miércoles, 26 de febrero de 2014

JUMPIN' JACK FLASH / THE ROLLING STONES



Era 1968, y los Stones estaban de para por diversos motivos. Uno de los principales era el sorprendente fracaso en ventas del disco "Their Satanic Majesties Request", un ejercicio de aires psicodélicos publicado en 1967.  Por esa razón los músicos se tomaron unas merecidas vacaciones con el fin de reflexionar sobre su próximo trabajo musical y aprender de este gran fracaso musical.
Asi fue como tras meses fuera de las pistas, donde la prensa empezó nuevamente a darle duro a la vida privada de cada uno de los integrantes de la banda, apareció  un nuevo single  el 24 de mayo de 1968. En este aparecía como cara A una rola muy energética, con tintes y aires renovados y que traía de vuelta a los Stones mas bluseros y de carretera. Se trataba de "Jumpin' Jack Flash", y el mensaje estaba mas que claro: Los Rolling Stones volvían al ruedo con todo...

La historia de esta canción empieza a inicios de 1968, cuando Mick Jagger y Keith Richards fueron a vacacionar a Redlands, California. En esa ocasión ambos Stones se quedaron conversando y bebiendo toda esa lluviosa noche en la mansión que tenía KR en esa hermosa ciudad en el condado de San Bernardino. Pero cuando ya amanecía, Jagger casi se muere de susto al ver una persona desconocida pasar por el patio, y sentir el repentino ruido de unas botas en el marco de la ventana de la pieza. Y cuando el vocalista de la banda estaba a punto de gritar, Keith se le acercó y le dijo: "Es solo el jardinero, se llama Jack Dyer y al parecer está saltando". Ahí estaba la frase para una buena canción...

A raíz de ese episodio, Keith encontró cierta inspiración, pescó su guitarra y empezó a improvisar un ritmo de blues mientras entonaba la frase 'Jumping Jack". Tras observar la cara de alegría de su compañero, Mick se  unió a él y le agregó a la frase la palabra Flash, y el resultado los dejó mas que motivados. Tenían la base de una nueva canción (la cual fue titulada en primera instancia como "Supernatural Delta blues by way of Swinging London") , y todo gracias al jardinero de la casa.

 "Esta canción surge tras todo lo ácido de "Their Satanic Majesties Request". Solo trata de salir de los momentos difíciles y duros. Es tan sólo una metáfora para salir de todas esas cosas ácidas" declaraba en 1995 el señor Mick Jagger. Y era así, la canción no tiene nada que ver con mensajes ocultos a drogas, ni referencias al sexo ni a los excesos, simplemente era una canción para sentirse bien y empezar a volar a pesar de problemas.
Si Jagger lo tomaba de un tono mas emocional, el otro autor, el señor Keith Richards, se iba mas a lo técnico, y declaraba que su fanatismo por esta canción venía de lo orgulloso que se sentía por haber creado un riff pegajoso y muy particular para la historia de la banda.  "Cuando uno consigue un riff como el de 'Flash ', aparece una gran sensación de euforia, algo así como una alegría perversa ", declaraba el guitarrista a la Rolling Stone en el 2010. Además, agregaba que "puedo oír a toda la banda despegar detrás de mí cada vez que toco ' Flash'. Y ahí viene ese toque adicional donde todos van marchando para subirse al riff  y empezar a tocar. Es lo mas cercano a la levitación".

Pero años antes de esas palabras de Keith sobre el riff, en 1989 exactamente, en su autobiografia titulada Stone Alone: The Story of a Rock 'n' Roll Band, el bajista Bill Wyman sorprendería a todos los "Stonesmaniticos" al declarar que el mítico riff de guitarra no fue creación exclusiva de Keith, y que fue él el verdadero artífice de esa parte de guitarra durante los ensayos en los Olympic Studios de Londres, Inglaterra.
En esas páginas, el bajista declaraba: "Estábamos en el estudio temprano una vez... de hecho creo que era un ensayo, no creo que haya sido durante una grabación. Y estábamos ahí Brian (Jones), Charlie (Watts) y yo - los Stones nunca llegaba temprano ni juntos, sabes - y Mick y Keith no habían llegado. Y estaba pasando el rato sentado al piano y comencé a tocar este riff: da-daw, da-da-daw, da-da-daw, y después Brian comenzó a tocar su guitarra y Charlie le estaba dando el ritmo. Estuvimos tocándolo por 20 minutos, y cuando llegaron Mick y Keith  paramos, y ellos dijeron: 'Hey, eso suena muy bien, continuen, ¿qué es?.' Al siguiente día lo grabamos, Mick escribió una grandiosa letra y resulto ser un muy buen sencillo."
Tras estas declaraciones, ni Mick ni Keith le han dado tanto hincapié a esas palabras, y pocas veces le han dado importancia. Eso si, en mas de alguna ocasión ambos han mencionado que frases como esa simplemente van ligadas al disgusto del bajista por no aparecer en los créditos de esa mítica canción que grabaron el 23 de Marzo de 1968. De hecho, en 1997, Keith llegó a decir que el riff simplemente "era lo inverso al que usamos en "Satisfaction". Ambos son intercambiables, salvo que esta vez no usamos una Gibson Maestro Fuzztone". Además, el musico agregaría que "me encanta "Satisfaction", es buena y todo eso, pero los acordes son más o menos simples y cumplen el rigor en cuanto a la composición de canciones como esa. Pero "Flash" es particularmente interesante. Es el todo en estos momentos. Es casi árabe o muy vieja, arcaica, clásica, y contiene las configuraciones de acordes que sólo se podía oír en los cantos gregorianos o algo por el estilo . Y tiene esa mezcla extraña de Rock and roll junto a esa música muy, muy antigua, que ni siquiera sabes como las hicieron. Es mucho mayor que yo , y eso es increíble ! Es como un recuerdo de algo, y no sé de dónde vino" .

