacaciones, y cuando llegué al estdio había una pequeña carta en el escritorio que decía:" Querido Chris.  Espero que hayan tenido unas buenas vacaciones . Ahora me toca a mí . Estas disponible para los Beatles. Neil (Aspinall) y Mal (Evans) saben que tienes poca experiencia " recoradaría Thomas años después, al recordar su trabajo con la mejor banda de Rock de todos los tiempos.

Una vez que los músicos de sesión hicieron su tarea apareció en escena Harrison, quien tras escuchar la pista en el estudio le sugirió a Thomas que distorsionara el sonido, para darle un toque mas personal a la canción. Pero Thomas no estaba muy a gusto con la idea del Beatle, ya que lo que habían grabado sonaba fantástico y le daba un buen plus a la canción. Pero la palabra del autor valía más que su fina proposición. "Así que tuve que conectar dos amplificadores de alto voltaje al mismo tiempo, esos que cuando se sobrecargan producen un efecto de distorsión, desgarrador e incluso algo sucio. Una vez que los músicos de sesión fueron a la sala de control para escuchar su parte, George les dijo: "Antes de escucharla les tengo que pedir perdón por lo que hice con su magnífica interpretación. Por favor, perdonenme, pero esto es lo que quiero". Si bien el sonido les paralizó los pelos a esos músicos, finalmente entendieron que eso era lo que quería George" comentaría años después el ingeniero Brian Gibson en "The Complete Beatles Recording Sessions", de Mark Lewisohn

Finalmente "Savoy Truffle" fue terminada el 14 de Octubre, cuando Harrison puso una nueva parte de guitarra electrica y Paul McCartney se encargó del pandero. ¿Y Ringo Starr?... Bueno, el baterista se había ido por unos días junto a la familia a Cerdeña. Y mientras tanto lennon ni se aparecía por los estudios de grabación...

Que la disfruten!!!

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MONY MONY / TOMMY JAMES AND THE SHONDELLS

Era el año 1968, y a banda Tommy James & the Shondells pasaba por su mejor momento musical. Es que el año anterior habia sido de mucha cosecha musical y de gran éxito para su extensa carrera musical que  llevaban hasta ese entonces. Y todo esto fue gracias a sencillos como "Say I am (What I am)", "It's only love", "I think we're alone now" y "Out of the blue" donde  la banda sacaba lustre a todo su potencial en el pop bailable donde se manejaban por el  rock'n'roll, el naciente movimiento "bubblegum" y uno que otro toque de armonías psicodélicas.

Hasta ese año 1968 la banda ya estaba a ser declarada como aquella con mayor triunfo comercial en la segunda mitad de la década de los 60, pero para ello faltaba el paso de gigante, o sea, llegar a los charts internacionales, en especial el del Reino Unido.

El cerebro de la banda era Tommy James, quien desde los 9 años que estaba con una guitarra en la mano y en el año 1959, cuando entró a la secundaria en Niles, formaría esta banda con el simple objetivo de disfrutar la musica, tocar en las fiestas y pasarla bien con los amigos.

Tal como lo venía haciendo desde sus inicios, en esos días Tommy se puso a pensar en el próximo single de la banda, y además de que en esta ocasión tenía que tener otro condimento, y que era llegar mas allá de los Estados Unidos. No era una tarea fácil...

Pero en ese año 1968 muchas bandas volvieron a escarbar en el rock and roll de principio de los 60's. Había algo así como un "revival" de aquellas épocas, como si quisieran volver por un rato al pasado, y obviamente Tommy se embarcó en esa idea, de volver un poco a lo básico, a la música fiestera, esas que muchos tambores, que hablaban de sol y playa como si estuvieran eternamente en California.

Tras pensarlo por largo rato en las giras y momentos familiares, Tommy le propuso a la banda hacer un disco mas cercano al "party rock", o sea al rock and roll en su esencia pura, y dejar de lado por un rato los aires psicodélicos.

Asi fue como en Junio de 1968 la banda se ponía manos a la obra con una pieza instrumental que había traído Tommy James. No era algo tan trabajado, simplemente era un repetitivo riff de guitarra al cuál le había agregado un poderoso toque de tambores. Pero la banda tomó esa base musical para crear una sólida cortina instrumental, aunque tuvieron un problema a la hora de empezar a grabar algunas tomas: Necesitaban un baterista que diera con el ritmo de la canción.

Si bien la banda contaba con el baterista Peter Lucia en sus filas (quien había llegado tras la renuncia de Vinnie Pietropaoli a mediados de 1967 por causas económicas, ya que Roulette Records no le quiso subir el sueldo), este no lograba dar con el ritmo y la calidad que James quería en esta canción.

