ONE / METALLICA

"One" es una famosa canción de la banda Metallica y forma parte del álbum ...And Justice for All editado el año 1988. Este disco es el primero que hacieron junto al nuevo bajista Jason Newsted luego de la trágica muerte de Cliff Burton.

Según la crítica especializada, "One" es una de las obras maestras de esta banda estadounidense, y también fue el primer vídeoclio que realizaron. Este clip fue dirigido por Bill Papa y Michael Salomon y debutó en MTV el 20 de enero de 1989. El vídeo está casi enteramente en blanco y negro, y fue filmado en un almacén. Se encuentran diálogos y varias escenas de la película Johnny got his gun,que fue dirigido por Dalton Trumbo, adaptado de un libro del mismo nombre.

Gracias a este tema, Metallica ganó su primer premio Grammy en 1990 en la categoría Best Metal Performance (mejor interpretación de metal). Además, el solo de esta canción ha sido puesta, por los lectores de la revista Guitar World en el puesto número 7 de las listas de los mejores 100 solos de guitarra.

Ahora, analizando la letra de la canción, nos podemos percatar que habla sobre un hombre que perdió sus extremidades, vista y voz en la explosión de una mina terrestre en la guerra. Este despierta en una camilla médica y conectado a máquinas que lo mantienen vivo. Al principio de la canción, su protagonista, cree experimentar un sueño, pero más adelante, se da cuenta de que vive la realidad, y, al resultar su cuerpo "una barrera que no le permite moverse" "(Trapped in myself)", desea la muerte ("Hold my breath as I wish for death").

Sin lugar a dudas, un temazo de esta banda de heavy metal... un clasico de clasicos que le dió la fama a este grupo de rock. Que la dusfruten!!

MAN ON THE MOON / R.E.M.

"Man on the Moon" es una canción del grupo estadounidense R.E.M.. Fue lanzada en 1993 como el segundo sencillo del álbum Automatic for the People publicado en 1992. La canción hace numerosas referencias al humorista estadounidense Andy Kaufman (famoso por impulsar el anti-humor") y sus "burlas" e imitaciones de Elvis Presley. También se habla de su trabajo con los profesionales de la lucha libre Fred Blassie y Jerry Lawler.
El título, la letra y el vídeo hacen referencia a la teoría de la conspiración del aterrizaje del hombre en la Luna.
Pero tambien existen rumores que dicen que Andy Kaufman falsificó su muerte (mirar dato) y aunque en la canción no se hace referencia directa a esto, sí se puede entender que Kaufman debe ser visto como alguien que tenía algo bajo la manga (citado en los versos como If you believe there's nothing up my sleeve, then nothing is cool, que en español sería "Si crees que no hay nada bajo mi manga, entonces nada es divertido").

El guitarrista de R.E.M.,Peter Buck, cuenta en el libro del álbum In Time... como "nació" la canción : "...cinco días antes de la grabación teníamos la canción completamente finalizada sólo nos faltaba la letra. Michael no tenía ninguna idea y comenzaba a ponerse un poco irritado con todos nosotros [...]. Se decidió que en lugar de andar como locos por el estudio, nos tomásemos unos días de descanso. Michael pasó su tiempo libre conduciendo con su coche alquilado escuchando la canción en un cassette y cantando a lo largo de cuatro días. Cuando volvimos, Michael caminó hacia el estudio cantando Man on the Moon por primera vez y se fue. Nos quedamos todos aturdidos. Fue uno de esos momentos mágicos ..."

Esta canción tambien tiene un vídeoclip para promocionar el single, este fue dirigido por Peter Care y fue grabado durante tres días en el desierto, en Lancaster, en el Antelope Valley de California en octubre de 1992.
En 1999 esta canción fue parte de la pelicula Man on the Moon, donde Jim Carrey interpretó al cómico. Esta cinta estuvo dirigida por Milos Forman.

Ya está todo dicho... disfruten el tema y nos vemos en la proxima canción!!

Dato sobre la leyenda de la muerte de Kaufman: el comediante Andy Kaufman falleció en Los Ángeles, el 16 de mayo de 1984, a la edad de 35 años, víctima de un cáncer de pulmón, el cual le fue diagnosticado en 1983, pero se mantuvo en secreto hasta el día de su muerte.
Muchos han dudado de la veracidad del fallecimiento, preguntándose si no se trataría en realidad del último chiste de Andy Kaufman. Sus familiares y amigos aseguran que el cómico nunca bebió ni fumó y que seguía una dieta vegetariana. Incluso se culpa a que la enfermedad la adquirió en sus años de trabajo en clubs, en los que mantenía contactos prolongados con fumadores. También corre el rumor de que Kaufman simuló su muerte para volver 20 años después, aunque en 2004 no hubo noticias de tal leyenda urbana. Incluso, y esto ya parece sacado de un cuento de Garcia Marquez, se asegura que se transformó mediante un cirugía plástica en el actor Jim Carrey... Increible!!

COPACABANA (AT THE COP) / BARRY MANILOW

"Copacabana" es una canción del cantante estadounidense Barry Manilow. Fue grabada para su disco Even Now de 1978 y fue escrita por Manilow, Jack Feldman y Bruce Sussman.

Esta canción también es conocida como "At the Cop" debido simplemente a las primeras palabras del pegajoso coro. El single debutó en la revista Billboard Top 40 alcanzando la octava posición de su ranking el 7 de julio de 1978. Distinto exito tuvo el single en el Reino Unido donde solo alcanzó el puesto # 42 en el Reino Unido en 1978.
Tambien existe una versión Remixada que alcanzó el lugar # 22 en 1993 en los charts de UK. Ademas gracias al exito de este tema, el disco de Manilow (el cual es el único hasta la fecha) ganó un Grammy en febrero de 1979.

El titulo de la canción está basado en el famoso club nocturno "Copacabana" de la ciudad de Nueva York. Nos cuenta la historia de Lola, una corista, y de su amante llamado Tony, que era un camarero del club. Tambien existe un hotel en La Habana, que lleva el nombre "Copacabana"... (dato aportado por "Guayo" que ha estado ahi...)

Fue usada como música incidental en la película The Foul Play en 1978, cinta que estaba protagonizada por Chevy Chase y Goldie Hawn, y ha aparecido e varias películas mas.

En 1985, Manilow y sus amigos Bruce Sussman y Jack Feldman usaron la canción en un largometraje, como forma de distribuir la televisión musical que en ese entonces era primitiva. Esta versión cinematográfica fue editada por Manilow, Feldman, Sussman en un LP con los dos actos que hicieorn en el Teatro Príncipe de Gales en Londres despues de dos años de gira por Inglaterra. Desde esa epoca más de 200 producciones del espectáculo ya se han montado en todo el mundo.

Pra finalizar la historia de este temazo...En 1990, la revista Rolling Stone le proclamó a Manilow el grado de "representante de nuestra generación". El single ha vendido más de 75 millones de copias en todo el mundo.

Bous track: La version en español que hizo Manilow del tema y que aparece en un Cd de temas inéditos:

ALL THOSE YEARS AGO /GEORGE HARRISON

"All Those Years Ago" es una canción escrita por George Harrison para su disco Somewhere in England editado en 1981. La canción fue un tributo personal al entonces recientemente asesinado John Lennon que fue su compañero y amigo en la famosa banda The Beatles. El lanzamiento del single tuvo fecha el 11 de mayo de 1981 en los EE. UU. y el 15 de mayo de 1981 en Inglaterra. El sencillo "All Those Years Ago" alcanzó el #2 y el #13 en las listas de E.E.U.U. e Inglaterra respectivamente.