Pero eso no es todo, ya que para refutar las palabras del ahora ex-bajista de la banda, en el 2003 el baterista Charlie Watts declaró que el riff y los solos de "Jumpin 'Jack Flash" eran de su amigo Keith. Incluso agregó que fue el guitarrista quien le pidió, en esa sesión de grabación, que tocara la batería de cierta forma que acompañara del todo a su nueva creación. "El sonido de "Jumpin 'Jack Flash" es muy fuerte, porque nosotros nos sentamos cerca el uno con el otro y empezamos a tocarla en el estudio. Fue algo asombroso, tanto par nosotros como para los ingenieros en ese día. Nunca hicimos algo así. Nunca mas lo haremos" agregaba el baterista, que además es adicto al buen jazz.

Mas allá de quien hizo el riff y quien no lo hizo, la canción fue tdo un éxito. Es que con "Jumpin 'Jack Flash" la banda volvía a la cima de los charts y al éxito de años atrás. Es que este single llegó al puesto #3 en Estados Unidos y a la cima del UK Singles charts. Esto marcaba la vuelta de la banda a los charts, y el fin de la mala racha, pero a pesar del éxito la canción no fue incluída en ningún disco y quedó simplemente como single, pero en el repertorio de la banda en vivo siempre ocupa un lugar especial.
De hecho, el canal de televisión VH1 colocó a esta canción en el puesto #65 en su lista "100 Greatest Rock Songs". Mientras que la revista Rolling Stone la colocó en la casilla #124 en el especial "500 Greatest Songs of All Time". y en Marzo del 2005, la "Q magazine" dejó a "Jumpin' Jack Flash" en el segundo puesto de su lista "100 Greatest Guitar Tracks".

Que la disfruten!!!






lunes, 24 de febrero de 2014

IT'S OVER / ROD STEWART



Esta a puertas de los setenta años de edad, y bajo su teñido pelo rubio y un conjunto de arrugas faciales Rod Stewart aun tiene pila para rato sobre los escenarios. Es que este músico y cantante de nacionalidad escocesa, pero nacido en Londres, y fanático a rabiar del Celtic de Glasgow, tuvo en las guitarras y el rock and roll lo que no le pudo dar una quebrada carrera como futbolista: Fama, dinero y mujeres.
Pero los años no pasan en vano, y había llegado el tiempo necesario para darle una nueva faceta a su vida , esa de sentarse frente a las cámaras y decirle a los medios que "ya no era bebedor ni mujeriego" y que de una vez por todas quería dejar de lado los escándalos que iban mas allá de sus acordes.

De hecho, esta etapa de desintoxicación (?) partía en el 2012, cuando en su autobiografía titulada "Rod" y escrita por el periodista Giles Smith , el músico no dejaba nada a la imaginación y contó todas sus historias ligadas al manoseado lema rockero: Sexo, drogas y rock and roll.  "Yo solo estaba disfrutando del mundo, al igual que todo tío que tuviera esta oportunidad" comentaba Stewart sobre su imagen hedonista. "Para mí, tomar drogas era una cosa social" añade cuando entra en tema los excesos tras los shows.
"Rod" fue todo un éxito en ventas, la fanaticada quedó sorprendida con estas declaraciones de su ídolo, y además disfrutó con cada historia y con derribar mitos como su supuesta faceta de tacaño. Y sí, Rod Stewart en esas páginas se declaró un fanático del dinero, y que le gusta ahorrar y no despilfarrar con mucha urgencia, pero a la vez no se declara un tacaño profesional, sino que gusta ayudar, y gastar en cosas necesarias y que le hagan ser feliz como persona.  " A causa de mi orgullo, y de mi herencia escocesa , solía decir cosas como ' No me importa comprar una ronda de bebidas, pero no compro dos' . Era algo con lo cuál siempre bromeó y a la vez siempre termino diciendo. Soy sagaz sobre el tema de dinero, yo invierto bien y cuido de ella. Pero está en mi naturaleza ser generoso . Me preocupo de la gente " declaraba en The Telegraph en ese mítico 2012. "Hay mucho dinero que gano fuera de estos dos músculos que trabajan juntos a la par" declaraba en esa entrevista el interprete de "Maggie May" mientras señalaba su garganta.

Pero este artista no solo se quedaba en el gusto por los excesos, la pelota y el rock and roll sino que también es un fanático de las mujeres, y su aspecto de seductor fue su mejor herramienta a la hora de conquistar al sexo opuesto, aunque tuviera un anillo de compromiso.
Cuenta una de las tantas leyendas sobre este músico que cuando todavía estaba casado con Alana Hamilton,  se las dió de galán y como todo un campeón de la seducción se las arregló para salir con las modelos Kelly Emberg y Kara Meyers a la vez, alternando las citas en una misma noche y sin que nadie lo pillara.  Finalmente, de esta aventura terminó emparejado con Emberg pero su instinto de adicción a las mujeres lo hizo caer nuevamente en la infidelidad meses después cuando conoció a la actriz Kelly LeBrock. Pero esta vez Rod salió pillado y de la forma mas sorprendente. resulta que mientras cenaba en un lujoso restaurante junto a Emberg,  llegó el camarero de turno a la mesa y le dió una nota al músico que decía "Te echo de menos" y que estaba firmada  LeBrock. Esa misma noche lo mandaron a freir monos al Africa (?).

Pero en 1990 Rod conocería a Rachel Hunter, una jóven modelo de 21 años que protagonizaba videos de aerobica. El flechazo fue de manera inmediata, y en vez de usar su típicas frases de "ganador", Rod terminó imitando los ejercicios que hacía Rachel en sus videos. De esa manera la conquistó.
Se terminaron casando en Diciembre de 1990 y en Enero de 1999 ya se habían separado. Hunter confesaba que la diferencia de edad fue un factor importante para que su relación se fuera a pique. Juntos tuvueron dos hijos y el divorcio recién se logró en el año 2006, y el dinero, ese que a veces cuidaba tanto, fue nuevamnte tema para Rod.
“Sufrí una especie de fiebre romántica decimonónica” comentaría años después Rod al recordar el periodo en que Hunter se iba de su casa para siempre. Es que Rod le fue fiel a esta mujer, y eso demostraba que estaba enamorado hasta las "patas" y que por fin encontraba brazos para quedarse por una eternidad, peor la historia quiso otra cosa. Tras la ruptura, Rod quedó tirado en su sofá, se escondió en una de sus mansiones, hizo una terapia y empezó a practicar yoga. "Me dí cuenta que las estrellas de rock también deben pedir perdón" confesaría en una de esas entrevistas basadas en esa etapa de su vida.

