LOVE WILL TEAR US APART / JOY DIVISION

Love will tear us apart es una canción del grupo de post-punk inglés Joy Division. La letra fue escrita por el cantante de la banda, Ian Curtis, quien se suicido en mayo de 1980, un mes después de que la canción fuera lanzada como single.

Ademas la canción fue grabada en Noviembre de 1979 en los estudios de la BBC y fue el último single grabado por la banda.
Sin lugar a dudas,esta fue la canción más exitosa de la banda, llegando al puesto número 13 de los charts británicos y se convirtió en un clasico de la decada de los ochentas. Luego de la muerte del cantante la banda se separaria y los demas integrantes formarian parte de otra banda famosa: New Order.

La historia cuenta que fue escrita en los meses de Agosto y Setiembre de 1979 y fue tocada por primera vez en la gira por el Reino Unido en la que Joy Division era la banda soporte del famoso grupo Punk, Buzzcocks, en los meses de Septiembre y Octubre del mismo año.

Según se rumorea, la letra de la canción sería autobiográfica, y estaría basada en el matrimonio fallido de Curtis con su esposa Deborah y la creciente relación del mismo con una chica belga, que era seguidora de la banda (grupi??).
Tambien se puede interpretar como una visión del estado emocional y mental de Curtis en el tiempo previo a su suicidio.

Pero "Love Will Tear Us Apart" ha mantenido su popularidad a lo largo de los años y fue considerada por el New Musical Express como el mejor single de todos los tiempos en el año 2002, revista que también la posicionó, en Mayo de 2007, como uno de los 50 más grandes himnos de la música Indie, en el puesto número 19. La canción también apareció en el puesto 179 del top 500 de canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone en 2005.

GO WEST / PET SHOP BOYS

Pet Shop Boys - Go West (HD) - Watch a funny movie here

"Go West" es una canción que fue grabada en 1979 por la banda Village People. Dicha canción no fue tan popular como otros sencillos del grupo lanzados en ese tiempo, como "YMCA" o "In the Navy"; sin embargo la canción fue todo un éxito de ventas cuando en 1993 el dúo Pet Shop Boys grabó un cóver de la misma para su disco "Very".

La versión de los Pet Shop Boys tuvo su origen en 1992, cuando Derek Jarman les pidió al duo que se presentaran en un evento de caridad para el SIDA en el club nocturno de Manchester llamado La Haçienda, Chris Lowe integrante del dúo seleccionó "Go West" como la canción que interpretarían. Debido a que el cantante Neil Tennant no se pudo acordar de la letra durante esa presentación, ambos decidieron grabarla como un sencillo.

La versión original de la canción hecha por el dúo, programada para un lanzamiento anterior en 1992 como un sencillo no incluido en el álbum, nunca fue usada; tanto ésta como un lado B inédito; "Forever in Love" fueron lanzados en la reedición expandida del 2001 de su álbum Very.

El lanzamiento final del sencillo, en 1993 fue el segundo sencillo de Very e incluía remixes de Brothers in Rhytm, Farley & Heller, Kevin Saunderson y Mark Stent; el nuevo lado-B "Shameless" fue incluido en el musical del grupo, titulado "Closer to Heaven". El lanzamiento del sencillo en 1993 llegó al número dos en las listas de popularidad en el Reino Unido, y al número uno en Alemania; en ambos países, fue el sencillo de mayor popularidad del grupo en los años 1990 y 2000 (hasta ahora). "Go West" se ha convertido desde entonces en la canción que tradicionalmente utilizan para el cierre de sus conciertos.

En cuanto a la letra de la canción, el título de la canción se atribuye a la frase del siglo XIX "Ve al Oeste, jovencito" (en inglés Go West, young man) atribuida al periodista Horace Greeley, un apoyo a la colonización del Oeste de Estados Unidos; de igual manera, "Go West" se entiende generalmente como una expresión del sentimiento popular que se tenía de la ciudad californiana de San Francisco como una utopía del movimiento de Liberación Homosexual.

Tambien es bueno señalar que la versión original era sincera en cuanto a su representación de una utopía a diferencia con la versión de los Pet Shop Boys,que fiel a la característica de la banda, introdujo un subtexto inspirado por las consecuencias de la pandemia del SIDA en los años 1980 y cómo ésta había afectado la supuesta utopía de la versión original.

Esta canción tiene la particularidad de haber sido adoptada por fanáticos del fútbol en algunos países. Por ejemplo en Argenina la hinchada de Rosario Central (club del cual era hincha el Che Guevara) la entona bajo el titulo "Quiero que salgas campeón". En Inglaterra, para varios cantos, como el del equipo Arsenal; "One-nil to the Arsenal", o el de West Bromwich Albion; "Go West Bromwich Albion".
Existe una versión orquestada de la canción que fue adoptada por la FIFA como tema oficial de la Copa Mundial del 2006. Titulada "Stand Up! (Champions Theme)", fue cantada dentro de los estadios al final de cada partido del torneo y la interpreta Patrizio Buanne.

Que la disfruten!!!

BONUS TRACK!!
La versión original por los Village People:

HEART OF GLASS / BLONDIE

Heart of Glass es una popular canción del grupo estadounidense Blondie lanzada en 1979 en el álbum Parallel Lines. También fue editado como single el 28 de enero de 1979.

Originalmente, la canción fue grabada en 1975 bajo el nombre "Once I Had a Love" con un ritmo mucho más lento, acercándose más al blues conbinado con un poco de reggae, siendo una de las principales canciones que tocaba el grupo en sus giras. En 1978 fue regrabada con el mismo nombre, pero orientándola hacia al rock.
Posteriormente, cuando Blondie estaba grabando el álbum Parallel Lines, la música disco estaba en pleno auge dentro del panorama musical gracias al boom de la pelicula "Fiebre de sabado por la noche", hecho que llevó al productor Mike Chapman a darle otro giro a la canción para dejarla tal y como se conoce hoy en día, con un claro ritmo "onda disco", siendo a la vez, una de las canciones más conocidas del grupo. Para la versión single, Chapman acentuó aún más los bajos para que sea tocada en locales de baile de Nueva York.

La canción fue lanzada el enero de 1979, alcanzando rapidamente el puesto número uno en los Estados Unidos y en el Reino Unido. Ademas el vídeo musical de la canción fue grabado en la discoteca neoyorquina Studio 54 que era cuna de la musica disco en los setentas.

Que la disfruten!!

STAND BY ME / BEN E. KING

"Stand by Me" es una famosa canción interpretada por el cantante estadounidense Ben E. King y compuesta en conjunto con Jerry Leiber y Mike Stoller. Fue lanzada al mercado en formato single el año 1961.

La canción está adaptada a partir de un tema gospel que data del año 1955 y que fue interpretado por The Staples Singers. Pero esta nueva version le dió a la canción un sonido más moderno y tirado a la balada de comienzo de los sesentas. Cabe señalar que desde su publicación, esta canción ha sido versionado por numerosos músicos, si bien ninguna de las versiones ha alcanzado la fama de la original. Entre los que han versionado este tema estan: John Lennon, Elvis Presley, U2, la banda argentina SUMO y el gran boxeador de todos los tiempos Muhammad Alí que en 1964 sacó un single dnde incluía la version de este clasico.

Durante la composición del tema, Ben E. King no tenía intención de grabarla y solo la trataba como un posible "demo" o cancion de releno de algun disco. Pero al finalizar una seción de grabacion, el productor que estaba a cargo le pidió a King un nuevo tema. Ahí fue donde Ben E. King tocaría "Stand By Me" en el piano. El productor daría el visto bueno al ensayo y llamaría a músicos de sesión para grabar el tema.

