miércoles, 30 de septiembre de 2009

EMBARRASSMENT / MADNESS



"Embarrassment" es una canción de la banda de Ska britanica Madness. La autoría de esta canción pertenece a Lee Jay Thompson y Mike Barson, aunque este ultimo trabajó poco en la producción del tema pero por razones comerciales fue incluido. Pertenece al segundo disco de esta interesante banda llamado Absolutely, el cual fue publicado en Septiembre de 1980.
El 14 de noviembre de 1980 fue lanzado al mercado musical el single de esta canción y llegó a estar 12 semanas en las listas de singles del Reino Unido llegando al cuarto puesto en su mejor momento.

Si bien, Madness ya tocaba esta canción desde sus conciertos en Abril de 1980 el éxito logrado por esta canción y el disco les llegó en una etapa muy especial, pues ya habían depurado su estilo musical y estaban experimentando con ritmos latinos que experimentaban en su atmosfera musical basada en la musica de los Rude Boys, esos mismos que despues le traerian mejores criticas a su labor musical como banda.

Sobre el significado de la canción se dice que es algo misterioso y personal de la vida de Thompson. Esta oscuridad de la temática contrastaba con las demas canciones de la banda ya que reflejaba el caos que acontecía en su familia después de que su hermana adoslescente, de nombre Tracy, se había quedado embarazada de un hombre de raza negra. Lo ocurrido provocó el rechazo de su familia ante lo sucedido y muchas peleas dentro del entorno familar . Es por ello que en la canción él resalta ese rechazo de su familia y la vergüenza que sus padres sentian por lo que tenian que afrontar.
La mayor parte de esta historia Thompson la supo mientras estaba de gira con el grupo, y se enteraba simplemente via telefonica o mediante cartas de la historia que estaba haciendo pedazos a su familia.

La canción es un claro reflejo de los tiempos y actitudes cambiantes de las familias a medida que pasa el tiempo, dejando de lado esas idiotas actitudes racistas que solo traen malos ratos cayendo en el poco razonamiento humano que no entiende que todos somos iguales y las razas simplemente no tienen nada que ver con las actitudes humanas (No al racismo!).

La historia en la vida real tuvo un final feliz. Thompson dijo más tarde que cuando nació el niño, que se llamó Hayley, la antipatía de los familiares de Tracy se desvaneció dando a entender que un niño puede cambiar vidas.

Que disfruten este temazo!!!...

martes, 29 de septiembre de 2009

LITTLE RED CORVETTE / PRINCE



"Little Red Corvette" es una canción del famoso músico estadounidense Prince. Fue lanzada como single en 1982 para promocionar su éxitoso disco 1999. Esta canción fue su primer gran exito en su aclamada carrera artistica de este cantante, compositor y multi-inrrumentista nacido en Minneapolis.
Llegó a entrar al Top 10 norteamericano en el puesto #6, mismo casillero que ocupó en el Billboard Hot Chart en 1982. Muchos aseguran que esta canción dió el giro a la carrera de Prince, llamando mas la atención en el publico blanco que hasta ese entonces no enganchaba con su música y sus discos.

Prince tuvo la idea principal de la canción cuando se estaba hospedando en el departamento de Lisa Coleman, el cual estaba cerca de la Edsel (empresa de la Ford). Mientras grababa el disco y pasaba las noches en ese edificio fue ideando la letra antes de hacer su siesta. Hasta que en un día de insomnio logró terminarla y dejarla lista para la grabación.

En la parte musical "Little red Corvette" combina una caja de ritmos programada con un sintetizador que acompaña las estrofas y los coros. Dichos coros fueron cantados por la cantante y tecladista Lisa Coleman. El majestuoso y sensual solo de guitarra fue interpretado por Dez Dickerson y con el paso de los años ha sido muy galardonado, a tal punto que la revista Guitar World la incluyó en su lista de los mejores solos de guitarra de todos los tiempos en el puesto #64.