Y para dejar en claro su nuevo estado de madurez, Rod también quizo dejar un legado musical que retrata este nuevo momento en su vida, donde la reflexión y las ventanas del pasado empiezan a navegar entre la nostalgia , y  el 3 de Mayo del 2013 salía a la venta "Time", un disco que traía nuevamente a Rod en su faceta original, con creaciones musicales nuevas y renovadas, y listas para dejar de lado discos de covers y una que otra reversión de clásicos setenteros y ochenteros de su repertorio.
Para este disco Rod vuelve a su faceta de compositor,  y la inspiración de sus nuevas creaciones era el aprender de los errores y escribir las enseñanzas de estos pasos de juventud, y una de las canciones que retrata parte de su pasado amoroso y ligado a los excesos de manera perfecta es la balada "It's Over".

Para esta balada Rod le pidió colaboración a un viejo conocido, el compositor  Kevin Savigar, con quien ya había trabajado en la famosa canción "Young Turks".  "Kevin me envió la secuencia musical del coro, y yo sólo puse mis auriculares e improvisé la letra, y de esa manera nace esa canción. No creo que sea una forma tan universal para componer, pero así es como siempre lo hago" comentaba Stewart a la revista Mojo.
En "It's Over" se habla sobre las secuelas de un divorcio, y que va más allá de la pérdida del amor y de una historia de a dos, sino que tiene consecuencias importantes también para los hijos.  "También trae la angustia por los niños, y eso hizo que mi segunda separación fuera muy dolorosa, porque ella me dejó y sin ninguna historia oculta entre nosotros, sin que otro se involucrara. Por esa razón, la escribí para las personas que están pasando por algo parecido" mencionaba el cantante.
Pero en esa entrevista con la Mojo, se le preguntó a Rod sobre lo difícil que debe ser escribir canciones con letras tan personales (en la promoción de su nueva gira Rod llegó a decir que este disco "es mas autobiográfico que la reciente autobiografía"), ante esto el cantante respondió: " Rachel (Hunter ) fue mi divorcio mas reciente, y obviamente había que hacer reflexiones sobre esa ruptura, pero traté de ampliar el tema para todos aquellos que han pasado por lo mismo que yo. Tengo amigos que también han pasado por un divorcio, y eso los ha dejado muy tristes y bloqueados. Todos pasamos por las mismas emociones, los mismos traumas, y por el daño que se les ocasiona a los niños".

"It's Over" fue publicada como single en Abril del 2013 para toda Europa, y tuvo un gran éxito en los charts. Pero mas allá de los premios, mas allá de la fama, esta canción traía a un Rod Stewart honestamente brutal, y a la vez alegre de tener las agallas de compartir parte de su vida y derribar algunos mitos.
Hoy Rod vuelve a sonreír, y está felizmente casado con su tercera esposa Penny Lancaster, a la que conoció en el 2010 cuando ella, fiel fanática, fue a pedirle un autógrafo.  Pero a pesar de que la vida le vuelve a sonreir al viejo Rod, siempre se da un tiempo para recordar su pasado y dejar huella...


Que la disfruten!!!



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jueves, 13 de febrero de 2014

SAVOY TRUFFLE / THE BEATLES


La historia cuenta que el señor Eric Clapton conoció a los Beatles a finales de 1964, y de ahí en adelante congenió de manera perfecta con uno de ellos: George Harrison.
La gran amistad que estos entablaron fuera del escenario estuvo llena de colaboraciones mágicas, y también de historias inolvidables y dignas de la prensa rosa, donde destacan incluso el haber compartido la misma mujer, dejando atrás esa ley humana de no meterse con la esposa del amigo. Pero bueno, la historia de Patty Boyd ya ha sido contada en estas ciber-páginas y entrar en detalles simplemente sería irnos lejos de la canción que hoy viene al ruedo y que fue publicada el 22 de Noviembre de 1968 en el famoso disco homónimo. Hablamos de "Savoy Truffle".

Bueno, resulta que si había algo que le llamaba la atención a George sobre su amigo (aparte de lo talentoso que era con las seis cuerdas), era su fuerte adicción a los bombones, y en especial a esos de la marca Mackintosh's Good News. Esa era la razón por la cuál Clapton pasaba con dolores de muelas y tenía tantas caries como ideas musicales en esos años.  En su biografía "I Me Mine", Harrison declaraba que "'Savoy Truffle' era una broma compuesta en los años sesenta. Por aquel entonces, veía a menudo a Eric Clapton, que tenía muchas caries y necesitaba ir al dentista. Siempre le dolían las muelas pero no paraba de comer bombones: era superior a sus fuerzas y cuando veía una caja se los tenía que comer todos".