Sin que nadie lo pensara, "Stand By Me" entraría en los diez primeros puestos de las listas de Billboard en dos ocasiones: tras su publicación como single en 1961 y en 1986, coincidiendo con la publicación del tema en la película Cuenta conmigo y con el uso del tema para un anuncio de Levi Jeans. En el United World Chart, "Stand By Me" alcanzaría el puesto #8.

"Stand by Me" sería catalogada en el puesto 121 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone. BMI nombraría el tema como el cuarto más interpretado durante el siglo XX, con más de siete millones de interpretaciones.

Bonus track:
Le dejamos la version de John Lennon que fue grabada para el álbum Rock 'n' Roll, publicado en 1975, apenas unas semanas antes de declarar su alejamiento del mundo de la música para dedicar en exclusiva su tiempo al recién nacido Sean Lennon.

Fuente: Wikipedia

AMERICAN PIE / DON McLEAN

"American Pie" es una canción folk rock escrita por el cantante y compositor estadounidense Don McLean, trata sobre "el día que murió la música".

Esto se debe a que la canción hace referencia a la historia del rock and roll, comenzando en el momento de la muerte de los músicos Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959 y hasta el año 1970.

En el año 1971 fue grabada y lanzada en el álbum del mismo nombre. El sencillo se mantuvo en la primera posición en las listas de popularidad de Estados Unidos durante dos semanas en 1972.

"American Pie" quedó en el patrimonio musical y cultural de Estados Unidos al ser reconocida por el proyecto educativo "Songs of the Century" (Canciones del Siglo) que la posicionó en el número cinco de las canciones del Siglo XX.

La letra de la canción causa mucha curiosidad. Aunque McLean dedicó el álbum American Pie a Buddy Holly, ninguno de los músicos que viajaban en el avión en el momento del accidente es mencionado por su nombre. Cuando se le preguntó a McLean el significado de "American Pie", él dijo: "Significa que jamás tendré que trabajar otra vez". Posteriormente, declaró de forma más seria: "Encontrarán muchas 'interpretaciones' de mi letra pero no les diré la mía... Lamento dejarlos a todos así, pero hace tiempo me di cuenta de que los compositores deben dar sus declaraciones y marcharse, manteniendo un silencio digno".

El primer y más extraño cover de la canción fue realizado por la comedia estadounidense The Brady Bunch en 1972.
La cantante Madonna también hizo una versión de la canción en el año 2000 que fue incluido en la banda sonora de la película The Next Best Thing protagonizada por ella misma. De Madonna dejaremos la version subtitulada del tema...

THE SOUNDS OF SILENCE / SIMON & GARFUNKEL

The Sounds of Silence es una canción que popularizó en la década de los 60 el dúo estadounidense Simon & Garfunkel.

Fue escrita el 19 de febrero de 1964 por Paul Simon, tras el asesinato del Presidente John F. Kennedy, que ocurrió el 22 de noviembre del anterior año. Simon estaba seguro de que la canción sería una forma de recoger el sentimiento emocional popular tras el desafortunado suceso.

La canción, interpretada por ambos miembros del grupo y acompañada por la guitarra de Simon, fue originalmente grabada como una pieza acústica de su primer álbum, Wednesday Morning, 3 A.M., pero posteriormente fue retocada con instrumentos eléctricos, y reeditada como single en septiembre de 1965, el cual llegaría a alcanzar el número uno de las listas americanas el día de Año Nuevo de 1966. Esta versión se incluyó en el álbum Sounds of Silence.

Si bien en el primer álbum aparecía con el nombre The Sounds of Silence, éste sería cambiado por The Sound of Silence (le quitan una "s") a partir de su aparición en el álbum Sound of Silence. Ambas formas, aparecen a lo largo de la letra de la canción.

El tema ocupa el puesto centésimo quincuagésimo sexto de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone.

PD: En algunas misas catolicas he escuchado este tema...

THRILLER / MICHAEL JACKSON

Thriller es una canción lanzada por Michael Jackson en enero de 1984y forma parte del álbum del mismo nombre. Fue grabada en 1982 a través de Epic Records, filial de Sony y su autor es Rod Temperton. Su sofisticada producción musical corrió a cargo de Quincy Jones, como la del resto del álbum.
Su video musical (de larga duración) que impulsó su lanzamiento es la razón principal del fabuloso éxito del álbum, aún hoy es lejos uno de los más vendido de la historia.

A pasear que le dio el nombre a su álbum, Thriller no fue el sencillo lanzado en primera instancia por la compañia.
Previamente, Epic había publicado como sencillos Billie Jean y Beat it, con resultados comerciales no tan brillantes como se esperaba. Pero gracias a su video musical, el sencillo Thriller lanzó el disco al número uno en múltiples países.

Con una duración de 14 minutos, fue el video musical más largo hasta entonces, sólo superado por otro video del propio Michael Jackson de 1996, Ghosts (de 35 minutos). Muchos lo consideran como el mejor de la Historia y redefinió el concepto de los videos musicales. La coreografía del baile, el vestuario y la música, hacen que Thriller se asemeje a un musical de terror, al aparecer monstruos clásicos del género como el hombre lobo y los zombies.
El costo del vídeo fue de 800.000 dólares (equivalentes a 1,4 millones del año 2007), un récord que se mantuvo hasta que fue superado por el de la canción Scream también de Michael Jackson.

Desde un primer momento fue muy emitido por la cadena MTV, fundada poco antes, e incluso llegó a ser emitido dos veces por hora (algo notable teniendo en cuenta su larga duración!!). El video ganó el premio a la mejor coreografía en la ceremonia inaugural de los premios MTV y alcanzó un éxito inusual, relanzando comercialmente el álbum Thriller, que llevaba un año en el mercado con ventas inferiores a las deseadas. Hoy se cree que con o sin este videoclip, el disco habría aun así alcanzado su histórico récord.

Ojo con este dato!!
La letra original en inglés suele ser traducida de manera inexacta al español, ya que incluye palabras con dobles sentidos que las traducciones literales no reflejan bien. En la letra, Michael juega con el doble sentido del verbo thrill, que significa asustar pero también estremecer y emocionar. La canción trata sobre el terror, pero se refiere al de ficción y termina afirmando que cambiando el dial (de la televisión) es posible salvarse.

Espero que dusfruten de este clasico ochentero!!!

PD: La sangre que aparece en el video es solo mermelada de fresa... :D

PD2: El cantante de la banda Queen, Freddie Mercury, señalaba muchas veces que era su canción favorita... Recuerden que entre él y Michael había una gran amistad.

Fuente: Wikipedia

BORN TO BE WILD / STEPENWOLF

"Born to be wild" es una canciòn escrita por Mars Bonfire, la cual hizo famosa la banda oriunda de California Steppenwolf.
A menudo es utilizada por la cultura popular para graficar la actitud rebelde de los motociclistas de carretera. Fue descrita por algunos como la primera cancion de rock "pesado" de finales de los sesenta aunque aun esta en disputa ese puesto sobre cual cancion fue pionera en ese popular estilo musical.

La canciòn se registró por primera vez en 1968 en el album homonimo de Steppenwolf. Rapidamente se convirtiò en el gran numero uno de la banda, alcanzand el puestoo # 2 en el Billboard Hot 100 dias despues de su lanzamiento.

