UNCLE ALBERT/ ADMIRAL HALSEY / PAUL & LINDA McCARTNEY

"Uncle Albert/Admiral Halsey" es una canción de Paul y Linda McCartney, que fue lanzada como single el 2 de Agosto del año 1971. Además, esta llamativa pieza musical está incluída en Ram, su segundo album en calidad de solista que es considerado por la prensa como una de sus joyas en su etapa pre-Beatle, junto al "Band On The Run".

Si hubo un Beatle que se las lloró todas tras la ruptura, ese fue el señor Paul McCartney. Cuenta la leyenda que tras el quibre de The Beatle, "Macca" cayó en una profunda crisis que estaba influenciada por sus problemas judiciales y la pena por la traición de sus compañeros de banda.

Tras una larga temporada de descanso en su granja de Escocia, un renovado Paul se puso manos a la obra junto a su amada esposa y empezaron a trabajar en su nuevo proyecto musical: El renombrado Ram, que tenía un aire a nostalgia y a desintoxicación de tantos malos ratos.
En esos días no le falta inspiración al ex-Beatle, y en medio de esos hermosos paisajes británicos hasta la música salía cálida.
Una de esas tantas piezas musicales estaba inspirada en un tio del músico, de nombre Albert, que tenía una insólita forma para pasar sus borracheras. Resulta que el tío Albert, cada vez que se pasaba de copas, empezaba a leer la Biblia a viva voz siendo que en su etapa sobria se declaraba un ateo de canchas profesionales. De tanto ver el acto de su familiar, Paul le dedicó una canción que llevó como título: "Uncle Albert". "Es para alguien que recuerdo con cariño, y cuando la canción suena, simplemente llama a la nostalgia" señalaría Paul mesos desúés de su publicación.

Musicalmente, la canción es una pieza donde "Macca" se dió el lujo de experimentar diversos sonidos y efectos vocales. No se asuste si escucha un teléfono o un trueno, o si la voz del cantante pasa a sonar como un disco de mala calidad, es que puede parecer una canción infantil, pero en realidad es otra de las cartas mágicas de este músico.
Al parecer, esta canción no tuvo mucho tiempo en ser terminada y debido a que la fecha de publicación del LP ya se aproximaba, el ex-Beatle decidió adjuntarla a otra de sus piezas que tenía guardada por ahí sin darle el punto final. Y qué mejor mezcla que poner a su lado a "Admiral Hasey", una extraña e irónica pieza instrumental, que tiene un aire a "Yellow Submarine", que lleva su nombre por el famoso almirante de la armada estadounidense William Frederick Halsey. Si bien, esta canción no tiene nada ligado a la aventuras de ese "inocente" soldado, McCartney señaló, quizás de manera burlona, que tituló así su canción porque ese personaje "era uno de los nuestros, era un almirante americano".
La frase más llamativa de esa pieza musical, es "Hands across the water", la cuál está cantada por Linda y Paul de manera magnífica, y además tiene cierta relación, o una simple metáfora a los sucedido en Pearl Harbor, donde ese almirante tuvo una participación protagónica dentro de la matanza. Al parecer, es el más puro humor inglés esa letra...

En esta sección del disco, Paul logra retomar su gusto por las mezclas, tal como lo hizo en el lado B del disco Abbey Road, pescando canciones y uniéndolas como quien hace una sopa o una ensalada.
Además, el ex-Beatle se dió el lujo de incluír en la parte intermedia de su experimentación un llamativo solo de Fliscorno, donde el encargado de su interpretación fue el famoso trompetista Marvin Stamm. Ese detalle musical si que marcó a la canción...

Tras ser publicada en los Estados Unidos, la prensa le dió con todo a esta nueva canción de McCartney, donde los mas suave que escribieron en sus páginas era que el artista quería probar suerte con melodías "infantiles" y efectos sonoros de dudosa calidad. Si hasta John Lennon, su ex-compañero de banda, se dió el lujo de criticar a su colega y dejarle muy en claro a su colega que tenía que volver a sus dulzonas y simples melodías para lograr ganar un puñado de dólares.
Pero "Macca", fiel a su estilo de bajo perfíl, les tapó la boca todos cuando a mediados de Agosto ya estaba liderando el Billboard Hot 100. pero eso no era todo, ya que pasaron unas cuantas semanas para que el autor de "Yesterday" estuviera posando junto a su esposa con un disco de oro en las manos, tras lograr vender mas de un millón de copias del single. En esos días, la prensa tenía que rendirse a los pies de Paul, quien volvía con todo y lideraba los charts tanto en ventas como en popularidad.
Estaba mas que claro en ese entonces que Paul no estaba muerto, simplemente andaba de descanso...
Que la disfruten!

CLOSER TO THE HEART / RUSH

"Closer to the Heart" es una canción de la banda canadiense de rock progresivo Rush. Esta pieza musical fue lanzada como single en Octubre del año 1977 promocionando su quinto album de estudio: A Farewell to Kings (1977).
En ese disco, Rush empezaba a emplear los sintetizadores y además empezó a experimentar con varis elementos de la música clásica con el fin de dar un nuevo sonido, que a la vez no perdiera la escencia de sus antiguas melodias mezcladas con sus interesantes temáticas líricas. Pero si hay algo que caracteriza a esta banda es la calidad de sus tres músicos donde cada uno se luce en sus instrumentos: Geddy Lee como bajista, teclista y cantante, los interesantes riffs de guitarra en los dedos de Alex Lifeson y el señor Neil Peart, considerado por la prensa como uno de los mejores bateristas del Rock