Harrison la compuso a modo de broma cuando Clapton le contó que en una de las visitas al dentista se le había recetado simplemente dejar los chocolates, pero este no sabía que hacer y de pura desesperación empezó a comprar trufas, pensando que no eran tan dañinas como esos bombones de la chocolatería Mackintoch. "Al parecer no sabía que la trufa era una especie de dulce, al igual que todo lo demás - crema de mandarina, jengibre - sólo cosas dulces. Eric simplemente se tomaba el pelo solo" comentaba el Beatle en el año 1977. Además, agregaba que tras la supuesta rehabilitación, Clapton "un día vino a casa y encima de la mesa había una caja de bombones 'Good News' y escribí la canción a partir de los nombres que salían en la tapa. En la caja aparecían los nombres creme tangerine, montelimart, ginger sling, pineapple treat, coffee dessert, savoy truffle. No había cherry cream sino toffee and cherry cup, ni había apple tart ni coconut gudge, sino coconut and caramel"

Una vez que llegó a la base, y esta fue de su real gusto, Harrison decidió trabajarla para el "Album Blanco". Asi fue como el 3 de Octubre del año 1968 en los Trident Studios se la enseñó a sus compañeros y de inmediato junto a Paul en bajo  y Ringo a la batería empezaron a grabar algunas tomas. Los resultados de esa sesión de grabación fue dejar lista la parte de guitarra, incluído el riff, el bajo y la batería. Dos días después, Harrison trajo parte de la letra (con el listado de los bombones) y antes de empezar a grabar la parte vocal le pidió ayuda a Derek Taylor, quien era en ese momento el jefe de prensa de Apple. Y fue Derek quien le dió la frase "you know that what you eat you are".
Además, fue en esa sesión donde Harrison incluyó en la letra cierta referencia a la canción  "Ob-La-Di, Ob-La-Da", imitando lo que había hecho John en su canción "Glass Onion" donde jugaba con los títulos de las canciones de la banda. Al parecer simplemente fue hecho a modo de relleno.

El 11 de Octubre llegaron al estudio los saxofonistas Art Ellefson, Danny Moss, Derek Collins, Ronnie Ross, Harry Klein y  Bernard George para grabar un arreglo de vientos hecho por Chris Thomas, asistente de George Martin y que además tocó el piano eléctrico en la grabación de este tema.
Recordemos, que en esas sesiones de grabación fue tanta la "mala onda" entre los integrantes de la banda (George le echó la culpa a las esposas de sus compañeros) que por primera vez George Martin decidió salir de la cabina de manda y tomarse unas vacaciones, y dejar como productor a su asistente. "Yo acababa de regresar de mis vacaciones, y cuando llegué al estdio había una pequeña carta en el escritorio que decía:" Querido Chris.  Espero que hayan tenido unas buenas vacaciones . Ahora me toca a mí . Estas disponible para los Beatles. Neil (Aspinall) y Mal (Evans) saben que tienes poca experiencia " recoradaría Thomas años después, al recordar su trabajo con la mejor banda de Rock de todos los tiempos.

Una vez que los músicos de sesión hicieron su tarea apareció en escena Harrison, quien tras escuchar la pista en el estudio le sugirió a Thomas que distorsionara el sonido, para darle un toque mas personal a la canción. Pero Thomas no estaba muy a gusto con la idea del Beatle, ya que lo que habían grabado sonaba fantástico y le daba un buen plus a la canción. Pero la palabra del autor valía más que su fina proposición. "Así que tuve que conectar dos amplificadores de alto voltaje al mismo tiempo, esos que cuando se sobrecargan producen un efecto de distorsión, desgarrador e incluso algo sucio. Una vez que los músicos de sesión fueron a la sala de control para escuchar su parte, George les dijo: "Antes de escucharla les tengo que pedir perdón por lo que hice con su magnífica interpretación. Por favor, perdonenme, pero esto es lo que quiero". Si bien el sonido les paralizó los pelos a esos músicos, finalmente entendieron que eso era lo que quería George" comentaría años después el ingeniero Brian Gibson en "The Complete Beatles Recording Sessions", de Mark Lewisohn

Finalmente "Savoy Truffle" fue terminada el 14 de Octubre, cuando Harrison puso una nueva parte de guitarra electrica y Paul McCartney se encargó del pandero. ¿Y Ringo Starr?... Bueno, el baterista se había ido por unos días junto a la familia a Cerdeña. Y mientras tanto lennon ni se aparecía por los estudios de grabación...

Que la disfruten!!!



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lunes, 10 de febrero de 2014

MONY MONY / TOMMY JAMES AND THE SHONDELLS



Era el año 1968, y a banda Tommy James & the Shondells pasaba por su mejor momento musical. Es que el año anterior habia sido de mucha cosecha musical y de gran éxito para su extensa carrera musical que  llevaban hasta ese entonces. Y todo esto fue gracias a sencillos como "Say I am (What I am)", "It's only love", "I think we're alone now" y "Out of the blue" donde  la banda sacaba lustre a todo su potencial en el pop bailable donde se manejaban por el  rock'n'roll, el naciente movimiento "bubblegum" y uno que otro toque de armonías psicodélicas.
Hasta ese año 1968 la banda ya estaba a ser declarada como aquella con mayor triunfo comercial en la segunda mitad de la década de los 60, pero para ello faltaba el paso de gigante, o sea, llegar a los charts internacionales, en especial el del Reino Unido.

El cerebro de la banda era Tommy James, quien desde los 9 años que estaba con una guitarra en la mano y en el año 1959, cuando entró a la secundaria en Niles, formaría esta banda con el simple objetivo de disfrutar la musica, tocar en las fiestas y pasarla bien con los amigos.
Tal como lo venía haciendo desde sus inicios, en esos días Tommy se puso a pensar en el próximo single de la banda, y además de que en esta ocasión tenía que tener otro condimento, y que era llegar mas allá de los Estados Unidos. No era una tarea fácil...

Pero en ese año 1968 muchas bandas volvieron a escarbar en el rock and roll de principio de los 60's. Había algo así como un "revival" de aquellas épocas, como si quisieran volver por un rato al pasado, y obviamente Tommy se embarcó en esa idea, de volver un poco a lo básico, a la música fiestera, esas que muchos tambores, que hablaban de sol y playa como si estuvieran eternamente en California.
Tras pensarlo por largo rato en las giras y momentos familiares, Tommy le propuso a la banda hacer un disco mas cercano al "party rock", o sea al rock and roll en su esencia pura, y dejar de lado por un rato los aires psicodélicos.