La historia cuenta que originalmente Harrison escribió esta canción (con una letra diferente) para que fuera grabada por Ringo Starr quien andaba en busca de alguna canción para un disco. Aunque fue grabada, Ringo sintió que la voz era muy alta para su alcance y ademas no le gustó la letra. Debido a eso, George tomó la pista de vuelta y después de la muerte de Lennon, cambió la letra para reflejar un tributo a su amigo que fue asesinado un 8 de diciembre de 1980, en la letra se puede evidenciar una nostalgia hacia Lennon con quien compartió muchos años en la etapa Beatle.

Cabe señalar que para que sea mcuho mas valioso este tributo, Harrison decidió grabarlo junto a los otros Beatles restantes (nos referimos a Starr y McCartney).
Por ello es una de las pocas canciones que no es de los Beatles en la cual figuran los tres miembros del grupo.
Harrison, Starr y McCartney hicieron sus contribuciones en una serie de sesiones de grabación, mezclando juntos para crear el producto final. Ellos no volverían a grabar juntos sino hasta trece años después en La Antología de los Beatles.
La esposa de Paul, Linda contribuyó en los coros junto al integrante de The Wings (banda de Paul McCartney) Denny Laine. La alineación fue completada por Al Kooper en los teclados.

Una canción especial para dedicada a su amigo y genio musical, nos referimos al maestro John Lennon... que la disfruten!!!

HAVE A CIGAR / PINK FLOYD

"Have a cigar" es una canción de la banda Pink Floyd escrita por Roger Waters y publicada en el álbum de 1975 llamado Wish You Were Here.

La tematica de esta canción es una dura crítica sobre la hipocresía y la avaricia dentro del negocio de música.
En el plano musical podemos escuhar un rock más puro que el resto de las canciones que componen el álbum, que comienza con un agitado y espectacular riff interpretado por la guitarra eléctrica y el bajo. La pista se completa con una guitarra adicional, piano eléctrico y partes de sintetizador para crear una textura de Funk-Rock.

Como dato curioso, en la versión original la voz principal que canta la canción no fue realizada por ningún miembro de Pink Floyd, sino por un cantante y compositor británico que era amigo de la banda, nos referimos a Roy Harper. Esta decición vino cuando Roger Waters, quien iba a cantar el tema, notó que su voz estaba muy gastada al grabar la pista "Shine on you crazy diamond" y al sugerirle al guitarrista David Gilmour que se hiciera a cargo de la voz este se negó rotundamente a cantar la áspera letra (quizas tenia miedo a que llegue este temón a los jefes de la disquera). Asi fue como Waters se encontró a Harper que estaba en plena grabación de su álbum HQ en el Estudio 2 de los Estudios Abbey Road mientras que los Pink Floyd estaban en el Estudio 3; al conocer el problema que atraia a Waters y compañia se ofreció para cantar la voz principal sin ningun problema.

Años mas tarde, al recordar este episodio, Waters sostuvo que (quizás inconscientemente) esperaba que los otros miembros de la banda rechazarían su sugerencia e insistirían en mantener la canción estrictamente dentro de los confines de Pink Floyd. Así que se sorprendió cuando los otros aceptaron inmediatamente la idea de que fuera antada por alguien externo a la banda.
Ademas, Harper a dicho que pidió simplemente como pago por sus servicios un abono de por vida al estadio de cricket llamado Lord's Cricket Ground. Pero nunca le llegó ese pedido y de paso los Floyd le enviaron un cheque con una buena cantidad de "ceros" con el cual Harper se sintió a disgusto y dice que hasta el día de hoy no lo ha cobrado.

Por otro lado, si ponen atención podran escuchar una frase que dice "Ah, a propósito, cuál de ustedes es Pink?" (en el original es "Oh, by the way: which one is Pink?"). Bueno, eso tiene una historia detras ya que se rumorea que en realidad se le hizo esa pregunta a la banda a la banda en sus primeras tocatas en los años 1960 por un ejecutivo de una compañía de discos. Se dice que el ejecutivo dio la mano a todos los miembros de la banda, los alabó, y a continuación hizo la pregunta para saber quien era "Pink" (el jetón creia que Pink Floyd era un cantante solista!!). Más tarde, el nombre Pink fue usado para el personaje principal en la pelicula y el disco Pink Floyd: The Wall .

La canción fue interpretada por primera vez en vivo durante su gira norteamericana de 1975 entre las dos mitades de "Shine On You Crazy Diamond" con Waters y David Gilmour compartiendo la parte vocal. Ademas esta canción fue tocada en las giras de 1975 y 1977. Las interpretaciones de 1977 tuvieron a Roger Waters como voz solista y a Gilmour haciendo los coros. Los solos de guitarra en las interpretaciones en 1977 de "Have a Cigar" fueron tocados por Snowy White (guitarrista que por estos días acompaña a Waters en su carrera solista).

Basta de hablar por hoy... ahora pongan sus audifonos y entre al mundo Pinkfloydiano... que la disfruten!!!

Datito: El guitarrista David Gilmour y el tecladista Richard Wright revelaron en 1995, en el programa de radio In the Studio with Redbeard —que dedicó un programa entero a Pink Floyd— que Wish You Were Here es su álbum favorito de su etapa con los Pink Floyd.

RAINY DAY WOMEN #12 & 35 / BOB DYLAN

"Rainy Day Women #12 & 35" es una canción compuesta por el cantante estadounidense Bob Dylan. Esta canción fue incluida en el álbum Blonde on Blonde, editado el 16 de mayo de 1966.

Tiene una curiososa y llamativa instrumentación, ademas es la única pista de Blonde on Blonde que incluye una banda de instrumentos de viento, y también por su controvertido estribillo cuando dice "Everybody must get stoned!" (en español sería "Todo el mundo debe estar colocado"). Con respecto a esto, en la biografía de Dylan escrita por Robert Shelton, titulada No Direction Home (que no tiene nada que ver con el documental de Martin Scorsese, No Direction Home), se afirma que la canción fue prohibida en muchas emisoras de radio de Gran Bretaña y Estados Unidos debido a la paranoia por las "canciones sobre drogas". De todas formas, existen otras interpretaciones, como esa que dice que trata sobre las turbulentas relaciones de Dylan con las mujeres. Otra interpretación posible, considerando la actitud crítica de Dylan hacia la prensa, es que la canción resalta lo absurdo de las críticas sobre referencias a las drogas en la música rock de la época.http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=3386596675842845588
Aunque el estribillo de Rainy Day Women no es ambiguo, existen otras interpretaciones mucho más prosaicas, y de hecho, no hay ninguna referencia explícita a las drogas en la canción. Tambien se puede notar en el verso "They'll stone ya when you're tryin' to keep your seat" ( en spanish sería "te apedrearán cuando estés intentando mantener tu sitio") el cual se puede entender como un guiño a los Movimiento por los Derechos Civiles.

Esta canción es una de las más populares en los conciertos de Robert Allen Zimmerman (nombre verdadero de este cantante) hasta la fecha. Muy a menudo el estribillo "everybody must get stoned", es coreado tan alto por la audiencia que no se puede escuchar la voz de Dylan. La canción alcanzó el puesto nº 2 en la lista Billboard.