Tambien fue incluida en muchos álbumes compilatorios y bandas sonoras. La primera de ellas fue para la pelicula Easy Rider (1969). A diferencia de la versión del album, la canción contiene sonidos de motocicletas en la introducción. El video que hemos puesto contiene imagenes de esta pelicula. De ahì en adelante, "Born to be Wild" es la canción que está mas asociada con las motocicletas.

Ponganse sus cascos y disfruten esta canciòn y mejor si la escuchan mirando la carretera!...

La letra al español es asi:

NACIDO PARA SER SALVAJE

Pon el motor en marcha.
Métete por la autopista
buscando aventuras
y lo que se cruce en el camino.

Cariño, hagamos que suceda.
Conquista el mundo con un abrazo cariñoso.
Dispara todas tus armas a la vez
y explota en el espacio.

Me gusta el humo y los relámpagos,
el trueno de metal pesado,
echar una carrera con el viento
y la sensación de estar debajo

Cariño, hagamos que suceda.
Conquista el mundo con un abrazo cariñoso.
Dispara todas tus armas a la vez
y explota en el espacio.

Como un auténtico hijo de la naturaleza.
Nacimos para ser libres.
Podemos escalar muy alto.
No quiero morir nunca.
Nacido para ser libre.
Nacido para ser libre.

LITTLE GREEN BAG / GEORGE BAKER SELECTION

"Little Green Bag" es una canción escrita en 1969 por Jan Visser y George Baker (cuyo verdadero nombre es Hans Bouwens), y grabado por la banda George Baker Selection. Con le paso del tiempo se ha convertido en la opera prima de la banda.

La canción alcanzó la posición número 9 en el Top 40 holandés, y la posición número 3 en Bélgica. En el verano de 1970, alcanzó la posición número 16 en el ranking de la revista Cash Box y 21 en el Billboard Top 100 en los EE.UU..
En 1992, cuando la canción fue utilizada en la película Reservoir Dogs (del gran Quentin Tarantino), se convirtió en un clásico de culto internacional. También en 1992, la canción alcanzó la posición número 1 en Japón, después de haber sido utilizada en un comercial de whisky japonés.

La canción cuenta con un intro de bajo muy marcado por el Jazz, y con una pandereta que marca el tiempo como si fueran latidos. Esta linea de bajo le da un toque especial y curioso a la cancion. Mientras la voz se denota en un tono suave tiene mucho parecido a la música romántica española.

Ponganse ternos negro, camisa blanca y corbata negra y escuchen este clasico de clasicos!..

Aqui les dejamos la traducción de la letra... por motivos "x" no encontramos un video subtitulado...

BOLSITA VERDE

Buscando una bolsita verde.
Encontrar la especie o estoy perdiendo la cabeza.
Miro la noche sin mirar el día.
Buscando para hacerlo a mi manera.
Miro la noche sin mirar el día.
Buscando para hacerlo a mi manera.
Buscando.
Buscando felicidad.
Pero solo encuentro soledad.
Brinco a la izquierda, regresa a la derecha.
Mirando las escaleras, mirando detrás, ¡sí!
Buscando felicidad.
Pero solo encuentro soledad.
Brinco a la izquierda, regresa a la derecha.
Mirando las escaleras, mirando detrás.
Buscando una bolsita verde.
Encontrar la especie o estoy perdiendo la cabeza.
Miro la noche sin mirar el día.
Buscando para hacerlo a mi manera.
Buscando una bolsita verde.
Encontrar la especie o estoy perdiendo la cabeza.
Muy bien.
Buscando felicidad.
Pero solo encuentro soledad.
Brinco a la izquierda, regresa a la derecha.
Mirando las escaleras, mirando detrás.

Pa pa pa pa pa pa ....

DON'T WORRY, BE HAPPY / BOBBY McFERRIN

"Don't Worry Be Happy" es el título y la letra principal de una canción humorística del compositor de jazz, Bobby McFerrin, la primera canción a capella (todos los sonidos son hechos por voces) en llegar al número uno en la lista de los "Billboard Hot 100" en los Estados Unidos, manteniendo esa posición por dos semanas en septiembre de 1988.
El título de la canción es tomado de una famosa frase del profesor espiritual indio Meher Babam, quien mecionaba "dont worry, be happy" al regar sus flores e incluso cuando tuvo un accidente en 1958 este le dijo a sus flores "no se preocupen, sean felices, todo estará bien. Fielmente sigan con las instrucciones que les he dado".

En 1988, Bobby McFerrin notó un afiche cin esta frase en el apartamento de la banda Tuck & Patti de San Francisco. Inspirado por el encanto y la simplicidad de la frase McFerrin escribió la ahora famosa canción "Don't worry, Be Happy". La cancion saliò en el disco del mismo nombre en 1988 y se convirtiò rapidamente en una de las mejores canciones de ese año y un clasico de clasicos para levantar el animo o para sonreir un buen rato.

Un malentendido general dice que la canción fue escrita por Bob Marley, aunque él murió casi una década antes del lanzamiento de esta canción y otra farsa era aquel mito urbano acerca de que el 'compositor' se suicidó después de escribirla; el rumor de que McFerrin lo haya hecho fue desmentido.

Si ven el video tranquilamente se podran dar cuenta que aparecen dos actores de talla mundial como Robin Williams y Bill Irwin.

MAYBE I'M AMAZED / PAUL McCARTNEY

Maybe I'm Amazed es una canción compuesta por Paul McCartney, lanzada por primera vez en su álbum McCartney el 17 de abril de 1970. Aunque la versión de estudio del álbum nunca fue lanzada como sencillo, la canción es una de las más famosas de McCartney. Originalmente, éste le dedicó la canción a su esposa, Linda, quien lo acompañó luego de la ruptura de The Beatles.

McCartney escribió la canción en 1969, poco después de la ruptura de The Beatles, habiendo declarado previamente que su esposa Linda lo había ayudado durante el difícil proceso. Esta es una de las cinco canciones que le escribió a ella, junto con "I Will", "Two of Us", "The Lovely Linda" y "My Love".

La versión original de estudio de la canción terminaba progresivamente en lugar de un final completo, pero McCartney decidió componer un final que pudiese interpretar en las versiones en vivo de la canción. El 4 de febrero de 1977, fue lanzada una versión en vivo de la canción del álbum de 1976 Wings over America, de la banda de McCartney llamada Wings, y se convirtió en un éxito en los Estados Unidos llegando al décimo puesto en los principales rankings del país. Por otra parte, distintas versiones de la canción fueron incluidas en otros álbumes de McCartney, incluyendo Back in the U.S. y Back in the World. "Maybe I'm Amazed" se ha convertido en una de las canciones principales en los conciertos de McCartney, junto con "Band on the Run" y "Live and Let Die".

Como un dato curioso: la canción fue incluida en un episodio de la serie animada Los Simpson titulado "Lisa the Vegetarian", en el cual Paul y Linda McCartney fueron las estrellas invitadas. En el episodio, Paul ayuda a Lisa a continuar siendo vegetariana y le dice que si escucha "Maybe I'm Amazed" al revés, se revelaría una receta secreta de sopa. La canción luego suena durante los créditos finales del episodio, y, si se escucha con atención, se oye el mensaje subliminal. El cambio de la canción fue creado por los productores de la serie para este episodio en particular, y no aparece en la letra original.

Está catalogada como una de las mejores canciones de amor de McCartney, alcanzó el puesto #338 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos publicada por la revista Rolling Stone en noviembre de 2004, y es la única canción de McCartney como solista que forma parte de la lista.