"Closer to the Heart" tuvo su origen en un escrito de alguien externo a la banda, algo que hasta ese entonces no ocurría dentro del clan Rush. Se trataba de Peter Talbot, quien era amigo Neil Peart, y que un día le enseñó una de sus tantas reflexiones sobre las injusticias sociales, un de sus temas favoritos.
En ese escrito había una crítica suave a esas personas que llegaban a ser gobernantes tras ganarse el voto y el aplauso del pueblo basándose en promesas de papel, y una vez que llega a ese sitial se olvida de todo y al parecer se vuelve ciego al no respnder a las demandas reales de su pueblo. Tambien hace referencia a la importancia de los filósofos y los revolucionarios dentro de la sociedad, ya que ellos son los capaces de sembrar una nueva forma de pensar, y dejar de lado esa idea de creer todo lo que nos dicen los políticos.
La reflexión final de la canción es que los presidentes aparte de prometer por montón, pasear su ego y escribir falsos discursos también deben gobernar con el corazón, y con los ojos bien puesto en lo que requiere su pueblo.

La historia cuenta que en Junio de 1977, en los Rockfield Studios, unicados en Gales, Peart llevó parte de la canción para ensayarla junto a sus compañeros. Una vez que la empezaron a tocar, y que ya la tenían casi lista, los tres músicos decidieron darle rienda suelta al tema ya que era buen momento para lanzarla como single previo a las fiestas navideñas, donde su temática calzaba perfectamente ya que los corazones están mas sensibles en esa temporada (?).

Pero los cálculos de la banda, en cúanto a las ventas del single, estaban algo errados. A pesar de que llegó sólo al puesto #36 del UK Singles charts en Febrero de 1978, esta canción se convirtió en el primer hit de la banda en tierras británicas.
Con ese pergamino, "Closer To The Heart" se convirtió en pieza fundamental para el repertorio de Rush en sus actuaciones en vivo, donde la canción toma un sonido mas potente y crudo.

Sobre esta tematica, en una entrevista del año 1991, Lifeson declaró sobre la versión en vivo de esta canción:"Había una sensación de que la canción había cambiado un poco, especialmente en su fase final. Probablemente eso se traduce mejor en vivo, donde la parte visual tambien juega un papel importante. Sin embargo la energía es la misma, ya que es una canción muy aplaudida. Por algo sigue siendo relacionada con la banda durante más de 13 años. "

Un 28 de Marzo del año 2008, Rush entró a la historia musical de su país, ya que cinco de sus canciones mas aclamadas entraron al Canadian Songwriters Hall of Fame, y entre ellas estaba "Closer to the Heart"... Eso lo resume todo!
Que la disfruten!

REBEL ROUSER / DUANE EDDY

"Rebel Rouser" es un instrumental del famoso guitarrista estadounidense Duan Eddy que fue publicada en Abril del año 1958.

Para los críticos, la técnica y las composiciones de Eddy son tan importantes como el papel que jugó Chuck Berry en darle rienda suelta al Rock and roll en estado natural. Es que pese a que sonaran algo simples, y con una base repetitiva, las obras de este músico oriundo de Nueva York quedaron como una buena influencia para otras bandas, que tomaron sus acordes para crear nuevos sonidos y experimentar otra dosis de rock. De ahí, que Duan Eddy no puede ser olvidado, menos si fue el pionero en utilizar varias técnicas de estudio para modificar el sonido de su tan aplaudida guitarra.

Viajemos a mediados de Marzo del año, específicamente a los estudios de grabación del sello Phoenix. En una de esas salas se encontraba Duan Eddy junto al productor Lee Hazlewood echando a andar unas nuevas composiciones que tenían en carpeta para el LP debut del guitarrista.
La historia cuenta que Lee Hazlewood antes de dedicarse a la producción trabajaba como disc-jockey en una radio de Arizona, y en sus manos pasaban muchos discos y singles de varios artistas, de distintos estilos y nacionalidades, lo cuál fue de vital ayuda para empezar un nuevo rumbo: La composición.
Si bien sus piezas musicales son material de culto para las nuevas generaciones, estas no tuvieron mucha repercusión en su época, lo cuál fue muy opacado por su llamativo trabajo con eddy, en donde el productor jugó un papel clave en la creación de un sonido auténtico y que marcara la pauta dentro de la amplia gama de artista que aparecían y desaparecían de los charts.

Tras el éxito de su primera pieza llamada "Moovin' N' Groovin", la dupla Eddy- Hazlewood empezaba a trabaja en esa mítica sesión de grabación una pieza titulada "Rebel Rouser", la cuál seguía la "onda" fiestera de su antecesora pero con un sonido mas "gangoso" en la guitarra. Es que en esta nueva canción los dos músicos idearon un singular efecto de sonido utilizando el eco que producía un estanque de agua que estaba en la sala.
Para dar rienda suelta a su idea, Eddy pescó su amplificador y lo ubicó a los pies del estanque, y le agregó un microfono para que la grabación saliera perfecta.

El resultado final fue un sonido perfecto, dándole otro aire a la canción con un ritmo arrollador y de alta claidad para su época.
ese detalle ya la hacía original, y para no perder la línea de su anterior hit, Lee Hazlewood decidió incluírle una parte de saxofón como respuesta a esos crudos riffs de guitarra en los dedos de Eddy. Para ello, el productor contactó a Gil Bernal, un músico de sesión que trabajaba en Los Angeles y también llamó al grupo doo-wop "The Rivingtons", que en ese entonces estaban recién contratados por el sello, tras casi 4 años golpeando puertas y grabando singles de manera semi-profesional. Eso si, en esta pieza musical los Rivingtons sólo grabaron sus palmas y participaron en el acompañamiento vocal.