Como dato curioso: Si leen bien el titulo y multiplican 12 por 35, el resultado es 420, lo que ha llevado a pensar que se trata de una referencia a la marihuana. Esto se debe a que 420 es el termino usado en la cultura cannabica para describir o dar a entender que se esta de acuerdo con el uso de esta planta, realmente nadie sabe el origen exacto del termino. Aunque una teoría dice que los consumidores de esta planta en los Estados Unidos celebran cada año el 20 de abril (en ingles 4/20) el consumo de cannabis así como la cultura que esta planta lleva con sigo.

TOM SAWYER / RUSH

"Tom Sawyer" es una canción de la banda canadiense Rush. Su nombre deriva del personaje literario del escritor Mark Twain. Fue lanzada en febrero de 1981 para promocionar el disco Moving Pictures.

La canción esta basada en un juego Geddy Lee con su sintetizador y las improvisaciones del baterista Neil Peart.
Geddy Lee se ha referido a esta canción como "la definición musical de principios de los años 80". Es, sin lugar a dudas, uno de los temas mas conocidos de Rush.
En el plano de las ventas del single, este llegó al puesto 25 en el Reino Unido (Singles Charts).

La canción fue escrita por Lee, Peart, y el guitarrista Alex Lifeson, ademas de la colaboración con el escritor canadiense Pye Dubois (el letrista de la banda Max Webster), quien ya habia trabajado con Rush en la composición de temas como "Force Ten," "Between Sun and Moon," y "Test For Echo."
La canción fue grabada por la banda en los estudios Redheard mientras pasaban sus vacaciones de verano en una granja cerca de Toronto. Todo empezó cuando Peart le presentó a sus compañeros un poema de Dubois llamado "Louis the Lawyer" (tambien conocido como "Louis the Warrior"),la cual decidieron modificarlo y musicalizarlo con la ayuda de Lee y Lifeson.

En diciembre de 1985 el baterista y letrista de Rush, Neil Peart dijo en una revista:
"Tom Sawyer fue una colaboración conjunta con Pye Dubois, que es un excelente letrista que trabajaba para Max Webster. Sus letras originales son una especie de retrato de rebeldía actual, basadas en la libertad del espíritu individualista que sacude a todo el mundo."

Recientemente fue nombrada en la posición #19 del ranking del canal de televisión VH1: Greatest hard rock song of all time.

WILD HORSES / THE ROLLING STONES

"Wild Horses" es una canción de la banda britanica Rolling Stones. Forma parte de su álbum Sticky Fingers editado en 1971 y fue escrita por el vocalista Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards.

Esta canción fue grabada entre diciembre de 1969 y febrero de 1970. Existe un rumor sobre que Wild Horses fue escrita por Richards en respuesta al hecho de tener que dejar a su hijo Marlon para irse de gira con la banda. Aunque tambien se dice que Jagger reescribió la mayoría de esta canción para reflejar el final de su relación con Marianne Faithfull. Debido a esta versión, Jagger en persona declaró en la colección de los Stones Jump Back: The Best of The Rolling Stones: "Todo el mundo siempre dice que esto fue escrito sobre Marianne pero yo no lo veo así, todo eso estaba ya acabado por entonces. Pero me encontraba tremendamente conmovido por esta canción."

La banda de Country-Rock, The Flying Burrito Brothers grabó una versión de la canción, la cual fue sacada en 1970. Todo esto, ya que su lider, Gram Parsons, se había hecho amigo de Jagger y especialmente de Richards el año anterior, y decía que era una de sus canciones favoritas.
Los Stones la grabaron, junto con otras canciones de Sticky Fingers, en el Muscle Shoals Sound Studio en Alabama a principos de diciembre de 1969 sin la asistencia del productor Jimmy Miller. Los pianos en esta canción están interpretados por Ian Stewart y Jim Dickinson.

El single fue sacado a la venta en junio de 1971. Wild Horses llegó al puesto 28 en las listas de sencillos en los Estados Unidos.
Debido a su exito y gran calidad musical, esta canción ha resultado ser muy versionada por diversos artistas. Así ocurrió con Summerhill,Old and in the Way, The Sundays, Guns N' Roses, Bush, Tori Amos ,Labelle, The Lovemongers con Chris Cornell, Dave Matthews, Garbage, Charlote Martin, y más recientemente Alicia Keys, Shery Crowl, Adam Levine, Tre Lux, Iron and Wine, Deacon Blue y Elisa. Cabe señalar que la versión de The Sundays fue utilizada en un anuncio de Budweiser a comienzos de los 90's. Ademas en 1995 la banda grabó una nueva versión para su álbum acústico en directo de 1995 titulado Stripped.

Para finalizar, la famosa revista Rolling Stone la colocó en la posición 334 en su Lista de Rolling Stone de las 500 canciones más grandes de la historia del año 2004.

#9 DREAM / JOHN LENNON

"#9 Dream" es una canción del musico ingles John Lennon que está incluida en el álbum del año 1974 titulado Walls and Bridges. Fue publicada como segundo sencillo del álbum en enero de 1975, con el tema "What You Got" como cara B.

La canción tiene un significado bien misterioso debido a la fascinación de Lennon por el número 9 y la influencia en su vida tras el tema en su etapa Beatle "Revolution 9" (el cual es un tema experimental que apareció en el Album Blanco, en 1968).
Los coros del tema son interpretados por May Pang, compañera sentimental de Lennon durante el periodo conocido como "Lost Weekend". Este periodo fue aquel cuando Lennon y Yoko acordaron separarse durante un tiempo. John se llevó consigo a su secretaria May Pang , en una decisión consensuada con Yoko, para que ésta le hiciera compañía y aliviara sus apetitos carnales al tiempo que le informaba detalladamente a Yoko sobre los progresos de John.

Según palabras de Pang, "#9 Dream" tuvo dos títulos en su etapa demo: "So Long Ago" y "Walls and Bridges". Asimismo, la "secretaria" afirmó que la frase repetida en los coros de la canción, "Ah! böwakawa poussé, poussé", fueron fruto de un sueño de Lennon y no tienen ningún significado especial.
Dado ese episodio, Lennon adaptaría y arreglaría el tema, añadiendo un título y una atmósfera específica al incluir un cello al fondo de la música. En una entrevista, Lennon afirmaría que la canción fue compuesta por el espíritu de la "habilidad" y no por una verdadera inspiración.

Ahora de manera de dilucidar el gusto de John por el numero 9, hemos encontrado un articulo donde habla de algunos sucesos (casi metafisicos) de su vida en orno a este numero impar.
Aqui les dejamos algunas conclusiones que algunas paginas y revistas han dado a esta relación numerica:

• "#9 Dream" alcanzó el puesto 9 en las listas de éxitos de Estados Unidos.

• Lennon nació el 9 de octubre de 1940.

• Su hijo, Sean Lennon, nació el 9 de octubre de 1975, día del trigesimoquinto cumpleaños de John.

• Brian Epstein vería por primera vez a Lennon y The Beatles en The Cavern el 9 de noviembre de 1961 y firmarían un contrato con EMI el 9 de mayo de 1962

• Lennon conoció a Yoko Ono el 9 de noviembre de 1966

• La portada de Walls and Bridges muestra un dibujo de Lennon, realizado a la edad de once años, con un jugador de fútbol que porta el número 9 en el dorso de su camiseta.

• De forma adicional a "#9 Dream", Lennon escribiría los temas "Revolution 9" y "One After 909".

• Las dos personas más importantes en la vida de Lennon, Paul McCartney y Yoko Ono, nacieron el 18 de junio y el 18 de febrero, fechas que dan 9 al sumar sus cifras.