La letra de la canción nos narra una aventura amorosa nocturna entre un hombre y una mujer, donde el amante, al parecer, no tiene mucha experiencia en el amor y eso le hace pasar mas de algun "chascarro". Lo mas notable de la parte lírica es que usa metaforas automovilisticas, por ejemplo compara su amor por esa mujer con un viaje en limusina y dá para sospechar el término "Little Red Corvette" que al parecer es un disfraz metaforico hacia el clítoris o la vagina (de Prince se puede esperar cualquier cosa!!!). Esto último está pensado y analizado de la frase "I'm gonna try to tame your little red love machine."

El videoclip de "Little Red Corvette" tambien fue un exitazo. Dirigido por Bryan Greenberg, este video promocional de la canción fue lanzado en febrero de 1983 y fue uno de los primeros videos musicales de un artista de raza negra en obtener una alta difusión en MTV. Antes de eso, solo Michael Jackson con su pegajoso "Billie Jean" había logrado un exito asi en la cadena televisiva.

La revista Rolling Stone colocó a LRC en el puesto #108 en su aclamada edición 500 Greatest Songs of All Time.

Que disfruten este temazo!!

lunes, 28 de septiembre de 2009

PARANOID / BLACK SABBATH




"Paranoid"
es una canción de la famosa banda inglesa Black Sabbath. Esta pieza clásica del Heavy Metal tuvo su aparición en el segundo disco de la banda, publicado en 1970, titulado Paranoid (originalmente el disco se iba a llamar War Pigs pero los productores temían que los opositores de la Guerra de Vietnam tuvieran reacciones negativas hacía el LP ).

Los integrantes de la banda han admitido que esta canción solo fue hecha de "relleno" para el disco. La hicieron mientras los productores se tomaban un descanso en el porceso de grabación y una parte de la banda fue a comprar unas cervezas. En ese rato el guitarrista Tony Iommi, que se había quedado en el estudio (esperando esas heladas cervezas), se le ocurrió un singular riff inspirado en la canción "Dazed and Confused" de los famosos Led Zeppelin.
Al llegar el resto de la banda y escuchar esos acordes de guitarra decidieron grabarla, para lo cual solo tardaron treinta minutos (aprox.). Su vocalista, Ozzy Osbourne, empezó a cantar cuanta frase se le venía a la mente mientras los demas pulían la parte instrumental en un proceso casi experimental mezclado con un juego de niños. Sin embargo la letra de la canción fue modificada en el momento de grabación por el bajista Gezeer Butler, que era el principal letrista de las canciones de Sabbath, quien le dió esa idea sobre la desesperación existencial (la famosa paranoia) de un enfermo mental la cual se refleja de manera fenomenal con el oscuro riff.

El single que incluía a"Paranoid" (que en su lado B nos deleitaba con "The Wizard") fue lanzado en julio de 1970 solo para el Reino Unido. Rapidamente el publico fiel a la banda se impresionó con esta canción, ya que traía una locura musical bastante extraña y original a la vez. Es por ello que el single llegó a ser un éxito en ventas. En las listas británicas esta poderosa y creativa canción llegó al cuarto puesto.
Del disco ni hablar, fue número uno en ventas en 1970 y con el paso los años ha sido declarado de culto por los fanáticos de Metal resatandolo por su llamativa calidad musical y el cambio que impulsó en los músico de ese estilo musical .

"Paranoid" fue una canción influyente para todo el heavy metal, así lo notamos con el paso de los años donde la crítica "especializada" siempre valora este clásico. Por ejemplo el canal VH1 en su lista de las 40 mejores canciones del metal la colocó en el puesto 34 y la dejó en el casillero #4 en su lista Greatest Hard Rock Songs este año. En marzo de 2005, la revista Q colocó a esta canción en el lugar 11 en su lista de las 100 mejores canciones de guitarra. Mientras que la revista Rolling Stone la puso en el puesto 250 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Les dejamos un verdadero temón... que la disfruten!!!

domingo, 27 de septiembre de 2009

BITTER SWEET SYMPHONY / THE VERVE

"Bitter Sweet Symphony" es una canción del grupo inglés The Verve. Fue publicada en un sencillo con titulo homónimo en junio de 1997 para luego ser publicada en el disco super ventas titulado Urban Hymns en 1997, siendo publcado como single el 16 de Junio de 1997.