Fue en una de esas tantas sesiones de grabación, en que apareció por el estudio el señor Umbral Lester, que era gerente del Sello, y tras escuchar la interpetación en vivo del solo de guitarra en manos de Duane, le señaló euforicamente a Hazlewood: "Hey, esa guitarra tiene un sonido gangoso" y se cayó al suelo de tanta risa mientras los músicos lo miraban con un signo de interrogación en la mente. A raíz de esa simpática broma(?) del ejecutivo del sello, Eddy decidió bautizar a su primer LP como "Have Twangy Guitar Will Travel", aunque nunca le gustó que tildaran que su guitarra sonara de esa manera.

"Rebel Rouser" fue el hit del verano en 1958, llegando al sexto puesto del US Charts y a la casilla #19 en el reino Unido. Todos esos pergaminos hicieron de Eddy una estrella del rock and roll...
Que la disfruten!

NOW I'M HERE / QUEEN

"Now I'm Here" es una canción de la banda británica Queen, que fue lanzada como single un 17 de Enero del año 1975. Además, esta famosa canción forma parte del repertorio del disco "Sheer Heart Attack", el tercer trabajo de la banda, y con el cuál lograron buenas críticas por parte de la prensa demostrando que eran una banda distinta. Este Lp se caracteriza por contener piezas musicales de alta calidad musical, con una experimentación con variados estilos musicales que deja los pelos de punta, y eran la antesala hacía la fama mundial.

"Now I'm Here" fue escrita por el guitarrista Brian May mientras se encontraba hospitalizado a causa de una hepatitis.
Fue en esa sala, junto a su guitarra acústica, que este crespo guitarrista creó uno de los riffs mas representativos de la música de Queen para compañar una letra nostálgica, que hablaba sobre la vida detrás de las giras y los conciertos. En ella, Brian nos habla de los momentos díficiles y de aquellos que marcaron su vida en cada lugar que conoció mostrando su arte cuando aún no eran tan conocidos, y tenían que sufrir el largo camino a la fama extrema.
Es que a May, al igual que a sus compañeros de banda, no les fue muy fácil ser conocidos por su talento. Si bien, antes de Queen cada uno ya tenía una experiencia en estudios de grabación y conciertos de mala suerte, les costó mucho llegar a ser reconocidos por sus pares y especialmente por los productores de los sellos, y cuando ya, por el año 1974, la banda tomaba su rumbo hacia la inmortalidad, su guitarrista le regala esta canción de alto calibre.

En "Now I'm Here" hay varias frases que tienen un significado oculto para la banda y sus fans. Por ejemplo la frase "Down in the city just Hoople and me" tiene que ver con la extensa gira que hizo la banda por Estados Unidos junto a sus compatriotas de Mott the Hoople.
También podemos encontrar un breve homenaje al gran Chuck Berry en la frase "Go, go, go, little queenie" que hace referencia a su gran hit "Little Queenie", que quizás era uno de las piezas favoritas de May y compañia en esos días...

En fín, esta pieza musical contiene un riff de miedo, que deja los pelos de punta y que en los conciertos sonaba mil veces mejor, ante una llamativa performance del gran Freddie Mercury en el inicio y en la parte intermedia.
Por esos detalles, la canción llegó a la casilla #11 del UK singles charts, siendo pizas fundamental dentro del repertorio de la banda hasta el año 1986, cuando se retiraron de los escenarios para descanzar de tantas aventuras... Total, hasta ese año ya lo habían ganado todo.

God save the Queen y que la disfruten!!!

THE LAST RESORT / EAGLES

"The Last Resort" es una canción de la banda estadounidense Eagles, que fue lanzada como single un 3 de Mayo del año 1977 promocionando su famoso disco "Hotel California" (1976), que fue todo un éxito comercial y quizás, el mejor disco de toda su carrera musical para esta agrupación oriunda de Los Angeles, California.

Dicho disco, que es el quinto que lanzaba la banda, estaba marcado por un cambio en el equipo, ay que entraba el guitarrista Joe Walsh a raíz de la salida de Bernie Leadon, que había sido uno de los fundadores de esta mítica banda.

Pese a que muchos críticos declaran que "Hotel California" es un disco sobrevalorado, ya que no contiene nada nuevo e innovador en material musical, para los Eagles este disco tuvo un carácter conceptual, y además su temática iba mas allá de los vaqueros, el campo y el sueño americano.
Don Henley, baterista y vocalista de la banda, siempre sale en defensa de su disco a tal punto que le puso la chapa de "disco urbano", ya que la temática de las canciones hablaban de problemas de drogas, divorcios, muertes, la fama y el sueño americano. Pero tambien, dentro de este disco, encontramos una canción relacionada con la destrucción de nuestro ecosistema. Esa es "The Last Resort", que fue escrita por el baterista del grupo.

La historia cuenta que Henley escribió esta canción tras visitar el Oeste de Estados Unidos, y conversar con muchas personas sobre la historia de esas tierras. Ahí fue donde escuchó muchas protestas de gente típica de la zona que acusaban a la gente del Este de haber sido los que realmente destruyeron el paraiso natural que rodeaba esos sectores. Además, fueron esos empresarios y colonos que mataron y exterminaron a los nativos americanos (o amerindios) con el fin de buscar riquezas y poder en esas tierras...

En esta canción Henley mezcla esa historia con una reflexión sobre el fin de la humanidad, y como esto lo causa simplemente las acciones bélicas del hombre que se auto-destruye bajo la leyenda del "avance".
Con uno geniales coros, donde la canción toma un tono a cántico de Iglesia, las palabras del baterista parecen caer en la perfección con el paso de los años, donde el querer avanzar en materia tecnologica nos ha hecho perder la escencia de ser humanos, y de razonar por un mundo mejor.