• Lennon vendió Tittenhurst Park a Ringo Starr el 9 de septiembre de 1973

Cabe señalar que diversas teorias numerologicas dicen que el 9 es el número del amor incondicional, el amor universal. Entrega a los demás. El sanador espiritual. El perdón.

Viva Lennon!!!

TRAIN IN VAIN (STAND BY ME) / THE CLASH

"Train in Vain (Stand by Me)" es una canción de la banda The Clash lanzada como sencillo para promocionar el disco London Calling en los Estados Unidos en 1980.
Lo mas curioso es que este tema fue incluido como pista oculta en el disco a último momento todo por una decisión rápida de Mick Jones, quien es el autor de la letra.
Con el paso del tiempo, esta misteriosa pista llamada "Train in Vain" se convirtió en el primer single del grupo en llegar al top 30 en la lista estadounidense.

Ahora viene otra curiosidad que nos trae esta pegajosa canción, esta se debe al significado del titulo, el cual no es claro dado que en ningún momento se menciona la palabra "train" (que en español significa "tren") ni tampoco "in vain" (en español "en vano").
En una entrevista, Jones explicó sobre esto "el tema tenía un ritmo de tren y expresaba, una vez más, el sentimiento de estar perdido". Otras versiones indican que Mick se inspiró en el título de la canción "Love in Vain" de Robert Johnson versionada por los famosos Rolling Stones.

La composición de esta canción fue hecha en una noche y grabada al día siguiente, justo antes de finalización de las sesiones para London Calling. La idea original era que fuera emitida como flexi disc promocional con la revista NME (New Musical Express), sin embargo, Mick Jones la consideró "demasiado buena como para lanzarla en NME".

Años despues se le volvió a consultar a Mick Jones sobre esto y comentó: "La verdadera historia de" Train in Vain" es esta: en un principio necesitabamos una canción para darsela a la revista NME, la cual era para una edición promocional. Pero luego de depurarla, ensayarla y arreglarla nos dimos cuenta que podia servir para London Calling. Así que decidimos ponerla en el disco ya cuando estaba a punto de ser sacado a la venta y es por ella que al principio no aparecia en los créditos... "

"Train in Vain" es una cancion de amor, con algo de inspiracion en el tema country deTammy Wynette "Stand by Your Man". Mientras que el riff de guitarra es muy similar al de un tema de J.J. Jackson editado en 1966 llamado "But It's Alright" que fue un exitazo en Inglaterra.

Existen diferentes versiones respecto al deseo del grupo de que "Train in Vain" fuera agregada como pista oculta. La más usual indica que al estar ya en impresión la funda del disco no era posible agregar el tema al listado. Sin embargo, otra versión sugiere que los miembros de The Clash veían el tema como muy comercial y pop y prefirieron omitirlo ya que no calzaba con el estilo politico de la banda. De cualquier manera, al no estar adecuadamente nombrada ni tener la letra impresa en la funda, los fanáticos de la banda la renombraron "Stand by Me" por su estribillo.

Para finalizar en el año 2004 la revista Rolling Stone puso en el casillero 292 a "Train In Vain" en su lista de las 50 greatest songs of all time... que la disfruten!!...

Dato Curioso: El álbum London Calling era un disco doble pero fue vendido en el mercado al precio de uno gracias a una artimaña de la banda para engañar a su discográfica. El grupo le solicitó a los ejecutivos de CBS la inclusión gratuita de un sencillo junto a su supuesto único disco, ante lo cual su compañía no mostró reparos. Sin embargo, el sencillo fue grabado como un LP y vendido en las condiciones erróneamente pactadas. Este acto del grupo fue otra de sus demostraciones en pro de sus fanáticos y en contra de sus propios intereses. Asi eran los Clash!!!...

LOOKIN' OUT MY BACK DOOR / CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

"Lookin' out My Back Door" es una canción de la banda Creedence Clearwater Revival. Fue escrita por su vocalista John Fogerty y aparece en el disco Cosmo's Factory que fue publicado en el año 1970.

Esta interesante canción posee una letra muy rara, la cual está llena de colorido e imágenes de ensueño, lo cual a llevado a que muchos crean que esta inspirada sobre los efectos de las drogas. Esta teoria se basaba en que la frase "flying spoon" que se escucha en la canción era una metafora sobre una cuchara de cocaína, y las locas imagenes de ver animales era una descripción de un viaje con ácidos.
Sin embargo, John Fogerty ha manifestado en varias entrevistas que esta canción fue escrita para su hijo Josh que en ese entonces tenia tres años y que la referencia hacia el desfile de animales esta inspirada en el libro de Dr. Seuss titulado "And to Think That I Saw It on Mulberry Street". Este escritor es quien creo a este famoso personaje... mirelo aqui.

"Lookin' out My Back Door", junto con la canción "Long As I Can See the Light" fueron lanzado en formato single en Julio de 1970. Dicho single llegó al puesto #2 del Billboard solo superado por la versión de Diana Ross de "Ain't No Mountain High Enough.
El disco Cosmo's Factory fue el quinto álbum de estudio de la banda en menos de dos años y se convirtió en un éxito comercial, alcanzando el puesto #1 en las listas de álbumes de Billboard y colocando tres singles entre los cinco primeros puestos:la anliazada "Lookin' Out My Back Door" y "Travelin' Band" en la segunda posición, y "Up Around the Bend", en el cuarto puesto.

Cabe mencionar que en el año 2008 la banda de heavy metal Children of Bodom hizo un cover de este tema para su álbum Blooddrunk. Esta versión es bastante mas rapida, metalera y hecha especialmente para agitar las melenas.

Que disfruten este temazo de Los Creedence... nos vemos!!!

Dato: El título del álbum procede de una casa en Bekerley donde la banda solía ensayar. El líder de la CCR John Fogerty fue tan insistente a la hora de ensayar casi a diario que el batería Doug "Cosmo" Clifford comenzó a referirse al lugar como "la factoría".

INNUENDO / QUEEN

Innuendo es una canción de la famosa agrupación británica Queen, el cual fue publicado en 1991 en el disco del mismo nombre. Aunque en los creditos del disco aparecen los cuatro miembros de Queen como autores del tema, se sabe que la canción fue escrita principalmente por Freddie Mercury y Roger Taylor.

Dado que dura exactamente 6:28 minutos, se convirtió en una de las canciones más largas del grupo. La canción fue todo un exito de ventas y logró el primer lugar en el ranking musical británico.

Con respecto a la composición del tema, Innuendo fue elaborado como un rompecabezas o sea pieza por pieza y encajando cada melodia. Todo comenzó en una Jam Session entre May, Deacon y Taylor, a la cual Mercury agregó la melodía y parte de la letra (que después fue completada por el batero Roger Taylor).

En 1994 en una entrevista para la Guitar Magazine, Brian May señaló que el ritmo medio pertenece a Mercury. Allí es donde se puede apreciar el delicado solo de guitarra, luego un puente de influencia clásica, y a continuación una vez más el solo pero con guitarra eléctrica. Esta sección es particularmente compleja, ya que sigue un patrón de tres compases en 5/4 (que no suele encontrarse en la música popular) seguido por cuatro compases en 3/4 (más frecuente en los temas Pop).

La sección donde dice "You can be anything you want to be" ( traducido al español sería "Tú puedes ser cualquier cosa que quieras ser") presenta una orquestación muy sofisticada, realizada por Mercury y el productor David Richards con el popular teclado/sintetizador Korg M1. Cabe señalar que Freddie Mercury había realizado arreglos para orquestas durante su carrera solista a mediados de los ochenta, l cual trató de hacer en las ultimas composiciones con Queen.