Rapidamente la canción se convirtió en un exito para esta banda oriunda de Wigan. Ocupó el puesto #2 en los UK charts y en 1998 entró a Estados Unidos en el casillero veinte del Billboard. Pese a tener problemas legales en su autoría, la canción fue un éxito mundial para la banda.

Si bien la composición de esta canción fue hecha en su totalidad por Richard Ashcroft, si vamos al disco y vemos los créditos nos podemos dar cuenta que aparecen Mick Jagger y Keith Richards ambos miembros de la banda The Rolling Stones. Pero no se debe a que estos dos "rockeros historicos" hayan cooperado con los Verve, sino a que la canción utiliza un riff similar al que aparece en el tema The Last Time de la banda liderada por Jagger. Este riff instrumental que da inicio a la canción de los Verve fue grabado originalmente en la canción de los Rolling Stones por The Andrew Oldham Orchestra por lo cual el músico y famoso manager de la banda en la década de los sesenta,Andrew Loog Oldham, demandó a la banda de Ashcroft, pese a que ya lo habían acordado legalmente, por usarlo mas del tiempo permitido en dicho trato.
El problema tuvo mucha polémica y llegó a instancias legales, donde The Verve se vió obligado a compartir los derechos de la misma colocando a los dos Stones dentro de la autoría musical de esta famosa pista sin haber participado.
A pesar de que la letra de la canción es 100% de The Verve, la música de "Bitter Sweet Symphony" se basa en su mayoría del tiempo en la pista de Oldham. Ese fue el argumento que usó la compañia ABKCO Records que es dueña de las canciones de The Rolling Stones dentro de la demanda.

Según Simon Jones (bajista de The Verve) "Nos dijeron en el tribunal que iba a ser una división de 50/50 en las ganancias, y luego, cuando la canción tuvo un gran exito nos telefonearon y nos declararon que querían el 100% de las ganancias o iban a sacar el single y el disco de las tiendas... no teníamos mucha elección".
El vocalista de la banda, Richard Ashcroft, comentó irónicamente a los medios de comunicación despues de la demanda: "Sin lugar a dudas esta es la mejor canción que Jagger y Richards han escrito en los últimos 20 años."

Por otra parte, Keith Richards habló acerca de esta problematica en una entrevista con la revista Q publicada en enero de 1999. Se le preguntó si pensaba lo díficil que fue tomar todas las regalías de la famosa "Bitter Sweet Symphony" de The Verve, a lo cual respondió: "Eso me deja fuera de control... es un trabajo de mierda para abogados serios. Si The Verve llegara a escribir una mejor canción, pueden mantener su dinero".

En un especial televisivo sobre su banda en el canal VH1, Ashcroft comenta sobre su canción: "A pesar de todos los problemas juridícos y sus tonterias derivadas, no se puede hechar para abajo la letra y los acordes... con eso te das cuenta es una gran canción".

En varios conciertos el vocalista de The Verve le ha dedicado con mucha rabia esta canción a Mick Jagger y Keith Richards. Por ejemplo en uno que hicieron en el Sage Gateshead en Gateshead, luego de que su púbñlico pifiaran a los dos Stones, Richard dijo: " Mientras pueda cantar esta canción le estaré pagando algunos proyectos de ley a esos tipos".

Pero toda la polémica no a tapado el éxito mundial que logró esta canción que además cuenta con un llamativo videoclip. La revista Rolling Stones la colocó en el puesto 382 en su lista de las 500 mejores canciones de la historia.
Ademas, la marca deportiva Nike ocupó sin el permiso de la banda la canción para promocionar unas zapatillas, lo cual hizo volver a la banda a los tribunales... pero esta vez ganaron algo de dinero.

BONUS TRACK: DOS CLASH Y UNA CANCIÓN BENÉFICA

Headon, Jones y Bragg posando en el estudio.