Asi fue como en Junio de 1968 la banda se ponía manos a la obra con una pieza instrumental que había traído Tommy James. No era algo tan trabajado, simplemente era un repetitivo riff de guitarra al cuál le había agregado un poderoso toque de tambores. Pero la banda tomó esa base musical para crear una sólida cortina instrumental, aunque tuvieron un problema a la hora de empezar a grabar algunas tomas: Necesitaban un baterista que diera con el ritmo de la canción.
Si bien la banda contaba con el baterista Peter Lucia en sus filas (quien había llegado tras la renuncia de Vinnie Pietropaoli a mediados de 1967 por causas económicas, ya que Roulette Records no le quiso subir el sueldo), este no lograba dar con el ritmo y la calidad que James quería en esta canción.
En cuestión de días, uno de los ingenieros de sonido que trabajaba con la banda fue en busca de algunos bateristas de sesión, y finalmente encontraron dos buenos bateristas que dieron con el clavo en la pieza musical, e incluso fue tan bien su interpretación que se usaron ambas pistas en la versión definitiva de la rola. "Eso le daba un ambiente mas fiestero" fue lo que declaró años despues James al ser consultado por el uso de dos baterías en "Mony Mony".

Una vez que tenían lista la parte instrumental, vino la etapa de arreglar la letra. Si bien James ya tenía uno que otro bosquejo en alguna libreta, en los ensayos el productor Ritchie Cordell le había declarado muchas criticas negativas, en especial al coro, que era la parte primordial en este caso.
Asi fue como una tarde  Cordell fue al departamento que James tenía en Eighth Avenue, en Nueva York con el objetivo de terminar la letra de esa canción para empezar a grabarla de manera definitiva. Tras varias horas de trabajo, los resultados eran nefastos, a tal punto que llegaron a tirar sus guitarras al piso y rendirse ante no encontrar una buena y pegajosa letra para su nueva canción.
Tras pensarlo una y mil veces, ambos músicos se fueron a la terraza del departamento a fumar ese último cigarillo, y ahi les vino la inspiración cuando Tommy James observaron un cartel luminoso que estaba en el famoso edificio M.O.N.Y ( Mutual of New York Building). "Yo quería un título algo pegadizo como "Sloopy" o "Bony Maroney," pero todo lo que se nos ocurría sonaba muy estúpido. Habíamos trabajado duro junto a Ritchie Cordell  y ya estábamos a punto de tirar la toalla cuando fui a la terraza, miramos hacia el cielo y vimos el  Mutual of New York Building (que tenía sus iniciales iluminadas con un rojo furioso)- De inmediato le dije a Ritchie: "Ese debe ser el título, ven a observarlo". Era algo asi como si Dios me mandara un mensaje: "He aquí el título". Siempre he pensado que si hubiese mirado hacía otro lado, la canción llevaría por título "Hotel Taft"" declararía James en 1995 a la revista Hitch.


Una vez que ambos músicos llegaron a dar con la letra de su nueva canción, decidieron grabarla de manera inmediata, y ponerle a full ese espíritu festivo que tanto buscaban. De esa manera, al otro día James citó a sus músicos de sesión a los estudios en Broadway y además llamó a que los ingenieros partieran a buscar a toda la gente que estuviera pasando por las afueras del estudio de grabación, ya que quería armar una fiesta, y en especial a la hora de grabar el pegajoso coro. Asi fue como aparecieron en la sala de grabación las secretarias del sello, los arreglistas, los demás productores, gente que pasaba por ahí y un que otro fans que tuvieron la suete de participar en esta gran canción. Sobre este ambiente de fiesta, el tecladista de la banda,  Kenny Laguna recordaba años después: "Cuando llegó el momento de hacer que suene como si fuera una gran fiesta, era la hora del almuerzo, asi que nos fuimos a Broadway e invitamos a todas las personas que veíamos en la calle a que fueran al estudio, y al final cantaron el ' Mony, Mony ! ' Muchas personas quedaban asombradas e incluso asustadas cuando les decíamos: '¿Quieres cantar en un disco de Tommy James ? "


Finalmente "Mony Mony" fue lanzada como single en Julio del 1968, y llegó a la casilla #3 del Billboard Hot 100, dejando en claro que su éxito seguía tan vigente como la temporada anterior. Pero la sorpresa vino el 3 de Agosto, cuando la banda fue informada que esta canción, que fue apoyada por un llamativo "videoclip", llegó al primer lugar de UK Singles Charts. Tommy James y sus secuaces lo habían logrado...

"Mony Mony" llegó a ser el single mas vendido en Gran Bretaña durante ese año, dejando en segundo plano a unos pesos pesados como The Beatles. De hecho, los fab four, y en especial George Harrisonquedaron muy impresionados con esta banda y de inmediato decidieron armar algo parecido en su naciente empresa musical Apple. La idea era apoyar a la banda de James en tierras británicas y cederle algunas canciones con cierto aroma a "Mony Mony". El gestor de todo este plan fue George Harrison, quien estaba trabajando en ese entonces como productor de la banda Grapefruit y además le enviaba a Lenny Stogel, manager de Tommy James, algunas canciones, con el fin de que las analizaran y las grabaran en alguna ocasión. Pero las canciones enviadas por Harrison eran muy ligadas al Party Rock (al parecer creía que esta banda solo se dedicaba a este género), y James tras el éxito de "Mony Mony" no quiso repetir la fórmula y ya estaba trabajando en otra pieza clásica: " Crimson and Clover "

"Mony Mony" tuvo su revival en Octubre del año 1987 cuando el músico británico Billy Idol lanzó una histórica versión en vivo con la cual llegó al puesto #7 en Estados Unidos y en el Reino Unido. Recordemos que Idol ya había grabado esta canción en su EP debut"Don't Stop", pero había pasado sin pena ni gloria...