Como toda canción de Queen, se grabó un videoclip para promocionarla, el cual es muy elaborado ya que incorporaba figuras de plastilina similares al arte de la cubierta del álbum; las figuras eran animadas utilizando la técnica de stop-motion. Los miembros de la banda aparecen únicamente como ilustraciones e imágenes tomadas principalmente de videos anteriores de Queen (como por ejemplo delas canciones The Miracle, Scandal, Breakthru, The Invisible Man y I Want It All), en la pantalla de cine que compone el decorado, Mercury aparece dibujado en el mismo estilo de Leonardo da Vinci, May en el estilo de los aguafuertes victorianos, Taylor en el estilo de Jackson Pollock y Deacon en el de Pablo Picasso.

En el video también se puede apreciar un montaje de imágenes y fotografías históricas, y por esto la compañía productora DoRo (que produjo todos los sencillos del álbum Innuendo) obtuvo un premio Monitor en la categoría "Mejor logro en un video musical".

Otra caracteristica de esta canción es que incluye un solo de guitarra flamenca, la cual estuvo a cargo de los dedos de Steve Howe (el guitarrista de Yes) en forma de interludio.
La historia cuenta que Howe y Mercury eran amigos desde hacía varios años, dado por sus frecuentes encuentros en los Townhouse Studios en Londres. La banda Yes había estado grabando en Mountain Studios en 1978, poco antes que Queen los comprara (ganaban hartos dolares estos tipos eh), y el álbum debut de Asia (grupo al que también pertenecía Howe) había sido producido por el ingeniero de sonido de Queen, Mike Stone.

En 1988, Paul Sutin había lanzado su primer álbum y comenzado a grabar el segundo. En ese primer álbum, Steve Howe había sido guitarrista y bajista, y Sutin le pidió que produjese al nuevo álbum, a lo que Howe accedió. Esta vez, Howe no tocó el bajo, sólo la guitarra y el teclado, pero todas las partes de la batería en Voyager fueron realizadas por su hijo. Para ese trabajo, Howe viajó a Ginebra (Suiza) para grabar su parte a comienzos de 1989. Durante un descanso, condujo hasta Montreux, donde se detuvo para almorzar. Allí se encontró con Martin Gloves (quien había trabajado para Yes y que ahora era el supervisor de equipo de Queen), y este le dijo que Queen en ese momento estaba en el estudio. Con ese dato, el guitarrista de Yes decidió ir a visitar a la banda.
Freddie Mercury reconoció a Steve Howe tan pronto como entró al estudio y (según el productor David Richards, que también había trabajado con Yes en el pasado) le pidió tocara un poco la guitarra. Otra versión afirma que Brian May fue quien le pidió tocase el ritmo flamenco. En una entrevista durante 1991, May admitió que él no podría haber tocado la parte que grabó Howe.

Para finalizar, podemos mencionar que la "versión explosiva" de la canción incluye un sonido similar al de una bomba atómica, luego que Mercury canta "til the end of time".

Que disfruten este temazo!!!

UNDER THE BOARDWALK / THE DRIFTERS

"Under the Boardwalk" es una canción grabada en 1964 por la banda The Drifters y fue escrita por Kenny Young y Arthur Resnick.

La letra nos describe una cita entre una pareja de enamorados en una ciudad costera (Coney Island, Nueva York), que se reunen en privado y "lejos del sol", conalusión a que nadie los viera en el muelle.
Los instrumentos usados en la grabación incluyen un güiro, sonidos de triángulo y violines. En el coro de la canción lo mas llamativo es que se nota un cambio de tono que va de menor a mayor lo cual le da una toque especial a la canción.

La canción se iba a grabar el 21 de mayo de 1964, pero un día antes de entrar al estudio de grabación el vocalista Rudy Lewis murió inesperadamente a causa de una sobredosis de heroína. Lewis había sido el encargado de reemplazar a Ben E. King quien se retiró de la banda a principios de los sesentas. Ademas Lewis habia sido un puntal fundamental en el exito que la banda estaba obteniendo con sus grabaciones. Dado ese suceso, en lugar de reprogramar la sesión de grabación para encontrar un nuevo nuevo vocalista, los productores decidieron darle esa función al ex vocalista y miembro de Los Drifters comos egunda voz llamado Johnny Moore.
El single fue todo un exito al ser lanzado en Junio de 1964 por Atlantic Records llegando al puesto # 4 en el Billboard.

Curiosamente existen dos versiones de la canción original hecha por este grupo de soul y se diferencian por un detalle en la letra. En una de ellas se puede escuchar decir "We'll be making love" mientras que en una versión censurada se lee en la letra la frase "We'll be falling in love."

"Under the Boardwalk" ha sido grabada por diersos artistas. Por ejemplo la banda The Beach Boys la publicó en un disco, The Rolling Stones tambien sacó su versión, ademas de John Mellencamp, The Undertones, Bette Midler y the Tom Tom Club (cuya versión llegó al #22 en el UK Top 40 en 1982). Tambien existen curiosas versiones hechas por Billy Joe Royal, el actor Bruce Willis (logro el puesto #2 en UK) y Lynn Anderson (llegó al casillero #24 en los US Country singles).

Les dejamos hoy esta famosa canción... que la disfruten!!

Bonus track: La "interesante" versión del actor Bruce Willis...


Bonus track 2: La versión en español que popularizara en los 80's el grupo Los Perros pero esta vez en voces de Andrés Calamaro y Gabriel Carambula en una interesante propuesta:

WHEN A MAN LOVES A WOMAN / PERCY SLEDGE

"When a Man Loves a Woman" es una canción grabada en 1966 por el cantante estadounidense Percy Sledge. La canción fue todo un exito de ventas llegando al numero uno del Billboard Hot 100 y del R&B singles charts.

La canción aparece acreditada a Calvin Lewis y Andrew Wright, que tocaban el bajo y los teclados con Sledge respectivamente, como autores de esta balada, pero en una entrevista para el programa de la televisión sueca "The Sixties", Percy Sledge admitió que la canción fue escrita realmente por él.
En la grabación del tema particiaron Spooner Oldham, tocando el órgano; Marlin Greene en guitarra, Alberto "Junior" Lowe en el bajo y Roger Hawkins quien tocó la batería.
Como dato curioso podemos decirles que la parte instrumental del tema fue pieza fundamental para la música del exito de la banda Procol Harum llamado A Whiter Shade of Pale que fue editada en 1967.

Esta canción fue un exitazo en ventas en el Reino Unido donde llegó al Top Ten de los Charts llegando a ocupar el cuarto puesto y en 1987 gracias a que la canción fue usada en un comercial de la marca de blue Jeans Levi's la canción retomó su exito llegando al segundo puesto de los rankings britanicos.

Pero en 1991, esta canción volvería a ser un exito debido a la versión mas renovada del cantante estadounidente Michael Bolton quien con su versión tocó el cielo de la fama cuando alcanzó el número uno en los EE.UU en todos los rankings y ademas ganó un grammy por su interpretación de esta notable balada.

Otros artistas que han grabado esta balada son: Bette Midler (EE.UU. # 35, grabada en 1980 para la película The Rose), Esther Phillips (EE.UU. # 73, publicada en 1966,con un cambio de roles en el titulo "When A Woman Loves A Man"), y la cantante canadiense Luba. También es muy notable la versión que hizo el cantante de country Kenny Rogers para su discazo "Always and Forever" de 1997.