Luego de 27 años, parte de la famosa banda británica The Clash volvió a reunirse para grabar una canción. Obviamente sin el fallecido vocalista Joe Strummer, Mick Jones y Topper Headon se unieron en el estudio de grabación para registrar la canción Jail Guitar Doors (que aparece en el disco The Clash publicado en 1977) a beneficio de una organización con el mismo nombre que ayuda a los presos en su proceso de rehabilitación brindándoles la posibilidad de tener acceso a instrumentos musicales.

Ambos miembroa de Clash junto con el músico Billy Bragg (fundador de la organización) se sumaron a cuatro ex reclusos para terminar de darle forma a la canción. Headon declaró que "ver todo esto dar frutos es realmente bello" y recordó que su paso por prisión se vio aliviado gracias a "tener acceso a una guitarra, que pertenecía al capellán de la cárcel". Y agregó: "Sé lo mucho que me ayudó para superar aquello".

Ademas Mick Jones, que ya había donado dinero a la organización de Bragg, explicó en un comunicado difundido por la agencia inglesa de noticias PA que mantuvieron una reunión con presos que participan en la iniciativa, en la que "nos dijeron lo mucho que este programa les estaba ayudando para cambiar de vida una vez que salgan de prisión".

La última vez que Jones y Headon grabaron juntos fue en las sesiones del disco Combat Rock, el álbum de 1982. Durante la gira de presentación del disco, Headon (que estaba de vacaciones) fue despedido del grupo por culpa de su fuerte adicción a la heroína. De esa salida del mítico baterista, el grupo empezó en un decadente proceso de desintegración que terminó por expulsar gradualmente a cada uno de sus miembros.

La pregunta que todo fans y amante del buen rock se debe estar haciendo en sus casas es: ¿Continuarán juntos?. Realmente no se sabe, pero los que participaron en la grabaciones han manifestado que Jones se mostró contento. "Fue realmente conmovedor pensar que habíamos ayudado, aunque fuera sólo un poco". Bragg, ademas añadió que decidió convertirse en músico y activista político tras ver a The Clash en vivo en un concierto en Londres y que la idea detrás de este programa es no olvidar que "la cárcel tiene que suponer mucho más que sólo encerrar a la gente".

Todo el proceso de grabación de esta canción formará parte del documental Breaking Rocks, que se proyectará el mes de octubre en el Raindance Film Festival.


Jail Guitar Doors Clip - Watch more amazing videos here


Fuentes:

http://latercera.com/contenido/724_183307_9.shtml

http://www.clarin.com/diario/2009/09/18/espectaculos/c-02000942.htm

http://nihilismo-innecesario.blogspot.com/2009/09/mick-jones-y-topper-headon-vuelven.html

sábado, 26 de septiembre de 2009

MASSACHUSETTS / THE BEE GEES



"Massachusetts" es una canción de la banda The Bee Gees. Fue escrita y compuesta por los hermanos Gibbs ( Maurice, Barry y Robin) en 1967 como parte del repertorio del segundo disco de esta banda de Manchester llamado Horizontal que fue sacado a la venta en Enero de 1968.

Esta canción fue el primer gran exito de los Bee Gees ya que logró alcanzar la cima de las listas Británicas y ello hizo que los hermanos Gibbs, con sus melódicas canciones, se hicieran populares y el mundo musical empezara a mirarlos y escucharlos con mucha atención. Un buen ejemplo es lo que pasó en Japón, donde esta canción llegó al número uno de las listas Oricon y logró que los hermanos Gibbs fueran el primer grupo extranjero en lograrlo en tierras niponas.

En el aspeto musical esta balada cuenta con la mayor parte vocal interpretada por Barry Gibb, mientras que Maurice Gibb ayuda en los coros. La parte instrumental nos trae a Barry Gibb en la guitarra rítmica, Maurice Gibb a cargo del bajo, Vince Melouney en guitarra eléctrica y a Colin Petersen en batería. Ademas cuenta con un arreglo orquestal compuesto por el trombonista y director musical Bill Shepherd.

