DON'T LET THE SUN GO DOWN ON ME / ELTON JOHN

 

"Don't Let the Sun Go Down on Me" es una canción del músico británico Elton John, que fue lanzada como single un 20 de Mayo de 1974 promocionando su LP "Caribou"; el octavo trabajo discográfico de este famoso artista que en los 70's lo tuvo y lo vivió todo.

Si bien, dentro de su primavera musical del artista, "Caribou" es uno de sus trabajos que tuvo menos repercusión en las listas, Elton siempre le tuvo un cariño especial a este disco, ya que fue hecho de manera muy acelerada en Enero de 1974. Es que en tan sólo 9 días, Elton y su banda lograron dar vida a su nuevo trabajo musical; esto debido a las fuertes presiones de su casa discográfica, que quería cuanto antes un nuevo disco para promocionar su futura gira por Japón. Si el trabajo para los músicos era agostador y a ratos la presión hacía estallar mas de alguna pelea interna, imaginése como sería el trabajo del productor Gus Dudgeon, quien trabajaba día y noche puliendo cada detalle de las canciones que iba dejando Elton en las cintas y le agregaba los acompañamientos vocales, los vientos y otros doblajes siempre mirando el reloj y el calendario. Es por estos detalles que, segun los protagonistas, el disco perdía esa energía de antaño, y mostraba algunas canciones que estaban de más y que ni siquiera tenían alma de relleno a ratos. Pero tampoco hay que crucificar tanto a este disco, ya que contiene por lo menos tres canciones que mantienen el alma del talento del Elton John exitoso, y una de ellas es una balada con ciertos toques sesenteros llamada: "Don't Let the Sun Go Down on Me".

La historia de esta canción empieza en esas sesiones de grabación en el Caribou Ranch, cuando Elton había decidido escribir una canción influenciada por el sonido de The Beach Boys. Es que el pianista siempre fue un fanático a rabiar de esa banda californiana, y en mas de alguna ocasión se dió el tiempo en algunas entrevistas para dejar en claro su gusto por el sonido, las armonías y la estructura de cada una de las canciones que sacaba esta mítica agrupación liderada por los hermanos Wilson.

Una vez que el músico había empezado a trabajr en la música, le dejó una dura tarea a su socio, el talentoso compositor Bernie Taupin, quien de inmediato se puso manos a la obra para crear la letra que llevaría la canción. A pesar del poco tiempo que tenian para grabar las canciones, Taupin se dió el lujo de buscar nuevas formas para representar una idea en el papel. La idea no era caer en las frases básicas de las baladas de ese entonces, como las manoseadas frases: "Te quiero, te amo, no me dejes que romperás mi corazón, eres mi alma" y tantas otras mas que eran pan y circo en la industria musical setentera. Taupin quería ir más a la metáfora y poner un tono oscuro en cada frase que acompañaría a la melodía creada por Elton.

Una vez que la canción estaba lista para ser grabada, Elton empezó a tomar ciertas decisiones fuera del mando de la producción. Primero,tras escuchar algunas versiones "demo", el pianista le declaró a Dudgeon  que no estaba satisfecho con su actuación vocal en la parte del coro y que algo tenía que hacer él, como productor, para tapar algunos errores.  La respuesta del productor fue rápida, a ritmo de la sesión, y decidió escribir una sección de vientos en esa parte que se juntara con la voz y así lograr un efecto interesante para el oyente.

Según el productor,  Elton en ese momento de la grabación estaba muy enojado y a la vez decepcionado con la interpretación de la canción e incluso llegó a declarar tras escuchar una de las tomas definitivas: "Esto es un montón de mierda. Mejor se la enviamos a Engelbert Humperdinck, y si no le gusta, se la pasamos a Lulu como un demo".

Pero una vez que los ánimos se calmaron en el estudio, Elton decidió citar a algunos amigos para que hicieran un apoyo vocal en los coros, y así darle un nuevo aire a la canción. Para esto el músico llamó al estudio a Brian Wilson y Bruce Johnstone (genios y figuras de los comentados Beach Boys), Danny Hutton (vocalista  de la banda Three Dog Night), Gerry Beckley (compsitor y miembro de "America"), y los también famosos cantantes y compositores Cat Stevens y Dusty Springfield. Si bien muchos creeran que al juntar a esa tropa de estrellas de la musica de los 70's los resultados iban a ser positivos y explosivos para la empresa musical de ese entonces simplemente están equivocados, ya que el resultado final fue aún mas decepcionante como las otras versiones que había grabado Elton. Al parecer la canción no iba por buen camino y simplemente la tenían que trabajar más e incluirla en otro Lp.

Pero Gugdeon decidió pedirle ayuda a un productor de alta clase dentro de la escena musical, y que tenía en su curriculum el haber trabajado en prestigiosos discos de Cat Stevens,  Harry Nilsson y Paul Simon, hablamos del señor Del Newman, quien de inmediato se puso a trabajar en la "rola" y empezó por eliminar esos trágicos coros que habían dejado los amigos de Elton John.

Si bien la idea no era mala, Newman decidió que en los coros sólo utilizaran tres voces anexas. Para ello, Elton John llamó al estudio nuevamente a dos Beach Boys, esta vez a Carl Wilson y nuevamente a Bruce Johnston, y además a la cantante Toni Tennill (el cincuenta por ciento de Captain & Tennille). 

Además, fue este productor el que decidió trabajar las percusiones invitando a un destacado instrumentista de estudio llamado Ray Cooper, quien venía de trabajar junto a George Harrison, Eric Clapton y Billy Joel, y ya en ese entonces era considerado uno de los percusionistas mas destacados dentro de la escena del rock.

Con esos detalles, mas el acompañamiento instrumental de la banda Funk Tower of Power ,es que la canción volvía a salir a flote en medio de un mar que antes fue de dudas e incluso ya tenía ciertos detalles que la dejaban como un futuro single.

Y así fue como , tras culminar las sesiones de grabación , Elton John decidió lanzar como primer single promocional del disco esta balada que casi le saca canas "verdes", pero que ahora sonaba de manera espectacular.

El 20 de Mayo de 1974 fue la fecha en que esta canción era publicada como single en todo el mundo. Las buenas noticias llegaron el 10 de Junio, cuando Elton se enteraba que su balada ya estaba en el segundo puesto del Billboard Hot 100, y semanas después volvía a celebrar cuando se supo que había escalado hasta el puesto #16 del UK Singles charts. Pero eso no era todo, ya que esa misma semana se supo que "Don't Let the Sun Go Down on Me" estaba en la cima de los charts en Canadá, y que había llegado al Top 30 en Alemania, en Irlanda y en Holanda. De esa manera quedaba mas que claro que  la canción ya era un nuevo hit de Sir Elton John y que a pesar de que el disco no era una "joya" para la prensa, siempre tenía una sorpresa bajo la manga.

Pero la canción tuvo su "revival" en el año 1991, cuando el cantante George Michael la decide interpretar en uno de sus conciertos en el Wembley Arena de Londres un mítico  25 marzo y que tuvo como invitado especial al mismísimo Elton John, como invitado sorpresa y que ademas estaba celebrando sus cumpleaños (cumplía 44 años). La canción fue interpretada de manera magnífica a duo (tal como ya lo habían hecho en 1985 en el Live Aid) y fue lanzada como single el 30 de Noviembre de ese año, y nuevamente se convertiría en un hit, llegando a la cima del UK Singles charts y del Billboard Hot 100 en 1992. Esta versión sin lugar a dudas que ayudaba a la carrera musical de ambos músicos, que querían entrar en la nueva década con todo.

En fin, les dejamos la historia de una de las canciones mas emblemáticas en la carrera de este artista británico, que de seguro les traera mas de algun recuerdo mediante un paseo musical por la nostalgia.

Que la disfruten!