Está canción ocupó el pusto #54 en la lista de la revista Rolling Stone en su especial "500 greatest songs of all time".

Que la disfruten!!!

Bonus Track: Michael Bolton & Percy Sledge interpretando en vivo esta hermosa balada...


Bonus Track 2: La version de Bolton con subtitulos en español... por si la quieren dedicar a su polola, novia, amante o esposa... XD

MATERIAL GIRL / MADONNA

Madonna - Material Girl


"Material Girl" es una famosa canción de la cantantepop estadounidense Madonna, la cual aparece en el álbum Like a Virgin que fue publicado el 30 de enero de 1985. Esta canción fue escrita por Peter Brown y Robert Rans, y fue producida por Nile Rodgers.

Sin lugar a dudas, esta cancion es una de las más populares del repertorio de Madonna. Fue usada como el segundo sencillo lanzado para promocionar el álbum Like a Virgin y su publicación haría que el público se refiriera hacia Madonna como una mujer fría, calculadora, que solo se mueve por el dinero y que no duda en manipular a todo aquel que esté a su alrededor, como una auténtica "Chica Material". Pero lo cierto es que el mensaje de esta canción intentaba ser bastante diferente a lo que piensa la gente, porque se dice que la letra de "Material Girl" es una sátira sobre la economía del gobierno de Reagan y de las actitudes que este patrocinaba, pero muy poca gente supo captar este mensaje.

En principio Brown y Rans habian escrito esta canción para que seacantada por un cantante masculino pero cuando la escuchó Madonna decidió adaptarle la letra para que la pueda cantar. Ademas se le dió ese toque tan caracteristico de la etapa ochentera de esta famosa cantante que consiste en ese pequeño arreglo en la voz donde se escucha mas acelerada y más aguda que de costumbre... en vivo se nota harto el cambio.
Pese a ser un exito de Madonna, "Material Girl" no funcionó como debía en las principales listas de popularidad del mundo, quedándose en las puertas de coronarse en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos donde solo alcanzó el número dos sólo rebasado por We are the world, un sencillo de ayuda para África impulsado por Michael Jackson y solo llegó al puesto #1 en las listas de Japón. En cuanto a las ventas del single esta logró un total de U$1.440.000 ejemplares vendidos en todo el mundo.

Por la popularidad de la canción esta diva del pop se ganó el apodo de "Chica Material" lo cual hasta en estos días muchos se refieren a ella con esa frase. Pero se sabe que a Madonna no le agrada mucho que la llamen así, especialmente en este periodo de su carrera donde no canta mucho sus antiguas canciones. Un buen ejemplo se puede ver en la gira Blond Ambition Tour de 1990 donde Madonna recreó el ambiente de un spa junto a sus coristas Niki y Donna, en el que la diva se burla de su propia actitud de chica material.

Ahora hablaremos del video clip. Este clip fue hecho bajo la dirección de Mary Lambert, quien ya había trabajado con Madonna en proyectos anteriores. En este video Madonna hace un homenaje a una de sus grandes ídoloa: la hermosa Marilyn Monroe, donde va recreando la típica escena de la película Gentlemen Prefer Blondes (Los caballeros las prefieren rubias) cuando Marilyn canta aquello de "Diamonds Are a Girl's Best Friend", rodeada de apuestos hombres.
Podemos ver a Madonna vestida con un diseño hecho por su amiga Maripol, copia casi exacta del diseño que lució Marilyn: un vestido rosa que dejaba desnudos los hombros y con largos guantes hasta el codo. La coreografía del video está calcada del clásico de Marilyn, incluyendo el gesto de Marilyn con los brazos hacia arriba.

El video está co-protagonizado por el actor Keith Carradine, quien se enamora del papel que interpreta Madonna. Para conquistarla, en lugar de darle regalos caros como era de esperarse, la lleva a pasear en una camioneta y le regala un ramo de flores. Al final del video terminan besándose dentro de la camioneta demostrando que hay cosas que el dinero no puede comprar. Una buena moraleja...

Les dejamos este clasico de Madonna, que ademas fue un hit en la decada de los Ochenta...Que la disfruten!!!

GOOD GOLLY MISS MOLLY / LITTLE RICHARD

"Good Golly Miss Molly" es un famoso rock and roll publicado en 1956 por el musico estadounidense Little Richard.

La canción fue escrita por John Marascalco y fue arreglada por Robert "Bumps" Blackwell. A pesar de que es un clásico de Little Richard, Blackwell tambien hizo una version junto a la banda The Valiants, que imitaban el estilo de cantar de este famoso cantante afroamericano, aunque la diferencia esta en la velocidad de la musica, pues esta versión es mas rapida. Sin querer la versión de The Valiants salió primero a la luz publica pero sin tener exito, donde ahi marcó la diferencia Little Richard llevando este tema a los primeros lugares de los Charts al igual que todos sus exitos que lanzaba.
Este clasico del rock and roll ocupó el lugar # 94 en la la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Little Richard en una entrevista con la Rolling Stone confesó que la primera vez que escucho la frase del titulo fue por medio de un DJ llamado Jimmy Pennick. Gracias a ese acto Richard se apoderó de esa frase y escribió "Good Golly, Miss Molly/You sure like to ball." y con eso decidió pedir a su productor que le haga la canción. Asi como tambien ayudó en la composición del intro de piano imitando una pieza que hizo Ike Turner para una canción de Jackie Brenston llamada "Rocket 88". En dicha entrevista, Richard dijo acerca de esa canción "siempre me gustó ese disco, por eso yo solía usar ese riff en mis presentaciones, así que cuando estábamos buscando un sonido llamativo para "Good Golly, Miss Molly", decidimos usarla y ajustarla a las notas del tema".

A principios de los años 60, la canción fue todo un exito en América Latina debido a la versión hecha por la banda mexicana Los Teen Tops (donde cantaba el idolo mexicano Alejandro Guzman) cantada en español bajo el título "La Plaga" que es una referencia juvenil mexicana para mencionar a "los amigos" (para que no piensen mal ya que en Mexico hay otra plaga en estos días). Esta versión fue grabada en 1959, y fue el primer single de esta banda. Ademas es considerado uno de los primeros éxitos del rock latino.

Lo mismo hizo la famosa banda Creedence Clearwater Revival grabando una versión de "Miss Molly" con un pequeño cambio en la letra y con unos poderoso riff de guitarra. Al mas puro estilo de rock and roll de pantano que hizo famosa a esta banda oriunda de California.

Que disfruten este clasico sesentero... y si gustan pueden bailar!!!

Dato Jimmy Jazz (algo mas que una canción): La fama de Little Richard fue enorme en los sesenta, por ejemplo Los Rolling Stones admitieron su admiración hacia Richard incluso antes de que tuvieran un contrato de grabación, y los Beatles, también fueron admiradores suyos. De hecho Little Richard llegó a acompañar a los Beatles en su gira por Hamburgo. En 1982, Paul McCartney dijo a una revista: "La primera canción que canté en público fue "Long tall Sally", de Little Richard. Cuando los Beatles comenzaban, actuamos con él en Liverpool y Hamburgo. Para mí, es uno de los reyes del rock and roll. Además es un gran tipo, al que ahora considero mi amigo".
También inspiró al legendario cantante de Deep Purple, Ian Gillan, quien le dedicó la canción "Speed King" que aparece en el álbum "In Rock".

