THE DARK END OF THE STREET / JAMES CARR

"The Dark End of the Street" es una canción interpretada por el famoso cantante de música Soul, James Carr que fue lanzada como single en el año 1967.

Con esta canción, Carr obtuvo críticas muy positivas en cuanto a la calidad musical y a la vez fue el gran hit que marcó la carrera de este cantante oriundo de Memphis.

Esta canción fue escrita a mediados del año 1966 por Chips Moman y Dan Penn, cuando ambos participaban de una convención de Dj's en Nashville.
Moman en ese entonces trabajaba como guitarrista de sesión en los estudios del famoso productor Phil Spector, mientras que Penn ya tenía su prestigio como compositor y productor dentro del ambiente musical estadounidense.
Ambos músicos aprovecharon un "break" en la reunión de Dj's para charlar sobre la "pega" y jugar una partida de póker. Luego de pasarla bien, hablar sobre el rock and roll, las canciones de moda y sus proyectos a futuro, ambos se fueron a sus respectivas habitaciones del Hotel. En ese momento, Moman le dijo a Penn que en su habitación tenía una guitarra y si gustaba ir a "canturrear" un rato. Penn aceptó gustoso la ídea.
En ese momento, Penn recordó que andaba trayendo en su bolsillo una partitura de una canción que jamás pudo terminar y se la pasó a Moman. El guitarrista se puso a cantar a canción y quedó muy a gusto con la ídea y decidió terminarla y darle algunos retoques.

En tán sólo 30 minutos, la cancion ya estaba hecha en su totalidad y llevaba por título "The Dark End of the Street".
La letra de esta canción es un lamento de un hombre, que al ser descubierto bajo los efectos de la infidelidad, ha sufrido mucho por la pérdida de su mujer. Este ser se siente un pecador profesional y al parecer está más que arrepentido de sus actos. Dentro de su lamento grita frases como "mi amor sigue fuerte por ti" y "espero encontrarte nuevamente en algún lugar", dejando claro su arrepentimiento de perder a una mujer que valía mucho para él, pero ahora en vez de ser feliz ls perdió todas simplemente por comportarse como un "gil"....

En una entrevista hecha a Penn en el año 2008, este se dió el lujo de definir a su canción como una "simple balada con guiños a la música Country".
Un año despues de escribirla y arreglarla, Penn se la cedió a James Carr, que era un cantante Soul que buscaba su espacio en ese género Musical dominado en ese entonces por el gran Otis Redding.
En esos años carr había grabado unos discos que no habían logrado mucho éxito pero que obtuvieron resultados bastante interesantes, een cuanto a críticas y posición en las listas de venta. Pero aún le faltaba esa canción que lo haga legendario para las futuras generaciones y esa tenía que ser "The Dark End of the Street".
La decició de Penn para trabajar su canción en voz de Carr vino despues de escuchar las antiguas grabaciones del cantante. Para Penn, James Carr tendía a imitar mucho el estilo vocal de Otis Redding y eso ocasionaba que la gente no tomara muy en serio el trabajo del cantante.
Entonces, la ídea de que su pupilo cante "The Dark End of the Street" estaba en que esta era la oportunidad para que Carr se aleje de la sombra de Redding y mostrara al mundo su increíble talento vocal, donde cada frase toma una sensación teatral en su voz.

Mientras grababan la canción, Penn se dió cuenta que James Carr pasaba por una fuerte adicción a las drogas. El stress de no poder encontar la fama, hacer discos que vendían poco y la presión de los productores para que lograra de una vez por todas un N° 1 tenía a James Carr desecho y la única salida eran las pastillas antidepresivas y la marihuana.
Eso hizo que Penn pasara de ser un productor a un motivador, ya que tenía que levantar día a día el ánio a su cantante, para que este se motive y cante como nunca lo había hecho en su vida.
De hecho, en una entrevista con la revista Mojo en el 2008, Penn señaló que "la voz de Carr es inigualable y su interpretación dentro de la canción jamás la han podido superar otras versiones".

James Carr, que sufría de un transtorno bipolar, logró llegar al puesto #10 del Billboard, siendo su único hit en llegar a entrar al Top 10 de los charts estadounidenses.
De ahí en adelante la carrera de James fue decreciendo en cuanto a popularidad y nunca más pudo repetir el éxito de esta canción...

Les dejamos este clásico de los 60's!!!! Que la disfruten!!

SEALED WITH A KISS / BRIAN HYLAND

"Sealed with a Kiss" es una canción interpretada por el cantante estadounidense Brian Hyland y fue publicada como single en el año 1962, obteniedo buenos resultados en los charts de Inglaterra y Estados Unidos.
Con esta canción, la popularidad de este ídolo juvenil, que la rompía a principios de la década de los 60's, estaba mas allá de las nubes y las muchachas estaban locamente enamoradas de este adolescente de casi 20 años que aparecía con una guitarra, todo engominado, espinillento pero con un aíre seductor (?).

Era inicio del año 1962, y Brian Hyland competía, tanto en las ventas de discos como en imagen, con cantantes de la talla de Paul Anka, Bobby Vee o Neil Sedaka, que conquistaban día a día los diales de las radios y llenaban teatros cantando simples pero tiernas y románticas canciones llenas de frases de amor, de desamor y ultramegadesamor.

Los asistentes de Hyland querían liderar esta batalla comercial y decidieron, junto a la discográfica, empezar a hacer los contactos para que su pupilo interpretara una canción hecha por Gary Geld y Peter Udell, que por esos años formaban una dupla "de miedo" en la creación de hits para nuevos talentos.
Geld y Udell, pese a que aún estaban aprendiendo "las malas artes", ya eran considerados dentro del medio musical como una de las asociaciones mas confiables para elaborar hits radiales.
Por eso, los asitentes del ídolo juvenil querían contar con su ayuda a toda costa...

Luego de lograr contactarse con Geld y Udell y charlar un rato sobre contratos y cheques, la dupla de compositores le presentó una canción a Hyland. Esta era "Sealed With a Kiss", una balada especial para capturar los oídos y las experiencias de los adolescentes enamorados, una canción que tenía estilo y que estaba con un sonido muy diferente al que practicaban Anka o Sedaka.
"Sealed With a Kiss" tuvo su creación de una forma muy particular, incluso podriamos decir que fue premio de una improvisación.
Resulta que Gary Geld gustaba de la música clásica, de hecho en su curriculum aparecía unos cuantos estudios serios de piano y composición en Academias de renombre. Una tarde Geld andaba en busca de una canción y para empezar su trabajo decidió interpretar un ejercicios de dedos en su piano como precalentamiento. De esa improvisación salió una interesante melodía, que sonaba llamativa, que tenía forma de buen Pop y que dejó impresionado al compositor, que pescó su libreta y empezó a darle rienda suelta a lo que despues sería "Sealed With a Kiss".

Existe cierta confusión sobre si la canción fue interpretada primero por Hyland o por la agrupación vocal The Four Voices (que la publicó en 1960).
Sobre ese tema, Hyland mencionó en el libro 1000 UK #1 Hits, de Jon Kutner y Spencer Leigh, lo siguiente: "Yo grabé "Sealed With a Kiss" un año antes que lo hicieran los The Four Voice, que hicieron una versión muy al estilo de los Brothers Four. Sonaba lenta y no tenía mucha energía, por lo que no fue un éxito. Ahí fue cuando le dije a los productores que tenían que haber lanzado primero mi versión".
Ese dato nos dice que la versión de Hyland estuvo guardada por casi dos años sin ver la luz y fue reemplazada por una penosa versión que pasó sin pena ni gloria por las listas de venta.

En el momento de ser lanzada en voz de Hyland, la canción tomó una nueva formma. Iba directamente al sector juvenil, con unos fabulosos arreglos musicales hechos a la medida del cantante.
"Sealed With a Kiss" fue el mayor hit en la corta carrera musical de Hyland, ya que llegó a liderar los charts en ambos lados del Atlántico, siendo un himno juvenil y una canción que con los años pasó a ser una joya de los 60's.

Si bien Hyland había tenido su mejor momento a los 16 años cantando inocentemente una canción llamada "Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polka Dot Bikini", con "Sealed With a Kiss" ya se le mostraba más maduro, con cierta fijación inocente hacia las mujeres, ellas eran su presa, ellas eran las que coreaban su nombre.

Les dejamos este temazo de tomo y lomo!!!
Que laaa disfruten!!!

BONUS TRACK: EL DIA QUE EL RUGIDO SE HIZO ETERNO

En algun momento fue considerado "el baterista mas ruidoso el mundo". Es que cuando se ponía detras de Page, Jones y Plant, él era una máquina de sonidos y hacía mágia con sus baquetas para acompañar enegeticamente cada "rola" Zeppeliana.

No hay dudas que John Bonham es uno de los mejores bateristas de la historia del rock, que además puso un sello privado a todas las canciones de su banda, que eperimentaba nuevos sonidos e inclúso tocaba la batería sin la necesidad de baquetas, que deleitaba a su público con furiosos solos donde sus manos se confundían con la luz.
Con "Bonzo", los bateristas tuvieron mas representatividad a la hora de ser parte de una banda de rock.

El 25 de Septiembre los fans de Led Zeppelin miraron al cielo y recordaron a su baterista que 30 años atrás dejó el mundo en la mansión de Page, a causa de 12 horas seguidas con alto exceso de Vodka que le provocó la muerte, el paso a la eternidad y el ser irremplazable en su puesto.

Dejemos que las baquetas hablen!!

GARAGELAND / THE CLASH

"Garageland" es una canción de la banda británica The Clash, que fue incluída dentro de su histórico álbum debut homónimo publicado en Abril de 1977.

Esta canción tiene el honor de aparecer a uno de los discos que marcó la historia del Punk, ya que fue uno de los pilares musicales mas importantes para dar a conocer a todo el mundo esta nueva forma de expresión juvenil, marcada por la rebeldía, el amor a lo simple y la lucha constante ante el miedo de las injusticias sociales.

Muchos dicen que la primera banda punk vio de Estados Unidos y se llamaron Ramones, otros dicen que surge en los sectores marginales de Londres, donde la juventud empezó a maltratar los acordes el rock y lo mezcló con letras sin tanta metafora y muy ligadas a una protesta en contra de la inusticia social y a los que siempre nacían con la cuchara de oro sobre los labios. Esos se hicieron llamar Sex Pistols.
Lo cierto es que aún los especialistas no se ponen de acuerdo al ciento por ciento sobre el tema de donde surge este movimiento, que en los 70's marcó a muchos jóvenes.
Pero en esos años, varias revistas musicales tomaron el eco de este nuevo movimiento social y musical y se dedicaron a investigar por su cuenta sobre el Punk.
En Inglaterra, la revista New Musical Express decidió incluír un espacio especial para profundizar sobre este estilo musical dandole harta promoción a las bandas que rondaban con canciones que olieran a Punk o que usaran esta palabra como bandera de opinión.

Uno de los periodistas estrella de ese pasquín era (y es) Charles Shaar Murray, que en una de sus columnas de crítica musical decidió hablar sobre la banda The Clash, que por esos días empezaba a obtener algo de fama y estaban pronto a lanzar su primer disco.
Las palabras del periodista hacía la banda no fueron muy amigables, ya que luego de escuchar algunas canciones, se refirió a la banda como una "típica agrupación de "garage"", que "rápidamente pasará al olvido y tendrá que volver a la soledad de su garage".

Esta crítica a su labor musical no fue tomada muy a la ligera por Strummer y compañía, que al leer las duras frases del periodista se pusieron en marcha para componer una canción que sirva como respuesta.
Strummer puso todo su talento con la pluma y escribió un duscurso en defensa de su banda llamado "Garageland", donde deja en claro su posición ante las criticas.
"Somos una banda de Garage, venimos de las tierras del garage" grita a viva voz Strummer en el coro, mientras Jones, Simonon y Chimes tiran todo su bombardeo Punk a la cara de los periodistas. Sin lugar a dudas, fue la mejor respuesta y con harto estilo...

"Garageland" pasó de ser una respuesta ante una crítica a un himno de protesta ante las marcadas diferencias sociales que existpian en ese entonces en Londres.
Los jóvenes tomaron la canción como un himno de lucha, coreaban a todo pulmón esa frase que dice: "No quiero saber lo que los ricos están haciendo, no quiero ir donde los ricos van" con el fin de mostrarle al mundo que ellos no la estaban pasando bien y que al Estado poco le importaba.

"Garageland" fue la canción que cerraba el disco debut de Los Clash en el Reino Unido debido a que fue la última canción en ser grabada para dicho disco. No hay dudas de que fue el mejor final para un disco de Punk, ya que marcaba toda la energía y los escupos verbales que un joven Punk podía decir al final de su trabajo, en otras palabras: "romper con todo".

Que la disfruten!!!

KOKOMO / THE BEACH BOYS

"Kokomo" es una canción de la banda estadounidense The Beach Boys, que fue lanzada como single el 18 de Julio de 1988 sólo para Estados Unidos y tres meses despues tuvo su lanzamiento en el Reino Unido.
Un año despues, debido al creciente éxito del single, la banda la incluye en su aclamado disco Still Cruisin' (de 1989) que obtuvo disco de Oro en Estados Unidos debido a las magnificas ventas que tuvo el LP número 35 que lanzaba esta banda que amaba el surf y las buenas playas.

Eran los primeros meses del año 1988 y Los Beach Boys eran mas famosos por las canciones de los 60's que por sus nuevas creaciones. Las ventas de sus nuevos discos iban decreciendo y mas encima habían sufrido la perdida de su baterista y fundador Dennis Wilson que decidió terminar con su vida ahogandose en las aguas de una playa de Los Angeles, debido a una larga depresión y problemas con el alcohol. La única noticia positiva, venía sobre el estado de salud de su líder creativo, el cerebro musical de la banda, nos referimos al señor Brian Wilson que manifestaba mejorías ante su estado mental y lo único que tenían que hacer sus familiares serpia vigilar a su médico personal, de apellido Landy, que lo usaba como un "conejillo de Indias" para experimentar cuantas ideas se le pasara por su cabeza. Al parecer el único loco era el médico...

Ante todo ese contexto desordenado y bastante oscuro, un día el representante de la banda llamó a Mike Love diciendole que el productor Terry Melcher quería trabajar en una canción con los Beach Boys para que sea incluída en la banda sonora de la pelicula Cocktail (cinta que contaba con el rol protagónico de Tom Cruise). Obviamente que la banda dió el sí...
La ídea de los productores d ela película en tener en sus filas a Los Beach Boys era que su música siempre era divertida e iban de la mano con la recreación. Además era una de las bandas mas prestigiosas de los 60's y toda una leyenda en la historia del buen rock.

Además, Melcher era muy conocido dentro del ambiente musical. Este productor, hijo de la mítica actriz Doris Day, había trabajado con The Byrds y Paul Revere And The Raiders entre otras bandas que rondaban la escena musical en los 60's.
Melcher ya conocía a Los Beach Boys, ya que trabajó junto a Brian Wilson en los arreglos musicales de las canciones que petenecían al famoso disco Pet Sounds, una joya musical que todo fanático del rock debe escuchar.
En eso días, Terry Melcher volvía a la actividad musical luego de esta recluído en una cárcel de Estados Unidos ya que fue culpado como cómplice del asesinato de Sharon Tate, esposa de Roman Polanski, que murió en manos del maldadoso Charles Manson. La razón de su reclusión se debe a que el lugar donde ocurrió esta terrible la tragedia era propiedad del productor, que se la había prestado a Polanski y su novia para que pasaran un ben descanso. Además, pocos días antes del asesinato, Melcher estuvo conversando con Manson, ya que este "loco" quería grabar un LP con canciones "folk" junto a Dennis Wilson (baterista de los Beach Boys), que supuestamente eran de buena calidad. Al recibir un rotundo "no", por parte de Melcher, Manson gritó al cielo que habría una dulce venganza por no cumplirle su sueño... El resto es otra historia.

Pero volvamos al año 1988, época donde Los Beach Boys querían volver en gloria y majestad a los charts mundiales.
La canción elegida para que grabara la mítica banda era una pieza musical llamada "Kokomo", que había sido escrita por Melcher junto al compositor John Phillips, que fue miembro de The Mamas and the Papas. A ellos se le agregaron en los arreglos musicales, el Beach Boy, Mike Love, y el famoso cantante Scott McKenzie, que popularizó la hermosa canción "San Francisco", pieza épica de la decada de los 60's.
Cabe señalar que en esta canción no se tuvo la fuerza creativa de Brian Wilson, debido a que el cerebro musical de la banda estaba mas preocupado de su debut como solista que en el resurgimento de su banda. En esos días, Brian presentaba al mundo su hermosa canción "Love And Mercy", que marcaba su primer paso a una carrera solista que supuestamente le traería buenos beneficios. Tres semanas despues de su lanzamiento la cosa era totalmente distinta, el fracaso del single llevó a que Brian Wilson mejor se concentrara en el trabajo con su banda.

"Kokomo" era un título inventado por los compositores de la canción pero tiene cierta relación con el nombre de una localidad ubicada en Indiana. Otra tería sobre el surgimiento del tpitulo de la canción es que deriva de un antiguo nombre de una isla de Jamaica, que ahora se la conoce como Sandals Cay.
La segunda teoría esta mas cerca de lo que los mpusicos querían transmitir en la canción, ya que ellos planearon la canción como una representación a todos esos lugares tropicales que todo ser humano desea conocer y pasar unas merecidas vacaciones o para escapar de la aburrida vida laboral urbana. Por ello fue John Phillips quien eligió a "Kokomo" como titulo para la "rola".
Con esa ídea, Mike Love decidió incluir dentro de la canción el nombre de diferentes lugares paradisiacos como Aruba, Jamaica, Bermuda, Bahamas, Key Largo, Montego Bay, Martinique, Montserrat, y Port-au-Prince (Haití).

Luego de idear la canción, los Beach Boys solo se preocuparon de cantar y arreglar los coros mediante llamativas armonías vocales. La interpretación musical corrió por cuenta de un grupo de músicos de estudio, donde participaron Jim Keltner en batería y Ry Cooder en guitarra. Cabe señalar que Keltner era un baterista con mucho recorrido en la escena del rock, ya que había tocado en discos de George Harrison, Bob Dylan y Elvis Costello. Mientras tanto Cooder ya tenía bajo el brazo un curriculum lleno de sorpresas, entre ellas el trabajo en diversas bandas sonoras.
Para trabajar en los teclados y el acordeón, Brian Wilson decidió contactar a Van Dyke Parks, que era uno de sus mejores amigos y que había trabajado en las canciones de su eterno disco "Smile".
El resto de los músicos participantes en esa sesión no fueron acreditados y quedaron en el anonimato.

Terminada la grabación de "Kokomo", en Julio de 1988 se lanzó al publico esta hermosa canción. Para promocionarla, la banda decidió salir de gira por varios lugares de Estados Unidos, con el fin de que la canción se haga eterna.
A psar de sus actuaciones, la canción no lograba "pegar" entre la gente y pasaba sin gloria ni pena por los charts. Pero meses despues, cuando se estrenó la pelicula Cocktail, la canción empezó a tomar éxito poco a poco.
En Estados Unidos la canción llegó al primer lugar del Billboard Hot 100, algo que la banda no lograba desde el año 1966 cuando lograron llegar a esa posición con la canción "Good Vibrations".
Pero la canción tambien dió la vuelta al mundo, ya que en paises como Francia, Austria, Alemania, Australia y Suiza, la canción había logrado entrardentro de los primeros 20 lugares de sus respectivos charts.
Los Beach Boys volvían a sonar en las radios, pero esta vez con una canción nueva...

A tanto llegó la fama de la banda con esta canción, que muchas empresas hoteleras se aprovecharon del mensaje de la canción y decidieron bautizar a sus nuevos bares, centros de relajo y hoteles con el nombre de Kokomo.

Les dejamos esta hermosa canción, que nos trae todo el relajo del verano y que hasla Los Muppets han interpretado .
Que la disfruten!!!

JET / PAUL McCARTNEY AND WINGS

"Jet" es una canción de la agrupación británica Paul McCartney and Wings, que fue lanzada como single el 15 de Febrero del año 1974, con gran aceptación entre el público europeo y norteamericano que aún lloraba la separación de The Beatles.

Esta canción fue incluída dentro del famoso LP "Band On The Run", que es considerado una de las joyas musicales mas respetadas y comentadas de la carrera de "Macca" como solista.

La historia cuenta, que Paul McCartney se inspiró para escribir esta canción en las travesuras de su inseparable perro de raza Labrador Retriever. Cabe señalar que esta no es la primera canción de "Macca" en honor a sus canes, ya que cuando era parte de The Beatles compuso una canción llamada "Martha My Dear", que fue dedicada a su can de raza Old English Sheepdog.

Pero la canción no trata simplemente sobre las divinidades de su perro, ya que Paul tambien decidió homenajear al talentoso David Bowie en la línea:"I thought that the major was a little lady suffragette", que estaba directamente relacionada con la canción "Suffragette City" del camaleónico cantante.

Esta canción fue grabada por Paul y Linda McCartney, junto al guitarrista Denny Laine en los estudios que la EMI tenía en Lagos, Nigeria. Hay que señalar que ese viaje experimental a tierras africanas no tuvo un final feliz, debido al enojo de algunos cultores nigerianos que empezaron a decir que esos "ingleses" querían robarles su cultura.

Más allá de la inspiración y los acontecimientos externos a la canción, "Jet" es una de las piezas mas rockeras en el catalogo musical de Paul, y puede ser igualada solo por la locura de "Helter Skelter", que fue hecha en su etapa Beatle.
Muchos críticos, especialmente el periodista Stewart Mason, consideran que esta canción tiene una semejanza musical al sonido experimentado por Marc Bolan en su banda T. Rex.
Es que ese conjunto de riffs de guitarras, más el acompañamiento simple del bajo, junto a las armonías locas de un saxofón y la melodía que tiene poca diferencia entre el verso y el coro hace pensar que Paul tomó muchas ídeas de Bolan para componer esta pieza musical.
Incluso la letra es muy similar a las composiciones del líder de T.Rex, ya que esa oscuridad en los versos y esas meteaforas casi fuera de líena hacen pensar que esa conclusión es muy verdadera.

Años despues de su lanzamiento como single, el crítico Dave Marsh catalogó a "Jet" como una gran "confección del pop" y recalcó en su espacio que esta canción fue la única pieza musical donde McCartney se acercó a la "unidad y a la densidad". Mientras que el periodista Graham Reid simplemente consideró a la canción como "una joya del Pop".

Es que la canción fue todo un éxito a nivel mundial. En Estados Unidos, "Jet" logró escalar al lugar #7 del Billboard Hot 100 en Marzo de 1974. Mientras que en el Reino Unido, esta pieza Pop logró llegar al séptimo lugar en los charts.

Les dejaos esta canción, que sirvió de mucha inspiración a otros artistas que vieron en "Jet" una buena forma de hacer Pop serio o tambien para recorrer el mundo como un estandarte, ya que la banda australiana "Jet" le debe su nombre a esta hermosa canción..
Que la disfruten!!.

BAD GIRLS / DONNA SUMMER

"Bad Girls" es una canción de la cantante norteaericana Donna Summer, que fue lanzada como single en Julio del año 1979, obteniendo gran popularidad en las radios y logrando gran aceptación de la crítica que la pusieron en el trono como la reina de la música disco, en ese entonces.

La canción fue puesta en libertad con el fin de promocionar el disco, tambien titulado, Bad Girls, el cual logró muy buenas críticas y es, hasta estos días, su dsco mas exitoso de su extensa carera musical.

Se cuenta que la inspiración de esta canción vino en 1977, cuando Summer estaba redactándole una carta a su secretaria personal y en un "break" esta inocente niña le empezó a contar a la cantante una anecdota bien rara. La anecdota de la secretaria, era que unos días atras, mientras esperaba un taxi a altas horas dela noche, un policia la ofendió fuertemente cuando la quería llevar presa tras confundirla con una prostituta.
Summer, que puso al parecer mucha atención, tomó muy en cuent esas palabras d esu secretaría y en un, dos por tres se le ocurrió una idea para escribir una canción bajo el título de "Bad Girls".

Con la idea "fresquita", Donna decidió trabajar la canción con Bruce Sudano, que años despues sería su pareja, para que este le hiciera todo lo que tiene que ver con arreglos musicales.
Sudano, que era miembro de la banda Brooklyn Dreams, citó a sus compañeros Eddie Hokenson y Joe Esposito para grabar la música de la canción. Al parecer estaba naciendo un nuevo hit...

Luego de ensayar la canción y hacer uno que otro arreglo a la melodía, la banda y Donna Summer se dirigieron a los estudios de grabación Casablanca Records, que estaba dirigida por Neil Bogart.
Al escuchar la canción, Bogart no quedó muy a gusto ya que la encontró muy rockera y no calzaba con el estilo msuical que Donna venía haciendo en sus singles anteriores. Para el jefe, esta canción no tenía mucho futuro y le sugirió a Summer que se la cediera a Cher, ya que se adaptaba mas al estilo musical de esa eterna y super-operada cantante. Finalmente, Donna Summer se negó a vender su canción, asi que pescó la cinta y se la llevó a su casa...

Un año despues, mientras la cantante preparaba su séptimo disco en los estudios Casablanca, el productor Steve Smith se dió cuenta que aún había espacio para agregar una canción mas al disco. Fue en ese momento donde Donna Summer se acordó de "Bad Girls" y decidió ir en busca de esa cinta para agregarla a su LP.
El otro productor, el señor Giorgio Moroder, quedó impactado con esa canción y decidió colocarla en la lista de posibles singles para el disco.

Finalmente la canción fue el segundo single que promocionó el disco. El primer corte fue "Hot Stuff", que fue todo un hit a nivel mundial y dejó a Summer en la cima de la música disco con un sonido bien rockero.
Luego vino el turno de "Bad Girls", que siguió en la misma linea de su antecesora logrando entrar al primer puesto del Billboard Hot 100, donde se mantuvo por casi 5 semanas. Además tuvo un exito muy similar en el reino Unido, donde la canción llegó a la casilla #14 del chart.
Y pensar que la encontraban muy rockera...
Que la disfruten!

SILENCE IS GOLDEN / THE TREMELOES

"Silence is Golden" es una canción de la banda británica The Tremeloes, que fue lanzada como single en Mayo del año 1967 obteniendo gran popularidad en gran parte de Europa y Norteamerica, donde quedó en los primeros lugares de los rankings y eran tocado casi todos los días en las radios.

Esta canción fue escrita por el compositor y cantante Bob Crewe y Bob Gaudio, que era integrante de la banda The Four Season. Esta agrupación grabó "Silence is Golden" para el lado B de su hit "Rag Doll" en 1964, logrando una aceptable popularidad en los charts con ambas canciones.

El titulo de la canción viene derivado de una metadora muy usada para estimular el silencio entre la gente. Dicha frase que da titulo a esta hermosa canción está inspirado en una famoso dicho suizo escrito en alemán: "Sprechen ist silbern, Schweigen ist golden" (en español sería algo como: "el ruido es plata, el silencio es oro").

Luego del éxito de esta canción como single en los Estados Unidos por parte de Frankie Valli and the Four Seasons muchas bandas emergentes empezaron a interpretar la canción, pero ninguna con tanto éxito como la versión original.
Por ese entonces, en algun lugar de Londres estaban actuando en un teatro una banda llamada The Tremeloes, que había cosechado una respetable popularidad en los años anteriores gracias a su gran capacidad de crear buenos "covers".
Una tarde de 1967, mientras formaban parte de una exitosa gira junto a The Hollies, Los Tremeloes le presentaron a sus fans su versión de "Silence is Golden", con el fin de mostrarle a la gente como el guitarrista Rick West se las podía con el inconfundible falsete. La interpretación de la canción les salió fenomenal, y el publico los ovacionó de pie. Los integrantes de la banda quedaron impactados con tal recibimiento y decidieron grabarla inmediatamente para que logren algo de fama. En ese momento apareció Tony Hicks, integrante de The Hollies, que les dijo sorpresivamente: "Es un buen tema, tienen que ir a grabarlo". El hit ya estaba hecho...

Luego de lanzar la canción como single, no tardó muchos días en llegar al puesto #1 del UK Singles charts, copando todos los medios con sus voces a coro en esa impresionante melodía.
Por si fuera poco, la banda logró gran popularidad en Estados Unidos, donde su versión de "Silence is Golden" llego al puesto #11 del Bilboard Hot 100 y además recibió un disco de Oro por las ventas.

Una canción épica para la banda sonora de los 60's. Impredible!
Que la disfruten!

BONUS TRACK: ALGUNAS SABROSAS ANECDOTAS DEL BUEN ROCK

ALGUNAS BUENAS ANECDOTAS DE LA HISTORIA DEL ROCK

Jane Clean, una empleada del Chicago stadium, contó a un medio de comunicación una anécdota delirante sobre Bob Dylan. Tras un concierto, Jane fue llamada a los camerinos. Allí se encontró a Bob Dylan chillando porque alguien había vomitado sobre su chaqueta. Acto seguido entró allí su madre dándole la noticia de que se había casado en segundas nupcias. Al presentarle a su nuevo padrastro, Dylan reconoció al hombre que minutos antes se había desnudado entre el público. Bob, desesperado, clamó: "Qué familia tengo, mi padrastro un exhibicionista, mi madre una histérica menopáusica, éste me jode la chaqueta. Ya sólo me falta que un hijo se me haga de la John Birch Society" (asociación megaconservadora norteamericana que se declaraba anticomunista y se oponía a la afiliación de Estados Unidos a la ONU)



Brian Poole , el lider de la banda de Pop británica The Tremeloes , decidió dejar la banda cuando estos estaban en la cresta d ela ola de su fama, debido a la popularidad de su canción "Silence is Golden", que había llegado al número 1 del UK Singles charts.
Gustoso de la fama de la banda y todo el dinero y la popularidad que había logrado, Poole decidió dejar la banda para tirarse a la piscina musical como solista.
Su carrera en solitario fue un desastre y terminó atendiendo una carniceria que había puesto en su barrio con las ganancias del single ya mencionado...



John Lennon siempre se declaró un fanático admirador de Chuck Berry. Tanto fue su amor por la música de Chuck, que tomó prestado un verso de la canción "You can't catch me" para incluirla en la lírica de su canción "Come together" . Pero tal homenaje no le fue muy admirado por los administradores de la discográfica de Berry, ya que demandaron al Beatle por unos cuantos cheques que contenían una gran cantidad de cero detras de las cifras.


Quizás no lo sabían, pero existe una banda estadounidense llamada Beatallica, que se dedica a mezclar canciones de Metallica con canciones de The Beatles. Con su sonido muy peculiar y a la vez sorprendente para los fans de ambas bandas, esta agrupación logró ser muy respetada en la escena del heavy metal de Estados Unidos siendo llevada a telonear a varios pesos pesados del rock.
Todo iba bien hasta Febrero del año 2005 la empresa Sony/ATV Music Publishing, compañía que tiene los derechos de autor de todas las canciones de los Beatles, les anunció que debían cesar de su página web, donde los fans podían bajar los singles de la banda, debido a que incurrían en un delito de Derechos de autor. Ese si que era lío...
Pero la banda no sabá que uno de sus fans era Lars Ulrish, baterista de Metallica, que al saber sobre el trágico acontecimiento decidió darle apoyo legal a Beatallica y por ende salvarlos de una demanda millonaria.
Luego de varias reuniones con los gerentes de Sony, Ulrish y los integrantes de la banda lograron un acuerdo con la casa discografica junto a Oglio Records, para grabar el álbum "Sgt. Hetfield's Motorbreath Pub Band". Un clasicón!

NO NO SONG / RINGO STARR

"No No Song" es una canción del popular cantante y ex-baterista de The Beatles, Ringo Starr. Esta canción fue lanzada como single el 25 de Enero de 1975, solo para ser promocionado en Estados Unidos.

La canción pertenece al aclamado disco "Goodnight Vienna", con el cuál Ringo logró escalar al octavo puesto en las listas estadounidenses y en pocas semanas ya tenía en manos un disco de Oro por las exitosas ventas.

Esta canción fue escrita por Hoyt Axton, estrella de la música Country y contó con la colaboración musical del bajista David Jackson.
"No No Song" fue grabada originalmente por Axton, pero no tuvo mucho éxito y paso sin pena ni gloria por los charts de America del Norte.
En la canción, Hoyt nos relata, mediante una mirada humoristica y simpática, la historia de alguien que constantemente le ofrecen distintos tipos de drogas y este simplemente las rechaza, aunque le dé un bajón.
Es por ello que dentro de la letra se puede escuchar breves descripciones sobre la marihuana colombiana, la cocaína española y el moonshine oriundo de Tennessee, el cual es un destilado que deja una resaca solo para valientes.
La canció trata de manera irónica los problemas corporales y mentales a causa del abuso con drogas, por parte de Axton, en una de su épocas mas oscuras.

En su versión, Ringo hace una versión mas Pop del tema, adecuandolo al sonido que estaba de moda en los 70's. Además incluye la participación en los coros del famoso cantante Harry Nilsson y en teclados del talentoso Nicky Hopkins. Ah!! y tambien tuvo la colaboración del mismísimo Hoyt Axton, que fue a visitar los estudios mientras Ringo grababa parte del que seria su cuarto disco como solista.

Sobre esa importante visita, Ringo señaló en una entrevista del año 2007 para la revista Time, que Axton fue uno de los invitados mas memorables que ha pasado por uno de sus discos. El baterista recordó esas sesones como "algo intenso" y mencionó que "siempre que grababa un disco, Axton llegaba con una gran cantidad de porros y un Botellón de Jack Daniel's. " Se nota que no la pasaban nada de mal ese par...

"No No Song" en voz de Ringo, llegó a la tercera posición del Billboard Hot 100 y quedó para siempre como una de las obras musicales mas representativas en la carrera en solitario del que fuera baterista de una de las bandas de rock mas representativas a nivel mundial.

Que la disfruten!!

ANNIE'S SONG / JOHN DENVER

"Annie's Song" es una canción del cantautor estadounidense John Denver, que fue lanzada como single en Junio de 1974 y fue incluída dentro del disco Back Home Again.

Esta canción es una de las piezas musicales mas recordadas de este artista que perdió la vida un 12 de Octubre de 1997 a causa de un accidente aereo.

La historia de "Annie's Song" es muy particular ya que es un poema escrito por Denver para su futura esposa, Ann Martell.
Todo comenzó en sus vacaciones previas a su matrimonio, donde John y Ann fueron a divertirse en un centro de esquí en Suiza. Cabe señalar que el cantante era un fanático de los deportes en la nieve y de vez en cuento sacaba sus ganas de esquiar en alguna parte del mundo.
En un momento de su paseo, Denver decidió subirse a un elevador que transportaba a los esquiadores sobre la nieve y al contemplar el hemroso paisaje lleno de montañas, empezó a pensar en su novia, con la cual habían pasado unos días malos a causa de una pelea verbal, digna de cualquier pareja.
Por medio de esos bellos colores y esos interesantes sonidos de la naturaleza, Denver empezó a tomar nota sobre las frases que se le venian a la mente y en los casi 10 minutos que duró el viaje en elevador, ya tenía lista "Annie's Song".