FOR ONCE IN MY LIFE / STEVIE WONDER

 

"For Once in My Life" es una canción interpretada por el cantante, músico y compositor estadounidense Stevie Wonder y que fue publicada como single un 15 de octubre del año 1968.

En el mundo del Pop, la voz y el talento de Stevie Wonder es para destacar con letras mayusculas dentro de las leyendas. Es que a pesar de ser ciego desde la infancia eso no fue impedimento para que este personaje empezara desde niño a demostrar toda su potencia como cantante y también como multi-instrumentista (destaca sus dotes como pianista, baterista y guitarrista) dentro de la escena musical de los sesentas.

La extensa carrera musical de Wonder está llena de elogios y buenas críticas, donde hay que destacar una amplia batería de canciones eternas y clásicas que lo llevaron a vender mas de 72 millones de discos en todo el planeta. Además de ese dato importante, igual se le destaca en el mundo de la música comercial por haber recibido 25 premios Grammy, lo que es todo récord para un artista en vida.

En fin, la alta calidad de su repertorio musical (donde se pasea por el Funk, el Soul, el Pop  y hasta en la psicodelia) sumado a su genialidad a la hora de la producción de sus trabajos discográficos ( lo legaron a definir como un "sintetizador humano"), hacen de Steveland Morris uno de los cracks en la historia de la música popular e influencia constante para las nuevas generaciones de músicos.

En el verano de 1967, Wonder aun era parte de la emblemática discográfica  Tamla-Motown, donde destacaba como uno de sus artistas con mayor éxito y a la vez que generaba mas ganancias, hasta ese entonces. Por esa razón, el "pequeño" Stevie, como lo denominaban en esa casa disquera, era de los pocos artistas que tenia el provilegio de poder elegir, arreglar e incluso dirigir la producción de las canciones que se le asignaba por parte de los prestigiosos compositores que trabajaban de la Motown.

Cierto día, le llegó a sus manos una cinta que contenía el demo de una canción llamada "For Once in My Life", la cuál estaba acreditada a los compositores  Ron Miller y Orlando Murden y cuya letrahablaba sobre lo bien que se siente estar enamorado y acompañado de la persona perfecta.

Eso si, la canción ya no tenía tintes de inédita, ya que esta prestigiosa dupla la había escrito en el año 1966 para la cantante de Soul  Jean DuShon, quien la grabó a pocos días de que firmara un contrato con Chess Records. Miller quedó muy impresionado con la bellísima interpretación de Jean, y a pesar de que ya tenía el contrato con otra disquera, el compositor se la cedió para que la grabara como single mientras mantuviera los arreglos musicales ya grabados en el "demo". Obviamente este episodio no le gustó para nada al gerente general de Motown, el señor Berry Gordy, quien llamó  de inmeiato a su oficina a Miller para dejarle en claro que su contrato era solo para los artistas del sello y nada mas.

Fue en ese momento cuando Gordy le pide a Miller que para poder tapar su error, tenía que producir una versión de la canción con una cantante que sea del sello. La elegida fue: Barbara McNair,  cantante y actriz afromaericana, quien la publicaría a mediados de  Octubre de 1966, siendo publicada un mes antes de que apareciera a la venta la versión de Jean DuShon bajo la tutela de otro sello musical. De esa manera, se rayaba la cancha para dejar en claro que la canción pertenecía a Motown y que en caso de obtener éxito, las buenas críticas tenían que ir a este prestigioso sello que era cuna de varios artistas afroamericanos de la epoca.

Pero la canción aún tenía vida para la Motown, y a pesar de que no fue un rotundo éxito en ventas, aparecería en 1967 una nueva versión; esta vez en las voces de la banda The Temptations. Hasta ese momento la balada tenía un éxito moderado, pero igual era interrpetada por varios artistas de la epoca que buscaban algo de fama.

Esa era la historia de la canción que contenía esa cinta qie estaba ahora en manos de Stevie Wonder. La tarea era díficil, pero no imposible, y esta era lograr catapultarla al éxito y que de una vez por todas "For Once in My Life" sea un clásico para el sello y un plus para el nuevo artista que la tenía que interrpetar. 

 Tal como ya lo habiamos comentado, Wonder era un aventurero musical, y tenía un talento impresionante para adaptar canciones y hacerlas un producto comercial viable y de éxito seguro. Por ello, y tras escuchar la balada, lo primero que hizo el artista fue darle un tono mas alegre, dejar de lado los melódico y dramático y aumentale la velocidad a la pista para dejarla con cierto toque a Funk. A partir de ese rotundo cambio de ritmo, Wonder empezó a grabarla en el Estudio A de Hitsville, y una vez que la terminó y la depuró en algunos detalles tomó la decisión de presentar su nuevo producto a Gordy. Eso ya era una tarea peligrosa.

Tras escucharla atentamente, mas de una vez, Gordy dijo que smplemente era "basura" y que no tendría el éxito esperado por todos, ya que se eljaba mucho de la versión original, y el publico, segun la visión de este empresario, solo quería baladas. Hasta aquí no mas llegaba la versión de Wonder...

Gordy no quería que la canción fuera publicada, la encontraba un chiste, asi que decidió que la cinta quedara en su poder para evitar nuevamente que alguien se le suba a sus espaldas. Tuvo que pasar mas de un año, para que apareciera en escena un nuevo personaje: El señor Billie Jean Brown, quien era el jefe del departamento de control de calidad del sello; quien intercedió a nombre de Wonder para que de una vez por todas lanzaran como single esa versión de la canción.

 Tras varias reuniones y discusiones, Gordy aceptó ceder las cintas para que la publicaran como single, aunque seguía admitiendo que la canción no tenía aroma a éxito.

El 15 de Octubre de 1968 fue la fecha exacta del lanzamiento de esta nueva versión de la canción, y esta vez a cargo de Stevie Wonder. Con el paso de las semanas, este supuesto "chiste de canción" le salió muy caro a Gordy, ya que la versión de Wonder llegó al segundo puesto del Billboard Pop Singles y del Billboard R&B Singles. Además fue todo un hit en el Reino Unido, donde alcanzó el puesto #3 en los charts. No había dudas, la canción pasó a ser eterna de una vez por todas, pero en una versión hecha por el talento de este músico que se las sabía todas, incluso dejar con la boca abierta nuevamente al gerente del sello.

Esta sería la versión mas conocida de "For Once in My Life", y esto se debe simplmente a que su éxito fue rotundo y a la vez rompía los esquemas que la industria musical de ese entonces quería imponer. Es que Wonder sabía que solo a los peces muertos se los lleva la corriente, y en el riesgo tmabién puede estar la solución.

Que la disfruuuten!

TWO OF US / THE BEATLES

"Two of Us" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue incluida en el álbum Let It Be, el cuál fue publicado el 8 de Mayo del año 1970.

"Let it Be" es un disco que nos trae a unos distanciados y cansados Beatles, que tras las sesiones de grabación del "Album Blanco" empezaron a sentir que la fama, los malos negocios y la poca libertad para crear los estaba simplemente enviando a los suelos.

Comenzaron su nueva ruta musical bajo el cartel "Get Back" y cuyo lema esencial era "volver a lo básico" o sea, que la banda volviera a los brazos del Blues, el rock and roll y de esa manera hacer renacer toda esa magía de antaño, y también dejar de lado todos los adornos orquestales, y las experimentaciones que adornaban sus trabajos anteriores tras dejar de tocar en vivo en 1966.

Lamentablemente las cosas fueron de mal a peor para la banda en el proceso de ensayo, ya que ahora las peleas verbales entre los integrantes se habían vuelto casi diarias y mas encima los negocios en vez de generar ganancias para The Beatles traían sólo más y más problemas.