Originalmente Barry, Robin y Maurice Gibb escribieron esta canción para la banda australiana The Seekers. Pero esta banda de música Folk rechazó la idea por encontrarla poco comercial, sin embargo Los Bee Gees demostraron que esta balada conquistaría el mundo grabandola y cosechando buenas críticas.
Pero en el año 2003, luego de la muerte de Maurice Gibb , The Seekers deciden grabar Massachusetts como homenaje a él.

Pero la canción tambien tiene una triste historia adjunta al éxito y la fama de la banda. Según declaraciones de Maurice Gibbs, poco despues de haber grabado y publicado esta balada se le acercó en una presentación el manager de The Beatles: Brian Epstein y este le dijo que la canción era hermosa y que sería, sin lugar a dudas, el éxito de ese verano. Estas palabras fueron dichas horas antes del 27 de agosto de 1967, que es el día donde misteriosamente ocurre el fallecimiento de Epstein (no se sabe si fue abuso de drogas o un suicidio).

Les dejamos una canción que nos resume el estilo musical que tenian estos tres hermanos que cambiaron el concepto musical de la balada pop con sus preciosos arreglos y letras nostálgicas, que ademas han traspasado decadas y generaciones.

Que la disfruten!!!!

jueves, 24 de septiembre de 2009

AIN'T NO SUNSHINE / BILL WITHERS



"Ain't No Sunshine" es una canción del cantante y compositor afroamericano Bill Withers. Fue publicada como single (mas encima en el lado B ya que no le tenpian mucha fé a esta balada) en Septiembre de 1971 para promocionar su famoso disco titulado Just As I Am. Este disco fue producido por el famoso músico y productor norteamericano Booker T. Jones.
La canción acabó siendo un gran exito para este infravalorado e interesante cantante de Soul. Alcanzó el puesto número seis en los rankings de R & B en EE.UU. y el puesto número tres en los chartos de Pop EE.UU.

Esta canción tuvo la participación de famosos músicos de blues, como Donald "Duck" Dunn en el bajo (quien tambien ha participado en discos de Eric Clapton, Muddy Waters entre otros) y al señor Al Jackson Jr. en la batería.

Cuando bordeaba los treinta y un años de edad, Withers compuso gran parte de "Ain't no Sunshine " mientras trabajaba en una fabrica de asientos de inodoros.
En un principio tuvo la idea de agregarle mas estrofas a la canción, llegando a repetir 26 veces la frase "I Know". Pero esta idea fue desechada rápidamente por los demas musicos en la sesión de grabación ya que tornaba algo monótona a la lírica de esta maravillosa balada.

Withers menciona en su página web oficial que escribió esa canción luego de ver la película "Days of Wine and Roses" estrenada en 1962. Ahí nos cuenta: "estaba viendo "Days of Wine and Roses" con Lee Remick y Jack Lemmon como protagonistas. La trama nos mostraba la historia de estos personajes que eran alcohólicos y con una mentalidad muy debiles y a ratos muy fuertes. Era como sobrevivir en segundos al veneno para ratas, ya que te sientes bien al probarlo, aunque eso te haga daño. Eso es lo que pasó por la mente al ver esa pelicula y creo que tuvo mucho efecto en mi vida sin que yo lo sepa". Es algo que me pasó por la mente al ver esa película, y probablemente algo que sucedió en mi vida que yo no sepa".

"Ain't No Sunshine" fue puesta en el casillero #280 por la revista Rolling Stones en su famosa lista 500 Greatest Songs of All Time. Ademas en 1972 esta canción tuvo un premio Grammy en la categoría mejor cancion de Rithm & Blues.

martes, 22 de septiembre de 2009

SO YOU WANT TO BE A ROCK'N'ROLL STAR / THE BYRDS



"So You Want to Be a Rock'n' Roll Star" es una canción de la banda estadounidense The Byrds. Fue escrita por Jim McGuinn y Chris Hillman para el disco, publicado en 1967, Younger Than Yesterday.