Que la disfruten!!!





sábado, 8 de febrero de 2014

SLIPPIN' AND SLIDIN´ / JOHN LENNON



"Fue la primera vez que escuché algo de Little Richard , y fue gracias a un amigo que trajo un single de un viaje a Holanda. "Slippin 'and Slidin'", que era el lado B de  "Long Tall Sally", fue la primera canción que escuché de Little Richard, y ahí me dí cuenta que además había sido grabada por Buddy Holly, de manera que cubría algo de mis gustos. Por esa razón ya  había escuchado esta canción, y con ella me dí cuenta que no era muy difícil hacer canciones, que no era llegar y sacar algo de la nada, simplemente se trataba de tener algo de interés" mencionaba John Lennon en el año 1975, cuando tenía en las disqueras el comentado disco "Rock' n' roll", en donde le hacía un tributo a esas viejas canciones que escuchaba en su adolescencia.


Fue un 21 de Octubre del año 1974, en los estudios de Plant Records, en Los Angeles, cuando Lennon se reunió con su banda de apoyo para grabar algunas pistas para aquél disco de covers que estaba preparando por culpa de un supuesto plagio en la canción "Come Together".  En esa ocasión acompañaron al ex-Beatle: Jesse Ed Davis y  Eddie Mottau en guitarras, Ken Ascher en el piano, su amigo de tantas batallas Klaus Voormann en el bajo, los saxofonistas Joseph Temperley, Frank Vicari y Dennis Morouse, el baterísta Jim Keltner y el percusionista Arthur Jenkins.
En esa sesión de grabación Lennon y su banda empezaron a trabajar la base de "Slippin' and Slidin'", una canción que fue publicada en Marzo del año 1956 por el famoso músico estadounidense Little Richard (que en algunos paises de habla hispana fue conocido como "Ricardito").

Lo que no sabía Lennon era que esta canción no era ciento por ciento de Richard Penniman, sino que estaba influenciada (por no decir calcada en la parte instrumental) por una canción lanzada semanas antes en ese mítico año 1956 llamada "I'm Wise", perteneciente al músico, oriundo de Nueva Orleans, Eddie Bo.
Sobre si era o no un plagio al tema de Bo,  "Ricardito" por fin se dió el tiempo de aclararlo en el año 1970 en una entrevista con la revista Rolling Stones. En esa publicación el músico declaraba inocencia pura y comentaría que la canción tuvo su gpenesis cuando uno de sus músicos,un tal Lee Diamond, llegó con unas frases al estudio de grabación. De manera inmediata Richard empezó a crear la letra y una base de la melodía, e incluso declara que en cuestión de minutos llegó a titularla como  'Slippin' and Slidin''.
Pero cuando se le consultó por la canción que Bo lanzó meses antes,y de la cuál se le acusa de haber plagiado la melodía, Ricardito se mando un enganche a lo CR7 y dijo: " La canción de Eddie Bo fue un éxito sólo en Nueva Orleans y fue gracias a mí. Cuando saque mi canción, a la semana ya lo habiamos destronado en los charts, lo matamos, porque él no tenía ritmo, ya sabes, no tenía esa energía que tengo yo". (N. del Autor: Mejor escuchen ambas versiones y saquen sus propias conclusiones).

Mas allá de esa mini-polémica, la canción fue todo un éxito en Estados Unidos, donde llegó a la casilla #33 de los charts y en el Reino Unido esta canción no fue publicada como single, pero si aparecía en el disco debut "Here's Little Richard", que fue publicado en Marzo de 1957. Recordemos que en tierras británicas la única canción de Richard que tuvo éxito rotundo fue "Tutti Frutti", el resto de los singles o pasaban desapercibidos o simplemente no se publicaban. Es por esa razón que Lennon comentaba que tuvo que recurrir a un amigo que venía de Holanda para escuchar este histórico single.
Y por si fuera poco, en el año  1962 los Beatles se embarcan en una gira por toda Inglaterra junto a Little Richards. Fue en ese momento donde Lennon y sus comparsas tuvieron el honor de conocer personalmente a Little Richards (a quien consideraban como una influencia importante) e incluso compartir camarín y una que otra conversa sobre rock and roll.

Volviendo a los 70's, debemos mencionar que una vez que Lennon grabó su versión de esta rola, este quedó muy conforme y gustoso con el resultaod final, y se pensó en utilizarla como single.
Finalmente, y tras la publicación de "Rock' n' roll" el 17 de Febrero de 1975, Lennon decidió que "Slippin 'and Slidin' ocupara el lado B de "Aint That A Shame", en lo que sería el segundo corte promocional de su nuevo disco. Pero cuando todo iba viento en popa, y a tan sólo una semana de publicarlo y enviarlo a las disqueras de todo el mundo, la idea fue cancelada por Lennon. Lo unicos favorecidos fueron los mexicanos, quienes por algun error de la empresa discográfica recibieron algunos singles en sus estanterías y que hoy son joyas para los coleccionistas.

Pese a ese altercado algo raro, Lennon siempre le tuvo un cariño a esta canción, y por esa razón decidió usarla dentro del repertorio que interpretaba en vivo para promocionar este nuevo material. Fue asi como en Marzo de 1975 "Slippin' And Slidin'" y "Stand By Me" fueron regrabadas por John para el programa de la BBC The Old Grey Whistle Test.
El 18 de Abril de 1975 Lennon es invitado a participar del evento Salute To Sir Lew Grade, donde haría la que sería su ultima actuación frente a público interpretando "Slippin' And Slidin'", "Stand By Me" e "Imagine"










miércoles, 5 de febrero de 2014

ENDLESS SLEEP / JODY REYNOLDS


El 7 de Noviembre del 2008, y con 75 años de edad, se nos iba de este mundo el famoso cantante y guitarrista estadounidense Jody Reynolds tras una larga agonía debido a un cáncer al hígado. No hubo grandes homenajes de algunos de sus colegas, y mucha de la supuesta prensa especializada ni se acordó de este pionero del rock and roll, que tras pasar al olvido en los medios de comunicación terminó trabajando como vendedor de bienes raíces en la hermosa Palm Springs, donde desde 1999 tiene una estrella en el paseo de la fama, que le fue ototrgado tras ser incluído por esas fechas en el salón de la fama del Rockabilly.
Es cierto, Jody no tuvo un éxito explosivo como Elvis ni tampoco bailaba con su guitarra como Berry, pero con una canción pudo dar el primer rayado de cancha para los nuevos sonidos del rock and roll. Es que este músico nacido en Denver en 1938, se puso al hombro la guitarra a los catorce años y la hizo su mejor amiga. Formó una banda junto a otros compañeros, se  bautizaron como The Storms y empezó a navegar por el rock and roll...