Por ello es que tras grabar  una que otra canción, ninguno de los cuatro Beatles se sentía con gusto para trabajar la producción o seleccionar que toma colocar en el tracklist definitivo. La tarea se le puso muy díficil para el productor  Glyn Johns (George Martin no soportó el ambiente en que se hizo ese disco y decidió dar un paso al costado) y finalmente decidió bajar los brazos y dejar de lado las cintas. Finalmente fue John Lennon quien pescó esas cintas olvidadas y se las entregó al productor Phil Spector para que este, con su personalidad de perfeccionista compulsivo, terminara ese trabajo de alguna manera. El álbum se editó finalmente un año después de toda la pelea, bajo el nombre Let It Be y fue todo un éxito en ventas a pesar de que The Beatles ya estaban disueltos.

La canción que da inicio a este comentado disco lleva por título "Two of Us", una preciosa pieza con aroma a Folk que estaba firmada por la dupla Lennon- McCartney. Pero en realidad la canción era 100% de Paul, y estaba dedicada para su futura esposa, Linda Eastman.

En esos momentos donde la banda pasaba su peor momento dentro de su núcleo y donde había que ser valiente para ir a ensayar y evitar caer en peleas absurdas, Paul siempre buscaba una salida, una distracción y un relajo al lado de su novia, con quien compartía el gusto por vivir en el campo alejado de la ciudad.

En el libro "A Hard Day's Write: The Stories Behind Every Beatles Song" (2005) Linda comenta que en su infancia uno de sus pasatiempos favoritos era correr por el campo junto a su padre sin destino alguno y perderse en medio de los árboles y matorrales para sentir un poco de libertad. Pero ese gusto por la naturaleza lo mantuvo siempre, y desde que conoció a Paul decidió volver a sentir esa sensación de libertad, perdiedose en los campos, recorrer bosques y salir de la rutina de esa manera para no caer en la depresión de vivir en una jungla de cemento. 

"Paul escribió "Two uf Us" tras ir de paseo a un bosque. Habla sobre nosotros. Fue en un día en que llegamos a un bpsque, estacionamos el auto y yo me fui a caminar, mientras que Paul se acomodó en el auto y empezó a escribir. También menciona algo sobre las postales, que eran muy utilizadas por nosotros para contactarnos con los demás" mencionaría Linda McCartney en ese libro.

Pero tras la separación de la banda, muchos criticos y fanáticos declaraban que en realidad esta canción hablaba sobre la relación de amistad entre Lennon y McCartney, donde dejan en claro que ya tenían  plena conciencia de que su tiempo como miembros de The Beatles había llegando a su fin. Además había una frase que iba muy relacionada con el entorno de la banda y los porblemas comerciales con la mala gestión de Apple, esta era: "You and me chasing paper, getting nowhere". Todos estos detalles hacen que la canción sea una verdadera joya y una oda a la amistad verdadera.

The Beatles grabó esta canción en tan solo tres sesiones. De hecho en la pelicula "Let it Be" se puede ver dos interpretaciones de la "rola".  Una rápida e improvisada primera versión con unos alegres McCartney y Lennon y luego aparece una  segunda interpretación que es la misma versión que se puede escuchar en el disco.

La primera toma de esta canción fue grabada el 24 de Enero de 1969 en los estudios Apple y bajo el titulo "On Our Way Home".

Las demas tomas fueron interpretadas en medio de las largas sesiones de grabación, y lamentablemente no estabann enumeradas. Lo que sí se sabe  en estos días es que el 31 de Enero los Beatles la graban de manera definitiva con Lennon y McCartney cantando a dúo y ambos a guitarra acústica, mientras que  Harrison se hizo a cargo del bajo (tocado con una guitarra eléctrica) y Starr en la batería.

El 25 de Marzo Spector mezclaría esta canción y además le agregó como introducción una llamativa e irreverente  frase de Lennon: "I Dig A Pygmy by Charles Hawtrey and the Deaf Aids. Phase one, in which Doris gets her oats". Esta frase pertenece a las sesiones de grabación del 21 de Enero en los Apple Studios y que con el paso de los años fue uno de los tantos detalles que hicieron arder de rabia a Paul McCartney y que lo llevó a editar el "Let it Be...Naked", donde deja de lado toda la mano musical de Spector para entregarle a la fanaticada un acercamiento a lo que iba a ser el disco en su forma original.

 Que la disfruten!

THIS OLD HEART OF MINE / THE ISLEY BROTHERS

"This Old Heart of Mine (Is Weak for You)" es una canción del grupo estadounidense Isley Brothers, que fue publicada como single un 12 de Enero del año 1966.

El origen de esta banda, oriunda de Cincinnati, data del año 1954 cuando los hermanos O'Kelly Jr, Rudy, Ronald y Vernon (quien un año después perdería la vida en un accidente en bicicleta), guiados por sus padres, empezaron a mostrar su talento vocal en diversas iglesias dentro del estado de Ohio. Por ese entonces el gospel era su género musical, y tras varias sesiones y casting, deciden ir en 1957 a probar suerte a Nueva York, donde habían muchos productores buscando nuevos talentos para formar bandas de estilo Doo-Woop.

Asi fue como en 1959 los Isley Brothers firman un contrato con el sello RCA y de inmediato empezaron a tener el ansiado éxito enfundado en grandiosas y eternas canciones como:  "Shout!" y una grandiosa versión de "Twist and shout".

Pero la primavera de éxito se iba apagando lentamente, y a partir de 1964 su fama iba perdiendo peso, a pesar de lanzar nuevos singles y adaptarse a los nuevos estilos musicales la Beatlemanía y toda su ola de Brit-Pop había dejado a varios artistas de la "vieja ola" naufragando en dudas y deudas.

Pero en 1965 vino una nueva oportunidad para el grupo de los hermanos Isley. Es que tras tirar a la basura su contrato con RCA deciden firmar inmediatamente con la Motown Records, el sello que tenía en su catálogo a varias estrellas de la música negra y que era la unica que podia resucitar el éxito que alguna vez tuvo esta agrupación. 

La primera canción que le pasaron los gerentes de la Motown para que la grabaran fue "This Old Heart of Mine", una canción de aire optimista y que estaba foirmada por el famoso equipo de compositores formado por Holland–Dozier–Holland (las máquinas creativas de este sello) más la ayuda de la también compositora Sylvia Moy.

La historia cuenta que esta canción iba a ser grabada por The Supremes (quienes la grabarían posteriormente para su Lp "Supremes A' Go-Go"), pero tras llegar a un acuerdo con los Isley Brothers, la gerencia y los productores decidieron que tenía que ser grabadapor sus nuevos empleadores.

Brian Holland y Lamont Dozier fueron los productores que se hicieron a cargo de la canción, e incluso decidieron utilizar un viejo truco que en esos años era "grito y plata", y que era repetir algunos acordes de canciones que ya habían sido exitosas. esta fórmula era muy utilizada por la Motown y siempre les traía buenos resultados. Por ello, para este primer single de los Isley Brothers los productores copiaron algunos acordes del antiguo hit de la Supremes "Back in My Arms Again" y en ese entonces muy pocos "musicologos" se dieron cuenta.

Sobre la temática de la lírica de "This Old Heart of Mine (Is Weak for You)", Lamont Dozier comentaría en el año 1976 en una entrevista para la revista "Blues & Soul": "Muchas veces he terminado con alguna novia y en tan sólo una semana ya se siente lo que es verdaderamente el dolor, y a raíz de eso se puede escribir una canción en base a la experiencia, y como siempre estoy trabajando en el piano, me he dado cuenta que esa es mi fuente de liberación, es como un tranquilizante para mí".

  

"This Old Heart of Mine (Is Weak for You)", fue el primer éxito de los Isley Brothers en su etapa Motown y también sería de gran ayuda para realzar la popularidad del sello, quien a raíz de los nuevos estilos musicales y las bandas de jóvenes de extraños peinados nuevos, también estaba perdiendo grandes cifras económicas y en los charts ya no eran los familiares del Rey  Midas (?).

Esta canción, que contaba con Ronald Isley en voz principal,llegó al puesto #20 del Billboard Hot 100  y a la casilla #6 del Billboard R& B Singles chart, dejando con una extensa sonrisa a los productores y gerentes del sello.