SYMPATHY FOR THE DEVIL /THE ROLLING STONES

Sympathy for the Devil es una canción de la banda británica The Rolling Stones que abre su famoso álbum de estudio de 1968 Beggars Banquet.

Es considerada por la crítica musical como una de las mejores grabaciones de la banda y una de las mejores de la historia del rock. En el año 2004, la revista Rolling Stone incluyó a la canción en el puesto 32 en su Lista de Rolling Stone de las 500 canciones más grandes de la historia. Ademas de ello, "Sympathy for the Devil" ha sido usado en la banda sonora del videojuego "Tony Hawk's Proving Ground" y en varias bandas sonoras de peliculas y series. Cabe señalar que Sympathy for the Devil también es el título de una película de 1968 de Jean-Luc Godard (titulada One plus One en Europa) acerca de la contracultura americana de finales de los sesenta. La película muestra el proceso de grabación del tema por parte de los Stones.

La composición de "Sympathy for the Devil" fue totalmente idealizada por el vocalista del grupo Mick Jagger, se ha dicho que su letra estuvo inspirada por la novela de Mijaíl Bulgákov El maestro y Margarita, que llegó a manos de Jagger a través de su novia de aquel entonces (una de cuantas eh!!), la cantante y actriz británica Marianne Faithfull. Aunque algunas estrofas también parecen asemejarse a un pasaje de la obra The Devil and Daniel Webster, de Stephen Vincent Benét.
En una entrevista de 1995 a Rolling Stone, el cantante declaró que creía que había tomado la idea de algún escritor francés, tal vez de Baudelaire, aunque podía equivocarse. También afirmó que inicialmente escribió la canción como si fuese un tema folk de su idolo Bob Dylan.
Si hablamos en el plano musical, esta cancion es distinta en la instrumentación, donde no coincide con una canción de rock. No se compone de los ritmos de cuatro tiempos (4/4) básicos de este género, esta es propulsada principalmente por el bajo y seguida por la batería.
Abre con percusiones a un ritmo de samba, tapado por los Tom-toms (timbales de la bateria), al que lentamente se le van añadiendo las congas y las maracas (un ritmo bastante latino).
Con un ambiente selvático, Jagger grita en falsetto simulando a un chimpancé, y se sigue repitiendo por un tiempo prolongado. El sonido se va haciendo más tribal mientas más avanza el ritmo, a manera de una fiesta vudú o una ceremonia de sacrificio en lo profundo del África, a lo que el interprete gruñe y súbitamente. Antes de comenzar las cuatro primeras líneas, el bajo hace su aparición, creando con las percusiones de fondo un ambiente pacífico, distinto al que dominaba a principios de la canción. Para dar paso a la voz de Jagger que a medida que pasa el tiempo en la cancion se torna mas rabiosa.

Con respecto a la letra de "Sympathy for the Devil" podemos escuchar que su temática con gira alrededor de las relaciones sexuales o los problemas amorosos, muy recurrentes en este género.
Cabe señalar que en la época de publicación del álbum, los Stones ya habían desatado críticas a causa de letras sexualmente explícitas, como fue el caso de Let's Spend the Night Together. También se habían producido las primeras acusaciones de satanismo, debido a que su anterior álbum se titulaba Their Satanic Majesties Request (aunque las letras de sus canciones no contenían referencia satánica alguna). Sympathy for the Devil volvió a traer estas críticas a primer plano, desencadenando rumores entre los medios de comunicación y temores entre los grupos religiosos. Estos rumores afirmaban que los miembros del grupo eran adoradores del diablo (?) y que suponían una perversa influencia para los jóvenes. No obstante, debe señalarse que una de las posibles interpretaciones de la letra es que "el diablo" es de hecho un miembro más de la humanidad.

La canción podría reinterpretarse como una crítica a la inmoralidad de la propia humanidad o a su hipocresía al levantar una figura metafórica del mal en lugar de buscarlo en su interior. En una entrevista con la revista Creem, Jagger reflexionaba sobre la polémica y afirmaba que le extrañó que se les tildase de adoradores del diablo por tan sólo una canción ("no se trataba de un álbum lleno de signos ocultos en el dorso").

La controversia acerca del tema pudo haber sido todavía mayor de no ser porque el primer sencillo del álbum, Street Fighting Man levantó más polémica todavía. La canción fue publicada junto con No Expectations en agosto de 1968, año del asesinato de Martin Luther King, en el que tuvieron lugar en Estados Unidos numerosas revueltas raciales y protestas contra la Guerra de Vietnam (como la que tuvo lugar aquellos días en la Convención Demócrata).

En diciembre del año 1969, la canción volvería al ojo del huracán tras el concierto gratuito que el grupo ofreció en Altamont, California. Lo que pretendía ser la respuesta al Festival de Woodstock acabó convertido en un caos debido a la contratación de una banda de motoristas, los Ángeles del Infierno, como encargados de la seguridad. Mientras el grupo interpretaba Sympathy for the Devil comenzó un altercado delante del escenario, que acabaría con la muerte del joven Meredith Hunter a manos de los Ángeles. Aunque en realidad la muerte se produjo mientras el grupo interpretaba Under My Thumb, Sympathy fue el tema que se vio salpicado por esta tragedia, lo que llevó al grupo a no volver a interpretarlo durante ocho años.
Que la disfruten!!


Fuente: Wikipedia

CREEP / RADIOHEAD

"Creep" es el primer single lanzado por la banda britanica Radiohead, y uno de sus temas en su álbum debut de 1993, Pablo Honey.

Thom Yorke escribió el tema mientras estudiaba en la universidad de Exeter. De acuerdo con sus declaraciones, cuenta la historia de un hombre ebrio que intenta llamar la atención de la mujer por la que se siente atraido persiguiendola por todas partes. Al final, pierde la confianza en si mismo para alcanzarla.

Cuando se le preguntó sobre "Creep" en 1993, Yorke dijo, "Tengo un gran problema siendo un hombre en los 90... cualquier hombre con sensibilidad o conciencia hacia el sexo opuesto tendría un problema. Impornerte en un modo masculino sin parecer que estas en una banda de rock duro es, de hecho, una cosa muy difícil de hacer... Se trata de la música que hacemos, que no es afeminada, pero tampoco brutal en su arrogancia. Es una de las cosas que siempre estoy intentando: Confirmar una imagen sexual y por el otro lado negarla."

El tema ha sido lanzado en varias ocasiones, con distintas versiones, puesto que el original contiele la frase "you're so fucking special" (algo asi como: eres tan jodidamente especial); una versión para la radio que cambia esta frase por "you're so very special" (eres tan especial) aparece en varias compilaciones y es una pista extra en la versión americana del album Pablo Honey.
Aparentemente, Yorke ha dicho que la banda estuvo disgustada con esta versión, que ha conducido a la canción a perder su ira. Otra versión de "Creep" lanzada como cara B incluye una actuación del club "The Town & Country" de Londres del 14 de Marzo de 1993 (también en la versión japonesa del álbum), y una versión acústica interpretada sólo por Yorke para la KROQ en Los Angeles el 13 de Julio de 1993, con la versión censurada de la letra, que ha sido también incluida en los EPs Itch y My Iron Lung en varios paises.