En 1987, en una entrevista con la Rolling Stone, el propio Henley habló sobre"The Last Resort" y dijo que sigue siendo una de sus canciones favoritas. Además agregó: "Me gusta porque se preocupa del medio ambiente en vez de hablar sobre drogas, excesos y relaciones amorosas. La escencia de la canción está en encontrar una solución a todo lo que destruímos. Porque el hombre es el único animal en la tierra que destruye su medio ambiente, y de esa idea es que me gusta la política de hacer proyectos que vayan en contra de la destrucción de los recursos naturales, ya que son necesarios en el futuro, donde todo está marcado por la ganancia y la codicia".

"Last Resort" es la pieza musical que da fin a este comentado disco de Eagles. Un disco quizás no tan maravilloso para ser considerado una joya de la historia del Rock, pero que contiene un par de canciones misteriosas, de alta calidad y otras que van de la mano con la realidad de la sociedad, y esas últimas quedan siempre colgadas como un retrato de nuestros actos ante el mundo...
Queee laaaa disfruten!

THE AIR THAT I BREATHE / THE HOLLIES

"The Air That I Breathe" es una canción de la banda británica The Hollies, que fue lanzada como single un 14 de Enero del año 1974 promocionado el disco "Hollies", un LP marcado por la vuelta de su vocalista original, el señor Allan Clarke, luego de un regular paseo por escenarios en calidad de solista.

Hablar de los Hollies, es hablar de una de las mejores bandas dentro de la escena del Pop-Rock, ya que con sus interesantes juegos de voces y una puesta musical muy variada, lograron quedar en la historia de los 60's y los 70's.

Pero una de sus canciones mas recordadas y a la vez mas coreadas por sus fanáticos fue un cover, pero en una versión espectacular.
Es que "The Air That I Breathe" estaba firmada por el cantautor gibralteño Albert Hammond y el famoso compositor británico Mike Hazlewood. De hecho, esta canción fue publicada en primera instancia como single en Junio del año 1973 y aparece dentro del álbum "It Never Rains In Southern California" de Hammond, pero no tuvo mucha difusión y terminó siendo una pieza más dentro del extenso catálogo musical de ese famoso artista que amaba las rancheras...

Pero "The Air That I Breathe" fue escrita por Hammond para una mujer muy especial, pero a la vez anónima. Estaba dedicada a una mujer que ayudó mucho a Albert en su estadía en Los Angeles, cuando este llegó con lo puesto y con una maleta llena de sueños y nuevos acordes.
Sobre este tema, recién en el año 1992 y en una entrevista con la BBC, el músico se dió el tiempo de hablar sobre esta canción. En esa ocasión mencionó: "Cuando escuchan la canción, muchos creen que las palabras van dedicadas a la mujer mas hermosa del mundo, pero no es así. Esta canción fue escrita para alguien común y corriente, quizás no tan bella fisicamente pero realmente hermosa en su espíritu. Esa mujer era cálida y amable y siempre la recordaré ... Esa persona me ayudó mucho e incluso me dió refugio a mi llegada a Los Angeles, cuando yo no tenía ningún lugar donde alojar" señaló el músico.
Además agrega: "Un día me senté al lado de Mike Hazlewood, y le conté todo lo que había vivido en esta ciudad y cuanto me hab´pia ayudado esa mujer. Fue en ese entonces cuando Mike dijo la frase "es el aire que respiramos", la cuál esta asociada a que en Los Angeles había mucho smog. Asi fue como nació esta canción, entre una historia de amor y una frase ligada a la ecología. Sea como sea, funcionó".

Pero volvamos a lo musical....Meses después de la publicación de Hammond, aparecería una nueva versión de la canción, esta vez en la voz de Phil Everly, el 50% de los famosos Everly Brothers, pero tampoco pudo enganchar con la gente. Al parecer esa "rola" era un caso perdido...

Por ese mítico año 1973, y mientras se dedicaba a su carrera como solista, Allan Clarke decidió poner el freno de mano e ir donde sus Hollies, esa banda que lo catapultó a la fama mundial. De esa manera y tras conversar variados temas, decidieron empezar a trabajar en un nuevo LP de bienvenida... Asi empezaron las grabaciones del espectacular "Hollies", un disco escencial para todo amante del buen rock.

Asi fue como contactaron al ingeniero Alan Parsons, que en ese entonces un personaje dentro de la historia del rock y que tenía en su curriculum el haber trabajado con bandas tan emblemáticas como The Beatles y Pink Floyd.
El primer corte que lanzaron fue otra versión de "The Air That I Breathe", pero esta vez con otra capa musical y con los sonidos típicos de esta agrupación inglesa.

La versión de los Hollies fue muy aplaudida por la crítica, especialmente por el toque de calidad en voz de Clarke y la motivación de los demás músicos.
"The Air That I Breathe", en voz de los Hollies, llegó al segundo lugar del UK Singles charts y se convertiria en su mayor hits dentro de los 70's.
En estados Unidos el single corrió la misma suerte, e incluso tuvo mayor promoción. Su llegada al puesto #6 del Billboard Hot 100 la dejó como una de las canciones mas escuchadas en el verano de 1974.

La fama volvía a los pies de los Hollies y de paso Albert Hammond también disfrutaba de la suya, aunque esta vez cantando en español. Asi fue, y aprovechando la promoción gratuita que le hacían los Hollies, Albert decidió publicar en el año 1976 una versión en español de esta canción, la cuál llevaba por nombre "Necesito poder respirar". Obviamente, fue un hit monumental en tierras de habla hispana...