Pero eso no era todo, ya que el debut de esta banda en el Reino Unido fue aún mas sorprendente. Si bien en un comienzo empezaron en la casilla #47, en tan sólo una semana la canción ya  estaba en el tercer puesto del UK Singles charts, y eso ya era fantástico y un record más para la Motown, que nuevamente llevaban a un artista al estrellato mundial.

Pero la historia se volvía a repetir y la primavera duró muy poco en cuanto a lo musical ya que no pudieron repetir el éxito de antaño con sus singles posteriores y terminaron siendo una segunda prioridad en la Motown, ya que otros artistas empezaron a remontar. La relación con la disquera terminaría en 1968 cuando los Isley's deciden emprender vuelo a otra casa disquera y nuevamente empezar a hacer historia...

Que la disfruten!!!

BLESS YOU / JOHN LENNON

 

"Bless You" es una canción del músico británico John Lennon que pertenece al disco "Walls and Bridges", que fue publicado un 4 de Octubre del año 1974.

Este disco fue elaborado en una etapa muy comentada en la historia de vida de este extraordinario músico: El famoso "Lost Weekend", que fueron en realidad 18 meses donde Lennon estuvo separado de Yoko Ono por problemas personales y de la relación en sí. Pero también fue el periodo donde Lennon compartió su vida en compañía de May Pang, la asistente personal y coordinadora de los negocios de la pareja que tuvo la díficil misión (y bajo el encargo de una estricta Yoko) de hacerse cargo del ex-Beatle en un estado anímico muy bajo y de mucha reflexión.

Este nuevo disco de Lennon traía su lado mas melancólico, en cuanto a la temática de las baladas de amor, y a la vez venía de un proceso donde la autodestrucción, en base a drogas y alcohol mas jaranas varias, lo habían dejado perdido en el mundo y su mensaje de paz. Por ello, el hilo conductor de todas las canciones que componene el Lp estan ligadas a la juerga profesional (de borracheras contantes segpun el músico), el desamor, la nostalgia .

A pesar de que no estaba tan solo en la vida, ya que tenía a May Pang y también a su tropa de amigos de fiesta y estudios de grabación (comandandos por Ringo Starr, Harry Nilsson y Keith Moon), Lennon no podía dejar de lado su relación con Yoko Ono. De hecho, muchos biografos de John recalcan que en esa etapa Lennon y Ono se llamaban constantemente por teléfono  y practicamente se contaban todo lo que ocurría en su dia.

Es por ello que no suena extraño que dentro del repertorio de este disco aparescan tres canciones con dedicatoria especial para su esposa: "Going Down On Love", "What You Got" y "Bless You". Pero fue esta ultima "rola" la que tenías mas tintes de sinceridad y la que llamó de inmediato la atención de la crítca y de la fanaticada.

Grabada el 17 de Junio en 1974 en los estudios de Record Plant East en New York City, esta canción contó con la participación de Lennon en guitarra acustica y voz y además de la compañía de Jesse Ed Davis y Eddie Mottau en guitarras, Ken Ascher al piano,  Klaus Voormann en el bajo, Arthur Jenkins en percusiones varias y  Jim Keltner a la batería. Se cuenta que el proceso de grabación de la canción no fue tan fácil como pareciera serlo. Tuvieron que trabajar arduamente casi 10 días para lograr encontrar la sección ritmíca apta y los arreglos esenciales para que Lennon quedara satisfecho con el resultado final. es por ello que en algunas tomas se puede escuchar la canción con una velocidad más rápida o a velocidad lenta, donde queda en claro que la melancolía pesaba mas que la sensación de estar pasandola bien.

John, desde el primer momento en que la presentó, dejó en claro que la canción iba con especial dedicación a su esposa: "En cierto modo, se trata sobre Yoko y yo; y tambien, en cierto modo trata de una historia que le pasa a una gran cantidad de parejas que viven una experiencia de amor parecida. Ya lo sabes, los cambios en la manera de amar, que es una de las sorpresas de la vida que a todos descubrimos, y aunque  no permanece iugal en el tiempo sigue siendo amor. Se nos presenta en formas misteriosas, y es maravilloso llevarlo a cabo. "Bless You" expresatotalmente trata sobre eso".

De hecho, durante la promoción del disco, Lennon dejaba siempre  en claro que "Bless You" era una de sus canciones favoritas, tanto por la producción como por la intensidad emocional de su letra. En una entrevista con la Rolling Stone declararía que "como canción, creo que es la mejor pieza del disco, aunque he trabajado mucho en las demás pistas. En retrospectiva, esta parece ser la mejor pista para mí". Cabe señalar que la producción completa del disco contó sólo con John Lennon, quien ya en esos días se declaraba estar aburrido de las experimentaciones y rarezas hechas por Spector en sus trabajos anteriores a este.

Pero durante ese tiempo en que Lennon grababa sus canciones junto a sus músicos y de vez en cuando con Elton John, Yoko Ono también preparaba un disco en solitario, y fue en esas sesiones donde conoce al guitarrista David Spinozza, quien venía de trabajar en el disco "Mind Games" de Lennon en 1973 y además había trabajado para Paul McCartney en el disco Ram.

Cuenta la leyenda que durante ese proceso de elaboración del disco, David y Yoko tuvieron una relación amorosa, la cuál llegó a los oídos de Lennon pocos días después, y al parecer lo tomó con "Andina". Su fría y a la vez sorprendente reacción queda anotada  para la eternidad en una frase de esta canción : "Bless you whoever you are/Holding her now/Be warm and kind hearted."

Pero la canción también esconde otra historia, y es una muy singular que une, nuevamente y sin querer queriendo, a Lennon con los Rolling Stones.

Resulta que en 1978 Mick Jagger y compañía lanzaban un nuevo single, y este llevaba por título "Miss You". Hasta ese momento todo tranquilo en las aguas roqueras, pero apareció John Lennon en una entrevista con la revista Playboy y sin tapujos dijo: "Creo que Mick Jagger tomó "Bless You" y lo convirtió en "Miss You"".  Pero eso no era todo, ya que el ex-Beatle siguió con el tema: "El ingeniero siplemente aceleró la base rítmica, y les dijo 'esta es una canción que logrará éxito" y el tipo estaba en lo cierto, porque  Miss You se convirtió en un éxito. No tengo malos sentimientos al respecto. Creo que es una de las mejores pistas de los Stones, y realmente me encanta"

Juzgue usted mismo si la pieza de los Stones era o no un plagio a la canción de John Lennon, aunque es muy díficil notarlo, y quizás simplemente fue otra humorada del oriundo de Liverpool para dejar historia viva y contarla hoy en día a través de estos medios...

Que la disfruuuu.....

WAR PIGS / BLACK SABBATH

"War Pigs" es una canción de la emblemática banda británica de heavy metal Black Sabbath. Esta interesante pieza musical forma parte del repertorio del magistral disco Paranoid (que fue lanzado en Septiembre de 1970). Esta fue la segunda placa de estudio que publicaba esta banda oriunda de Birmingham, y gracias a este trabajo se le vino la fama y el éxito inmediato y a la vez eterno.

"Paranoid" es considerado por la crítica como uno de los discos mas emblemáticos dentro de la historia del Rock. En su interior podemos escuchar canciones que mezclan sonidos ásperos, a ratos con aroma a Blues y en tros paseandose por el mas puro hard rock que se complementan con la temática de retratar, con duros y metafóricos mensajes apocalípticos, en el lado oscuro del ser humano, que se ve especialmente influenciado en los actos de violencia extrema, en relación directa con los trágicos sucesos que la Guerra de Vietnam provocaba en la sociedad de esos tiempos.

Un disco de Hard Rock con ácida crítica social, ese fue el resultado final de una de las joyas que todo amante de este género musical debe tener bajo su almohada.