DON'T BRING ME DOWN / ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA

ELO-dont bring me down


"Don't Bring Me Down" es una canción de la banda Electric Light Orchestra (para señalarla de manera facil le dicen ELO), la cual fue lanzada como single en 1979 promocionando el famoso album Discovery.

Esta canción logró ser el segundo exito de la banda que logró llegar al puesto # 3 en el Reino Unido, así como tambien es su mayor éxito en los Estados Unidos, donde se dió el lujo de ubicarse en el puesto # 4 del prestigioso Billboard Hot 100. Esta fue la primera canción de ELO que no incluye una sección de cuerdas.

La banda le dedicó Don't Bring me Down a la estación espacial Skylab que pertenecía a la NASA, la cual en esos días volvía a entrar en la atmósfera de la Tierra sobre el Océano Índico y Australia, eso ocurrió el 11 de julio de 1979, y tuvo como anécdota una multa de 400 dolares que le impuso el gobierno australiano a la NASA por arrojar basura en territorio público.

Quizas muchos se han dado cuenta que entre la repetición del coro con la frase del titulo se puede escuchar a Jeff Lynne gritar "Bruce!" lo cual ha dado muchas curiosodades entre los fans. Pero en entrevistas, Jeff Lynne aparece diciendo que él en realidad dice "Grroosss", lo cual se puede entender que proviene de la palabra Gruss que es un saludo aleman que escucharon mientras grababan el disco en Munich. A pesar de la explicación de Lynne, hasta en estos dias mientras toca la canción la gente canta "Bruuce!!" a tal punto que el vocalista de ELO ha decidido incluirla en la letra cuando la toca en vivo.

Les dejamos esta gran canción de una de las bandas mas influyentes en la musica popular, mezclando musica clasica con rock and roll!!...

Dato raro: Electric Light Orchestra tiene el récord de éxitos en el Top 40 de la historia de Billboard sin haber cosechado un número uno... notable!!!

YOU SEXY THING / HOT CHOCOLATE

HOT CHOCOLATE - You sexy thing


"You Sexy Thing" es una canción de la banda britanica Hot Chocolate editada en 1975 en el disco homónimo, fue escrita por el vocalista Errol Brown y en la producción estuvo a cargo de Mickie Most. Esta canción fue todo un exito para esta banda ya que llegó al puesto #2 en los UK Singles Chart en 1975 y al casillero #3 en el US Pop charts en 1976.

LO mas curioso, es que esta canción estaba en el lado B del single y nadie sabe el por qué del gran exito. Debido a esto, la canción fue remezclada y lanzada como lado A, y junto a esto lograron mas promoción y empezar a escalar lugares en los principales rankings del mundo.

En el momento en que la canción fue escrita y grabada, hubo algunas personas que pensaban que por el contenido de la letra, este tema podría haber sido prohibido o restringido para la promoción (censurado???), todo esto debido a que la letra se trata de una alabanza y agradecimiento hacia una mujer que está dispuesta a hacer el amor con una persona. Mucha gente creia que esto se podía entender mal y ser foco de criticas, pero al final eso nunca pasó.
Muchos canales de televisión y bandas sonoras la usan para sus comedias debido al contenido de la letra.

La canción tuvo su segundo respiro de exito cuando apareció en la película The Full Monty en 1997, y con eso llegó al puesto seis en los rankings del Reino Unido logrando renacer el exito y la popularidad de la banda. Gracias a esto, Hot Chocolate logró el record de tener la unica canción que logró entrar en el top ten de los Charts del Reino Unido tres veces, ya que en la decada del setenta, en la decada de los ochenta (gracias a un remix hecho por Ben Liebrand en 1987) y en la decada de los noventa a logrado entrar denro de los diez exitos mas populares en los ranking.

Les dejamos hoy este exitazo... porque You Sexy Thing sigue dándonos alegría y puede ser escuchada en muchas películas, también la hemos escuchado en comerciales de televisión, osea hasta el día de hoy sigue vivo en nuestros recuerdos por todos aquellos que la toman en cuenta porque se adapta a lo que quieren transmitirnos.

que la disfruten!!!

Bonus Track: Una version en vivo en el famoso programa "Midnight Special"


Rareza Youtubiana: Para reirse un rato (reir hace bajar de peso... jajajaja) y leer la letra en español...

MAMMA MIA / ABBA

Mamma Mia es una famosa canción del grupo sueco ABBA publicada en 1975 en el disco homónimo de este cuarteto pop.

Esta canción fue todo un exito en Australia, ahi fue donde ABBA entró a los charts en noviembre de 1975 y se adueñó del puesto N º 1 durante 10 semanas. En aquel momento, se rumoreaba que uno de cada tres Australianos escuchaba las canciones de ABBA. En Inglaterra y Suecia tambien llegó a la cima de los rankings conviertiendose en una gran exito para este cuarteto que estaba formado por dos parejas sentimentales: Benny Andersson con Anni-Frid Lyngstad (mas conocida como Frida) y Björn Ulvaeus con Agnetha Fältskog.
El sencillo también alcanzó el número 1 en Irlanda, Suiza y Alemania; alcanzó el Top 5 en Nueva Zelanda, Noruega, Sudáfrica, Bélgica y Austria. Mientras que en Estados Unidos solo llegó al puesto 32.

La historia cuenta que Björn, Benny y Stig la escribieron y entraron a grabarla el 12 de marzo de 1975 en el estudio Metronome. La letra de la canción nos habla acerca de una decepción amorosa que tiene una mujer, y le dice a su pareja que está muy indecisa sobre tomar la decisión de si va a dejarlo o no.

Originalmente, los integrantes de ABBA no tenian en sus planes lanzar la canción como single promocional del disco. Pero como ya habian filmado un video promocional de la canción en abril de 1975 para promoionar la banda por Australia tuvieron que rendirse y lanzar este hit. Luego se darían cuenta que la recompensa fue valiosa para la banda.

El video de "Mamma Mia" se realizó el 28 y 29 de abril de 1975, en los estudios de SVT en Estocolmo. En este clip podemos ver al grupo tocando y cantando la canción en un estudio de color blanco. Los integrantes de la banda llevan puestos los trajes de su tour del 74 en Europa. Lo que más gustó del video fueron los primeros planos de los cuatro en los coros. Fue dirigido por Lasse Halström.
Actualmente el vídeo esta disponible en los DVD (alguien tiene VHS's??... si es asi conservelos) The Definitive Collection (DVD), ABBA Gold (DVD) y ABBA Number Ones.

Al igual que otras canciones de ABBA, existe una versión en español de Mamma Mia, la cual fue traducida por Buddy McCluskey y Mary McCluskey, y grabada el 7 de enero de 1980. Aparece en el disco Gracias por la Música, en el ABBA Oro y como Bonus Track en la reedición del disco "ABBA".
Ademas esta versión en español fue cantada de nuevo en 1999 por el grupo A*Teens (basura comercial desechable y ojalá no la reciclen!!), y actualmente se encuentra disponible en la versión latinoamericana del álbum The ABBA Generation.

Bonus track: La versión en español hecha por ABBA

TUESDAY AFTERNOON / THE MOODY BLUES

"Tuesday Afternoon" (a veces titulada como "Forever Afternoon") es una canción de la banda de rock sinfónico The Moody Blues en 1968 y editada un año antes en el disco Days of Future Passed.