Que la disfruten!!!!!

STRAIGHT TO HELL / THE CLASH

"Straight to Hell" es una canción de la banda británica The Clash, que fue lanzada como single un 17 de Septiembre del año 1982 como lado B de la popular "Should I Stay or Should I Go". Esta canción fue incluída dentro del "Combat Rock", un disco marcado por la amplia gama de estilos musicales usados en cada uno de sus tracks, y por las letras ácidas de Joe Strummer y Mike Jones, que iban desde las penas de amor hasta una crítica abierta a los Estados Unidos y a su imperialismo. Este disco sería el último que grabaría la banda con su formación original, ya que meses después Jones abandonaría la banda por problemas personales y por una fuerte adicción a la drogas.

Si hay algo que caracterizaba a esta banda, era su rebeldía. Es que los Clash fueron los encargados de llevar la bandera y acusar las injusticias sociales de su década. Ellos serían parte de la voz de aquellos jóvenes que querían cambiar su mundo, que querpian más oportunidades y que querían denuncia lo que encontraban injusto.

Strummer, un tipo que iba mas allá de los acordes de guitarra, siempre ponía en el ruedo en sus discos su descontento con los actores políticos y con las desigualdes sociales y en "Combat Rock" eso está reflejado en "Straight to Hell", una balada que deja los pelos de punta.

Bajo unos acordes oscuros y con aroma a reggae esta canción empieza con un discurso, en voz de Strummer, que iba en defensa de todos esos jóvenes e inmigrantes que quedaron cesantes con el cierre de varias fábrica en el norte de Inglaterra. Aquí los acusa de racistas, ya que el cantante cree que muchas de estas personas perdieron su trabajo por tener otros ideales y otras costumbres que no estan de la mano con lo que pedía la conservadora sociedad británica.

En la siguiente estrofa, Joe sale en defensa de esos niños que están solos y abandonados en Vietnam. Esos niños que fueron engendrados por varios soldados estadounidenses que aparte de matar gente también violaban a las mujeres jóvenes. Dentro de la canción, el músico los señala a estos niños como "Amerasian".
Luego de eso, Strummer empieza a hablar sobre el deseo de esos niños de ir a Estados Unidos para cumplir el "sueño americano", aunque este simplemente sea una metáfora para mostrar algo lindo pero a la vez, invisible...
Claro, es que el niño "Amerasian" compra todo lo que ve en la TV y a raiz de eso cree que vivir en esas tierras le traerá riqueza y un buen vivir. "No hay necesidad de ir, vayan directamente al infierno, niños" es la frase que mejor refleja el sentir de esta "rola".

A pesar de que la canción contiene una fuerte crítica a las plásticas costumbres norteamericanas, lo más insólito de t6odo esto es que el single fue un éxito en esas tierra. Con "Straight to Hell" vino el primer disco de oro de The Clash en Estados Unidos.
Pocas bandas lograron esa sensación de amor/odio con ese país. Es que musicalmente la banda era grito y plata, pero en su mensaje hacía pedazos a sus actores políticos, sus ideales y su imperialismo... Es que simplemente eran los Clash...

Que la disfruten!

ROCK AND ROLL MUSIC / CHUCK BERRY

"Rock and Roll Music" es una canción del famoso músico estadounidense Chuck Berry, que fue lanzada como single en Septiembre del año 1957, y además fue incluída en su segundo LP, el aclamado One Dozen Berrys.

Hablar de Chuck Berry es hablar de rock and roll en estado natural, ya que es considerado por la prensa un pionero dentro de la génesis de este género musical debido a que sus creaciones traían todo el lado salvaje del riff, la potencia vocal y las ganas de destrozar el mundo bailando.
Si bien, en materia comercial Elvis es el Rey del Rock, en lo estrictamente musical el dueño de ese trono debería ser Chuck Berry, porque él hizo el camino para muchas bandas que tomarían su bandera y la romperían en los charts.

Un 6 de Mayo del año 1957, en los estudios de Reprise Records, ubicados en Chicago, el señor Chuck Berry empezó a grabar una nueva canción para su catálogo. Se trataba de "Rock and Roll Music", una pieza musical basada en un pegajoso riff de guitarra que acompaña un relato de un jóven que sólo quiere vivir y disfrutar del rock and roll. Al igual que su anteriores composiciones, esta no contenía una lírica poética o díficil de entender, sino que iba más ligado a lo fácil y apto para la pista de baile.

Bajo la producción de los hermanos Leonard y Phil Chess, Berry encontró la salida para su canción, la cuál fue grabada junto al pianista Lafayette Leake, el baterista Fred Below y el "crack" Willie Dixon en bajo. La importancia de Dixon para la música Pop, fue su aporte en la base sonora del Chicago Blues, un estilo musical que luego tomaría Bo Diddley, Freddie King y Magic Sam.

Recién el 21 de Mayo, "Rock and Roll Music" terminó de ser grabada lista para ser publicada, aunque pasarían varios meses para que viera la luz pública.
Llegó Septiembre, y la canción fue lanzada como single y en pocas semanas "Rock and Roll Music" ya estaba en el sexto puesto del Billboard R&B Singles y cuando ya se acabab el año 1957 la canción llegaba al puesto #8 del Hot 100. Ya estaba listo... Otro hit del mítico Chuck.