La canción que da inicio a este trabajo musical no podía calzar de manera perfecta en cuanto a su título;"War Pigs". Esta canción hablaba en contra de las guerras, y se fundamentaba en todo lo que ocurría en Vietnam, donde la sociedad empezó nuevamente a críticar esta forma de actuar de algunos políticos que, influenciados por el oscuro poder y la riqueza, deciden solucionar los problemas enviando gente inocente a los campos de batallas bajo un orgullo patrio mas falso que la frase esa de "la tarea se comio a mi perro".

 No se sabe a ciencia cierta en que momento la banda decidió grabar una canción en protesta a las guerras. De hecho, Bill Ward, baterísta de BS, comentó en alguna ocasión en una entrevista que la canción tuvo sus inicios en el año 1968 cuando se estaban presentando en un Club nocturno en Suiza.

Pero ese dato quedó algo nublado cuando años después el que sacó la voz fue el guitarrista Tony Iommi, quien aseguró de "guata" que "War Pigs" tuvo su origen simplemente en medio de una jam session mientras esperaban entrar a grabar parte de este disco.

Lo que sí se sabe es que la canción empezó a ser grabada bajo el nombre de  "Walpurgis", que derivaba de una famosa festividad pagana típica de algunos países de Europa Central y que también es conocida como la "Noche de Brujas". Esta canción, a medida que la iban arreglando en cuanto a la música, iba apareciendo en algunos conciertos con una letra improvisada y, es por ello que se pueden escuchar algunas versiones con aroma a demos que dejan en claro que la banda ya llevaba meses con la canción en la cabeza.

La canción fue grabada entre el 16 y el 21 de Junio de 1970 en las salas perteneciente a los Regent Sound Studios. Según el bajista Geezer Butler, las primeras versiones de esta canción resultaron bastante impactantes para los productores y gerentes del sello Vertigo. dada su duración, y su oscura letra, quedó tachada como "satánica" y fue rechazada en primera instancia por la gerencia de la empresa discográfica.

A raíz de esto es que la canción toma un giro de 360° y empieza a ser trabajada nuevamente en su letra y arreglos musicales. La nueva tempatica iba de la mano con el tema del momento: La Guerra de Vietnam. Butler comentó en la revista Mojo este novedoso cambio en la pieza musical, y su relación con crear una crítica hacía las guerras: "En ese entonces estabamos totalmente en contra de la guerra de Vietnam, porque veíamos cómo estos políticos se hacian cada vez más ricos y son estos mismos que ricos comienzan las guerras para sus beneficios y hacer que la gente pobre muera defendiendolos a ellos" .

Pero en el año 2002 aparecería en escena Ozzy Osbourne, la mítica voz de esta agrupación, negando varios comentarios que sus compañers habían hecho sobre esta canción. En su libro Diary of a Madman: Ozzy Osbourne:The Stories Behind the Song, menciona que "ninguno de los integrantes de la banda sabía tanto sobre lo que ocurría en Vietnam. Es sólo una canción anti-guerras".

Pero ante este nublado panorama,  Iommi deja en claro en su libro "Iron Man: My Journey through Heaven and Hell with Black Sabbath" (2011) que la renovada temática de la canción tuvo su origen tras hacer una presentación en una base de la Fuerza Aerea de los Estados Unidos, donde pudieron observar la ignorancia humana fundamentada solo en el poder que les dá un cargo para sentirse por encima de los demás y el cómo estos personajes tienen la libertad de enviar al "perraje" a combatir a sus inútiles guerras simplemente como carne de cañón. Con eso, el guitarrista  dejó en claro que la canción tenía algo que ver con la temática de Vietnam, y tan mal informados no estaban con respecto a ese suceso belico y sus consecuencias humanas.

Tras grabar "War Pigs", la banda había decidido titular el disco de esa manera, pero la gerencia de la compañía discográfica les amenazó con que si seguian con esa idea simplemente el disco no iba a ser publicado. Es que los "jefes" veían en ese título algo demasiado controversial y simplemente les dió una opción: Titular el Lp simplemente como  "Paranoid", otra canción que estaba incluída en el álbum.

Les dejamos este clásico del rock... Que la disfruten!!

ANTHEM / DEEP PURPLE

 

"Anthem" es una canción  de la famosa banda británica Deep Purple, y que forma parte del repertorio de su segunda placa comercial, el dinámico y bien trabajado The Book of Taliesyn que fue publicada el 11 de Diciembre de 1968.

Eran los inicios musicales de una de las bandas que cambiaría el sonido del rock. Por ese entonces la banda contenía en su formación al vocalista Rod Evans, y al bajista Nick Simper, quienes estaban acompañados de tres pilares fundamentales para la historia de la banda y del Rock: El virtuoso Ritchie Blackmore, el talentoso tecladista Jon Lord, y el exclente batería Ian Paice.

Al igual que su disco debut, el éxito comercial estuvo marcado en Estados Unidos, miientras que en sus tierras ambos trabajos pasaron toalmente desapercibidos para la prensa y los medios. A pesar de eso, ambos trabajos nos traían a una banda que buscaba encajar en un estilo propio por medio de una baterpia magistral de sonidos, que a ratos iba por momentos psicodélicos, pasando por el blues, toques del naciente hard rock y en otros episodios se tiraba al rock progresivo. Ojo que tampoco dejaban fuera su gusto por la música clásica y en mas de alguna pieza se dieron el lujo (y sin miedo a estar presente en sus discos debut) de mezclar su rock bajo los mantos barrocos.

Las grabaciones de su segundo disco tuvieron sus inicios en Agosto del año 1968 en los estudios De Lane Lea,en Londres. Impulsados por el objetivo de buscar siempre lo mejor como banda, los cinco componentes de Deep Purple se embarcaron en un viaje musical para encontrar las canciones justas y precisas para lo que estaban buscando.

Una de las primeras canciones en ser grabada en esas sesiones, fue una melancólica  balada titulada simplemente como "Anthem". Esta pieza musical tenía como autores a Rod Evans y a Jon Lord, y en ella cada uno ponía sobre la mesa sus variados gustos musicales.

Es que en esta canción, que habla sobre un amor perdido, Evans puso un notable toque musical al estilo Elvis Presley, mientras que Jon Lord dejó en claro su gusto por la música clásica escribiendo una hermosa parte instrumental  de cuerdas con aroma a música barroca que calza a la perfección con la emotividad de la "rola".

Es que la participación de Jon Lord no era solo estar a cargo del Hammond en los conciertos y en los discos sino que tambien tenía una activa participación en la composición y arreglos orquestales. Dueño de un talento provilegiado en el piano, con estudios musicales formales, fue uno de los primeros en mezclar la música clásica con la psicodelía que tan de moda estaba en esos tiempos. El punto emblemático de la influencia de la música clásica en las venas de la banda, se puede escuchar en el Lp "Concerto for Group and Orchestra" un emeblemático disco en vivo publicado en 1969 donde los Deep Purple tocan junto a la Orquesta Filarmónica Real, que estuvo bajo la dirección de  Malcolm Arnold y cuyo material estaba escrito por el maestro Jon Lord. Pero esto forma parte de otra historia...

Volvamos a la canción que nos tiene hoy congregados en esta entrada.  Tras mezclar el sentimiento "Elvis" con los acordes melódicos de una sección de cuerdas muy interesante, no podía faltar la activa participación de un metódico Ritchie Blackmore a la guitarra. Usando su histórica y siempre fiel Gibson 335, logró entrar con todo en la sección instrumental con uno de sus "solos" mas emblemáticos e inolvidables para la fanaticada.

Una canción excepcional, y que hace juego con su título: Es un himno al desamor y al rock de verdad. Puede que no tuviera un éxito en los charts, que el disco no vendiera tanto como sus futuros trabajos, pero esta pieza siempre estará presente como uno de los trabajos que formaron el sonido de una de las bandas mas emblemáticas para la hsitoria del Rock.