La canción es mundialmente conocida por los tres acordes muertos de guitarra que preceden el estribillo. Durante las primeras sesiones de ensayo de la canción, Jonny Greenwood estaba aparentemente harto de la lentitud y paz de la canción e intentó sabotearla al insertarle ese ruido - Ed O'Brien dijo "Ese es el sonido de Jonny intentando joder la canción... A él realmente no le gustó la primera vez que la tocamos, así que intentó arruinarla. Y eso hizo la canción."

Fuente: Wikipedia

ONE / U2

One es una de las canciones más famosas de la banda de Rock irlandesa U2. Es el tercer titulo del álbum Achtung Baby, sacado el año 1992. Ademas aparece en varias recopilaciones de grandes exitos de la banda.

No existe una explicacion sobre el contenido de la letra. Pero existen varias versiones que intentan decifrar la letra. Por ejemplo, algunos autores dicen que Bono habla sobre un chico a punto de morir de VIH y su padre; otros dicen que es una relación entre dos personas que deberían estar unidas.

Tiempo mas tarde Bono daría una pista sobre lo que quiere comunicar la cancion: "habla del dolor de un chico homosexual ante la incomprensión por parte de su padre". Bono no entiende, según manifestó en una entrevista a un suplemento de EL MUNDO, que sigan poniendo esta canción en bodas y semejantes, cuando en realidad no tiene nada que ver con un amor de una pareja, lo cual explica la vestimenta del grupo en el video que tiene como escenario principal Berlin, y en el que se ve a un señor mayor en un extremo del sofá, y al otro extremo un miembro de la banda con ropa de mujer.

En el año 1993 se realizó una versión especial de One en donde el grupo R.E.M., Larry Mullen y Adam Clayton de U2, la tocaron en vivo; ese grupo se ha denominado Automatic Baby y se presenta como una rareza a escuchar.

Otro dato sobre esta canción: inspiró el nombre de la fundación ONE Campaign, que combate contra la pobreza de África.

EVERYBODY HURTS / R.E.M

"Everybody Hurts" es una cancion del grupo R.E.M., aparecio en 1992 en el album Automatic for the People y fue lanzada en formato single en 1993.
Alcanzó el puesto # 29 en el Billboard Hot 100 y # 7 en el Reino Unido.

Gran parte de la canción está escrita por el baterista Bill Berry, aunque como REM comparte los créditos de composiciòn, no se sabe cuánto realmente escribió.
Los arreglos instrumentales fueron escritos por John Paul Jones, el que fuera bajista de Led Zeppelin, quien fue invitado por R.E.M a trabajar en la canciòn.

El guitarrista Peter Buck, en la compilacion In Time - The Best of R.E.M. 1988-2003, señala acerca de la canciòn: "la razón las letras son tan atípicamente sencillas, ya que estaba destinado a los adolescentes", y "Nunca he visto Buffy, la cazadora de Vampiros (serie de TV), pero la idea de que la escuela secundaria es un portal al infierno parece bastante realista para mí".

En 1995, la agrupacion britanica llamada The Samaritans, que daba un servicio apoyo emocional a personas con problemas de depresion , en respuesta a la alta tasa de suicidios en la poblacion juvenil, hizo una campaña de publicidad que se basaba en la letra de "Everybody Hurts" y asi poder ir en ayuda a la agrupacion y en la conciencia social sobre esa problematica.

CHIQUITITA / ABBA

Chiquitita es una cancion interpretada por el famoso grupo sueco ABBA. Tiene el record de ser el sencillo (single) más vendido en la historia de América Latina y en 1979 fue donada a la UNICEF donde llego a vender mas de n millond e dolares en el disco "Musica para la Unicef".

La historia dice que fue escrita por la dupla Benny y Björn, y la fecha de grabacion fue el 14 de diciembre de 1978. Primero fue llamada "Kålsupare", luego "Three Wise Guys", mas tarde "In The Arms Of Rosalita" y "Chiquitita Angelina".

La canción habla simplemente de alguien que trata de consolar a una joven que por alguna razón esta muy triste. Esta pieza musical tuvo gran aceptación por el público hispano, por lo que prácticamente ha alcanzado el estatus de canción popular. Dicho éxito les llevó a grabar versiones en español de algunas de sus canciones y consecuentemente un disco. Este tema viene incluido en el álbum Voulez-Vous como el tema número 8.

A los pocos dias de su lanzamiento, la cancion llegó a ser número 1 en Suiza, Bélgica, Finlandia, España, Irlanda, Holanda, Sudáfrica, Nueva Zelanda, México y Zimbabwe. Alcanzó el Top 10 en muchos otros países, conviertiéndose en uno de los éxitos más grandes de ABBA.

Al ver el éxito de "Chiquitita" en países de habla hispana, ABBA decidió grabar una versión en español. Más tarde la canción fue traducida por Buddy y Mary McCluskey, fue grabada el 8 de marzo de 1979 y se lanzó en muchos países de Latinoamérica, así como en Francia, Australia y Sudáfrica.

Rapidamente la version en español de la canción alcanzó el número 1 en México, Argentina y Costa Rica; mientras alcanzó el No. 5 en España, donde el álbum logró disco de oro. Este éxito fue lo que les alentó a grabar un disco totalmente en españoltitulado: Gracias por la Música.

La canción se convirtió en la favorita de muchas personas de todas las edades y en un potente exito que confirmo mas la fama de este gran grupo sueco.

Les dejamos la version en español:

UNCHAINED MELODY / THE RIGHTEOUS BROTHERS

Unchained Melody es una de las canciones con más versiones (segun estudios, hasta 500 se han registrado) del siglo XX. La versión original fue escrita por William Stirrat (Hy Zaret) en el verano de 1936, en un intento de enamorar a una chica llamada Mary Louise "Cookie" Pierce. La música fue escrita por Alex North con letras de Hy Zaret para una película de 1955 llamada Unchained.

Adquirió más fama internacional gracias a la película Ghost en 1990, gracias a la version de The Righteous Brothers, quienes la habian grabado en 1965 y fue remasterizada para su uso como parte de la banda sonora de la pelicula protagonizada por Demi Moore.

Para aquellos que no saben, The Righteous Brothers, era un duo musical compuesto por Bill Medley y Bobby Hatfield en 1963 cerca de Los Ángeles, California y tuvo varios exitos en la decada de los sesenta.
La voz de Bobby Hatfield es quien llevo a la historia a esta hermosa cancion de amor apasionado.

En 1968 la interpretó magníficamente Iva Zanicchi y Elvis Presley en ,1977 en un programa de televisión (que ademas seria la ultima), tambien fue parte d ela historia de esta melodia desencadenada.

TEARS IN HEAVEN / ERIC CLAPTON

Tears In Heaven es la canción que compuso Eric Clapton en memoria de su hijo fallecido, llamado Conor, quien murió el 20 de marzo del año 1991 al caer accidentalmente de la ventana de un piso 53 de un rascacielos en Manhattan, New York, a la edad de cuatro años. Clapton compuso esta balada 9 meses después, llegando a ser un éxito masivo.

Clapton escribió la canción junto a Will Jennings y figurò inicialmente en la banda sonora de la película Rush, en 1992, donde ganó tres premios Grammy en 1993. También se incluyó en su apreciado album formato acustico lanzado en 1992, Unplugged (la version del video de hoy).

Jennings reviso la letras como la habian dejado Clapton y su banda en el estudio. No tenían ni idea de que sería un gran éxito en esos momentos. Jennings mencionaria años despues, "Es más, a través de mi mente estaba tan implicado en la sensibilidad del tema que ni siquiera pensè en eso. Soy un apasionado de todas las canciones que escribo, pero esto fue distinto".