Tanto fue el éxito de esta rola, que incluso llegó a otros paises. Por ejemplo, en Inglaterra, donde en esos años el rock and roll aún estaba en pañales, cuatro jóvenes de Liverpool ya la tocaban en sus presentaciones en bares y clubes nocturnos. Se trataba de The Beatles, quienes grabaron la canción en 1964 para su disco Beatles For Sale. Se dice que la grabaron en el día que Chuck cumplía 38 años, como un homenaje a uno de sus artistas favoritos. En fin, la versión de los fab four fue casi tan exitosa como la de Berry y fue una buena estrategia para darse a conocer en USA...

En Marzo del año 1976, "Rock and roll Music" volvería al ruedo musical, pero esta vez en voz de los míticos Beach Boys. Con una nueva estructura musical y con unos coros que gritan "Rock, roll, rockin' and roll" esta versión llegó al puesto #5 del Billboard Hot 100, y nuevamente hizo que Chuck Berry volviera a las pistas musicales, demostrando que su leyenda estaba más viva que nunca...
Que la dis...!

YOU NEVER GIVE ME YOUR MONEY / THE BEATLES

"You Never Give Me Your Money" es una canción de la famosa banda británica The Beatles, que forma parte del mítico lado B, que es un medley de canciones, del disco Abbey Road lanzado en Septiembre del año 1969.

Este disco es uno de los mas aplaudidos dentro de la exitosa carrera de esta banda que pasó a la historia del siglo XX por sus extraordinarias melodías. "Abbey Road" es, en definitiva, la mejor despedida que una banda puede hacer a sus fans. Un disco completo, lleno de magia musical, con exploración musical de alta calidad y con cuatro músicos inspirados en crear melodías eternas.

Si analizamos el contexto en que se hizo ese disco, podemos llegar a la conclusión de que a mediados de 1969 las relaciones personales entre los cuatro integrante de la banda estaban en un nivel bajo, y la razón principal era el dinero.
Es que el derrumbe económico de The Beatles empezó en 1967 tras la repentina muerte de su manager Brian Epstein, quien tenía en sus manos todas las finanzas de la banda y no se le iba ningún peso fuera de las cuentas corrientes de cada integrante. Él era el cerebro financiero de una banda que era grito y plata, y de paso, con él se fueron muchos proyectos para los Fab Four.
Tras ese trágico episodio, John Lennon decidió contactar al señor Allen Klein, quien había trabajado con los Rolling Stones, y que tenía la "pinta" para reemplazar a Epstein... Pero ese fue el comienzo del fin.

El primero en reclamar la nueva administración de sus fondos, fue Paul McCartney quien decidió dejar estampada su protesta en una canción. Se trataba de "You Never Give Me Your Money", la cuál trataba sobre las disputas comerciales entre la banda y la nueva junta financiera.
"Esta canción iba directamente dedidacada a la actitud de Allen Klein hacía nosotros. No nos importaba la censura, pero estabamos cansados del "no hay dinero", "tenemos divertidos papeles" y todas las promesas que jamás cumplía. Era básicamente una canción sobre no confiar en cualquier persona y que encontró su camino en el medley final de Abbey Road" comentaría el mismo Paul en una entrevista hecha a un medio en el año 2002.

Cabe señalar, que para mediados del año 1969, cada uno de los miembros de Los Beatles tenían grabadas diversos demos de canciones aún sin terminar. En este caso, Paul buscó cuatro de sus canciones, y de una manera inteligente y muy profesional las logró combinar para que sonaran como una sola.
Asi fue como nace "You Never Give Me Your Money", que sería una de las melodias escenciales dentro de ese disco, ya que marca el inicio del "medley" que marcó la cancha para otras obras musicales.
También es una de las pocas canciones de The Beatles, que habla, aunque de manera metafórica e indirecta, sobre la desintegración de la banda.
Aquí Paul deja en claro su queja hacia esas personas que sólo buscan apoderarse del dinero de los demás bajo un delicado y suave toque de piano a ritmo de balada, hasta que la cosa se pone seria cuando aparecen los demas componentes de la banda, entregando una canción digna y el acompañamiento perfecto ante las quejas de "Macca" por no tener ni rastro de todo el dinero que ganaban, y denunciando que estas cosas hacen que las negociaciones se vayan "a las pailas".

Una de las frases que marcan el discurso de Paul es "Funny Paper", con la cuál él y los demás integrantes de la banda se sentían representados en cuanto a su frustración por todo el trámite que tenían que pasar hasta llegar donde sus contadores, quienes sólo redactaban y leían documentos sobre un dinero que no existía...
""Funny paper", eso era lo único que teníamos. Eran trozos de papel donde aparecían nuestros sueldos, pero jamás los vimos transformados en libras, chelines ó peniques. Todos teníamos una gran casa, un coche y una oficina, pero jamás obtuvimos nuestras verdaderas ganancias" comentaría George Harrison en 1969, tras comentar el tema de los recortes monetarios que hacían sus nuevos gerentes.

Asi fue como un 16 de Mayo del año 1969, The Beatles empezó a grabar esta nueva pieza de McCartney. En total, fueron 36 tomas las cuales llegaron a un repentino final cuando a raíz de los acrodes de guitarra un motivado John Lennon empezó a cantar: "One two three four five six seven, all good children go to heaven".

En esa sesión de grabación participaron Paul en voz y piano, John y George en guitarras y Ringo en la batería.
Recién el 1 de julio McCartney volvería a retomar la canción agregádole un doblaje a su voz, y
dos semanas después, el 15 de Julio, se agregaron nuevas percusiones.
El famoso solo de guitarra con que cierra la canción, fue escrito por Paul mientras estaba en Nueva York junto a su esposa, Linda. Dicho sólo fue agregado el 1 de Agosto, fecha en que la canción quedó terminada.