No podemos terminar esta entrada sin rendirle un sentido homenaje al señor Jon Lord, que ayr Lunes dejó este mundo para partir al escenario de la eternidad de los cielos. Lord murió a la edad de 71 años, en un clínica de Londres y a causa de una "embolia pulmonar". Era sabido que no la estaba pasando bien los ultimos meses, e incluso había informado a su fanaticada que estaba practicándose exámenes y un tratamiento para combatir el tan comentado cáncer.

Se nos fue un pilar fundamental para el rock mundial, el corazón de Deep Purple, y uno de los que dejó muy en claro que el rock no es sólo guitarras, melenas y buena voz y que detrás de los teclados también se puede demoler escenarios...

Hasta siempre Lord...

THE KILLING OF GEORGIE / ROD STEWART

 

"The Killing of Georgie (Part I & II)" es una canción del famoso músico y cantante británico Rod Stewart. Publicada como single en el año 1976, esta canción forma parte de su séptimo disco, el aclamado "A Night on the Town", que data de Junio de ese mismo año.

Dueño de ua rasposa pero muy particular voz, Roderick David Stewart, amante del fútbol y de la bellas mujeres, siempre tuvo en mente ser un rock star. Empezó haciendo sus primeras armas musicales dentro de la Jeff Beck Group, y posteriormente pasó a ser el vocalista de la banda The Faces, con la cupal tuvo el trampolín hacía la fama y que lo llevó a probar una repentina carrera como solista, que empezó de manera espectacular y creciente, con discos esenciales, canciones eternas y singles que eran todo un éxito en los charts.

Como mencionabamos anteriormente, la carrera de Rod en los 70's era de un alza notable en los charts, y sus discos, con grandes productores a sus espaldas, eran muy interesantes y variados. Así llegó el año 1976, y traía a Rod con su LP "A Night on the town", que llamó de inmediato la atención pr dos piezas musicales: "The First Cut is The Deepest", que pertenecía a la mano de Cat Stevens, y una extraña pieza de alta duración titulada "The Killing of Georgie", la cuál iba dedicada para un anónimo amigo homosexual asesinado en Nueva Jersey. Como era de esperar de la prensa rosa, se levantó más de una sospecha sobre la supuesta homosexualidad del blondo Stewart.

Mas allá de la batalla de sospechas, comidillas y noticias e investigaciones inventadas sobre la sexualidad del cantante, hay que destacar que "The Killing of Georgie" es una de las primeras canciones que hablaban abiertamente sobre la homofobia, y desde un punto de vista crítico y a la vez reflexivo.

En 1995, Stewart relataba en la revista Mojo parte de la historia de esta canción: "Esa canción viene de una historia real, sobre un amigo gay, que era amigo de la banda también, que murió apuñalado o de un balazo, no lo puedo recordar bien en estos momentos. Pero la escribí  bajo una pena enorme, y simplemente en un acorde. "

En la "rola", Rod nos cuenta la historia de Georgie, un jóven homosexual que decide terminar con ese secreto que lo tenía tan incómodo y contarle abiertamente a sus padres sobre su opción sexual.  Stewart hace especial hincapié en los dificiles momentos que tuvo que pasar Georgie tras declarar su secreto, donde sufre el cruel desprecio de su padre, y a raíz de eso decide pescar sus cosas e irse a vivir a Nueva York, en busca de rehacer su vida. En esas tierras empezó a sobresalir en su trabajo como artista, y además encontró el amor, y quizás la libertad que tanto tenía escondida.

Fue durante esa primavera que flotaba en sus días y su vida , donde ocurre el fatal hecho. Segun el relato de la canción, el personaje principal y su pareja fueron a ver una obra musical que se estrenaba en Broadway. A la salida, la pareja se despide y Georgie decide ir a su casa por un atajo, que incluía un oscuro callejón en la ruta. Fue en ese callejón donde lo atrapó una pandilla, quienes lo maniataron y lo asesinaron de manera cruel.

La emoción abraza la canción en su etapa final, cuando Rod declara una frase que, supuestamnte,  era típica del repetorio de su amigo: Vivír la vida siempre con ese espiritú jóven y disfrutarla hasta el ultimo día.

Para la crítica, escuchar la canción fue algo fuerte en un principio, y de inmediato se empezaron a preguntar el cómo y el por qué de escribir esta historia, y si era díficil para el autor colocarse en el plano de un protagonista homosexual. Sobre esto, el autor de la canción confesó que díficl no fue, y lo complementó con lo siguiente: "En esa etapa vivía rodeando de gays. Uno de los que trabajaban en relaciones publicas del sello era gay, un gerente del sello también era gay. Y al parecer todo mi mundo era gay. Quizás eso impulsó a que sea menos difícil escribir esta canción. Creo que fue un paso valiente, a pesar que no tenia nada de riego. Pero escribir algo asi, sin haberlo experimentado, debe ser díficil. Creo que el mensaje estará de pie hasta el fin de los días".

"The Killing of Georgie" fue lanzada como single en dos partes. La primera, que viene en el lado A, viene siendo la mas popular, con una melodía mas ligada al Pop. Mientras que la segunda parte raya mas en la melancolía de pedirle al cielo que le devuelva a su amigo muerto, como buscando una respuesta del más allá, y con el fin de darle un fin épico a la pieza musical.

La canción fue todo un éxito en el Reino Unido, donde alcanzó la segunda posición en el UK Singles charts. Mientras que en estados Unidos, el single sólo puso escalar hasta la casilla #30 del Billboard Hot 100.

Una canción esencial para el catalogo musical de este blondo artista y amante a rabiar del Celtic de Glasgow. 

Que la disfruten!!!!

NOT A SECOND TIME / THE BEATLES

 

"Not a Second Time" es una canción del famoso grupo británico The Beatles, que  tuvo su aparición oficial un 22 de Noviembre del año 1963 dentro del Lp "With The Beatles".

Tras cuatro meses  del repentino y explosivo éxito de su disco debut, esta banda oriunda de Liverpool  decidió aprovechar de la fama y los buenos resultados en los charts para proponerse grabar dos discos por año. No importaba si tenían que ir a grabar a la BBC, o irse de gira por Europa, siempre habría un espacio para grabar nuevas canciones y seguir buscando la fama, ahora, mundial.

de esa manera, y con tres meses de grabación bajo una agenda muy apretada es que Los Beatles sacan su segundo Lp, el aclamado y llamativo "With The Beatles", donde los integrantes ya no sólo se preocupaban de la interpretación y los arreglos, sino que cada uno ya tomaba sus riendas creativas a la hora de la producción y uso de las nuevas tecnologías en la mesa de sonido.

Como era de esperar, este disco fue todo un éxito en ventas. Los números no mientes y dejan muy en claro que con este trabajo musical empezaba a tomar forma la "Beatlemanía" en todos los lugares del mundo. Esto queda reflejado cuando a cuatro días antes de lanzar el disco  ya llevaban vendidas a pedido 250.000 discos, y eso ya era Disco de Platino. Una semana después del lanzamiento, el "With The Beatles" ya llevaba 500 mil copias vendidas y ya tenía como resultaod un Disco de Oro.

Las listas  de la "New Musical Express" y "Melody Maker" se rendpian ante este fenómeno musical que empezaba a crecer de manera rápida y que con el paso de los años pasaría a ser una revolución musical, una banda que fue y será influencia para todos lo que quieran navegar por el rock de verdad.

Una de las canciones que compone este disco es  "Not a Second Time", escrita en un ciento por ciento por John Lennon, pero aceditada por motivos comerciales junto a su partner Paul McCartney. Si bien es considerada por muchos estudiosos como una simple canción de relleno, no hay que caer tanto en la fiesta de esa simpleza de comentario, ya que musicalmente contiene varias características llamativas para algunos fanáticos.