Clapton dejó de interpretarla en 2004, así como la canción "My Father's Eyes". A proposito de ello dijo: "Ya no siento tanto la pérdida, que es parte de la realización de esas canciones. Realmente tengo que conectar con los sentimientos que estaban allí cuando las escribí. Mi vida es diferente ahora. Probablemente sólo necesitarè un descanso e introducirlas desde otro punto de vista mas separado al sentimiento".

CARELESS WHISPER / WHAM!

"Careless Whisper" es una exitosa canción de George Michael, sacada en el album Make It Big en 1984 junto a su grupo Wham!( mas bien era un duo junto a Andrew Ridgeley). Fue lanzado por Epic Records en el Reino Unido, Japón y otros países, y por Columbia Records en toda América del Norte.
Cuenta con un distintivo riff saxofón, y ha sido registrado por una serie de artistas,desde su lanzamiento. Logrò vender casi seis millones de copias en todo el mundo.

La canción fue publicada por George Michael en un afamado rol solista, mientras él formaba parte del grupo pop Wham!, aunque por afan comercial se le acredita aun como parte del grupo, de hecho en Estados Unidos la caratula del single decia Wham! & George Michael. Ademas la cancion fue co-escrita por Andrew Ridgeley, el otro miembro del dúo britanico.

Los dos habían escrito esta cancion tres años antes, cuando Michael estaba trabajandp en un cine en Watford, Inglaterra.
En Junio de 2006 en una entrevista en Londres hecha por una radio a Michael dice que él escribió lo que tenia "en la cabeza" durante el trabajo y que él recuerda que hizo el riff de saxofon mientras abordaba el autobús número 32 camino a su casa. Originalmente en el riff había palabras, pero esto no le gusto a George Michael argumentando que tenian una lirica pobre.

La canción pasó por varias etapas en la producción. La primera fue durante un viaje realizado por Michael a Alabama, en la que llegó a trabajar con el legendario productor Jerry Wexler (trabajò junto con The Yardbirds, con Aretha Franklin entre otros) en el mitico Muscle Shoals Studio.
Michael no estaba satisfecho con la versión que habia producido para la canciòn y decidió volver a grabar y producirla él mismo. La versión producida por Wexler fue lanzada como un lado B llamada "Versión especial" publicado solo en Inglaterra.

El estilo de una balada soulful y un notable solo de saxo (interpretado por Steve Gregory), el single se publicó en agosto de 1984, llegando rapidamente al puesto 12 en el Reino Unido. Dentro de dos semanas, ya estaba en el número uno.

NO WOMAN NO CRY / BOB MARLEY & THE WAILERS

"No Woman, No Cry" es un famoso reggae de Bob Marley & The Wailers. La canción se convirtiò en exito mundial en 1975, cuando salio en el álbum de estudio "Natty Dread", que fue el primer disco de este musico de Jamaica.

Aunque Bob Marley escribió la canción, este le diò los creditos de letra y musica "V. Ford" (Vicent Ford) que era amigo suyo. Ford tenia un comedor popular en Trechtown, que era el ghetto de Kingston, donde creciò Marley. Con el dinero que recibia por derecho de autor de la canciòn, Ford garantizò la supervivencia y el continuo funcionamiento de su comedor popular donde muchos niños pobres de esa zona podian recibir alimento.

La canciòn relata un nostálgico recuerdo de los niños que crecen en las empobrecidas calles de Trenchtown, la felicidad y las aventuras hechas por la compañía de los amigos.
Varios grupos musicales, como Boney M (cantada por Liz Mitchell), The Fugees, Pearl Jam, Jimmy Buffett y Rancid, has hecho versiones de esta emotiva canciòn reggae.
"No Woman, No Cry" obtuvo el lugar 37 en la edicion de la revista Rolling Stone's 500 Greatest Songs of All Time.

I WILL SURVIVE / GLORIA GAYNOR

"I Will Survive" es la primera cancion interpretada por Gloria Gaynor, el single fue publicado en octubre de 1978. Fue escrita por Freddie Perren y Dino Fekaris.

La letra de la canción describe a un narrador que encuentra fuerza personal mientras se recuperan de una ruptura personal. A menudo ha sido utilizada como un himno feminista, tambien como un himno gay, y ha sido utilizada en la campaña de ayuda a los que padecen el virus VIH / SIDA.

Es una de las canciones mas famosas de todos los tiempos, y el mayor éxito de Gaynor. En 1979 alcanzò el número uno en el Billboard Hot 100, también llegò al número uno en el Reino Unido.

La canción fue originalmente publicada en el lado B, primero estaba la cancion llamada "Substitute", debido a que el sello discografico creia que esa pista tenia más posibilidades de éxito en el publico. Pero todo fue un error, porque las radios empezaron a hacer sonar esa cancion con aires a musica disco, interpretada desde el alma y que sin lugar a dudad se convirtio en un clasico a nivel mundial.

Obtuvo el puesto # 489 en la revista Rolling Stone en su lista de "Los 500 Greatest Songs of All Time".

LIVING ON MY OWN / FREDDIE MERCURY

"Living on my own" es una canción hecha en la etapa solista de Freddie Mercury (si señores, la gran voz de la mega banda Queen), que pertence a su disco en calidad llamado Mr. Bad Guy lanzado en 1985 en un pequeño "break" que se dio con su banda.

El single fue lanzado en septiembre de 1985 en el Reino Unido, donde se alcanzó un el puesto 50 en los rankings ingleses. Aunque primeramente se lanzo en Estados Unidos, especidicamente en julio de ese mismo año.

En 1993, a casi dos años después de la muerte de Mercury a causa del SIDA, fue lanzado un remix de la canción la cual llegó al primer lugar de los rankings en el Reino Unido, convirtiéndose en la única canciòn de Freddie Mercury en solitario en obtener ese puesto. Durò un total de 13 semanas en aquel puesto en Inglaterra. Esa version aparece en el Greatest Hits III de Queen y en un compilado postumo hecho a Farrokh Bulsara (nombre verdadero de Freddie).

En el video de la canciòn figuran escenas de la fiesta que hizo Freddie cuando cumplio 39 años en 1985, un dia 5 de septiembre.

Una cancion de coro pegajoso, bailable y con una letra rebelde (quizas como pidiendo auxilio) y con ese estilo que siempre caracterizo a este gran musico britanico.

NOTHING ELSE MATTERS / METALLICA

Nothing Else Matters es una balada creada por la banda californiana de Thrash Metal Metallica.
Salió a la venta por primera vez en 1991 dentro del llamado Black Album.
Cuando la canciòn saliò al mercado muchos fans, acostumbrados al sonido pesado y duro de la banda, acusaron a Metallica de haberse "vendido". Sin embargo, la canción fue tan fuerte que logro escabullirse de esas frases para ser muy popular entre los fans y alcanzar el número 11 en el Mainstream Rock Tracks Charts en 1992.

El cantante y guitarrista, James Hetfield la escribió para una antigua novia que tuvo mientras pasaba de gira en gira con la banda y esto lo volvìa mas nostalgico..
Hetfield la consideraba una canción muy personal y no pensaba publicarla para el album que estaban grabando, pero Kirk Hammett la escuchó y le gustó tanto que decidieron incluirla en el Black Album. Ahora Metallica la considera, según Hetfield, una canción dedicada a todos sus fans que están enamorados.