Una canción memorable, que nos relatata el inicio del fin de una de las bandas mas famosas en la historia del Rock, y que dejó un catálogo musical que nunca, pero nunca pasará de moda...
Que la disfruten!

THESE ARMS OF MINE / OTIS REDDING

"These Arms of Mine" es una canción del cantante estadounidense Otis Redding que fue publicada como single en el año 1962, y que dos años después aparecería incuída en su exitoso disco debut Pain in My Heart.

Puede sonar exagerado a ratos, pero aquellos que dicen que Otis Redding es sinónimo de Rock and roll están en lo cierto. Su furia al cantar bajo sus tonos Gospel pegados al Soul mas rasposo, del cuál sacaba a la luz toda su sangre afroamericana lo dejó para la eternidad como una de las figuras escenciales de la historia musical de los 60's.

Viajemos al año 1962. Por esa época Otis era parte de The Pinnetoppers, una banda liderada por el famoso guitarrista Johnny Jenkins. La historia cuenta que una tarde, Redding y sus compañeros de banda fueron a grabar su nuevo material a los estudios pertenecientes al sello Stax en Memphis. Por esos días, Otis no se encontraba muy a gusto con el estilo musical que practicaba la banda y ya tenía algunas ideas para grabar material por su propia cuenta.
Una vez que la banda grabó sus canciones, Otis se acercó a Phil Walden, ejecutivo del sello, y le pidió una oportunidad para grabar algo en calidad de solista. Walden no lo pensó dos veces, y al ver a Otis motivado decidió llamar al productor Joe Galkin para que participara en esa grabación.

Galkin decidió reclutar a varios músicos de sesión. El primero en ser contactado fue el pianista Booker T. Jones, pero en esos días se encontraba trabajando con otros artistas, pór lo que decidió no ir a la sesión. Así fue como llegó al estudio el guitarrista Steve Cropper, con quien Otis haría de las suyas en lo musical. En esa ocasión, Otis le enseñó a sus productores una canción que tenía guardada desde mediados de 1960. Se llamaba "These Arms of Mine"...

"La primera vez que ví a Otis fue en 1962. La verdad, es que no tenía ídea de que fuera cantante, ya que siempre lo veía conduciendo el auto de Johnny Jenkins. Pero una vez que lo escuchamos nos dimos cuenta de su talento. En esos días varios grupos musicales andaban en busca de cantantes para que grabaran sus futuros hits. Asi fue como llamamos a Booker, pero este ya se había ido. Asi que me senté al piano y empezamos a cantar canciones de Iglesia. Todo iba bien, pero después vino lo mejor: Comenzó a cantar "These Arms of Mine" y se me pusieron los pelos de punta. En medio de la canción apareció Jim Stewart (co-propietario del sello Stax) gritando: '¡Eso es! Eso es todo! ¿Dónde están todos los músicos? Tenemos que grabarla!". Así que llamé a los músicos que estaban presente en los estudios, y antes que se fueran a sus casas grabamos la canción" recordaría años después Steve Cropper en una entrevista con la Rolling Stone.

"These Arms of Mine" era una canción potente, y muy especial para publicitar a este nuevo artista. Bajo la batuta de Steve Cropper al piano y Al Jackson en batería, más todos los músicos de Stax records, lograron dar vida a esta pieza tan dulce y suave escrita por Otis.
Era una canción fenomenal, con aires y acordes muy parecidos a lo de Sam Cooke y Percy Sledge pero con una intensidad emocional que sería el gancho musical del gran Otis Redding.

Si bien el single que incluía a esta canción no fue un éxito de ventas, ya que sólo llegó al puesto #85 del US Charts, quedó como el primer paso en la corta pero exitosa carrera de este gran artista, que a los 26 años de edad perdió la vida en un accidente aéreo un 10 de diciembre de 1967 en Lake Monona.

Que la disfruten!

POWER TO THE PEOPLE / JOHN LENNON & THE PLASTIC ONO BAND

"Power to the People" es una canción de la mítica agrupación John Lennon and the Plastic Ono Band, que fue lanzada como single un 12 de marzo del año 1971.
Esta agrupación, que en realidad era la banda de apoyo del gran John Lennon. En esta nueva faceta musical, Lennon estaba muy ligado a los problemas sociales, a la protesta en contra de las guerras y a la fiel lucha por la Paz mundial. Con ese discurso, el ex-Beatle se dió el lujo de crear verdaderos himnos populares, que lo dejaron para siempre como uno de los compositores mas importantes del siglo XX.

Una de las frases más coreadas en las protestas de finales de los 60's era "Power to the people". Ese era el grito de lucha del pueblo obrero, de la clase trabajadora, y de los que pedían un minuto de Paz en el mundo. Era la frase escencial para protestar contra lo incorrecto y para tomar la batuta de los gobiernos opresores o instituciones que abusaban de sus empleados. Todo eso inspiro al señor Lennon para escribir un nuevo himno...

A finales del año 1970 la revista Red Mole, hecha y editada por grupos Marxistas, publicó unas llamativas entrevistas hechas por el activista y escritor pakistaní Tariq Ali y el historiador británico Robin Blackburn. Uno de los lectores de esa revista era el mismísimo John Lennon, quien quedaba muy a gusto con esas entrevistas e incluso quedaron muy reflejado sus ideales sociales en los pensamientos de estos dos intelectuales.
"Tariq Ali siempre conseguía el dinero para editar Red Mole, la cuál era una revista que siempre me hacía pensar. Cuándo leía "yo soy de la clase obrera, aunque no estoy en su núcleo porque soy millonario, pero siempre los estoy ayudando" era impresionante. Eso demostraba que cualquiera puede decir algo así, aunque no comas dde su mismo plato. Esto era impresionante, por eso escribí lo que sentía la gente, como si yo tuviera la culpa de todo. Lo que escribí era muy parecido a un titular de un diario, porque hablaba de lo que estaba pasando en ese instante" recordaría el músico en una entrevista con Andy Peebles para la BBC radio el 6 de Diciembre de 1980.