A mediados de Febrero del año 1956 el mundo giraba al ritmo de " Heartbreak Hotel ", la canción que llevó a Elvis Presley a la fama mundial, y Jody fue uno de los tantos jóvenes que tuvieron ese single en sus manos y lo disfrutaron a rabiar.
Semanas después, y cuando ya el sol caía en Yuma, Arizona, y tras escuchar cinco veces la canción, Jody agarró su guitarra, un papel, lápiz y empezó a escribir algo " a lo Presley". En cuestión de horas este jóven músico tenía  una pieza musical que tituló como "Endless Sleeps" , que en su letra tenía triste pero llamativa historia y cuyo riff de guitarra estaba inspirado en una marcha funebre que Jody había escuchado en una iglesia de Oklahoma.

Esa misma noche el músico corrió donde sus amigos y les enseñó la canción. Tras ver que sus compañero le dieron buenas críticas, decidieron estrenarla sin ningún ensayo formal, en una actuación en un boliche de Yuma, y sacaron aplausos de parte de los asistentes. "El resto de la banda le había gustado lo que escribí , y esa misma noche empezamos a tocarla, sólo por diversión. Pero a la gente le gustó , así que pensé que había algo especial en esto, pero no estaba muy seguro de grabarla" declararía Reynolds en 1999.

Llegamos al año 1957, año en que Jody y su tropa estaban establecidos en San Diego y donde también pasaba las penas, ya que ningún productor le daba buenas críticas a esa canción que había escrito en Yuma, y muchas puertas se les cerraron debido a que su letra contenía una historía trágica.
Pero Jody no bajaba los brazos, y una vez que llegó a San Diego empezó a contactarse con gente que estuviera ligada a algún sello. Asi fue como llegó a saber de un tal Herb Montei, que era dueño de un sello de Los Angeles llamado Demon y que andaba por esos lares buscando gente talentosa en el género del rockabilly. Sin pensarlo dos veces, Jody se consiguió una cita  y le pasó algunos "demos" a este productor. Tras escucharlos, y dar su veredicto (donde algunas de las canciones simplemente fueron enviadas a la basura por mala calidad), el productor quedó muy a gusto sólo con "Endless Sleep", pese a que de inmediato le sugirió a Joy que cambiara el final por algo más "feliz", pero eso no era ningún problema en ese momento ya que por fin alguien le daba una respuesta positiva. Algo grande estaba naciendo...

Tras hacer el cambio en la letra, donde esta vez la chica se salvaba del "sueño eterno", Jody entró al Goldstar Studios, en Hollywood,  con su guitarra en la espalda para grabar su single, pero quedó sorprendido y casi helado al ver que Montei había traído a dos guitarristas de sesión con gran experiencia. Se trataba de Al Casey y Howard Roberts, En un principio esta idea del productor no le debe haber caído nada de bien a Reynolds, que era un fanático de la guitarras y que en ese entonces era un gran admirador de la técnica de Scotty Moore, el guitarrista de Elvis. En 1999 el músico declaraba :"Si bien toda mi vida toqué la guitarra, en las sesiones de grabación de ese entonces,  y por alguna razón muy extraña, los productores sólo querían que me parara frente al micrófono y cantara, y dejara la guitarra de lado. El que tocó la guitarra principal en la canción fue Al Casey, quien ya había participado en un montón de hits. Él era de Phoenix , Arizona, y aún vive allí. Hablo con él todo el tiempo"

En Marzo del año 1958 sale a la venta el single "Endless Sleep" / "Tight Capris", y de inmediato empezó a escalar en los charts. De hecho, la canción también trajo sobre sus acordes cierta polémica cuando algunas estaciones de radio de la Costa Este de Estados Unidos se negaron a pasar esta canción debido a que su letra podría incitar a los jóvenes hacia el suicidio.
A pesar de varias campañas en su contra, el single llegó a vender mas de un millón de copias y en Julio de 1958 llegaba a la casilla #5 del Billboard. El éxito y la fama llegó de manera inmediata para este jóven músico, quien dos meses después sacaría un nuevo single, "Fire of Love" / "Daisy Mae", el cuál no pudo repetir el éxito de esta balada rockera y sólo llegó al puesto #66 del Billboard. De ahí en adelante la primavera musical de Jody Reynolds pasaba a la historia. Si bien le escribió canciones a otros artistas (casi trabaja para Elvis, pero igual le vendió algunas de sus guitaras) y siguió sacando discos y singles, la fama siempre le hizo buenos enganches. De ahí en adelante su carrera musical tomó varios rumbos, pero siempre que lo llamaban al escenario tenía que interpretar esta balada y de inmediato se ganaba una marea de aplausos eternos...
Que la disfruten!!!









lunes, 3 de febrero de 2014

YOUNG BLOOD / THE COASTERS


Hablar de la dupla de compositores formada por Jerry Leiber y Mike Stoller, es hablar de calidad e influencia eterna para diversos artistas contemporáneos que transitan en el Pop y el Rock.
Estos dos personajes se conocieron en la década de los cincuenta en los Los Angeles, y coincidían en el buen gusto por le naciente rock and roll y toda esa ola de rythm and blues que le volaba la cabeza. Juntos armaron una batería musical que fue todo un éxito de mediados de los cincuenta hasta finales de los sesentas, con canciones clásicas y que están dentro de la historia de la música popular de todo el mundo.

Leiber , nacido en el año 1933 e hijo de inmigrantes judíos que venían de Polonia , era el encargado de escribir las letras, donde incluso se dio el lujo de hacer algunas con aires muy poéticos. Mientras que Stoller, también de cosecha 1933 (?) y nacido en Queens y que tenía conocimientos básicos sobre blues y jazz, era quien se hacía a cargo de las partituras e innovaciones musicales.
En 1951, y junto a la agrupación The Robins, la dupla de compositores y productores lanzaron el single que incluía la canción “That’s What the Good Book Says” bajo la etiqueta de Modern Records y el camino se les empezó a despejar. Pero en 1954 Stoller y Leiber quisieron dar un mejor paso, y pasaron a formar su propia empresa discográfica: Spark.

La etapa de Spark fue muy fructifera, e incluso se dieron el lujo de apadrinar musicalmente a la agrupación "doo woop" The Robins, y cederle la canción "Smokey Joe's Cafe", que fue todo un suceso en el año 1955, y que sacó muchos aplausos en la crítica, en especial por sus registros y arreglos innovadores en material musical. Tras vario singles, donde la calidad musical fue en crecimiento, esta dupla de compositores firmó un suculento contrato para trabajar en Atlantic Records, y empezaba una historia nueva de éxitos y miles de aplausos...

Pero tras llegar a las oficinas y los estudios de Atlantic, estos dos personajes no se olvidaron de los amigos de antaño. Si bien ya tenían en carpeta a varios artistas de la talla de The Drifters, Ben E. King y otros tantos más, decidieron recurrir a unos viejos conocidos para seguir experimentando éxitos y a la vez trabajar de manera efectiva e independientes como productores y compositores.(sin tantas preguntas a los managers y otros productores). De esa manera fue Stoller quien llamó a terreno a los Robins, pero esta vez metería mano para hacer algunos cambios antes de que frmaran contrato y empezaran a sacar canciones.
Lo primero que hizo fue consultarle al grupo si querían ir a trabajar juntos Nueva York y firmar por este nuevo sello. Los únicos que aceptaron esta propuesta fueron Carl Garner y Bobby Nunn. Asi fue como en Octubre de 1955 los dos compositores llegaron a Nueva York con tan sólo dos de los Robins, pero no se quedaron de brazos cruzados y en cuestión de días llamaron a sus oficinas a dos conocidos cantantes oriundos también de Los Angeles: Cornell Gunter y Will " Dub " Jones. La banda pasó a llamarse The Coasters.

En 1956 esta banda obtiene su primer gran éxito, y fue gracias al single debut "Down in Mexico", la cuál fue escrita por Stoller y Leiber y con la cuál llegaron al puesto #8 de los charts. De ahi en adelante la dupla de compositores se puso manos a la obra para lograr la fama absoluta o por ultimo mantenerse dentro del Top Ten de los charts junto a este cuarteto que habían apadrinado.
Tras el exitoso debut de los Coasters, la dupla Leiber/ Stoller fue invitada a una cena en casa de Jerry Wexler, ejecutivo de Atlantic Records.
En el trayecto a su hogar, Wexler, que había pasado a buscar a los dos compositores a sus hogares, les comentó que tenía un buen título para una canción, y pidió que anotaran la frase "Young Blood ". Tras eso, el ejecutivo del sello le dió un reto a Leiber: Escribir una canción con ese título. Y tras escuchar el reto, Leiber solo se limitó a consultarle a Wexler sobre cuantos minutos faltaban para llegar a su casa, y este le respodió rápidamente que sólo faltaban quince minutos. "Voy a tener la letra lista antes de llegar a la cena " fue la respuesta de Leiber... Y lo hizo!

En lo que respecta a la parte musical, aqui tenemos que mencionar cierta colaboración de otro gran compositor y cantante estadounidense: el mítico Doc Pomus.
Por esa época este músico, que usaba muletas a causa de la poliomielitis, navegaba por un mar de dudas sobre qué camino seguir para darle un nuevo rumbo a su vida. Casado con la actriz de Broadway, Willi Burke y lleno de dedudas, "Doc" pasaba su tiempo escribiendo artículos sobre música en varias revistas y escribiendo una que otra melodía y enviándolas a diversos productores, pero los resultados eran nefastos.
Una de esas canciones le fue enviada a Stoller y Leiber, quienes la dejaron en carpeta hasta el día que llegaron a los estudios con la letra de "Young Blood". Asi fue como la dupla reescribió esta canción de Pomus y la grabaron el 15 de Febrero de 1957 junto a los Coasters.

En marzo de ese año Los Coasters lanzaban el single "Searchin / Young Blood" con el cuál nuevamente llegaban al Top Ten de los charts (específicamente a la casilla 8 del Billboard, el 3 de Junio de 1957) y la crítica nuevamente se rendía a los pies de esta agrupación que mezclaba de manera perfecta el blues y el rock and roll.
Y mientras la banda gozaba de este éxito, y las portadas de las revistas ya eran suyas, Doc Pomus también sonreía cuando en plena luna de Miel se le informaba que por su colaboración en "Young Blood" recibiría un cheque por 1500 dólares y gracias a ese éxito decidiría que el camino de su vida era componer canciones. Mientras eso sucedía en la vida de Pomus, los Coasters ya preparaban junto a Stoller y Lieber su nuevo asalto musical: "Yakety Yack"

Esta canción, que la Rolling Stones puso en la casilla #414 de su lista "500 Greatest Songs of All Time", fue de mucha influencia para un puñado de buenas bandas y solistas que la tomaron como un buen momento de rock and roll.  Una de esas bandas que tenían admiración por esta canción fue nada mas ni nada menos que The Beatles, quienes la incluyeron  en su repertorio en el Cavern Club y que la grabaron de manera especial para el programa, de la radio BBC, Pop Go the Beatles, el 11 de Junio de 1963, y que la podemos escuchar, en  voz de George Harrison, en el disco Live at BBC, que fue publicado en el año 1994.

Pero no sólo el cuarteto de Liverpool le rindió homenaje a esta canción, también se cuentan las versiones de Bad Company,  Carl Wilson (sí, el de los Beach Boys), e incluso la del actor Bruce Willis para la película The Return of Bruno  en 1987.

Que la disfruteeen!