Justin Hayward escribió la canción y sin querer la llamó "Tuesday Afternoon" ya que no tenia mas ideas. Pero ante la ausencia del productor Tony Clarke, decidieron llamarla "Forever Afternoon (Tuesday?) y con ese titulo aparece en el disco Days of Future Passed, luego en 1968 sale el single pero con el titulo Tuesday Afternoon con el cual logró la fama y es conocida hasta estos días. En la mayoría de las compilaciones de exitos y discos en vivo de esta banda inglesa, la canción sale bajo el titulo "Tuesday Afternoon (Forever Afternoon)" la cual es la combinación de ambos titulos dados anteriormente. Este disco, que era el segundo en la carrera de los Moody, representó un enorme cambio en los planteamientos musicales, y fue un enorme éxito, y aún hoy se sigue reeditando.

Justin Hayward, vocalista y guitarrista de la banda, dijo una entrevista que escribió esta canción mientras estaba sentado en el medio de un campo cerca de su casa en Inglaterra con una hermosa tarde de primavera. Afirmó que tenía su guitarra acústica en las manos y que empezó a escribir el tema a medida que le iban llegando las ideas.
En la versión de estudio, Justin Hayward se encarga de la primera voz y de la guitarra acústica, Mike Pinder se hizo cargo de los teclados y el solo de flauta fue interpretado por Ray Thomas. Ademas, cabe señalar que todas las partes instrumentales del disco y esta canción fueron tocados por la London Festival Orchestra.

Les dejamos este gran tema de una banda bastante interesante que hizo del rock una forma de experimentar con diversos estilos... que disfruten a estos clásicos del Rock!!...

DON'T BE CRUEL / ELVIS PRESLEY

"Don't Be Cruel" es una canción escrita por Otis Blackwell, pero que fue grabada con gran exito por el "Rey del rock" Elvis Presley en 1956. Tanto fue su exito que en el año 2002 fue introducida al Grammy Hall of Fame y en el 2004 ocupó el puesto #197 en la lista de las 500 Greatest Songs of All Time hecha por la revista Rolling Stone.

"Don't Be Cruel" fue lanzado como lado A del single junto a "Hound Dog" (otro temazo!!), siendo un exito en las listas de E.E.U.U donde lideró el Billboard en todas sus categorias (pop, rhythm & blues,country & western).

Elvis grabo este tema en los estudios de Nueva York de la RCA Victor el 2 de julio de 1956, junto a su banda de acompañamiento formada por Scotty Moore en primera guitarra (Elvis solia tocar la guitarra acustica), Bill Black en el bajo, D.J. Fontana en la batería y haciendo los coros.

La cnación fue elegida por Presley luego de revisarla en el piano, cambiandole partes de la letra y arrglandole la música. Cabe señalar que Elvis siempre hizo esto con los temas que le enviaba Blackwell, adaptandolos a su estilo. El single fue lanzado el 13 de julio de 1956 con la autoria de Blackwell y Presley.

Tanto el el disco, como el single "Don't Be Cruel / Hound Dog" fueron todo un exito llegando al puesto # 1 en el Billboard Hot 100 donde se mantuvo durante 11 semanas consecutivas, haciendo de Elvis un icono que inspiró a muchos cantantes tanto dentro como fuera del género Rock en su epoca y a generaciones posteriores.

Dato curioso de entre tiempo: Mucha gente ha afirmado que Elvis está vivo y que su muerte en agosto de 1977 solo fue un invento para que pudiera vivir tranquilo y recorrer el mundo como una persona normal. Investigando en páginas de internet y charlando con fanaticos he encontrado algunas tesis sobre este caso tan llamativo y curioso como para hablarla en una junta de domingo:

• En vida, pidió ser enterrado al lado de su madre. Sin embargo, fue enterrado al lado de su padre y abuela.

• Aunque al momento de su supuesta muerte pesaba 250 libras, en su certificado de defunción figura con "sólo" 170. Y el certificado original desapareció misteriosamente.

• Hay quienes sostienen que en el día de su funeral el ataúd donde iban sus restos estaba más frío de lo normal, lo que refuerza la tesis de que en su interior iba una reproducción en cera del artista y no el cadáver.
  

• Un tal John Borrows compró un pasaje a Buenos Aires pocos días después del deceso de Presley. "John Borrows" era un nombre artístico que originalmente usaba Elvis.

• Años después de su muerte, apareció un cantante llamado Orion, que cantaba canciones de Elvis cubierto con una máscara. Muchos piensan que este misterioso cantante era Elvis Presley oculto, ya que su voz era muy parecida.

• Días después de la muerte de Elvis, uno de sus ex novias recibió una rosa de parte de "Lancelot", el cual era un apodo que Elvis usaba y que sólo ella conocía.

• Según testigos, Elvis se ha visto en: una gasolinera de Montana, en un supermercado en Cambridge, en el colegio donde él mismo estudio, saliendo de un restaurante de Pizza Hut en Southampton, en una oficina de Oslo y en un Club de Campo en Castelar.

• Fue visto y fotografiado por unos turistas orientales en las ruinas de Macchu Picchu en Cuzco - Perú, sin embargo ellos nunca mostraron las fotografias, se dice que las vendieron por setenta dolares americanos a un lugareño, que más tarde negó los hechos y dijo nunca haberlo visto.

AND I LOVE HER / THE BEATLES

"And I Love Her" es una famosa balada del grupo (grupazo!!) The Beatles. Es el quinto tema del álbum A Hard Day's Night y se publicó como sencillo en los Estados Unidos el 20 de julio de 1964, alcanzando el puesto #12 en el Billboard. El lado-B del sencillo era la canción "If I Fell".

La canción fue compuesta en mayor medida por Paul McCartney, aunque John Lennon también colaboró con algunos versos. Dentro de su estructura, lo más característico es el sonido de la guitarra española de George Harrison y los bongós de Ringo Starr.
Años despues, John Lennon dijo en una entrevista con la revista Playboy que su principal contribución fueron las frases "A love like ours/Could never die/As long as I/Have you near me". Estas palabras de Lennon fueron apoyadas por el publicista de Los Beatles, Dick James quien dijo que mientras se tomaban un descanso en la grabación, Lennon sugirió al productor George Martin un arreglo en la letra del tema. Asi durante el descanso John escribió ese cambio de tono y la letra, lo cual fue muy constructivo para una canción comercial. Mientras que McCartney ha dicho que todo es falso y que el escribió de manera completa esta balada.

Otra rareza musical es que la canción fue compuesta bajo la técnica musical conocida como "tierce picarde" (tambien conocida como "tercera de picardía") la cual fue muy utilizada en el pasado por compositores como Bach. es un recurso armónico usado en música clásica. Sobre esta técnica pordemos mencionar que se refiere al uso de un acorde mayor de tónica al final de una sección musical que está en una tonalidad menor o modal. Esto se consigue al aumentar la tercera de la triada menor que se espera en un semitono para crear un acorde mayor, como una manera de resolver. Aqui les dejamos un buen ejemplo.

Existen diferentes versiones de esta canción que han alido en varios discos de la banda de Liverpool en todo el mundo, muchas de estas versiones difieren en el número de veces que se repite el riff de guitarra, y en otras es la voz de McCartney que puede escucharse simple o a dos voces dependiendo el disco que tengan.

Entre los artistas que han versionado esta hermosa canción se encuentran el brasileño Roberto Carlos, Rita Lee, John Farnham, Sarah Vaughan, Barry Manilow y The Wailers (si señores... la banda del querido Bob Marley).

Bonus Track: Debido al fanatismo de Jimmy Jazz por Roberto Carlos (tambien es fans de Los Beatles eh) le hemos dejado una versión de And I Love her cantada por este baladista del pais del Joga Bonito: