IN THE SUMMERTIME / MUNGO JERRY

"In the Summertime" es una famosa canción de la banda britanica Mungo Jerry que fue lanzada en 1970.

Fue escrita por Ray Dorset (el lider de la bada)y trata sobre celebrar los días de veranos sin preocupaciones.
Esta pegajosa canción llegó a alcanzar la posición N º 1 en los rankings de todo el mundo (por ejemplo, estuvo siete semanas liderando los pedidos en el Reino Unido),fue # 1 durante 2 semanas en Canadá y # 3 en el Billboard Hot 100 en los EE.UU..
Es considerado, por muchos, como uno de los singles mas vendidos de la historia musical por sus 23 millones de copias vendidas.

Lo mas curioso del single lanzado en el Reino Unido, era que estaba en formato de 33 rpm (puesto que generalmente los singles eran de 45 rpm. Esto lo hicieron para que el precio del single tenga un precio razonable para el publico. Igual se lanzaron al mercado pequeñas cantidades de discos de 45 rpm simplemente para su uso en Jukeboxes lo que hoy en día es una pieza de colección para los fans y melómanos del mundo entero.

Como ya hemos leido, esta canción fue todo un exito y es por ello que diversos artisas han decidido hacer "cover" de esta pieza musical.
Por ejemplo, en 1993 el cantante Shaggy lanzó el single con esta canción para promocionar su disco Bombastic. Esta versión fue un éxito en varios países y llegó a los 10 primeros lugares en el Reino Unido (# 5) y los EE.UU.(# 3).
Shaggy se dió el lujo de cambiar una estrofa de la canción con el fin de reflejar los valores de hoy en día. En la versión de Mungo Jerry, la letra alienta a las personas a "tomar una copa en un coche ..." mientras que Shaggy dice "voy a viajar en coche y ..."
Irónicamente, la parte correspondiente a la grabación original se utilizó en la televisión británica de 1992, para los anuncios del servicio público de advertencia a los televidentes a no conducir bajo los efectos del alcohol...

Bonus Track: La versión de Shaggy:

STRANGER IN THE NIGHT / FRANK SINATRA

"Strangers in the Night" es una popular canción de Frank Sinatra editada en 1966. Fue escrita por Charles Singleton y Eddie Snyder, mientras que fue Bert Kaempfert quien hizo la música de este popular hit.
Esta canción fue cantada especialmente por Ivo Robic para el festival de música en Split, Croacia. Robic más tarde harpia una versión en alemán ( "Fremde in der Nacht", letra de Kurt Felitz) y en croata ( "Stranci u Noci", letra de Marija Renota).

Bert Kaempfert hizo los arreglos instrumentales para la versión de Sinatra, sin embargo, esta adaptación fue llevada ante los tribunales en 1966 por el compositor Ralph Chicorel, quien afirmó que varios de esos arreglos era una vil copia a su canción "You Are My Love".
Al final, este caso fue resuelto fuera de los tribunales después de varios años. Pero Chicorel todavía sostiene que "la verdadera justicia" no ha dado los resultados correctos.

La canción llegó a alcanzar el número uno en la Billboard Hot 100 y en el Easy Listening, ademas el titulo de la canción fue usado para titular en 1966 el álbum mas famoso que grabó "La Voz" y que se convertiría en un éxito comercial.
La canción también alcanzó el número uno en el Reino Unido y ademas esta grabación de Sinatra ganó el premio Grammy en la categoria Mejor Voz Pop Masculina y por el Disco del mismo nombre que esta clasica balada.

Sin embargo, estamos frente a una de las más memorables y reconocibles canciones donde llama la atención cuando canta bajo la melodia un reconocible "doo-be-doo-be-doo", mientras la canción se desvanece. Esto inspiró el nombre del dibujo animado Scooby Doo (un famoso can). Asimismo, el desvanecimiento de la canción se hizo demasiado pronto, y muchos aficionados lamentan el hecho de que la improvisación Sinatra tiene muy poca duración. Pero en una compilación de sus exitos se publicó una versión de este tema remasterizado con nueve segundos extras para esccuhar y disfrutar esa gustosa improvisación vocal.

La canción fue grabada el 11 de abril de 1966, un mes antes que el resto del álbum. Extrañamente, la grabación contiene algunos ruidos extraños y fuera del tono, estos se pueden oir notoriamente en los tiempos 1:05-1:06 en el canal izquierdo. En la versión del disco se eliminó ese error y en las versiones actuales en formato CD se ha arreglado dicha parte digitalmente.

EXTRAÑOS EN LA NOCHE

Extraños en la noche intercambiando miradas
Preguntándonos en la noche
Cuales eran las posibilidades de que estuviéramos
Compartiendo el amor antes que la noche se acabara

Algo en tus ojos era tan atrayente
Algo en tu sonrisa era tan excitante
Algo en mi corazón
Me dijo que debía tenerte

Extraños en la noche
Dos personas solas
Éramos extraños en la noche
Desde ese momento
Cuando dijimos nuestro primer hola
No sabíamos que
El amor estaba a una mirada de distancia
Y a un baile apretado y cálido de distancia

Y desde la noche que hemos estado juntos
Enamorados a primera vista, enamorados pos siempre
Resulto tan bien
Para unos extraños de la noche...

ONE PIECE AT A TIME / JOHNNY CASH

"One Piece at a Time" es un humoristico rockabilly escrito por Wayne Kemp y grabado por Johnny Cash en el año 1976.

La canción nos cuenta una historia basada desde el punto de vista de un trabajador residente en Detroit que trabaja en una línea de producción de autos Cadillacs de la cual se robaba partes para hacerse uno para él.
Llega a tal punto que decide robar un Cadillac, para evitar ser descubierto en la fabrica. El trabajador se camufla en la clandestinidad , mientras que las piezas que vendía las llevaba al contrabando a través de su amigo de la casa móvil. Muchos años después, finalmente logra su objetivo, aunque su soñado vehiculo tenia una extraña forma: fue creado a partir de piezas que pertenecian a muchos modelos diferentes de Cadillacs (modelos de 1949 a 1973), y tuvo que poner mucho esfuerzo y temperamento para lograr encajar las piezas y asi realizar su sueño.

Tal fue el exito de la canción que Bruce Fitzpatrick, dueño de Abernathy y Hilltop Auto Parts de Nashville, fue buscado por los promotores de la canción para que este construyera el vehículo y asi promociónar el single en el plano internacional. Todo esto se dió porque Bruce había visto todos los modelos de Cadillacs que se mencionan en la canción y cuando el single fue puesto en libertad se mostró el Cadillac construido en base a la letra de la canción. El coche fue presentado en abril de 1976 junto a Cash. Lo estacionaron por unas semanas fuera del hogar de Cash en Hendersonville, Tennessee, hasta que alguien quisiera comprarlo y buscar un lugar para guardarlo.
Al final, este vehiculo, actualmente está en el Museo Histórico de automóviles en Roscoe, Illinois.

Dato Curioso de Jimmy Jazz: Todos los acontecimientos mencionados en la canción llevaron a que un trabajador de la fábrica Landrover en Solihull, Inglaterra, fuera sorprendido robando piezas de la planta. Más tarde la policía britanica le encontró una mitad Landrover en el garaje de su casa... Será culpa de que sea fanatico de Jonnhy Cash???...

KILLER QUEEN / QUEEN

Killer Queen es una de las cancion de la banda Queen ,y tiene la gracia de ser el sencillo que llevó a la banda realmente a la cima, alcanzando el #2 en los charts británicos a comienzos de 1975. El sencillo es extraído del álbum de 1974 Sheer Heart Attack.

Killer Queen presenta una perfecta mezcla entre pop y music-hall. El cantante Freddie Mercury, autor de la canción, señaló que para escribirla tuvo grandes influencias de The Beatles y de los Beach Boys.
Tambien comentó que escribió primero la letra y luego decidió añadir los arreglos musicales. Esto se debía a que el trabajo de grabación estaba influenciado por el uso de armonías de cuatro pistas (especialmente en los coros, y en partes de los versos), y también elaboró un solo de guitarra para Brian May, incluido el uso de la "bell effect".

Además de utilizar un piano de cola ,como le gustaba a Freddie, la canción regrabó la pista de este instrumento utilizandolo de manera vertical para dar el seguimiento de un sonido Vaudeville (se refiere a la canción satírica y política y también a ciertas piezas dramáticas en las cuales no se cantaba). Esta canción fue en parte grabada en los Rockfield Studios de Gales.

Freddie Mercury comentó acerca de esta pista: "En esos años la gente hacía Hard Rock,lo cual tambien era la energía de la música de Queen, sin embargo, con este single fue casi como escuchar a Noel Coward cantar. Trata sobre una niña de la llamada clase alta y trato de decir que esas personas tambien pueden ser "putas". De eso es la canción, auque prefiero que la gente la interprete a su manera."

De la misma manera, el guitarrista Brian May señala: " Killer Queen fue el punto de inflexión de nuestra carrera. Es la canción que mejor resume nuestro tipo de música, y un gran éxito... Siempre me ha gustado esta canción. Todo el registro se hizo de un forma muy artesanal. Sigo escuchandola y la sigo disfrutando. Siempre hay espacio para todas las pequeñas ideas que vienen a la mente y , por supuesto, me gusta el solo de guitarra, con esa sección en tres partes, donde cada parte tiene su propia voz. ¿Qué puedo decir? Es una buena cosecha de Queen. La primera vez que escuche la canción fue cuando Freddie la tocó, yo estaba acostado en mi habitación en Rockfield , porque me sentia muy enfermo. Después de la primera gira americana de Queen me enfermé de hepatitis, y luego tuve problemas al estómago y tuve que ser operado. Así que solo recuerdo esa audiencia donde Freddie interpretó esta gran canción y me puse muy triste y pensé: 'No puedo ni levantarme de la cama para participar en esto. Tal vez el grupo tendrá que seguir sin mí. " Y cuando salí del hospital, fuimos capaces de acabar 'Killer Queen'. Los chicos habian dejado las partituras para mí y me hicieron el solo. Tuve fuertes sentimientos acerca de uno de los bits de la armonía en el coro, así que tuvimos que grabar otro al instante".

En la grabación del tema, Freddie Mercury se hizo cargo de los coros y los pianos, Brian May de las guitarras y los coros, John Deacon del bajo y el triangulo y Roger Taylor de la batería.

EYE OF THE TIGER / SURVIVOR

"Eye of the Tiger" es una fanción de la banda norteamericana Survivor editada en el album Eye of the Tiger de 1982. Estaba escrita para ser parte del film de Sylvester Stallone llamado Rocky III. En la mezcla original de la canción,que es la que se escucha en la película, se esccuha un gruñido de un tigre, aunque en la versión del single esa parte de omite.
Se cuenta que la canción fue escrita a petición de Sylvester Stallone por Frankie Sullivan y Jim Peterik.

"Eye of the Tiger" fue número uno en el Billboard Hot 100 singles chart durante seis semanas en el verano de 1982. La canción también fue número uno en Billboard Top Tracks durante cinco semanas. El single fue número dos en el Billboard Top Pop Singles de 1982 a fin de año.
Este exitazo también alcanzó el número uno en el Reino Unido, Irlanda y Australia. El single fue galardonado con disco de platino por la Recording Industry Association of America en 1982, lo que representa 2000000 copias vendidas en los EE.UU.

La banda Survivor ganó el premio Grammy como "Mejor Actuación de Rock un Dúo o Grupo Vocal" por esta canción. Tambien la canción recibió un Premio de la Academia bajo la nominación para "Mejor Canción Original" y fue votado como "canción favorita" por el People's Choice Awards.
A finales de 2008 se emplea una versión cantada por Chiara Mastroianni en la película Persépolis (película) para el anuncio del nuevo Volkswagen Golf.

Sin lugar a dudas, esta cnación ya es un clasico infaltable en algun recuento de canciones famosas del rock o rememorando los hits de los ochenta. Diversas series de televisión han usado este tema como musica de fondo para alguna escena imitando al Rocky interpretado por Stallone o simplemente parodiandola. Ssea como sea, esta canción elevó a la fama mundial a esta banda norteamericana y dejó una historia para contar.

OJO DE TIGRE

Subiendo por las calles,
tome mi tiempo y mis riesgos.
Fue la distancia y de regreso en mis pies
solo un hombre y su deseo de sobrevivir.

Muchas veces, pasa muy rápido,
cambiar tu pasión por la gloria.
No pierdas fe en lo que llegaste a desear,
debes pelar para mantenerlo vivo.

Es el ojo del tigre
Listo para pelear,
se levanta para retar a su rival.
y Es el ultimo que queda
Caza su presa por la noche
Y el nos ve a todos
Con el ojo de tigre

Cara a cara, afuera en el calor
Es difícil aguantar, estando hambriento.
Las probabilidades están hasta que tomemos el camino,
Matamos hábilmente para sobrevivir.

Subiendo directo a la cima
Tenia el coraje, conseguí la gloria
Fue la distancia, ahora no boy a parar
solo un hombre y su deseo de sobrevivir.

OWNER OF A LONELY HEART / YES

"Owner of a Lonely Heart" es una famosa canción de la banda de rock progresivo Yes. Esta pista pertenece al disco 90125 del año 1983.

Fue escrita por Trevor Rabin (que recien se habia integrado a la banda). Esta canción alcanzó el número uno en los EE.UU. Billboard Hot 100 con mucho éxito, y también alcanzó el número uno en los Mainstream Rock Tracks del pais de norteamerica, este suceso marcó a la banda y les dió un empuje importante en su carrera. Desde entonces,podemos escuchar diversas versiones de la canción, en formato de lado B de los singles donde se le hacen mixes, remezclas o versiones en vivo.

Una de las mas llamativas características de la canción es el pegadizo y muy distorsionado riff de guitarra de la introducción, que establece un motivo importante para la canción. Dicho efecto lo logró el productor Trevor Horn con el uso de altas tecnologias de efectos de sonidos.
Rabin interpretó un desorientado y "raro" solo de guitarra, que se reproducen a través de una MXR Transposer Pitch, que mezclaba la nota original con un efecto sobre su sonido puro.

El falsete es cantado por el productor Trevor Horn junto con el vocalista de la banda Jon Anderson.
Rabin, en sus giras como solitario en 1989, interpreta la canción generalmente con un poco de dificultad en la parte vocal. Tambien debemos destacar que el guitarrista Steve Howe (quien en esa epoca se habia ido de la banda por encontrarla muy New Wave) ha expresado reiteradamente su desagrado por la canción.

En el momento de la grabación, toda la banda ya estaba lista para partir de gira. Como estaban ya grabando esta canción, el baterísta Alan White notó que mientras tocaba, los tambores se estaba corriendo hacia delante debido a los golpes, hasta quedar simplemente con el bombo y la caja. Al final, de esa manera terminó la grabación del tema y luego tuvo que tocar cada instrumento (crash, hi-hats y platillazos) por separado y doblando a lo largo de la pista original para lograr lo que ahora escuchamos.

"Owner of a Lonely Heart" en su formato demo era una balada. Asi lo confirmó Yes en un programa de radio mientras pasaban de gira en 1991. Pero todo cambió cuando Jon Anderson convenció a Horn que debía acelerar el ritmo y añadirle algun riffs de guitarra para que la canción sea mas "optimista". Sin embargo, Trevor Rabin ya había grabado un demo de la versión "rockera" de la canción antes de que Jon Anderson y Trevor Horn se sumaran al trabajo del disco, por lo que esta historia probablemente no sea cierta.

Una cruda versión "demo" de la canción se puede encontrar en el álbum de Rabin titulado 90124 (que ironia!!), con un pre-coro y un teclado tipo de jazz-fusión al mas puro estilo del gran Chick Corea.

Sin lugar un clasico ochentero y de esta mitica banda... que la disfruten!!

YOU SHOULD BE DANCING / THE BEE GEES

"You Should Be Dancing" es una canción famosa canción onda disco interpretada y compouesta por la banda The Bee Gees, editada en su disco Children of the World que fue lanzado en 1976.

Fue tanta la popularidad de la canción que llegó al número uno en las lista de E.E.U.U. y se mantuvo en esa posición durante 1 semana en Billboard Hot 100 y estuvo siete semanas liderando el Hot Dance Club Play del pais norteamericano.
La canción también entró en el Top 5 del Billboard Black Singles, ocupando el cuarto puesto.
Es la primera canción bailable (onda disco) que llevó a los Bee Gees al estrellato y a ser mucho ams populares, aunque tambien puede esccuharse un sonido orientado hacia el rock con esas guitarras y solos de tambores que se escucha en el fondo.

Fue su tercera canción en liderar el Billboard Hot 100 y su sexta pista que ocupa el número uno en Canadá.
Asimismo, llegó a ser famosa en Irlanda ocupando el cuarto lugar en sus Tracks, y llegó al puesto #5 en los rankings del Reino Unido. En su nativa Australia, consiguieron solo llegar entre los primero 20 puestos de las listas.

"You Should be Dancing" se conoce como la primera canción donde Barry Gibb utiliza su famosa marca de falsete (que había sido utilizado anteriormente en algunas partes de "Nights on Broadway" y en "Fanny (Be Tender With My Love)" "). La canción fue aprte de la famosa banda sonora de la pelicula "Saturday Night Fever", famosa cinta que llevó a John Travolta al estrellato.

El famoso equipo de la NBA Boston Celtics utiliza esta canción cuando están a punto de ganar un juego de baloncesto acompañada de la siempre popular frase "Dancing Gino" que aparece ne un vídeo de la televisión americana Bandstand.

DEBERIAS ESTAR BAILANDO

Mi amor se mueve a la medianoche,
Sigue hasta el amanecer.
Ahora, mujer, llévame más alto.
Mi mujer me mantiene templado.

¿Qué haces tirado de espaldas, eh?
¿Qué haces tirado de espaldas, eh?
Deberías estar bailando, sí, bailando, sí.

Ella es jugosa y es un problema.
Ella me hace bien.
Mi mujer me da poder,
Va directo a mi sangre.

¿Qué haces tirado de espaldas, eh?
¿Qué haces tirado de espaldas, eh?
Deberías estar bailando, sí, bailando, sí.
¿Qué haces tirado de espaldas, eh?
¿Qué haces tirado de espaldas, eh?
Deberías estar bailando, sí, bailando, sí.

HELP ME, RHONDA / THE BEACH BOYS

"Help Me, Rhonda" es una cancion de la banda estadounidense The Beach Boys escrita por Brian Wilson y Mike Love. Fue lanzada como single el 8 de marzo de 1965.
La canción tiene la particularidad que cuenta con Al Jardine en la voz y fue parte del disco The Beach Boys Today! bajo el nombre de "Help me, Ronda". Años despues la canción fue regrabada y sacada como single nuevamente en abril de 1965 por Capitol Records en abril de 1965 donde se arreglo la flta de ortogtafía y se dejó "Rhonda".

El single llegó al puesto número uno en los Estados Unidos, convirtiéndose así en su segundo número uno en EE.UU.después de "I Get Around". Llegó al puesto veinte y siete en el Reino Unido. La canción aparece en la mayoría de compilaciones de éxitos de los Beach Boys.

La versión original de la canción se grabó en los estudios de Hollywood el 8 de enero y el 19 de enero de 1965, con Chuck Britz como el ingeniero y a Brian Wilson como productor.

Esa sesión de grabación contó con Carl Wilson, Bill Pitman, y Glen Campbell en las guitarras, el ukulele interpretado por Billy Strange, en el bajo estuvo Ray Pohlman, Leon Russell en el piano, Hal Blaine en los tambores y los timbales, Billy Lee Riley en armónica, Steve Douglas y Plas Johnson en saxo tenor, y Jay Migliori en saxo barítono. Al Jardine en la voz principal junto a los coros de Carl, Dennis y Brian Wilson y Mike Love.

La canción fue originalmente considerada para ser parte de un disco como cancion de "relleno", sin embargo, al enterarse que las estaciones de radio la tocaban constantemente y Brian Wilson decidió volver a grabarla. La versión del single fue grabada en Universal and Radio Recorders studios el 24 de febrero de 1965, de nuevo con Chuck Britz como el ingeniero y Brian Wilson como productor.
Para esta versión se decidió grabar con netamente con los miembros de los Beach Boys, donde Carl Wilson (guitarra) y Brian Wilson (piano acústico y Hammond B-3) se dieron el lujo de experimentar nuevamente el sonido de la canción.
Eso si, se mantuvo la voz principal de Al Jardine con los coros de Carl, Dennis y Brian Wilson, Mike Love y Bruce Johnston.

Como un dato sobre el contexto de la canción, podemos mencionar que durante la sesión de grabación de esta canción, fueron interrumpidos por le padre d elos hermanos Wilson, Murry Wilson, que enfrentó a la banda quejandose de su entusiasmo en grabar y creer que serian famosos. Sus críticas apuntaban especialmente a su hijo Brian Wilson, lo cual hizo que este se parara y le gritara diversos insultos en respuesta a las criticas de su padre. Poco después de defenserse de sus palabras, Murry Wilson, salió del estudio y la banda continuó con la grabación. Obviamente toda esta pelea quedo grabada en la cinta y puede ser escuchada en algunos bootlegs de la banda.

La primera versión de la canción aparece en el álbum de 1965 The Beach Boys Today! , publicado el 8 de marzo, 1965. Esta versión tiene una duración de mas de tres minutos y tiene una falsa termonación donde el sonido va desvaneciendo con el volumen de entrada y salida. Esta versión se incluye en el álbum Endless Summer.

La versión de sencillo primero fue lanzada como un sencillo el 5 de abril de 1965. Posteriormente fue incluido en "Summer Days (and Summer Nights!!)", Lanzado el 28 Enero, 1965. La versión tiene un arreglo perceptiblemente muy diferente, y una palabra cambiada en la letra. La parte instrumental que apoya la pista de esta versión fue puesta en 1968 en la cinta "Stack-O-Tracks" el con las canciones instrumentales.

Sin lugar a dudas, esta hemrosa canción es muy conocida por mucha gente, tanto es su fama que en el año 2001, el cantante Ricky Martin la interpretó en el concierto "An All-Star Tribute to Brian Wilson".

R E S P E C T / ARETHA FRANKLIN

Respect es una famosa canción soul que se convirtió en un himno en 1967 en la voz de Aretha Franklin. Apareciò en el disco de 1967 llamado "I never loved a man the way I love you".

Otis Redding fue quien compuso "Respect" y fue el primero en grabarla, en 1965. Pero Aretha se hizo para siempre con el tema y su versión definitiva, grabada en los estudios de New York de Atlantic, el día de San Valentín de 1967.
Respect fue su primer single en llegar al número uno, y gracias a esa fama, su carrera subió a lo más alto.

La interpretación de Redding, había convertido la canción en una marcha sombría con la que pedía la igualdad con una fuerza volcánica. Aretha, sin embargo, no pedía nada. Cantaba desde un lugar más elevado: era una mujer reclamando el fin de un orden injusto con una impresionante autoridad sexual. Lo cual llamaba la atención en aquella epoca.

En la autobiografía del productor de Aretha, Jerry Wexler, dice que para Otis, la palabra respeto tenía el sentido más abstracto de estima; la connotación tradicional. Pero que la voz de Aretha exigía ese respeto y también una tensión sexual de primer orden, algo acentuado por los coros de parte de Aretha y Carolyn que dicen a gran velocidad: "Sock it to me".

Ademas, podemos agregar otra "papita" sobre esta canción: Como la versión de Aretha, no tenía puente entre las estrofas, Wexler ordenó a la banda que tocara los cambios de acordes de otra canción; "When something is wrong with my baby", de Sam & Dave; también se le añadió un solo de saxo por parte de King Curtis.

RESPETO

LO QUE TÚ QUIERES, BABY, YO LO TENGO
LO QUE TÚ NECESITAS TÚ SABES QUE LO TENGO
TODO LO QUE PIDO ES UN POCO DE RESPETO
(SÓLO UN POQUITO) CUANDO LLEGAS A CASA
(SÓLO UN POQUITO) HEY, BABY (SÓLO UN POQUITO)
CUANDO LLEGAS A CASA (SÓLO UN POQUITO) SEÑOR.

NO TE PONDRÉ LOS CUERNOS MIENTRAS NO ESTÁS
NO TE PONDRÉ LOS CUERNOS PORQUE NO QUIERO
TODO LO QUE PIDO ES UN POCO DE RESPETO CUANDO LLEGAS A CASA
(SÓLO UN POQUITO) BABY (SÓLO UN POQUITO)
CUANDO LLEGAS A CASA (SÓLO UN POQUITO) YEAH.

YO TE DOY TODO MI DINERO
Y TODO LO QUE PIDO A CAMBIO, CARIÑO
ES QUE ME DES MIS BENEFICIOS CUANDO VUELVES A CASA
(SÓLO SÓLO SÓLO) YEAH, BABY, CUANDO VUELVES A CASA.

(SÓLO UN POQUITO) YEAH (SÓLO UN POQUITO)

HOOO, TUS BESOS SON MÁS DULCES QUE LA MIEL Y ADIVINA,
ASÍ TAMBIÉN ES MI DINERO
TODO LO QUE TE PIDO ES QUE ME LO DES CUANDO LLEGAS A CASA
(RE RE RES PETO) YEAH BABY, MUÉVETE HACIA MÍ
(SÓLO UN POQUITO) CUANDO LLEGAS A CASA (SÓLO UN POQUITO)

R-E-S-P-E-T-O ADIVINA LO QUE SIGNIFICA PARA MÍ
R-E-S-P-E-T-O SACA EL TCP OHHH (LÁNZAMELO)

UN POCO DE RESPETO OH YEAH (SÓLO UN POQUITO)
UN POCO DE RESPETO (SÓLO UN POQUITO)

MY SHARONA / THE KNACK

My Sharona es una canción de 1979, la cual se convirtiò un hit internacional de la banda The Knack. Escrita por Doug Fieger y Berton Averre, fue producida por Mike Chapman y editada el 18 de Junio de 1979.
Esta pegajosa canción llegó al puesto #1 del Billboard Hot 100 singles donde permaneció por seis semanas. Tambien logró #1 en el Billboard's Top Pop Singles a finales de 1979. Ademas esta canción logro disco de oro (mas de un millon de copias vendidas)por la Recording Industry Association of America.

Construída bajo un riff de guitarra, My Sharona es una canción de ámbito popular, que pertenece al ambiente pre-ochentero del power pop.

Es fácilmente reconocible por su riff pegajoso, escrito por el guitarrista de la banda Berton Averre, mucho antes de que éste se uniera a The Knack. Tambien destaca en la canción su brillante interpretación de bassline, la cual aparece en la lista de reproducción de muchos aspirantes a bajistas, a menudo citado como un ejemplo por la excelente técnica que muestra.

Según el cantante y guitarrista Doug Fieger, la letra esta inspirada de cuando conoció a una chica llamada Sharona Alperin , que vivia en Los Angeles, California, la cual lo dejò locamente enamorado. "Fue como recibir golpes en la cabeza con un bate de béisbol, me enamoré de ella inmediatamente. Y cuando eso sucedió, provocó algo y yo empecé a escribir un montón de canciones febrilmente en un corto período de tiempo" diría Fieger en una entrevista.

Hay que señalar que Sharona Alperin es quien aparece en la caratula del single de la canción y eso ayudó a que las fans del grupo tuvieran como modelo el estilo de la que enamoró a Fieger.
Hoy en día, Sharona Alperin es una agente de bienes raíces en Los Angeles, California.

En 1994, "My Sharona" volvió a entrar en el Billboard Hot 100 (llegando al puesto # 91) cuando fue publicado como single de la banda sonora de la pelicula Reality Bites.

Dave Grohl, integrante de los Foo Fighters, ha declarado en más de una ocasión que "My Sharona" es su canción favorita. Incluso en su anterior banda, Nirvana, la interpretaron en mas de algun concierto.

Dato Curioso: La canción original adquirió cierta sorpresa en el año 2005, cuando apareció en la lista de reproducción del iPod del ex presidente de EEUU. George W. Bush. La sorpresa era esa... Bush escuchando clasicos del rock!!!.

SPACE ODDITY / DAVID BOWIE

"Space Oddity" es una canción escrita e interpretada por David Bowie y fue lanzada como single en 1969. Aparece en el disco Space Oddity.
Esta canción trata de Gran Tom, un astronauta de ficción que tiene una depresión durante una misión en el espacio ultraterrestre. Supuestamente fue el single fue lanzado para que coincida con la llegada a la luna por el Apolo 11 el 11 de julio de 1969. De hecho la BBC presentó la canción en su cobertura televisiva del famoso aterrizaje lunar.

La historia de esta canción empieza tras la separación de Bowie con el sello discográfico Dram, es ahi cuando su manager Kenneth Pitt consiguió negociar un álbum con Mercury Records, y su filial en el Reino Unido de Philips en 1969. Al día siguiente se dedicó a buscar un productor. George Martin (si amigos... el quinto Beatle) se hizo a cargo del proyecto, mientras que Tony Visconti , que le habian gustado los demos del disco, dijo que el proyecto se inició con el single "Space Oddity", que era una canción de metaforas oscuras y decidió pasarle la producción a Gus Dudgeon . Una primera versión de la canción apareció en la pelicula promocional de Bowie llamada Love You Till Tuesday.

Gracias a toda su mistica espacial que coincidía con el contexto de aquellos años donde el hombre al fin daba un paso por la luna como señal del inicio de una nueva era, la canción fue todo un éxito, alcanzando el # 5 en el Reino Unido.

La canción fue galardonada con el premio Ivor Novello en 1969, junto con el tema de Peter Sarstedt "Where Do You Go To (My Lovely)". Sobre estos premios podemos señalar que son concidos como los "Ivors" y son presentados anualmente en Londres por la Academia Británica de Compositores y Cantautores, y fueron presentados por primera vez en 1955.

La canción se hizo tan conocida que el segundo álbum de Bowie, publicado originalmente con el nombre David Bowie en el Reino Unido , pasó a llamarse con el titulo de la canción para su reedición en 1972 por RCA, y desde entonces se conoce con ese titulo a ese famoso disco.

En diciembre de 1972, Mick Rock lanzó un videoclip de esta canción de Bowie realizado durante las sesiones de Aladdin Sane,la cual se utilizó para promover el tema en enero de 1973 en EE.UU. y alcanzó el # 15 en el Billboard Chart.Gracias a este video y la reedición del disco, Bowie logró llegar al puesto # 1 en el Reino Unido en noviembre de 1973.

Sin luhar a dudas hoy les dejamos un clasico del genero musical llamado Space Rock... espero que les guste.

Bonus Track: El video original de la canción hecho para la pelicula Love You Till Tuesday en 1969. Notese tambien que es otra versión de la canción:

THE FINAL COUNTDOWN / EUROPE

"The Final Countdown" es una gran canción de la banda sueca Europe, fue escrita por Joey Tempest . Esta canción fue el primer single de su album mas exitoso tambien titulado The Final Countdown qe salió a la venta en 1986.
Es una una de las canciones mas reconocidas y populares. Es por ello que la canción llegó al N º 1 en 25 países, entre ellos el Reino Unido (donde fue disco de oro). En los Estados Unidos, alcanzó el puesto N º 8 en el Billboard Hot 100 y el 18 en el Billboard Mainstream Rock Tracks chart.

La canción está basada en un viejo riff hecho en un teclado por el vocalista Joey Tempest que escribió entre los años 1981-82.
En 1985, el bajista John Leven le pidió a Tempest que debía escribir una canción sobre la base de ese riff. Luego de esa idea, Tempest grabó un demo de la canción y la tocó para lo otros miembros de la banda.
En un primer intento de grabación, los miembros expresaron su asombro con respeto al estilo con que estaba hecho. "Cuando escuché por primera vez el intro del sintetizador de " The Final Countdown ", mi reacción fue: 'No, esto es una locura. Simplemente no se puede utilizar en alguna canción", dijo el guitarrista John Norum. Pese a ello, Tempest dijo " Algunos de los chicos pensaron que era demasiado diferente para una canción de rock ".

La letra de la canción esta inspirada en un tema de David Bowie llamado "Space Oddity". El riff de teclado se logró por medio de un Yamaha TX-816 y una unidad de rack de Roland JX-8P . " Hice un sonido del latón JX-8P y tambien usamos un sonido de la fábrica de Yamaha, y las mezclamos", dice Michaeli.

Cuando llegó la hora de elegir el primer single del álbum The Final Countdown, Tempest sugirió la canción del mismo nombre.
Al principio, la banda no tenia en sus planes sacar esa canción como single, y algunos miembros querían que la canción "Rock the Night " debia ser el primer sencillo.
""The Final Countdown" fue escrita simplemente para que sirva de apertura en los conciertos, jamas pensé que sería un exíto" decia Tempest en una entrevista a los medios. Sin embargo, cuando su compañía discográfica ,Epic Records, sugirió que esa canción debía ser el primer single, la banda decidió lanzarla.

Como declaró Tempest: "Siempre es una agradable sensación escucharla. A veces la oigo en las calles o alguien lo tiene en su teléfono móvil o algo asi ... es un sentimiento agradable!. En realidad, como dije en una entrevista hace un año con un periódico de América donde mencione tambien de como ha sido utilizada esta canción en el deporte de los Estados Unidos. Al parecer es una canción muy popular y fue agradable oír tantos elogios. La cosa irónica, sin embargo, es que la canción era en realidad escrita para los fans. Dura mas de seis minutos y nunca fue destinado a ser un éxito o algo así. Se pretendía que fuera una apertura para los shows "en vivo". Nosotros queriamos ponerla en nuestro tercer álbum y queríamos crear un tema que creara una gran atmosfera en la apertura de los shows. Por lo tanto, tuve que sacar un "riff" de una cinta que estaba escondida en un cajón desde el año que estaba en el colegio y yo lo tomé, escribí la letra y resultó ser una gran apertura para el álbum y para el show.
Hoy en día, no la ensayamos, pero cuando la tocamos en directo, sigue siendo tan asombrosa! y es genial tocarla y sentir que todo el publico la canta".

"The Final Countdown" fue publicada en la primavera de 1986 y se convirtió en la más exitosa canción del disco.
La canción goza de una notable popularidad en muchos eventos deportivos y en los estadio. También se utiliza frecuentemente en la televisión norteamericana. La canción fue utilizada para el comercial de Mario & Sonic en los Juegos Olímpicos y se utiliza como tema principal para el luchador profesional Bryan Danielson en Ring of Honor.
La canción fue nombrada la 66 ª mejor canción de Hard Rock de todos los tiempos por la cadena televisiva VH1.

El vídeo, dirigido por el aclamado Nick Morris, contiene imágenes de dos conciertos de la banda hizo en Solnahallen de Solna, Suecia el 26 y 27 de mayo de 1986, así como algunas escenas adicionales filmadas en los controles de sonido para los conciertos.

La canción ha sido un regularmente interpetada en los conciertos por la banda desde su debut en vivo en el estreno del Final Countdown Tour en abril de 1986. Uno de los más memorables en vivo de esta canción tuvo lugar en Estocolmo, Suecia el 31 de diciembre de 1999, como parte de las celebraciones del Milenio.

DREAMS / FLEETWOOD MAC

"Dreams" es una canción de la banda Fleetwood Mac editada e 1977 en su disco Rumours. Fue escrita por la voz prncipla de la banda, Stevie Nicks y es una de sus canciones mas conocidas llegando al numero uno de los Estados Unidos.
En la letra, se pede apreciar que la cantante le advierte a una mujer que un hombre puede ser manejado por la locura a raíz de la perdida de un amor.

La historia cuenta, que en la epoca de grabación del disco Rumours, los miembros de Fleetwood Mac experimentaban trastornos emocionales a causas de sus vidas amorosas. Por ejemplo, el baterista Mick Fleetwood que estaba pasando por un proceso del divorcio. El bajista John McVie se había separado de su esposa, la tecladista Christine McVie. Mismo caso del guitarrista Lindsey Buckingham y la cantante Nicks estaban a punto de poner fin a su relación de ocho años. "Tuvimos que soportar todo este ejercicio de la negación", explicaria Buckingham a la revista Blender, "Tuvimos que mantener nuestros sentimientos personales en un rincón de la sala de ensayo e intentar en ser profesional el uno con el otro." Todas estas historias inspiraron la composición de "Dreams".

Nicks escribió la canción en el Record Plant studio de Sausalito, California, a principios de 1976. "Fue un día cuando no estaba obligada a trabajar en el estudio principal", recuerda la cantante Stevie Nicks a la revista Blender "tomé un piano Fender y me fui a otro estudio del cual se decia que pertenecian a Sly, de la banda Sly & the Family Stone. Er una pieza pintada de negro y rojo, en el centro había un piano, y una gran cama de terciopelo negro, con cortinas de Victoria ".

"Me senté en la cama con mi teclado", continúa Nicks. "Habia encontrado un patrón de batería, enciendí mi reproductor de casetes y escribí "Dreams" en casi 10 minutos. Lo que mas me llamó la atención de esta canción era el hecho de que estaba haciendo algo con un ritmo bailable y eso era raro en mí..."

Cuando Nicks interpretó la canción con el resto del grupo, decidieron grabarla al día siguiente. Para ello solo grabaron una pista básica en Sausalito. De este caso, el asistente de grabación Cris Morris recuerda "todos (ellos) le dieron mas importancia a la pista de batería y a la voz en vivo de Stevie - las guitarras y bajos se añadieron más tarde en Los Ángeles."

La tecladista Christine McVie describe a la canción como "sólo tres acordes y una nota en la mano izquierda" ademas lo trató de "aburrido" cuando Nicks le presentó el "demo" hecho en el piano.
Pero McVie cambió su postura luego de grabarla: "Tiene tres secciones con idénticos acordes, haciendo que cada sección del sonido suene distinto. Ha creado la impresión de que hay un hilo conductor en todo el tema."

"Dreams" alcanzó el número uno en los Estados Unidos el 18 de junio de 1977, y se mantuvo en ese puesto durante una semana. En el Reino Unido solo llegó al puesto # 24 en los Charts.

SUEÑOS

Vamos otra vez
Dices que quieres tu libertad
¿Quién soy yo para retenerte?
Es justo que actúes de
La manera en la que te parezca
Pero escucha con atención el sonido
De tu soledad
Como el latido de un corazón... Te volverá loca
En el silencio de recordar lo que tuviste
Y lo que perdiste...
Lo que tuviste...
Y lo que perdiste
Los truenos solo aparecen cuando llueve
Los jugadores te aman solamente cuando están jugando
Dime... mujer... vendrán y se irán
Cuando la lluvia te limpie... sabrás
Aquí voy otra vez, veo visiones claras como el cristal
Me reservo mis visiones
Soy solo yo
El que quiere estrechar tus sueños y...
¿Tienes algún sueño que comunicar?
Sueños de soledad...
Como el latido de un corazón... Te volverá loca
En el silencio de recordar lo que tuviste
Y lo que perdiste...
Lo que tuviste...
Y lo que perdiste
Los truenos solo aparecen cuando llueve
Los jugadores te aman solamente cuando están jugando
Dime... mujer... vendrán y se irán
Cuando la lluvia te limpie... sabrás

SPACE TRUCKIN' / DEEP PURPLE

"Space Truckin'" es una energetica canción de la banda británica Deep Purple. Este rock'n'roll aparece en el álbum Machine Head de 1971.
La letra nos relata sobre los viajes espaciales y pone mayor enfasis en la capacidad vocal del cantante Ian Gillan y los potentes solos de batería de Ian Paice.

El legendario riff de guitarra que se puede escuchar en los coros tiene una gran similitud a la canción "Red the Sign Post", que fue editada en 1968 por la banda Fifty Foot Hose para su disco Cauldron.

La primera vez que esta canción fue tocada en vivo, la banda decidió adjuntar este tema con la canción "Mandrake Root" que pertenece a su primer álbum, pero poco a poco, con el paso de los conciertos, se convirtió en una pieza fundamental para que el tecladista Jon Lord hiciera imporvisaciones con su órgano Hammond mientras la guitarra de Ritchie Blackmore hacia diversos solos al puro estilo de un ensayo de la banda donde improvisan diversos ritmos. Este acto generalmente hace que la canción llegue a surar casi veinte minutos, y se realizaba siempre como el último tema de los conciertos.
Un buen ejemplo de estas interpretaciones se pueden encontrar en el álbum Made in Japan donde uno sepuede dar cuenta que Deep Purple en vivo de verdad atrae mucha energia y rock poderoso. Dicho disco fue grabado en 1972 y es catalogado como "el directo de los directos", ya que hasta el libro de los record Guiness lo premia como el mejor directo de rock, y por ser la banda que mas ruido metia en su época.

Jon Lord desempeñaba sus solos a través de un modulador o tocaba algunos de los ARP en un sintetizador. Mientras tanto, Ritchie Blackmore suele dividir el solo de guitarra en dos mitades, una seccion tranquila junto a los tambores, luego una fuerte sección con todo el grupo y su majestuoso sonido. La segunda mitad fue a menudo cuando Ritchie llegaba a romper su guitarra, o a tocarla con sus pies o tirarla por el aire.
Uno de los incidentes mas complicados fue el que sucedió en el festival de California en 1974, donde cayó una guitarra en el borde del escenario, rompiendose contra un cámara de TV y ademas el amplificador ,que estaba en llamas, explotó dejando con cara de sorpresa a los fans.

Cuando Deep Purple volvió con su formación original en 1984, estas improvisaciones en la canción se volvieron a hacer pero, posteriormente, se incluyeron fragmentos de otras canciones de la banda como regalo a sus fanaticos.

Esta canción aparece como tema principal del juego Rock Band en su version descargable, esto ocurrio en Diciembre de 2008.

Les dejamos este clasico del rock setentero con un video que reflaja todo lo descrito acerca de la interpretación de esta "megabanda" en vivo... que la disfruten amigos!!.

I GOT YOU (I FEEL GOOD) / JAMES BROWN

"I Got You (I Feel Good)" (tambien es conocida por "I Feel Good") es una famosa canción de James Brown. Lanzada a la luz publica en diciembre de 1965, y es una de las canciones mas famosas de Brown, con la cual alcanzó la fama mundial.

En la grabación, Brown revela la sensación "buena" que siente en su vida ( "buena, como el azúcar y las especias"), ahora que tiene a alguien a quien amar. La voz de Brown marca una de las características mas llamaticvas, puesto que deja en claro su estilos Soul con esa interpretación llena de gritos afinados.
En la parte instrumental estamos de acuerdo que es casi similar a otro hit de Brown llamado "Papa's Got a Brand New Bag", donde deja claro su estilo funk. La canción también cuenta con un solo de saxo alto tocado por Maceo Parker.

Otro dato de esta pieza musical, es que la canción, con idéntico tono y casi la misma letra, ya se había registrado y editado como single en 1962 por Yvonne Fair, bajo el titulo "I Found You".
Esto se dió ya que Fair ya había grabado varios temas arreglados y producidos por Brown, pero ninguno de esos temas llegaron a ser éxitos. Luego de esta experiencia James Brown modificó la canción tres años más tarde como "I Got you (I Feel Good)".

"I Got You (I Feel Good)" es la canción de Brown que llegó al puesto mas alto del Billboardalto llegando rapidamente al número tres. Con el paso de los días la canción llegó a la cima del Billboard y se mantuvo durante seis semanas en ese puesto.
Los gritos de Brown al principio y al final de la canción han sido incluidos como "samples" para bases de hip hop y musica bailable. Tambien ha sido interpretada por diversos artistas y usada varias veces en cintas y series de televisión. Entre las peliculas donde podemos escuchar este clasico podemos mencionar The Nutty Professor, Good Morning Vietnam, Home Alone 4, Dr. Dolittle, Boat Trip, Astérix & Obélix: Mission Cléopâtre, K9, Garfield: The Movie, Exit Wounds (2001) y Transformers.

En el año 2000, "I Got You (I Feel Good)" alcanzó el número 20 en el ranking de VH1 sobre las 100 mejores canciones en Rock and Roll y el puesto # 75 de las 100 canciones bailables del Rock'n'roll.

En el año 2004, "I Got You(I Feel Good)" ocupó el puesto 78 en el ranking de la revista Rolling Stone de las 500 más grandes canciones de todos los tiempos.

ME SIENTO BIEN

Wo! Me siento bien, sabía que yo ahora
Me siento bien, sabía que yo no de
Tan bueno, tan bueno, lo tengo que

Wo! Me siento bien, como azúcar y especias
Me siento bien, como azúcar y especias
Tan bueno, tan bueno, que me dieron

Cuando te tengo en mis brazos
Sé que no pueden hacer mal
Y cuando te tengo en mis brazos
Mi amor no va a hacer ningún daño te

Y me siento bien, como azúcar y especias
Me siento bien, como azúcar y especias
Tan bueno, tan bueno, que me dieron

Cuando te tengo en mis brazos
Sé que yo no puedo hacer nada malo
Y cuando te tengo en mis brazos
Mi amor no puede hacer ningún daño me

Y me siento bien, como azúcar y especias
Me siento bien, como azúcar y especias
Tan bueno, tan bueno, así que me dieron

Wo! Me siento bien, sabía que yo no de
Me siento bien, sabía que yo
Tan bueno, tan bueno, porque tuve que
Tan bueno, tan bueno, porque tuve que
Tan bueno, tan bueno, porque tuve que...

ROCK ME AMADEUS / FALCO

Rock Me Amadeus es una famosa canción del cantante austríaco Falco, editada en 1985 para su disco Falco 3.
Este gran hit ocupó las primeras posiciones de las listas de singles en ambos lados del Atlántico.
Cabe señalar que fue el único gran éxito de Falco en Estados Unidos, y uno de los dos únicos singles en alcanzar el Top 10 en el Reino Unido, a pesar de su popularidad en Alemania y su Austria natal, además de su fanaticada en otras regiones de Europa.

Como datos de este clasico ochentero podemos señalar que fue grabada en alemán y su tematica es sobre Wolfgang Amadeus Mozart, donde habla sobre su popularidad y sus deudas a la sociedad. Tambien existe una versión más larga (de ocho minutos), llamada "Salieri Mix" (excelente titulo)la cual apareció en el lanzamiento inicial del disco Falco 3 en Estados Unidos.
Tambien se dice que la canción está inspirada en la película Amadeus. Para el lanzamiento en Estados Unidos la canción fue remezclada por DJ Chris Modig.

La popularidad de "Rock Me Amadeus" lo llevó a alcanzar el número uno en el Billboard Hot 100 el 29 de marzo de 1986. Es por ello que a Falco lo consideran un artitas one-hit wonder (artista de un sólo éxito) en Estados Unidos debido a las bajas posiciones que alcanzaron sus otras canciones que siguieron a "Rock Me Amadeus". Sin embargo, Falco tuvo un éxito anteriormente en 1982 con su canción "Der Kommissar", y su siguiente single del álbum Falco 3, "Vienna Calling", que alcanzó el #18 del top 100.
"Rock Me Amadeus" está en el puesto #44 del ranking de la lista de los 100 mejores One-Hit Wonders, de la cadena de televisión musical VH1, y en el #87 del top 100 de las mejores canciones de los 80s, también de la VH1.

La misma suerte tuvo este tema en el Reino Unido, donde alcanzó el número uno el 10 de mayo de 1986, convirtiéndose en el primer single de un artista austríaco en lograr esta posición. En el Reino Unido, Falco también se considera un one-hit wonder, aunque su canción "Vienna Calling" alcanzó el top 10.

Falco también se convirtió en el primer artista de habla germana que alcanzó el número 1 en las listas principales de los Estados Unidos (Billboard Hot 100, ARC Top 40 y US Cashbox).

Si tenemos que hablar del videoclip de la canción, este mezcla elementos de la época de Mozart con los tiempos actuales. Al principio del vídeo, Falco aparece con un moderno smoking caminando entre gente vestida formalmente de la época del siglo XVIII. Después, él aparece vestido como Mozart, con un peinado salvaje y de colores, acompañado de unos motoristas a su alrededor. Al final del vídeo se mezclan los dos tipos de gente, los clásicos con los motoristas.

Un hit que hizo bailar a toda una generación y que se ha convertido en todo un clasico del pop... que la disfruten!!

AIN'T THAT A SHAME / FATS DOMINO

"Ain't That a Shame" es una famosa canción compuesta por Fats Domino y Dave Bartholomew, grabada en New Orleans, Louisiana, en los Imperial Records en 1955. Aparece en el disco Rock and Rollin' with Fats Domino.

Esta canción fue un exitazo en los rankings regionales en los Estados Unidos, llegando a vender mas de un millón de copias. Ademas se dió el lujo de alcanzar el número 1 en los "Black Singles" y en el decimo puesto en los "Pop Singles".
Ademas, la canción ocupa el puesto # 431 en la lista de la revista Rolling de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

La canción ganó mas fama después de haber sido re-grabada por el artista blanco Pat Boone. Esta versión logro ser mas famosa que la de Fats Domino pero esto no logró superar la calidad musical de este gran musico que dominó todos los estilos de la música en el mercado desde su primera grabación llamada "The Fat Man".

Según cuenta una leyenda, Pat Boone sugirió un cambio en el título de la canción y la letra para sustituirla por "Isn't That A Shame". Segun Boone, ese cambio ayudaría a la canción para que sea más atractiva para un público más amplio, pero toda esta idea fue rechazada por sus productores.
Aunque la idea de Boone fue tachada, eso no logró que su cover de Domino llegara a la cima del ranking de singles del Billboard en 1955.

Pero hablando del gran Fats Domino, se le puede ver interpretando magistralmente esta canción en el film Shake, Rattle & Rock! de 1956. Ademas ha sido parte de diversas bandas sonoras de otras peliculas.

Ademas de Pat Boone, muchos otros artistas han interpretado este clasico del rock'n'roll. La banda Four Seasons en 1963. Los Cheap Trick la interpretan en su disco Live At Budokan de 1979. Lo mismo hizo John Lennon en 1975 para su LP Rock 'n' Roll y su compañero de los Fab Four, Paul McCartney, en 1990 la grabó en su tour por Japon para el disco Tripping the Live Fantastic.

Bonus Track: La versión de Pat Boone:

I JUST CALLED TO SAY I LOVE YOU / STEVIE WONDER

"I Just Called to Say I Love You" es un cancion escrita e interpretada por el famoso musico estadounidense Stevie Wonder y fue editada para el soundtrack de la pelicula The Woman in Red en 1984.

Esta hermosa balada trata simplemente de una llamada a alguien para decirle que el amor puede hacer que la vida sea magica incluso en los dias mas extraños.
Esta maravillosa y sentimental cancion tiene la escencia musical que imperaba en los ochenta, el uso de sintetizadores y cajas de ritmo, lo cual estaba muy lejos del Stevie Wonder más orgánico y experimental de los setentas.
Por estas razones el single tuvo muchas criticas que con el paso de los dias y el exito de la balada se fueron apagando.

La canción llegó al número uno en el Billboard Hot 100 y estuvo en ese puesto durante tres semanas a partir del 13 de octubre de 1984 y también se convirtió en el single mas vendido en el Reino Unido por un cantante solista y estuvo en la cima de los rankings britanicos por casi seis semanas. Además, la canción ganó un Globo de Oro y un Oscar por Mejor Canción Original de la pelicula en la cual forma parte de la banda sonora.

Tambien existe una controersia en torno a los derechos de autor del tema. Esta tiene que ver con Wonder y su ex socio Lee Garrett. Todo se debe a que Garrett afirma haber escrito la canción antes que esta fuera publicada. Pero todo quedo en palabras y acusaciones...

Con respecto a la estructura de la canción podemos decir que tiene dos versos y un coro.
El protagonista de la canción refuerza el mensaje del título (y estribillo) para negar todos los grandes momentos del año.
La canción termina con un triple acorde, tambien conocido como cha-cha-cha.

Les dejamos esta balada que con el paso de los años siegue atrayendo esa nostalgia y ha sido versionada por diversas banda y cantantes que se han declarado fanaticos de esta pieza musical hecha por el gran Stevie Wonder.

SOLO LLAMÉ PARA DECIRTE QUE TE AMO

No es Año Nuevo que celebrar
No hay corazones de dulce cubiertos de chocolate
para regalar
No es comienzo de primavera,
ni canción para cantar
De hecho, éste es solo otro día común

Coro:
Sólo llamé para decirte que te amo
Sólo llamé para decir lo mucho que importas
Sólo llamé para decirte que te amo
Y lo digo desde el fondo de mi corazón

No hay lluvia de Abril, ni botones de flor
Tampoco sábado de bodas
en el mes de Junio
Pero esto qué es, es algo verdadero
Hecho de esas tres palabras
que debo decirte

No hay buenos veranos, ni Julios calurosos
No es luna llena que ilumine
una tierna noche de Agosto
Sin brisa de otoño, sin hojas cayendo
No es tiempo en que los pájaros
vuelan hacia cielos del sur

No hay sol de Libra, ni Halloween,
Ne es dar las gracias el júbilo navideño
que transmites
Pero esto qué es, aunque viejo, tan nuevo
Llenar tu corazón
como tres palabras no podrían hacer.

BLACKBIRD / THE BEATLES

"Blackbird" es una canción de la gran banda The Beatles y forma parte de su álbum doble The Beatles (también conocido por todos como The White Album)editado en 1968. Blackbird fue escrita completamente por Paul McCartney, quien se inspiró para escribirla mientras estaba en Escocia como una reacción a las tensiones raciales que se intensificaban en los Estados Unidos en la primavera de 1968.

La canción se grabó el 11 de junio de 1968 en los estudios Abbey Road, con George Martin como el productor y Geoff Emerick como el ingeniero de sonido.
McCartney tocó una guitarra acústica Martin D 28. La canción incluye una grabación de un mirlo (que es una especie de ave que habita en Europa, Asia y Africa) cantando en el fondo.

McCartney reveló en el programa Great Performances (Paul McCartney: Chaos and Creation at Abbey Road del canal PBS transmitido en 2006), que la guitarra que acompaña a Blackbird fue inspirada por Bouree in E minor de Bach, que es una conocida pieza de guitarra clásica.
Como niños estudiosos, él y George Harrison intentaron aprender Bourrée como una pieza clasica que debian tocar. Cabe señalar que el Bourrée se distingue por la melodía y los bajos que se tocan simultáneamente en la parte superior e inferior de las cuerdas. McCartney adaptó un trozo de Bourrée a la apertura de "Blackbird", y la uso como la idea principal de la música del tema.

La primera vez que interpretó este tema fue una noche en que Linda Eastman, que más tarde se convertiría en la esposa de Paul, dormía en su casa mientras McCartney se la cantaba a los fans que acamparon afuera de su casa esperando ver a su Beatle favorito.

La estructira de la canción es bien basica ya que solo usa una guitarra, voces y el canto de las aves. De acuerdo con Mark Lewisohn, el sonido que se escucha por el canal izquierdo en la canción y que suena como el pie de McCartney golpeando el suelo es un metrónomo mecánico. Pero podemos ver en la The Beatles Anthology que es Paul golpeando el suelo con el pie, y que se habia confundido como un metrónomo para los productores: el tempo fluctúa entre 89 y 94 bpm a lo largo de la canción.

Muchas bandas e interpretes se han dado el lujo de hacer covers de esta hermosa canción: Phish, the Grateful Dead, Billy Preston, Kenny Rankin, Carly Simon, Bonnie Pink, Arturo Sandoval, Jesse McCartney, Dionne Farris, Crosby, Stills & Nash, Doves, Brad Mehldau, Sarah McLachlan, Harpers Bizarre, Bobby McFerrin, Jaco Pastorius, Dan Fogelberg, Dave Grohl, Dave Matthews Band, O.A.R., Elliott Smith, Justin Hayward, Marillion, y Maria João & Mário Laginha.

Dato Curioso: Charles Manson (criminal estadounidense, fundador y líder de "La Familia") tomó la canción Blackbird junto con "Helter Skelter" y "Piggies" (las tres de la banda de Liverpool) como una metáfora para las relaciones entre blancos y negros en los Estados Unidos, lo que ayudó en la inspiración de sus asesinatos.

MIRLO

Mirlo que cantas en plena noche
Toma estas alas rotas y aprende a volar
Durante toda tu vida
Sólo esperabas este momento para alzar el vuelo
Mirlo que cantas en plena noche
Toma estos ojos hundidos y aprende a ver
Durante toda tu vida
Sólo esperabas este momento para ser libre
Mirlo, vuela
Mirlo, vuela
Hacia la luz de la oscura noche negra
Mirlo, vuela
Mirlo, vuela
Hacia la luz de la oscura noche negra
Mirlo que cantas m plena noche
Toma estas alas rotas y aprende a volar
Durante toda tu vida
Sólo esperabas este momento para alzar el vuelo.

Bonus Track: Paul McCartney grabando Blackbird en el estudio. Noten sus pies...

(WHITE MAN) IN THE HAMMERSMITH PALAIS/ THE CLASH

"(White Man) In Hammersmith Palais" es una canción de la banda The Clash escrita por Joe Strummer y Mick Jones. Fue emitido el 16 de junio de 1978. En 1979, fue incluido en la versión americana del álbum The Clash.

El estilo reggae de "(White Man) In Hammersmith Palais" lo convirtieron en el segundo tema del género grabado por la banda, luego del cover de "Police & Thieves" lanzado en su álbum debut.
La canción mostró una considerable madurez musical y lírica en la banda en ese momento mostrando un intro de guitarra muy potente que desciende en un lento ritmo ska, y esto logró desorientar a muchos de los fans que se habían acostumbrado a su sonido mas potente de guitarras y riffs punk. Con respecto a esto el lider la banda, Joe Strummer, se referia "Éramos un gran grupo grasiento a riffs" ademas señala en un documental "nadie suponia que nosotros hariamos algo así".

Es por ello que "(White Man) In Hammersmith Palais" ayudó a diferenciar a The Clash política y musicalmente de las otras bandas punk contemporáneas como los Sex Pistols que defendían ideas nihilísticas y anárquicas en canciones homogéneas y crudas.

La canción comienza relatando un recital de reggae en el Hammersmith Palais del distrito Shepherd's Bush en el oeste de Londres al que asistió Joe Strummer y que fue encabezado por los músicos Dillinger, Leroy Smart y Delroy Wilson. Strummer expresa en la letra su decepción por la superficialidad de la presentación, alejada de las raíces rebeldes del rock y más parecida al estilo pop del cuarteto The Four Tops (un grupo pop barato bailable) al que menciona explícitamente. Ademas le rinde homenaje al lugar donde se efectuaba dicho concierto, como dijo Strummer"en un lugar donde se crearon las raíces de rock que fue la esperanza de una rebelión".

El tema luego se desvía del recital para abordar otras temáticas relacionadas con la situación británica del momento. Primero, la canción da un mensaje contrario a la violencia ("no te llevará a ningún lado jugar con tus armas"), luego critica la distribución de la riqueza en el país ("por qué no llamamos a Robin Hood para pedirle una mejor redistribución"), analiza la desviación de las bandas punk de la lucha por ideales en favor de beneficios personales ("están todos ocupados peleando por una mejor ubicación bajo el alumbrado" (...) "convierten la rebeldía en dinero") y, finalmente, expresa temor por la expansión del fascismo en Inglaterra ("si Adolf Hitler viniera hoy lo llevarían en limusina").

Ademas, incluye una burla a un grupo (no da el nombre) que usan trajes Burton, muchos creen que esta frase iba dedicada a la banda The Jam (aunque en un artículo de la NME Time, Strummer alegó que el objetivo era el poder emergente de la moda para los periodistas lo cual seria un "noticíon" en 1978 ).
Tambien podemos señalar que la letra llega a la conclusión de que los nuevos grupos simplemete sueñan con ser famosos y ganar dinero (aunque la banda de punk rock The Crass criticó a The Clash por venderse al sistema).

Este tema fue el favorito de Joe Strummer que, luego de la separación de The Clash, continuó tocándolo con su banda The Mescaleros hasta su muerte en 2002. Tanto es así que fue la única canción tocada en su funeral.

En 2007, se decidió que la canción fuera la última en interpretarse en el Hammersmith Palais antes de su demolición. Paul Simonon, ex bajista de Clash, fue el encargado de la interpretación junto a su banda The Good, the Bad and the Queen y se especulaba que su ex compañero en The Clash Mick Jones pudiera llegar a acompañarlo. Sin embargo, Mick Jones no participó del show de la banda el 31 de marzo y, para sorpresa y desprecio de algunos fanáticos, el último recital se celebró un día después con la banda The Fall como responsable.

"(White Man) In Hammersmith Palais" fue ubicada # 430 en la Lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

(HOMBRE BLANCO) EN EL HAMMERSMITH PALAIS

Uno, dos, un, dos, tres, cuatro

Es medianoche y hay seis hombres
Estan por primera vez desde Jamaica
Dillinger y Leroy Smart
Delroy Wilson, operan con calma

Ken Boothe y su pop reggae para el Reino Unido
Con el apoyo de una banda de sonido
Y si tengo algo que decir
Hay muchos oídos negros aquí para escuchar

Pero estuvieron los Four Tops toda la noche con sus fases de bises
Cargando los graves y los agudos a cuchillo
Pero no es el escenario el que no tiene raíces del rock rebelde
No es el escenario que el que no tiene ... raíces del rock rebelde

Vestido para volver
Este es un ataque de bluebeat

Porque no van a llegar a ningun lugar
Engañando con sus armas
El ejército británico está esperandote afuera
Y pesa ciento quince toneladas

Jovenes blancos, el joven negro
Ecuenta una mejor solución
¿Por qué no teléfonean a Robin Hood
Y piden que distribuya la riqueza para todos...

Los rockeros- punk del Reino Unido
Aviso que no son todos
Pero estan muy ocupados luchando
Para un buen lugar bajo el alumbrado

Los nuevos grupos no se ven afectados
Con lo que hay que aprender
Tienen trajes Burton, ja!, y piensan que es chistoso
Cuanta rebelión en dinero

Todas las personas que cambian sus votos
Junto a sus sabelotodos
Si Adolf Hitler viniera hoy
Lo llevarian en una limusina

Yo soy la droga que acecha en la noche como un lobo
¿Quién se ve tan enfermo bajo el sol
Soy el hombre blanco en el Palacio
Tú lo sabes, en busca de diversión
Sólo busco divertirme
Oh, por favor escuchen solamente
Bueno, yo sólo estoy en busca de diversión
Mirenme por diversión
No estas aso, usted no es asi