Grabada en cinco tomas, un 11 de Septiembre de 1963, en los estudios Abbey Road, esta fue la primera grabación de la banda que no contó con el aporte de George Harrison. Esto se debía a que la base musical de la canción solo contenía bajo (que en la grabación en Mono apenas se podía escuchar) , guitarra acústica (en manos de Lennon) y batería. Posteriormente el que puso mano en la estructura musical fue el productor George Martin, quien decidió colocar un toque de piano que, si bien en la introducción suena algo fuera de tono y tiempo, se transformó en parte esencial para la pieza musical.

Hasta ahí pareciera que la canción de verdad sonara a relleno, por su aspecto descuidado en la producción y la rápidez con la que la editaron antes de publicar el Lp. Pero fue la llamativa parte de piano la que llamó la atención de varios críticos musicales, en especial de William Mann, que trabaja para el The Times.

El 23 de Diciembre de 1963 salió a la venta una ueva edición del The Times, y en ella Mann sacaba un breve peor potente ensayo acerca del fenómeno musical llamado The Beatles, buscando una respuesta musical ante toda esa ola de fama, locura de las fanáticas y repentino éxito mundial.

En su análisis tuvo unas sorpresivas palabras hacía esta supuesta  canción de relleno llamada "Not a Second Time": " Pero el interés armónico también es típico de sus canciones más rápidas, y a uno le da la impresión de que piensan simultáneamente en la armonía y en la melodía por lo firmemente asentadas que están las séptimas y las novenas mayores tónicas, así como las tonalidades superdominantes bemoles, y por la naturalidad de la cadencia eólica al final de 'Not A Second Time' (la progresión de acordes con que finaliza el 'Canto De La Tierra' de Mahler)...".

Para Los Beatles, esta buena crítica (o mas bien los elogios musicales) fue muy extraña, y en su tan característico humor no dejaron atrás las palabras y simplemente se preguntaron que carajo era una "cadencia eolica". El primero en debatir este artículo fue el mismísino John Lennon, quien declaró a la prensa semanas después de enterarse de la nota: "Todavía no llego a entender lo que significa eso (lo de las cadencias eólicas) pero a la vez, eso nos ayudó a entrar en el plano musical de los intelectuales. Funcionó muy bien y recibimos buenas críticas. No la volvería a escribir otra vez, ya que simplemente contiene acordes simples, como todos los acordes que usamos en nuestras canciones. Yo simplemente la escribí imitando las piezas de Smokey Robinson o algo que iba por ese estilo".

Pero esa frase seguiría rondando la mente de lennon con el paso de los años. de hecho en 1980, en la famosa entrevista con la revista "Playboy", el autor de la canción también tuvo una referencia a esa nota: "Todavía hoy sigo sin tener la más remota idea de lo que son las cadencias eólicas. Suena a pájaros exóticos".

Una canción, que musicalmente no es tan notable, pero que dejaba en claro que el poderío musical de The Beatles venía en alza y que sería el tiempo y sus talentos los encargados de formar esta leyenda de la música Popular del singlo XX.

Que la disfruten!

BLOW AWAY / GEORGE HARRISON

 

"Blow Away" es una canción del músico británico George Harrison, que fue lanzada como single un 14 de Febrero del año 1979 con el fin de promocionar su preciado disco homónimo ( y cotava placa en su carrera como solista).

El disco traía mucha magia bajo la manga, y suponía un nuevo renacer en la carrera como solista del "Beatle tímido" tras un periodo de bajas ventas y discos altamente mal criticados por la prensa especializada.  Es por ello, que marcado por su matrimonio con Olivia Trinidad, el cuál había traíado al mundo a su primer hijo, Dhani, es que Harrison se siente renovado para comenzar la década de los 80's de la mejor manera y con buena música para su fanaticada y para el mundo entero. Bajo esas estrellas es que el músico publica "George Harrison", un disco que traía joyas perdidas de la etapa Beatle, algunas canciones dedicadas a su pasión por las carreras de autos, otras que hablaban sobre la religión, la fé y la reflexión ante un mundo que se dividía cada vez más por Guerras, asaltos y discriminación. En fin, era Harrison entrando a los 80's, entrando a una primavera musical que trajo buenos dividentos artísticos y también monetarios...

Pero una de las canciones que llamaba de imediato la atención, tanto por su energía positiva que por su calidad musical, era "Blow Away", una simpática pieza que trajo nuevamente a las portadas de George.

Escrita durante unas merecidas vacaciones en Hawai, esta pieza nos habla sobre la coneccción mental entre el clima y el espiritu. Algo asi como la típica frase que puedes escuchar en cualquier obra: "Después de la tormenta viene la calma".

En varias ocasiones, el músico a declarado que "Blow Away" fue escrita en un periodo de melancolía y reflexión sobre muchos actos de su pasado, y esta pieza musical tenía el carácter de remedio y de transmitir toda esa energía positiva para salir de los problemas y mirar la vida desde una perspectiva mas despejada, a pesar de los chubascos y nubarrones.

Cabe señalar que en un principio  Harrison no le gustaba la melodía, e intentó cambiarla en varios ensayos obteniendo resultados muy por de bajo de los esperado. Es que la encontraba extremadamente sencilla en lo musical, y no iba de la mano con las demás piezas que tenía listas para el disco. Pero mientras la grababa, la arreglaba y le limpiaba cada detalle se fue enamorando de su creación y la propuso como primer single, pese a que era mas ligada al Pop.

Su elección vería buenos frutos, ya que sería esta pieza musical la encargada de llevar a Harrison nuevamente a las listas de éxitos y esta vez fuera de las sucias manos de Apple, ya que fue editada bajo Dark Horse, el sello que fundó George en 1974 en Los Angeles.

Y toda esas buenas vibras se vieron reflejadas cuando "Blow Away" alcanzó la casilla #51 del UK Singles charts, y la posición #16 en el Billboard Hot 100.

Pero lo más importante es que la canción también traspasó las barreras generacionales, y hasta el día de hoy saca aplausos de todo aquél que empieza a conocer la carrera solista de este experto en la guitarra Slide. De hecho, en el año 2010 los auditores de AOL Radio hicieron su propio ranking sobre las 10 mejores canciones de George Harrison, y "Blow Away" quedó en segundo lugar y estuvo a unos cuantos votos de sobrepasar a la, también histórica, "My Sweet Lord".

Que la disfruten!

TINY DANCER / ELTON JOHN

 

"Tiny Dancer" es una canción del músico británico Elton John, que fue publicada como single un 7 de Febrero del año 1972, y además está incluída en su cuarto LP, titulado Madman Across the Water y que traia nuevamente toda esa magia musical e innovadora de este aclamado pianosta y compositor inglés.

La crítica fue sincera con este disco, y simplemente lo catalogaría como una obra llena de sensibilidad y aires a melodrama en cada una de sus canciones que componían el tracklist. A la vez, y por su extraordinaria producción, el disco caía en las casillas  de ambicioso y gratificante para la mayoría de la fanaticada de este camaleónico artista que sorprendía día a día con sus puestas en escena.

Una de las canciones que llaman de imediato la atención dentro del repertorio del disco es, sin lugar a dudas, la nostalgica melodía y letra de una balada tan delicada como sus arreglos: "Tiny Dancer".

La letra pertenece (como siempre) a Bernie Taupin, el amigo y compañero musical de Elton John, con quien viajaría en 1970 a California para promocionar las canciones y los discos que ya tenían a la venta en teatros y medios de comunicación. Taupin siempre iba junto a la banda, como si fuera el  escudero de Elton John, y su misión en los escenarios era estar a cargo de la mesa de sonidos y disfrutar desde un costado como la fanaticada coreaba sus aplaudidas prosas.

Durante su estadía en Estados Unidos, Taupin empezó a extrañar a su gente.  Algo lo tenía extrañamente melancólico, y no dejaba que estuviera completamente concentrado a la hora de entrar a escena con la banda. Es que algo faltaba dentro de esa familia musical, un pieza importante a la hora de salir a rockear, de disfrutar del post-concierto  y era nada mas ni nada menos que  Maxine Feibelman,  novia del letrista y fanática número uno de Elton y su banda.