En cuestión de días, uno de los ingenieros de sonido que trabajaba con la banda fue en busca de algunos bateristas de sesión, y finalmente encontraron dos buenos bateristas que dieron con el clavo en la pieza musical, e incluso fue tan bien su interpretación que se usaron ambas pistas en la versión definitiva de la rola. "Eso le daba un ambiente mas fiestero" fue lo que declaró años despues James al ser consultado por el uso de dos baterías en "Mony Mony".

Una vez que tenían lista la parte instrumental, vino la etapa de arreglar la letra. Si bien James ya tenía uno que otro bosquejo en alguna libreta, en los ensayos el productor Ritchie Cordell le había declarado muchas criticas negativas, en especial al coro, que era la parte primordial en este caso.

Asi fue como una tarde  Cordell fue al departamento que James tenía en Eighth Avenue, en Nueva York con el objetivo de terminar la letra de esa canción para empezar a grabarla de manera definitiva. Tras varias horas de trabajo, los resultados eran nefastos, a tal punto que llegaron a tirar sus guitarras al piso y rendirse ante no encontrar una buena y pegajosa letra para su nueva canción.

Tras pensarlo una y mil veces, ambos músicos se fueron a la terraza del departamento a fumar ese último cigarillo, y ahi les vino la inspiración cuando Tommy James observaron un cartel luminoso que estaba en el famoso edificio M.O.N.Y ( Mutual of New York Building). "Yo quería un título algo pegadizo como "Sloopy" o "Bony Maroney," pero todo lo que se nos ocurría sonaba muy estúpido. Habíamos trabajado duro junto a Ritchie Cordell  y ya estábamos a punto de tirar la toalla cuando fui a la terraza, miramos hacia el cielo y vimos el  Mutual of New York Building (que tenía sus iniciales iluminadas con un rojo furioso)- De inmediato le dije a Ritchie: "Ese debe ser el título, ven a observarlo". Era algo asi como si Dios me mandara un mensaje: "He aquí el título". Siempre he pensado que si hubiese mirado hacía otro lado, la canción llevaría por título "Hotel Taft"" declararía James en 1995 a la revista Hitch.

Una vez que ambos músicos llegaron a dar con la letra de su nueva canción, decidieron grabarla de manera inmediata, y ponerle a full ese espíritu festivo que tanto buscaban. De esa manera, al otro día James citó a sus músicos de sesión a los estudios en Broadway y además llamó a que los ingenieros partieran a buscar a toda la gente que estuviera pasando por las afueras del estudio de grabación, ya que quería armar una fiesta, y en especial a la hora de grabar el pegajoso coro. Asi fue como aparecieron en la sala de grabación las secretarias del sello, los arreglistas, los demás productores, gente que pasaba por ahí y un que otro fans que tuvieron la suete de participar en esta gran canción. Sobre este ambiente de fiesta, el tecladista de la banda,  Kenny Laguna recordaba años después: "Cuando llegó el momento de hacer que suene como si fuera una gran fiesta, era la hora del almuerzo, asi que nos fuimos a Broadway e invitamos a todas las personas que veíamos en la calle a que fueran al estudio, y al final cantaron el ' Mony, Mony ! ' Muchas personas quedaban asombradas e incluso asustadas cuando les decíamos: '¿Quieres cantar en un disco de Tommy James ? "

Finalmente "Mony Mony" fue lanzada como single en Julio del 1968, y llegó a la casilla #3 del Billboard Hot 100, dejando en claro que su éxito seguía tan vigente como la temporada anterior. Pero la sorpresa vino el 3 de Agosto, cuando la banda fue informada que esta canción, que fue apoyada por un llamativo "videoclip", llegó al primer lugar de UK Singles Charts. Tommy James y sus secuaces lo habían logrado...

"Mony Mony" llegó a ser el single mas vendido en Gran Bretaña durante ese año, dejando en segundo plano a unos pesos pesados como The Beatles. De hecho, los fab four, y en especial George Harrison, quedaron muy impresionados con esta banda y de inmediato decidieron armar algo parecido en su naciente empresa musical Apple. La idea era apoyar a la banda de James en tierras británicas y cederle algunas canciones con cierto aroma a "Mony Mony". El gestor de todo este plan fue George Harrison, quien estaba trabajando en ese entonces como productor de la banda Grapefruit y además le enviaba a Lenny Stogel, manager de Tommy James, algunas canciones, con el fin de que las analizaran y las grabaran en alguna ocasión. Pero las canciones enviadas por Harrison eran muy ligadas al Party Rock (al parecer creía que esta banda solo se dedicaba a este género), y James tras el éxito de "Mony Mony" no quiso repetir la fórmula y ya estaba trabajando en otra pieza clásica: " Crimson and Clover "

"Mony Mony" tuvo su revival en Octubre del año 1987 cuando el músico británico Billy Idol lanzó una histórica versión en vivo con la cual llegó al puesto #7 en Estados Unidos y en el Reino Unido. Recordemos que Idol ya había grabado esta canción en su EP debut"Don't Stop", pero había pasado sin pena ni gloria...

Que la disfruten!!!