La canción tuvo su inspiración en la fama que había logrado la banda The Monkees, cuya serie de televisión "la rompía" en EE.UU. y el mundo entero. Al observar eso, McGuinn y Hillman escribieron esta canción como una critica bien irónica hacía el mundo de la música pop, que vendía un producto mas que un talento musical, como lo eran los miembros de esa serie de televisión donde solo uno tocaba instrumentos (Michael Nesmith) y el resto fue aprendiendo con los años.

En una entrevista con el crítico musical, Pete Frame, McGuinn declaró sobre el surgimiento de esta curiosa canción: "Algunas personas nos han acusado de ser "ácidos" por escribir esta canción, pero no es asi, "ácida" es" Positively 4th Street " de Dylan, por ejemplo eso que él no es así. Estábamos hojeando una revista para adolescentes y mirabamos todas las caras de gente desconocida y decíamos : 'Guau, qué pasa acá? ... ahora todos quieren tener fama tocando rock and roll , aunque sea a costa de los padres, de los hermanos o incluso exponiendo sus mascotas... no sé... un perro, un gato o una rana que canta rock and roll". Así que con esa ídea escribimos "So You Want to Be a Rock n Roll Star" dedicada a todas esas personas que quieren y sueñan ser estrellas de rock".

Letra de la canción es totalmente sarcástica y puede ser tomada como un juego de íronia que la lleva hacia un lado casí autobiográfico, porque los mismos Byrds habían logrado el éxito de la noche a la mañana gracias a su single debut publicado en 1965 "Mr. Tambourine Man" (de Dylan) pero tambien habían experimentado el otro lado de la moneda, o sea, la etapa de mantener el éxito, singles que fracasaron en ventas, seguir presentes en la vanguardia musical y la presión de la fama.

Musicalmente, la canción contiene un riff que es bastante repetitivo dentro de la canción. Este fue compuesto por Chris Hillman, mientras tocaba a una sesión de grabación del trompetista y compositor de jazz Hugh Masekela. Este riff fue interpretado por McGuinn en su famosa guitarra Rickenbacker que le proporciona un sonido bastante eficaz y le dá un toque especial a la canción de la canción.
Ademas Mazakela participó dentro del tema tocando la trompeta, lo cual fue la promera aparición de un instrumento de un bronce en una grabación de esta banda norteamericana. Tambien contiene un audio con unas fans gritando euforicamente (como si vieran al autor de este blo (?)) que fueron grabados, a petición de McGuinn, por su manager Derek Taylor en un concierto que hicieron los Byrds el 15 de agosto 1965 en Bournemouth.

El single que incluía esta canción fue publicado el 9 de enero de 1967 y solo alcanzó el casillero # 29 en el Billboard Hot 100. En el Reino Unido no alcanzó ni siquiera a entrar en los charts lo que no mermaría en el reconocimiento que ya McGuinn, Crosby, Clark, Hillman y Michael habían logrado en esas tierras.

domingo, 20 de septiembre de 2009

TRAVELIN' BAND / CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL



"Travelin 'Band" es una canción de la famosa banda norteamericana Creedence Clearwater Revival. Fu escrita por su lider y vocalista (y ademas gran guitarrista) John Fogerty para uno de sus discos mas interesantes de esta banda californiana, nos referimos a Cosmo's Factory que fue publicado en 1970.

La canción está inspirada, tanto en lo musical y en la interpretación de Fogerty, por esos rock'n'roll que hicieron furor a mediados de la decada del 50, especialmente en los temas de Little Richard. Por ello, en octubre de 1972, la empresa que era dueña de los derechos de autor de las canciónes del "Pequeño" Richard consideró que "Travelin' Band" era un plagio de la famosa "Good Golly, Miss Molly" ya tenía bastantes similitudes en los musical. Esta polémica se resolvió fuera de tribunales ya que Fogerty declaró ante los abogados que fue un plagio incidental (es decir, no tuvo la intención de hacerlo) .