En el plano musical, la introducción es un arpegio en MI menor, que comienza con las cuerdas MI, SOL, SI, Y MI sin pisar.
Este arpegio es muy fácil de tocar comparado con otros riffs de canciones de Metallica, y por consiguiente es uno de los primeros que muchos fans de Metallica y del buen rock aprenden al comprar su primera guitarra. El resto de la cancion ya es algo complicado para un aprendiz de guitarra, pero tampoco imposible de tocar si se practica harto.

Para finalizar,debido a la popularidad de la canción y su relativa facilidad para tocarla, ha sido interpretada varias veces por artistas dentro y fuera del género Heavy Metal. Por ejemplo, ha sido tocada por las bandas Apocalyptica, ha sido versionada para canto gregoriano por Lucie Silvas (se las recomiendo) y por Scott Davis solo al piano entre tantas versiones que andan por ahi.

TAKE ON ME / A-HA

Take On Me es la primera canción del álbum Hunting High And Low en 1985, primero en la carrera oficial de la banda noruega A-ha.

Este disco contiene la versión final y definitiva de Take On Me, lo que resalta es que este lanzamiento salio junto al video más conocido de la cancion. Aunque no es el único tema, ni hit que este grupo presenta, sino que este es el empezar de un universo que a-ha ha ido creando al pasar los años pasando por su separación y reencuentro a-ha presenta canciones inolvidables que han quedado en la memoria mundial y sobre todo en la de sus fans.

Existe una primera versión de Take On Me,que es conocida (por los fans) como la "versión azul" por su color que siempre presenta el video, en el fondo y en el suelo.
Esta versión presenta a Morten cantando al igual que Paul que esta con una guitarra y Mags tocando el teclado (si, ese pegajoso solo que aparece hasta en ringtones en estos dias), además se ven mujeres haciendo piruetas y saltando. La version es simplemente un demo, sacada antes de que la banda tenga la fama mundial que lograria mas tarde.

El video de esta cancion se ha convertido en un clasico de la decada de los ochentas debido a su trama y vistosas imagenes que mezclan animacion con realidad y fue inspirado en la pelicula Altered States (dirigida por Ken Russell).
En fin, menos palabra, mas musica asi que colocense laca en el pelo y empiezen a bailar!.

Bonus Track: La version Azul de la canción:

STAIRWAY TO HEAVEN / LED ZEPPELIN

Cuando se pregunta que canción puede ser mundialmente conocida de la banda inglesa Led Zeppelin, podemos rescatar muchas pero siempre caemos en su clasico Escalera al cielo, quizas por su mistica oscuridad en la letra, por las historias que se inventan sobre que tiene un significado diabolico al escucharla al revez o si es un canto a las drogas.

Esta canción se comenzó a componer durante las sesiones de grabación de Led Zeppelin III, en Bron-Yr-Aur en Gales, pero fue terminada en Headley Grange, Hampshire, y finalmente grabada en Island Studios, Londres, en diciembre de 1970.
En la famosa revista Guitar World, el solo de guitarra en La menor creado por Jimmy Page para esta canción fue elegido como el mejor de la historia.
El comienzo de Stairway to Heaven está tomado del tema instrumental "Taurus" de 1968 del grupo Spirit, con quien Led Zeppelin hizo una gira aquel año. Sin embargo, parece que esto nunca molesto a los integrantes de esa banda.

Antes de publicarse "Led Zeppelin IV", la banda interpretó Stairway to Heaven en publico por primera vez en un concierto en el Ulster Hall de Belfast el 5 de marzo de 1971. Cuando terminaron de interpretarla, el público se quedó en silencio, y se dice que ante esta situación Robert Plant comentó a los demás integrantes del grupo: Creo que vamos a eliminar esta canción del disco. De ahi en adelante, en cada concierto, Stairway to heaven ocupaba un lugar privilegiado dentro del show, donde los solos de guitarra de Page, en la parte mas roquera y dura, cada vez se volvian mas sorprendentes.

Con respecto a la letra, podemos percatar lo sugerente y vaga que es, con referencias evocadoras. La escribió el vocalista del grupo Robert Plant mirando el atardecer al lado de una chimenea. Una influencia fundamental parece que fue el libro Magic Arts in Celtic Britain de Lewis Spence, que Plant había leído en aquella época y que contenía referencias a reinas de mayo, gaiteros, y círculos bulliciosos en bosques de fantasia.

Como un dato curioso y para meditar,varios aficionados de Led Zeppelin han afirmado que se puede oír un mensaje particular escuchando "Stairway to Heaven" en sentido revertido. Si una porción de la canción es tocada hacia atrás, supuestamente se oyen palabras que comienzan con "Oh acá está a mi dulce Satán". Hay gente que ha interpretado las diferentes letras de esa supuesta enmascarada porción que corresponde a las líneas cuando entra la bateria que comienzan con "If there's a bustle in your hedgerow...".
Led Zeppelin ha despreciado siempre tales afirmaciones, y solamente su compañía discográfica Swan Song Records manifestó publicamente: "Nuestros vinilos sólo giran para adelante".
Unos piensan que es una coincidencia y otros le atribuyen todo tipo de significados ocultos.
Simplemente, la historia de una canciòn... con ustedes Led Zeppelin!!

THE HOUSE OF THE RISING SUN / THE ANIMALS

"The House of the Rising Sun" es una canción de folk muy popular de los Estados Unidos. También ha sido llamada "Rising Sun Blues", narra la vida de alguien que ha tenido poca fortuna en Nueva Orleans (estado de Luisiana). No se conoce exactamente a su autor ni la fecha de su creación, pero podría rastrearse su origen incluso en el siglo XIX. Dependiendo de la versión, la canción puede ser interpretada desde la perspectiva de una mujer o de un hombre. Las dos versiones más conocidas son la del grupo británico The Animals de 1964, que alcanzó el n.º 1 en Estados Unidos y en el Reino Unido; y la version de la cantante estadounidense Joan Baez en 1959.

En este caso hablaremos sobre la version de la banda The Animals, que debe ser la versión mas popular en el genero del rock sobre esta pieza musical.

La versión de "The House of the Rising Sun" hecha por The Animals sonaba totalmente nueva y eso hizo que la gente empezara a llamarle la atención. Dave Marsh la describe como el "primer hit de folk rock". Mientras que el escritor Ralph McLean de la BBC esta de acuerdo en ese planteamiento, diciendo que "es sin duda la primera canción folk rock", calificándola de "un single revolucionario", y agregando que "la cara de la música moderna se ha cambiado para siempre."

En algunas versiones, el tema es cantado desde la perspectiva de una mujer que sigue a un apostador a Nueva Orleans y que termina prostituyéndose en la casa del sol naciente y que en fragmentos de la canción aconseja decirle no seguirle los pasos (Not to do what I have done); The Animals la canta desde la perspectiva de un hombre, jugador y borracho, que cuenta como esta casa es la perdición de varios, y como ha perdido su vida inmerso en pecado y miseria.

The Animals comenzó a interpretarla durante una gira de conciertos con el gran (el creador de Chuck BerryRoll Over Beethoven), utilizándola como cierre para diferenciarse con las otras actuaciones que finalizaban con canciones rockeras y ser mas sorprendentes en vivo. Se obtuvo una tremenda reacción por parte de la audiencia, inicialmente reacios. Por ello, el productor Mickie Most vio en esta versión un éxito en potencia.