Grabada en los Ascot Sound Studios de Londres, bajo la producción del señor Phillip Harvey Spector, un genio dentro de la historia musical tanto por su estilo innovador en las perillas como en su tarea de compositor.
En esa ocasión la Plastic Ono Band estaba compuesta por: John Lennon (voz, guitarra), Bobby Keys (en saxofón), Billy Preston (en teclados), Klaus Voormann (en bajo) y Alan White (batería). Además, en esta canción se puede escuchar un coro de voces femeninas. Segpún los creditos del single, una de las participantes era Rosetta Hightower (que fuera integrante de The Orlons) y "otras 44 personas".

Tras ser lanzanda como single, Lennon fue entrevistado por Red Mole el 22 de marzo del año 1971. En esa ocasión comentó que " Power to the People" fue inspirada "por todo lo que se decía en esos días, aunque en jerga burocrática. Yo escribí 'Power to the People' de la misma forma con que saqué 'Give Peace a Chance,' como cosas para que la gente cante y además haga pensar"

PTTP llegó al puesto #11 del Billboard Hot 100 y a la casilla #7 del UK chart. Y además fue incluída en el compilado Shaved Fish del año 1975.
Una canción valiente, histórica, y que hoy en día sigue vigente con su mensaje a que el pueblo tome lo que es de verdad para el pueblo.
Para finalizar esta entrada, les dejo una frase de Lennon, en esa mítica entevosta con red Mole en 1971, donde se refiere a su lado político: "Yo siempre he sido de mentalidad política, y de estar en contra del status quo. Es bastante básica mi idea, especialmente cuando estás informado y aprendes a odiar y a temer a la policía, los miras como un enemigo natural. Tambien aprendí a odiar el servicio militar y a los ejércitos porque se lleva a varios jóvenes y los deja muerto en alguna parte. Quiero decir con esto, que es sólo lo básico que pide la clase obrera esa misma que comienza a desaparecer cuando se hacen mayores, forman una familia y finalmente son devorados por el sistema".

Sin nada mas que decir... Que la disfruten!

CORPORAL CLEGG / PINK FLOYD

"Corporal Clegg" es una canción de la emblemática banda británica Pink Floyd, que fue publicada en su disco "A Saucerful of Secrets", que data de Junio del año 1968.
Pink Floyd es una marca de peso dentro de la historia del rock mundial. Estos cuatro mosqueteros de la psicodelia y del rock progresivo, dieron cátedra en su época y demostraron ser una de las bandas mas innovadoras e interesantes, con un sonido único y una puesta escena muy llamativa.

Tras la partida de Syd Barrett, quien tuvo que dar su paso al costado a causa de sus excesos con las drogas duras que lo tenian en un mal estado mental, el resto de la banda decide retomar su camino musical y para eso decidieron incorporar al guitarrista David Gilmour. De paso, la batuta del grupo fue tomada por Roger Waters, uqien de inmediato se metió a los estudios de grabación para lanzar el segundo disco de la banda.

El resultado final fue "A Saucerful of Secrets" un disco que continuaba con el telón sonoro que había dejado Barrett, pero con un sello distinto en cuanto a las letras. Esto último se ve reflejado en la pieza "Corporal Clegg", en donde Waters habla, de manera irónica y crítica a la vez, sobre las guerras.
Recordemos, que con el paso de los años, esa sería una de las temáticas mas requeridas en las composiciones de Roger, todo esto ligado a que él perdió a su padre en un campo de batalla en 1944 .

En esta canción, Roger relata la historia de un soldado que perdió una pierna en la Segunda Guerra Mundial, y además al llegar a su casa se encuentra con su esposa hundida en el alcohol.
El título de la canción hace referencia al señor Thaddeus von Clegg, quien pasó a la historia mundial por ser el inventor del Kazoo. Este homenaje se debe a que dicho instrumento musical es usado dentro de esta canción, ya que su sonido simula un toque de clarín, muy usado en las marchas militares. Para ello Mason, Waters, Gilmour crearon una simática marcha con sus Kazoos, mientras que Wright se dá el lujo de toca el "Penny Whistle".

Un dato interesante salió a la luz pública en el año 2009, cuando en una entrevista con Mojo, Waters dijo: ""Corporal Clegg" está dedicada a mi padre, y a su sacrificio en la Segunda Guerra Mundial. Obviamente está hecha en un tono sarcástico. Un ejemplo de eso, es la frase que se refiere a que en la guerra se ganó una pierna de madera, visto como un trofeo".
Sobre la canción, el tecladista Rick Wright comentó sin pelos en la lengua:" Yo no creo que mis canciones fueran las únicas que sonaban mal en los primeros discos, algunas como Corporal Clegg, que es una canción de Roger, es realmente mala." Obviamente esta palabras de Rick dejan revotando esa frase que dice " sobre gustos no hay nada escrito"...

Muchos fanáticos aún estpan investigando si en esta canción hubo alguna participación de Barrett, o si en la voz principal cantan Gilmour y Mason bajo un efecto sonoro muy particular, aunque los fanáticos de Waters recalcan que esta pieza es cantada en un 100% por el "capo".
Si bien, sobre esos temas ningún integrante de la banda ha declarado alguna pista, sólo tenemos que aprovechar otra obra maestra de esta banda oriunda de Londres.
Que la disfruten!

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