La letra de la canción nos describe cómo es la vida de un músico viajero, la cual es tan rápida como el ritmo de la canción. Muchos señalan que la letra puede ser muy apegada al momento que estaba pasando la banda, donde llevaban una vida entre conciertos (entre esos estaba el famoso Woodstock) y el estudio de grabación. En esos momentos Creedence Clearwater Revival eran algo así como los Reyes Midas del rock, ya que todo lo que tocaban y sacaban a la venta lo convertian en discos de oro.

La canción fue lanzada como single junto a la hermosa balada "Who'll Stop the Rain" en enero de 1970 y llegó el segundo puesto en las listas del Billboard y del Pop Singles Chart. Tambien la canción fue un exitazo en el Reino Unido donde llegó a quedar en el puesto #8 de las listas.

Con el paso del tiempo la canción se ha vuelto un himno del rock and roll y muchas bandas han tocado sus versiones de este movido tema. Uno de ellos fue Elton John quien grabó un cover de esta canción cuando empezaba su carrera musical y Jerry Lee Lewis cantó a dúo con John Fogerty esta canción para su disco Last Man Standing.

sábado, 19 de septiembre de 2009

EARTH ANGEL (WILL YOU BE MINE) / THE PENGUINS



"Earth Angel (Will You Be Mine)" es una canción de la banda norteamericana "estilo Doo woop" The Penguins. Fue publicada en 1954 en el sello discgráfico Doctone y tuvo un exito regular sin llegar a los puestos altos de los rankings de R & B ( solo a los Top 40).

Pero, al igual que otras canciones que hemos comentado, esta canción tuvo un gran exito siendo grabada por otro artista. Asi ocurrió con el cuarteto vocal canadiense The Crew-Cuts, quienes la versionaron en 1955 llegando a los primeros lugares en las listas de ventas el 29 de enero de 1955. Ademas llegó al tercer puesto de la Disc Jockey Chart, el octavo casillero en el Best Seller y en los Juke Box Chart. De ahí en adelante se han realizado varios covers de esta balada.

Esta hermosa canción fue compuesta por Curtis Williams, el famoso pianista y compositor Jesse Belvin y el que fuera director de The Platters: Gaynel Hodge.
Pero esto fue una fuente de polémicas que estuvo muchos años en disputas legales a los tres personajes ya nombrados.
Originalmente le dieron la autoría de la canción al miembro de The Penguins Curtis Williams, pero tras una disputa legal en 1956 donde se dió a conocer que Williams contó con más ayuda en la composición del tema, se añadieron como coautores a Jesse Belvin y Gaynel Hodge, que en esa época era miembro del grupo vocal The Turks.

Según el libro "What was the first rock ’n’ roll record?" de Jim Dawson y Jim Propes se afirma que "Earth Angel era un "pastiche" de todo lo que sucedía en Los Ángeles". De acuerdo con esta fuente, Belvin fue quien escribió la letra y luego la puso en varias canciones que grabaron Hodge y Williams.
La música de esta balada fue tomada de una canción que Belvin y Marvin Phillips habían escrito años antes, esta se llamaba Dream Girl y fue un éxito en las listas de R&B (llegó al puesto #2) con la voz del dúo Marvin & Johnny. El estribillo "Will you be mine?" se tomó prestado de la canción homónima de la banda The Swallows.
Ademas, se menciona una canción que contiene una introducción de piano muy similar a Earth Angel. Se trata de "I Know", pieza grabada en 1953 por The Hollywood Flames, un grupo vocal donde Hodge y Williams fueron miembros durante un tiempo.
En el fondo, la parte musical era un rompecabezas hecho por varias partes de canciones famosas de R & B. Esta selección musical logró ser un gran exito de ventas y esta forma de componer fue muy imitada por varios artistas.

La versión demo se grabó originalmente en el estudio del famoso productor de música negra Ted Brinson, el cual había construido en su garaje en Los Ángeles. Ademas contó con los arreglos musicales de Dootsie Williams.