La canción se grabó en una sola toma el 18 de mayo de 1964, partiendo con la famoso arpegio en La menor del guitarrista Hilton Valentine, que ha sido inspiración para varios guitarristas.
La destacada y particular performance vocal de Eric Burdon ha sido definida como "aulladora","conmovedora",y "profunda y gravosa como el carbón del noreste inglés en la ciudad de Newcastle, lugar de donde él proviene".
Finalmente el palpitante órgano de Alan Price completa el sonido de la canción. Burdon más tarde dijo: "Estábamos buscando una canción que captara la atención de la gente", y tuvieron éxito: "House of the rising sun" fue un verdadero éxito transatlántico, llegando a ser nº1 en el Reino Unido (en julio de 1964) y en Estados Unidos (en septiembre, cuando fue el primer nº1 de la invasión británica que no era de The Beatles ).

Para hacer mas grande su fama la canción quedó ubicada en el puesto 122 de la Lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Les dejamos la letra en castellano del tema ya que no encontramos un video con subtitulos (?)...

LA CASA DEL SOL NACIENTE

Hay una casa en Nueva Orleans,
que la llaman "El Sol Naciente".
Y ha sido la ruina de muchos chicos.
Y Dios sabe que yo soy uno de ellos.

Mi madre era costurera,
y fue ella quien arregló mis tejanos.
Mi padre era jugador de apuestas,
allá en Nueva Orleans.

Ahora, lo único que un jugador necesita,
es una maleta y un maletero para ella.
Y únicamente se siente satisfecho
cuando está borracho.

Oh, madre, dile a tus hijos
que no sigan los pasos que yo seguí,
malgastando sus vidas en pecados y miseria,
en la casa del sol naciente.

Bueno, tengo un pie en el andén,
y el otro en el tren.
Voy de vuelta a Nueva Orleans,
a cargar con esa bola y esa cadena.

Hay una casa en Nueva Orleans,
que la llaman "El Sol Naciente".
Y ha sido la ruina de muchos chicos.
Y Dios sabe que yo soy uno de ellos.


Bonus track:
Les dejaremos un regalo... alguna versiones de "The House of the Rising sun"

BOB DYLAN (version de su primer disco)


MUSE (version mas moderna y llena de guitarras)


JOAN BAEZ (version folk con la bella voz de esta cantante)


DURAN DURAN (version de un concierto actual... rarisima)


SANTA ESMERALDA (una version disco-flamenco bastante interesante)


TONY MARIN (la versión mas freak... desde la amazonia)


Espero que les gusten...

YELLOW LEDBETTER / PEARL JAM

"Yellow Ledbetter" es una canción del grupo de rock Pearl Jam. A pesar de que la canción nunca fue lanzada como parte de alguno de sus álbumes de estudio, es hasta la fecha una de sus canciones más populares y una de las que mayormente tocan en concierto, por lo general para cerrar los conciertos y dejar a los fans vueltos locos.

"Yellow Ledbetter" fue una de las primeras canciones que escribiría Pearl Jam como grupo, sin embargo no fue incluída en Ten, álbum debut del grupo (un gran disco!).
Fue seleccionada para aparecer como Lado B del sencillo Jeremy y tambien fue la única canción elegida por Pearl Jam que aparecería tanto en su compilación de lados B y rarezas ("Lost Dogs") como en su colección de grandes éxitos llamada "Rearviewmirror: Greatest Hits 1991-2003". Además una versión en vivo aprecería en el sencillo Dissident.

La canción fue escrita por Eddie Vedder, Jeff Ament y Mike McCready. La guitarra de McCready en "Yellow Ledbetter" recuerda en mucho a las canciones "Little Wing" y "May This Be Love" del gran Jimi Hendrix.

El nombre de la canción surgió del nombre de un viejo amigo de Chicago de Eddie Vedder, llamado Tim Ledbetter. Sin embargo la letra resulta muchas veces impredecible tanto en vivo como en versiones de estudio, ya que Vedder acostumbra improvisar y cambiar la letra en el momento de interpretarla. Existen versiones oficiales de la letra, así como un número enorme de letras no oficiales que son recojidas en varios sitios de internet.

Mucha gente se ha cuestionado si "Yellow Ledbetter" tiene algun significado o si existe algún tema central que lo identifique. Una de las ideas más comunes es que habla acerca de alguien recibiendo una carta donde encuentra que un hermano suyo ha muerto del otro lado del mar en plena guerra , citando la letra que Vedder canta en la versión de la canción interpretada en el DVD Live at the Garden ("I don't know whether my brother will be coming home in a box or a bag").

Yellow Ledbetter puede considerarse por estos motivos una canción única, ya que a pesar de ser una de las canciones más importantes de uno de los grupos fundamentales de la decada de los noventas, hasta la fecha no tiene una letra o un significado fijo en la canción.

Como un dato miscelaneo sobre la canciòn; un extracto de la canción fue usado en el episodio final de la serie de televisión Friends, lo cual fue la primera vez que Pearl Jam autorizò el uso de una de sus canciones para un programa de televisión.

Pd: Ya que hoy es 8 de Diciembre.... hay que mirar al cielo y recordar al gran John lennon!

SHOULD I STAY OR SHOULD I GO / THE CLASH

"Should I Stay or Should I Go" es una canción de la banda britanica The Clash, lanzada como sencillo e incluida en el álbum sacado en 1981 llamado Combat Rock. Lo curioso es que el sencillo se convirtió en el único de la banda que alcanzó el número uno en las listas británicas, aunque una década después de que fuera originalmente lanzado. Esto fue en marzo de 1991, cuando la banda permitió que la canción fuera usada en un comercial de Levi's (una marca famosa en Jeans) y fue gracias al anuncio que la canción subió al número uno, convirtiéndose así en el primer y único número uno de la banda en el UK singles chart.

Si escuchan el album Combat Rock se daran cuenta que el tema es quizá el corte con mas "sonido Clash" de finales de los setentas, tendiendo hacia el retro-punk y una estructura de blues.

La canción fue escrita en 1981 y muchos fanaticos de la banda han visto la letra del tema como un posible comentario de Mick Jones (quien canta a voz principal) sobre su posición en la banda y su inminente expulsión de la misma (de hecho el estribillo "should I stay or should I go" es traducible al español como "me debo ir o me debo quedar"). Esto se debe a que despues de este disco Jones fue expulsado de la banda por Strummer y la causa era "problemas de ideologia politica", mientras que luego se dió a conocer que el hecho de la expulsión del guitarrista fue por sus problemas con las drogas.

Por otro lado, otros arguyen que se inspira en la vida amorosa del guitarrista ya que en aquella época Jones tenía una relación inestable con su novia Ellen Foley que pronto finalizaría por lo cual la canción podría interpretarse como una discusión interna de Mick sobre si debería continuar con la relación o buscarse algo mejor.

Si escuchan bien, mientras Jones canta la letra, su compañero Strummer hace unos coros en español (mas bien espaninglish):
Sobre este tema Joe Strummer dijo: "De repente dije: "Voy a hacer los coros en español..." Necesitábamos un traductor, así que Eddie García, el técnico de sonido, llamó a su madre a Brooklyn Heights y le leyó la letra por el teléfono, y ella la tradujo. Pero Eddie y su madre son ecuatorianos, así que es español ecuatoriano lo que Joe Ely y yo cantamos en los coros."

Como dato especial: Eb el ultimo disco de Los Fabulosos Cadillacs llamado "la Luz del Ritmo" le hacen un cover en español a esta cancion fie al estilo de Vicentico y cia. Recuerden que Mick Jones canta en la versión original de "Mal Bicho".