Maxine era bailarina profesional, amante de la música y con una esencia en su personalidad tan dulce que dejó "loco" a Taupin desde la primera vez que la observó. Ella era pieza importante dentro del grupo que acompañaba a Elton John por toda Europa en sus primeros años, y su ayuda era vital a la hora de elegir o confeccionar los glamorosos trajes que utilizarían cada noche.

Por ello, y aferrado a la distancia, y a los simples recuerdos de esos días que estaban juntos, la única arma que tenía Taupin para salir de toda esa pena era escribir poemas en los ratos libres. Por ello, e inspirado tmabién  en todo el ambiente artístico y social que habían percatado en Los Ángeles, Taupin empezó a escribir una nueva "rola" con especial dedicatoria para esa mujer que no se le podía borrar de la mente. De esa manera nace la letra de  "Tiny Dancer".

En 1971 Bernie y Maxine se casaron, y también fue el año en que Elton John grabaría la emotiva "Tiny Dancer".

Fue en Agosto, y en las salas de Trident Studios, donde el pianista puso toda su magia musical para decorar esta maravillosa letra. Elton John fue el primero en mencionar que esta canción estaba dedicada de parte de Taupin para su novia. De hecho, en los créditos del disco esta canción aparece con la siguiente nota: "With love to Maxine". Pero Bernie no estaba tan contento con esa idea, y cada vez que aparecía tras un micrófono trataba de desmarcar esta canción con su situacion amorosa de ese entonces (debido a que muchos críticos fueron directamente al grano para decir que esta balada hablaba simplemente sobre una groupie).

De hecho, siempre que era consultado por esta pieza musical, el compositor declaraba que era un relato sobre lo que observó en su primer viaje a Los Ángeles y lo maravilloso que era la vida nocturna y sus mujeres. "Llegamos a California en el otoño de 1970, y el sol lo iluminaba todo. Intentamos capturar todo ese ese espíritu de la época, encapsulado por todas las mujeres que conocimos - especialmente en las tiendas de ropa y clubes nocturnos- donde encontramos bellas jóvenes de espíritus libres y muy sensuales a la hora de bailar. Era todo tan diferente a lo que teníamos en Inglatera, puesto que estas mujeres  siempre estaban con sus jeans vaqueros tratando bien a su gente. Ellas nos trataban como si fueran nuestras madres. Era el complejo de Edipo en toda su perfección" comentaría Taupin.

En materia musical la canción contiene arreglos notables dentro del estilo Country-Pop impuesto por Elton, y remarcados de manera muy especial por el gran trabajo en la sección orquestal en manos del famoso compositor Paul Buckmaster, quien venía de trabajar con los Rolling Stones y Leonard Cohen.  

Son seis minutos de alta sensibilidad  rockera en una sinfonía donde se pasean guitarras en medio de  coros religiosos. A pesar de toda su producción, la canción sólo llegó al puesto #41 de Billboard Hot 100, y en el Reino Unido no fue publicada por extrañas y secretas razones que sólo la compañía disquera debe saber (?).

Quizás no fue el gran debut de Elton John en las pistas norteamericanas, pero si llegó a ser una de sus canciones favoritas que no podían faltar en sus conciertos.Fue por ese motivo, que la fama de la canción fue creciendo a medida que Elton John iba llegando al estrellato absoluto en los 70's con nuevos singles. El resultado final se puede ver reflejado en el famoso ranking que hizo la revista Rolling Stone en el 2004 sobre las 500 canciones de todos los tiempos, donde "Tiny Dancer" quedó en la casilla #384.

Que la disfruten!

SHAKE YOU DOWN / GREGORY ABBOTT

"Shake You Down" es una canción del cantante, músico y productor estadounidense  Gregory Abbott, que fue publicada como single un 29 de Septiembre del año 1986 y que además le daba el título a su aclamado y exitoso disco debut con que conquistó el mundo.

De padres oriundos de Venezuela y de Antigua, este artista empezó a los 8 años su misión artistica, cuando su madre le enseñó a tocar el piano y además le fomentó clases particulares de este instumento. Además, a esa edad ya participaba en el coro de la Catedral de San Patricio donde destacaba por su talento y ganas de salir adelante por medio dela música.

Pero no sólo la música movia el corazón de Gregory, ya que tras terminar la secundaria se decidió a estudiar Psicología en la Universidad de California. Además, hizo un curso de escritura y literatura en la Universidad de Standford, donde destacó por sus  escritos y ensayos. Fue por esa faceta, y por sus buenas calificaciones. que empezó a trabajar como profesor de Inglés en la Universidad de Berkeley, y fue en esa frustífera etapa en que conoce a la cantante Freda Payne, con quien se casó en 1976, terminando su relación tres años después.

Pero no sólo de exitos académicos queria vivir Gregory, ya que también quería probar suerte mostrandole a los productores su calidad como cantante y músico (donde destacaba en batería y teclado). De esa manera decidió contactarse con un sello independiente, quien lo llamó a terreno para una audición de prueba. Finalmente le propusieron hacer un dueto con una talentosa cantante que también quería iniciar una carrera musical a todo terreno. Esta cantante se llamaba Whitney Houston.

Tras no tomar la oferta, Abbott se decidió por otra porpuesta que apareció sobre su mesa: Trabajar para Atlantic records y ser el productor de la banda EQ.

Fue en ese momento cuando decidió darle rienda suelta a su proyecto musical, y por medio de Atlantic Record grabar su tan anhelado disco debut.

Una de las primeras canciones que tenía en carpeta para su nuevo proyecto llevaba un extraño titulo: "Shake You Down" ,y que además destacaba por ser una balada con aires Pop en todos sus acordes y estructura.

Según Abbott, la frase era una metáfora a secas sobre el sentir de un hombre cuando se siente atraído por una mujer, y de hecho, en la practica se la dijo a una de sus "amigas" y esta quedó encantada con la idea de escribir una canción a base de esa llamativa frase. A raíz de eso, empezó con todo a trabajar esta canción, sin miedo a censuras futuras de los medios o prohibiciones de parte de su sello.

Una vez que la terminó, Gregory grabó tres versiones demos, y fue la ultima la seleccionada (con una base de batería, teclados y un extraordinario juego vocal) y la que se la enseñó a su uno de sus tios que era experto en el tema de producción, el señor Mike Abbott, quien quedó tan a gusto con la "rola" que de inmedito pescó la cinta y se la fue a enseñar a Charles Koppelman, gerente general de Columbia Records. Este le dió el visto bueno a la canción y decidió darle un contrato a Gregory para que la publicara como single  y después lanzara su disco debut que tanto tenía proyectado.

Una vez que la canción fue editada, producida y arreglada en los estudios de grabación, con la participación del bajista T. M. Stevens, el tecladista Alan Panaker, el guitarrista Marlon Graves, y el baterísta Dave Beal, Abbott decidió lanzarla como single en Septiembre de 1986.

A las pocas semanas, la canción ya era todo un suceso en las radios y lideraba los charts como el single mas tocado dentro de sus parrillas programáticas por todo el país. Ese era el primer record del single. Posteriormente  "Shake You Down" llegaría a la cima del Billboard Hot 100 entre Octubre de 1986 y el 17 de Enero de 1987. Al otro lado del Atlántico el éxito fue similar tras llegar a la casilla #6  del UK Singles Chart, donde estuvo 13 semanas dentro del Top Ten.

Lamentablemente este sería el único gran éxito de este músico y productor estadounidense, ya que tras intentar repetir la fórmula con los demás singles nunca tuvo ni se dió la oportunidad de sobresalir tanto como lo hizo con esta canción y el disco de 1986.

Larga vida a los One-Hit Wonder!

Que la disfruten!