Con "Annie's Song" , Denver logró crear, basado en su historia, una canción popular para todo ser humano que esté a punto de contraer matrimonio. La canción pasó a ser una expresión universal para el amor fiel y de pareja, que en mas de alguna ocasión sirve de ayuda para la conquista o la reconciliación en la vida amorosa de todo ser humano.

Esta preciosa balada fue la segunda canción de Denver en llegar al número 1 del Billboard Hot 100, donde estuvo posicionada por casi dos semanas en Julio de 1974.
De la misma forma, la canción logró llegar al primer lugar de UK Singles charts, siendo el primer hit de Denver en tierras británicas, algo épico en su carrera musical.

Les dejamos esta preciosa balada romantica que de seguro a mas de algun lector le traerá uno que otro recuerdo de su juventud o de alguna "pololita"por ahí...
Que la disfruten!!!

YOUNG LUST / PINK FLOYD

"Young Lust" es una canción de la banda británica Pink Floyd, que forma parte del repertorio del aclamado disco The Wall, publicado en Noviembre de 1979 y que con el tiempo fue considerado por muchos como uno de los discos mas importantes en la historia del Rock.

Esta canción fue escrita por David Gilmour y Roger Waters, y fue cantada de forma magistral por el guitarrista. De hecho esta fue una de las tres canciones donde Gilmour ayudó en la composición a Waters ("Run Like Hell" y "Comfortably Numb" fueron las otras), el resto del disco quedó en manos del entusiamado bajista, que tenía la idea bien clara de como tejer esta historia.

"Young Lust" tiene un sonido distinto dentro del disco, y que está mas cercado a los poderosos acordes del Hard Rock, uno de los estilos musicales que la banda ya venía experimentando en la canción "The Nile Song", que pertece a la banda sonora de la cinta "More".
En cuanto a la lírica, la canción contiene una critica a las estrellas del rock and roll que creen por ser estrellas de la faradula deben vivirr una grotesca vida amorosa, donde las groupies son el plato principal despues de cada conierto.
Waters y Gilmour dejan en claro en esta canción su repudio a ese cliché comercial de sexo desenfrenado y rock and roll, que solo es usado dentro del rock para generar dinero, modas y que la juventud crea que el rock es una fiesta donde nadie debe pensar, dejando de lado el mensaje de las letras y la msión de hacer reflexionar al público con una prosa melódica.

El mensaje de la canción se puede ver reflejado en las escenas de la película "The Wall", donde "Pink", protagonista de la cinta, producto de su fama en la escena del rock y las contantes giras lleva un exigente estilo de vida. En la cinta se puede ver un grupo de mujeres que van a una fiesta, en la cual estaba Pink.
Finalmente el protagonista invita a una de esas "Groupies" a su habitación, ya que sexualmente estaba "acumulado" debido a los varios meses sin ver a su esposa por culpa de las giras.

En el libro Classic Rock Stories, del periodista Tim Morse, el capo Roger Waters dijo sobre esta canción: "Trata sobre esas personas que pasan todo el tiempo sentado mirando peliculas y revistas porno". La hizo corta el bajista...

Le dejamos esta increible canción, llena de riffs y que ha sido un emblema del hard Rock, aunque su letra critique a la mayoria de los cultores de ese ritmo.
Una canción fenomenal en un disco historico....
Que la disfruten!!!

JOKERMAN / BOB DYLAN

"Jokerman" es una canción del cantautor estadounidense Bob Dylan, que fue publicada dentro del repertorio del disco Infidels, lanzado al mercado el 27 de Octubre de 1983.

Este disco marcó la carrera musical de Dylan, ya que trataba temas religiosos (Dylan en esos años de había hecho cristiano), pacifistas, letras llenas de filosofía mezcladas con una gritica social y geopolítica que dejó a muchos criticos con la boca abierta.
Con la producción de Mark Knopfler (líder de Dire Straits), este disco se convirtió en
el primer trabajo discográfico de Dylan que fue grabado en su totalidad con la mas alta tecnología digital.

La canción que da la bienvenida al disco, es "Jokerman". Una canción influenciada por los ritmos caribeños que el músico pudo escuchar en su estadía en el Caribe, a bordo de su yate privado.
Dylan quedó muy impresionado por la complejidad de los ritmos musicales que se hacían en esa zona, y toda la energía positiva que transmitían a la gente. Uno de los estilos musicales que más le impactó al poeta ,en su visita a esa zona del mundo, fue el reggea - cuyos próceres eran Bob marley y Peter Tosh- y su sentimiento original basado en la filosofía de vida impregnada en el entorno rastafari, que estaba muy ligado, en sus ideas, al judaísmo y el cristianismo.
Dylan, que por esos años se había hecho un fans del cristianismo, encontró en el reggea una buena herramienta musical para liberar sus ideas sobre los mensajes de la Biblia y las lecciones que debemos sacar de esos escritos sagrados para no caer en el casillero de los Infieles.

El resultado de ambas experimentaciones fue "Jokerman", una canción a ritmo de reggea, aunque no en todo su esplendor, pero con una experimentación interesante donde debe resaltar el mensaje de la letra.
"Jokerman" trae diversos pasajes de la Biblia y uno que otro mensaje sobre la vida, pero tambien trae al Dylan rebelde, ese de antaño, ya que la letra en el fondo va dedicada a esos personajes populistas que sólo se preocupan de los superficial, y que creen que con una sonrisa o con donar dinero a una obra de caridad ya se han ganado el cielo y la vida eterna.
Dylan recalca que las personas deben pesar por medio de la complejidad, y con eso puede hacer que las cosas cambien y no se influenciados por actos simples.
Muchos críticos han mencionado que "Jokerman" va dirigida a los manipuladores de las masas, a esos personajes que dicen creer en Dios pero por detras tiene mas pecados que un confesionario. Incluso, algunos periodistas especializados juran "de guata" que esta canción fue escrita con muchos desprecio para Ronald Reagan... Ojo que con Bob nunca se sabe

Esa mezcla entre los personal y los místico hace de "Jokerman" una canción interesante, donde Dylan se recicla de la nada y nos trae un potente mensaje que muchos políticos y agentes sociales actuales debieran leer y escuchar.

Que la disfruten!!

IT'S ONLY LOVE / THE BEATLES

"It's Only Love" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue publicada en 1965 dentro del repertorio del disco Help!, mientras que un año despues fue publicada en Norteamerica dentro del Lp Rubber Soul.

"It's Only Love" fue escrita en su mayor parte por John Lennon, quien la tituló en primera instania como "That's A Nice Hat". Días despues de escribir parte de la letra y la música, Lennon se dirigió a la casa de, su amigo y compañero de banda, Paul McCartney, ubicada en Weybridge, para lograr nuevos arreglos musicales y depurar algunas frases.

El 15 de Junio de 1965, The Beatles registraron esta canción en los estudios Abbey Road, su base musical. Fueron necesarias seis tomas, aunque cuatro de esas contenían la canción en su totalidad de minutos.
En la sexta toma, Lennon cantó con su voz doblada, para lograr un efecto sonoro de muy buena calidad.
En esa toma, Harrison decidió darle un efecto a su guitarra electrica utilizando un altavoz Leslie giratorio, logrando un deslumbrante efecto sonoro.
Mientras tanto, Ringo Starr fue el encargado de poner la percusión al tema, dandole a la canción una parte de batería muy particular, que luego retomaría en la canción "In My Life".

Aunque muchos fanáticos encuentran que la canción es una joya para el autor de la "rola", el señor John Lennon, esta canción se convirtió en un problema.
En una entrevista con el periodista inglés Ray Connolly en los 70's, Lennon mencionó que "es la única canción de la cual me siento avergonzado. Sus rimas y su asquerosa letra. Incluso, fue tanta la verguenza por la letra que caspi no la podía cantar. Realmente es una canción que jamás debí escribir".

Meses despues, al ser consultado por el mismo tema en una entrevista para la revista Hit Parader, John simplemente se limitó a mencionar: " Odio es canción. Su letra es terrible". Además añadió que es una de las canciones que menos le gusta de su etapa como Beatle.

Por otra parte, Paul McCartney, quien comparte creditos con Lennon en la canción, fue un poco mas tolerante en una entrevista para su biografía: Paul McCartney: Many Years from Now, al ser consultado por esta canción: "A veces no teníamos que luchar tantosiempre que la letra saliera de forma fácil. De esa forma haciamos una que otra canción de relleno para los discos, como It's Only Love. Si la letra era mala, simplemente parabamos el ensayo y la editabamos, porque simplemente eran piezas de rock and roll, no hacíamos literatura".

Palabra Beatle... Que la disfruten!!!

BONUS TRACK: VICTOR JARA, A 37 AÑOS DE SU MUERTE

En estos días donde le patriotismo sale a flote, donde la televisión "raya la papa" con el bicentenario, los niños se visten de los Libertadores y los políticos sacan a relucir todas sus metáforas de balnco, azul y rojo, la gente prefiere dejar en el olvido ciertos momentos históricos que nos dejan en el fondo de la crueldad.
Hace 37 años, especificamente un 16 de septiembre de 1973, en una sala del Estadio Chile el cantante y director teatral Victor Jara era asesinado en manos de soldados del ejercito de Chile simplemente por pensar distinto y porque sus canciones tenian mas peso que sus balas y sus podridas marchas.
Quizás los medios de comunicación mañana no den nada sobre este triste acontecimiento, quizás los políticos sigan dandole como bombo en fiesta a su Bicentenario y los cantantes sigan ensayando sus falsas tonadas, pero en este blog no olvidamos a un músico que encontró la muerte por su forma de pensar pero que quedó en el cancionero mundial por sus grandes canciones que jamás las sucias balas callaran.
Les dejamos un historico relato de uno de los prisioneros que vivió la agonía de Victor Jara esos días de Septiembre en el Estadio Chile, sacado de la web "patriagrande.net".

“Cuando me detuvieron, me llevaron al Estadio de Chile. Fue por la tarde del 12 de septiembre. Alli ya habian muchos prisioneros. Junto con otros presos nos ordenaron ponernos en fila con las manos en la nuca. Uno de los prisioneros era Victor Jara. Varios soldados se animaron: “Aqui esta el cantante Jara...”. Pero el oficial les cortó:"Este señor quiere pasar por otro. Es un lider extremista". Esa calificacion era suficiente para justificar el asesinato. Poco despues a Victor y a mi nos separaron de otros prisioneros y nos metieron en un pasillo frio. Estuvieron pegandonos desde las siete de la tarde hasta las tres de la madrugada. Nos encontrabamos tumbados en el suelo sin poder movernos. Estabamos aislados de otros presos politicos. A eso de las tres de la madrugada vino un teniente que me invito a sentarme. Empezo a preguntarme sobre Allende y me tendió un cigarrillo. Fumé. Mientras tanto, Victor seguia tendido en el suelo. Le entregue la mitad del cigarrillo, puesto que el teniente no quiso dar otro a Victor. Casi tres dias estuvimos juntos Victor y yo en el Estadio de Chile. A nosotros casi no nos daban de comer. Engañabamos el hambre con agua. Victor tenia la cara llena de moretones y un ojo cerrado por la hinchazon. Conversamos mucho en ese tiempo, Victor me hablo de su familia, de su mujer y sus hijas a quienes queria mucho, de sus espectaculos en el teatro y de las nuevas canciones que soñaba hacer... En el mismo estadio donde nos tenian presos, a Victor le habian aplaudido cuando gano el concurso de la Nueva Cancion Chilena.

Victor se mostraba pesimista respecto a su destino. Pensaba que no saldria de alli. Traté de animarlo. Aunque presentia su proxima muerte, seguia siendo el de siempre. Se portaba con valor, con dignidad, no pedia gracia a sus torturadores...” “Pronto empezaron a trasladar urgentemente a los prisioneros al Estadio Nacional donde a los militares les era mas facil controlar la situacion. En el ultimo grupo formado para ir al Nacional estabamos Victor y yo. En total eramos unas cincuenta personas. De pronto aparecio el comandante Manrique, recorrió la fila y ordeno a salir a Victor Jara, Litre Quiroga, conocido jurista y comunista, y a mi.
-Llevenlos abajo -dijo. “Yo sabia que ‘abajo’ nos esperaba la muerte. Alli tenian habilitada una camara, en lo que habia sido guardarropia y varios baños. Muchos de nuestros compañeros fueron llevados alli, pero nadie volvió. Una vez que me condujeron al interrogatorio y, al pasar, vi un monton de cadaveres, de cuerpos masacrados y desmembrados. Luego sacaban los cadaveres en camiones y los dejaban tirados en la calle.
“‘Abajo’ nos metieron a Victor y a mi en un mismo baño. En el baño vecino estaba Litre Quiroga. Victor y yo comprendimos que no teniamos salvacion: eramos los ultimos prisioneros del Estadio de Chile. Pero inesperadamente se dio la orden de que yo saliera. Victor y yo nos despedimos en silencio, con una sola mirada. Me llevaron a un camion blindado con el motor en marcha, me metieron dentro y cerraron la puerta. El camion estaba lleno de prisioneros. Asi fui a parar al Estadio Nacional. Solo estando alli comprendi porque no me habian dejado con Victor en la camara de condenados a muerte. Al verme entre los recien llegados, un coronel de carabineros me nevió a una sala de torturas donde me querían sacar información sobre Allende.

“Luego supe que el cuerpo de Victor habia sido descubierto cerca del cementerio Metropolitano y el cadaver de Litre Quiroga, en una calle de Santiago. Naturalmente, los militares mataron aquella misma noche a los dos prisioneros que quedaban en el Estadio de Chile y luego arrojaron sus cuerpos en la ciudad para que pareciera que habian muerto en un tiroteo callejero...”
(Relato de Danilo Bartulin, médico particular del presidente Salvador Allende)

KNOCK ON WOOD / EDDIE FLOYD

"Knock on Wood" es una canción del cantautor estadounidense Eddie Floyd, que fue todo un suceso en los charts al ser lanzada como single el año 1966.

Esta canción marcó la carrera musical de este gran cantante que venía de Alabama con las ganas de triunfar en la escena Pop y quedó en la historia de la musica sesentera con este tremendo hit.

La historia cuenta que "Knock On Wood" fue escrita en 1965 por Eddie Floyd y el guitarrista Steve Cooper, que por esos años trabajaba para Stax Records. Ambos músicos dieron vida a esta canción en una habitación del Lorraine Motel, lugar que pasaría tristemente a la historia mundial a inicio de Abril de 1968, cuando en uno de sus balcones Martin Luther King Jr. fue asesinado por un idiota que creía que las razas hacían la diferencia en el mundo.
Según Floyd, esta canción fue escrita mientras la ciudad era "atacada" por una tormenta, es por ello que en la letra existen referencias a rayos y truenos.

Un año despues de escribir el tema, Floyd decidió presentarle la canción a Jim Stewart, presidente de Stax, para ver si le daban una oportunidad para lanzar su carrera como solista.
Stewart quedó maravillado con la canción y dijo que tenía un parecido musical con "In the Midnight Hour" de Wilson Pickett, que por eso días era un hit en esas tierras. Ese gancho de furia soul, era una caracteristica perfecta para captar al publico en todo su esplendor.
La idea de Stewart era que la canción debía esperar a que el hit de Pickett empezara a bajar en los charts, para que Eddie Floyd diera la sorpresa y atacara con la misma moneda a los charts.
Lo que no sabía el presidente de Stax Records, era que Pickett y Floyd eran viejos amigos, ya que ambos pertenecieron a las filas del grupo vocal The Falcons, con el cual alcanzaron algo de fama a inicios de los 60's.

Luego de grabar la pieza, la canción estuvo casi dos semanas sin llegar a los primeros lugares de los charts, pero luego de hacer mucha promoción en los medios de comunicación, llegó al puesto #8 del Billboard y a la casilla #29 del UK Singles charts, conviertiendose asi en una pieza clásica de la música sesentera.

Que la disfruten!!!

BEAUTIFUL BOY (DARLING BOY) / JOHN LENNON

"Beautiful Boy (Darling Boy)" es una canción del músico inglés John Lennon, que fue lanzada como single el 17 de Noviembre de 1980 y fue incluída dentro del repertorio del famoso disco Double Fantasy, que sería el ultimo LP que lanzaría en vida el ex-Beatle, ya que eses despues moriría asesinado por un supuesto fanático.

John Lennon le escribió esta canción a su hijo Sean, que fue fruto de su relación con su amada Yoko Ono.
En esos días, John observaba que su hijo no dormía bien, especialmente por que pasaba largas nochs en vela a causa de pesadillas. La solución estaba en hacer una canción reconfortante y que dejara a su hijo en los brazos de Morfeo cada noche. Para ello, John pescó su guitarra y empezó a escribir ua canción donde describe todo el amor que siente por su hijo y la alegría de que él estuviera ocupando un espacio en ese hogar.

Esta canción se caracteria por tener varias frases para el bronce, las cuales muchas veces han sido utilizadas en alguna que otra página o anuncio publicitario.
Por ejemplo, dentro de la letra de "Beautiful Boy (Darling Boy)" está presente la popular frase de Lennon: "Life is what happens to you while you're busy making other plans", que ha sido una de las frases mas aplaudidas del repertorio del ex-Beatle.

Otra frase curiosa dentor de la canción es aquella que dice: "Every day and in every way I am getting better and better" que pertenecía a un famoso mantra popularizado por de psicólogo y farmacólogo francés Emile Coue, que hacía repetir una y otra vez a sus pacientes durante el proceso de la psicoterapia.
Muchos han especulado que esa frase tambien tiene un mensaje para su amigo Paul McCartney, ya que haría un guiño a la canción "Getting Better", de la cual Lennon se sentía muy atraido ya que la encontraba una pieza de rock bastante irónica para el repertorio Beatle. Quizás en una de esas, Lennon había tomado algo de la filosofía de "Macca" al creer que la vida es simplemente un momento para sentirse mucho mejor.

En la parte final de la canción, John Lennon canturrea "Good night, Sean. See you in the morning. Right again", que es una frase ya usada en otra composición del artista llamada "Good Night", que fue cantada por Ringo en el final del "Album Blanco", uno de los íconos musicales de The Beatles. Cabe señalar que "Good Night" fue una canción que Lennon le escribió Julian Lennon, su primer hijo que fue producto de la relación que mantuvo con Cynthia Powell.

Una fantástica pieza musical "made in Lennon", de esas que llegan al alma con su simpleza pero con una caja de emociones que nos deja a gusto, ya que su talento no era solo la rebeldía del rock, la busqueda de la paz mundial sino que tambien el gusto de dejarnos un mensaje de vida, que aunque hayas tenido un problema de infancia, aunque te hayas sentido solo, jamás repitas la historia, sino que trata de romperla y darle a esos nuevos ciudadanos del mundo un abrazo agradable y emotivo, o sea que se sientan como en casa...

Que la disfruten!!!

TELL HER NO / THE ZOMBIES

"Tell Her No" es una canción de la banda británica The Zombies, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1964, siendo una de sus piezas musicales mas recordadas y puesta en una que otra recopilación de musica sesentera.

"Tell Her No" fue escrita por el talentoso tecladista y vocalista Rod Argent, dueño de un talento interesante, donde dejaba muy en claro su gusto por el Jazz y la experimentación que hacía con ese estilo musical para adecuarlo al Pop común y corriente que se daba en plena época de la invasión británica.
Si hubo una caracteristica escencial que hizo de esta banda una de las agrupaciones mas aclamadas en los 60's, fue su calidad en las composiciones, donde cada mínimos detalle era cuidadosamente arreglado y depurado, con el fin de lograr un producto musical aceptable para cualquier oyente.
Esto se puede oír en la música de "Tell Her No", que está inspirado en el estilo que practicaban Los Beatles, que en ese entonces eran los dueños de los charts y tenían al mundo bailando con cada una de sus melodías.
En "Tell Her No", el quinteto inglés experimenta con una armonía perfecta, llena de detalles complejos e interesantes en cada momento. Asi como tambien logró ser una pieza con ritmo pegadizo y muy emocional.
Como dato curioso, dentro de la letra se repite 65 veces la palabra "No"...

La letra de la canción nos habla de un hombre que rechaza todos los comentarios que aparecen sobre su chica, a la cual muchos tratan de ser una mala mujer debido a que engaña a sus espaldas a su pobre y humilde novio. De ahí vienen las 65 repeticiones de la palabra "no", que son la mejor defensa de este pobre ser humano...

Con esas caracteristica, la canción "pintaba" para ser un hit mundial, pero si había algo que hizo famosa a esta banda fue un situación bastante particular. Resulta que en el Reino Unido eran casi unos desconocidos y con suerte entraban en el Top 20 de los charts, mientras que en Norteamerica eran grito y plata, logrando colocar varios hits en el Billboard.
"Tell Her No" mantuvo esa racha, ya que llegó a la posición # 6 en el Billboard Pop Singles Chart y fue uno de los tres grandes éxitos (junto a la magistral "She's Not There" y "Time of the Season") que The Zombies dejó para la eternidad.

Que la disfruten!