Esta hermosa balada romantica tuvo mucha fama en los 50's pero logró pasar las barreras del tiempo y hasta la actualidad sigue estando vigente en las radios y compilaciones de blues.
La revista Rolling Stone la colocó en el puesto 151 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos en la revista Rolling Stone.
En el año 2004, esta canción fue elegida entre las 50 grabaciones escogidas por Biblioteca del Congreso para ser añadida al Registro Nacional de grabación de Estados Unidos.

Ademas la interpretación de The Pinguins es considerada por muchos criticos como "el primer Rock n Roll" ya que la han descrito como una gran influencia para el nacimiento de ese estilo musical que revolucionó el mundo dejando al debate si realmente fue Rock Around The Clock” ( de 1954) de Bill Haley y sus Cometas como la primera canción de rock and roll...

Que la disfruten!!!!

viernes, 18 de septiembre de 2009

SPANISH CASTLE MAGIC / THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE


"Spanish Castle Magic"
es una canción de la gran banda The Jimi Hendrix Experience. Fue escrita por Jimi Hendrix (considerado por muchos como el mejor guitarrista del rock) y fue producida por Chas Chandler. La canción fue publicada como single un 1 de diciembre de 1967 para promocionar su álbum de estudio Axis: Bold as Love. Este disco nos muestra un sonido mas funk pero aún mezclado con esas ácidas expirmentaciones musicales que tanto impresionaron al público y seguidores de esta banda.

La idea de la canción está inspirada en aquellos días donde James Marshall Hendrix (verdadero nombre del guitarrista) iba a la Escuela Secundaria a finales de la decada del 50 y junto a su clase visitaban un salón de baile llamado The Spanish Castle. Este club se ubicaba al sur de Seattle (para evadir las leyes de alcohol de esa ciudad) y era muy famoso por sus noches de rock frenético donde varias bandas semiprofesionales daban rienda suelta a sus talentos y composiciones . De hecho se cuenta que bandas como The Wailers (no confundir con esa famosa banda donde cantaba Bob Marley), The Playboys, The Fleetwoods y otras bandas locales pasaban a tocar sus canciones en ese local.

Jimi
tuvo la oportunidad de tocar con otros músicos de rock en el club en varias ocasiones. Aunque siempre describía ese lugar con mucha frustración pues, como estaba ubicado tan lejos de la ciudad, siempre ocurrian accidentes en la carretera especialmente al regreso de los conciertos.
En los días en que Hendrix visitó ese club no había autopista entre Seattle y Des Moines, por lo que los viajes habían sido mucho más largos esos días a causa de no encontrar locomoción. Pero la historia tuvo su final cuando The Spanish Castle fue demolido en abril de 1968 y pasó a ser una leyenda entre los rockeros de esa zona.

Con respecto a esto, el crítico de Rock Dave Marsh dijo acerca de la canción "Una vez que sepan la leyenda de los Wailers en ese local y las cosas que Jimi hacía cuando asistía allí, la letra de su Spanish Castle Magic parece estar obsesionada por la nostalgia. "Es muy lejos, se tarda alrededor de la mitad de un día para llegar / si estamos de viaje ... como la libélula ', él canta, en la voz de un niño varado entre un par de continentes".

Musicalmente esta canción es una joya donde se alternan agresivas y furiosas líneas de guitarra durante la introducción y los coros y nos deleita con unos riffs rítmicos que hacen de Hendrix uno de los creadores (o quizas hizo el puente para llegar) del Hard Rock que años despues de su muerte, un 18 de Septiembre de 1970, fue la banda sonora de toda una década con bandas que jamas se olvidaron de este zurdo que con la guitarra daba clases.
A 39 años de su misteirosa muerte cuando apenas tenía 27 años, les dejamos este pequeño homenaje al gran Jimi Hendrix!!!

Que la disfruten!!!


Pd: Felices fiestas patrias para todos los chilenos... son 199 años de esta flaca y angosta tierra llamada Chile!!.

jueves, 17 de septiembre de 2009

FOR YOUR LOVE / THE YARDBIRDS




"For Your Love" es una canción de la banda britanica The Yardbirds. Fue escrita por el cantautor inglés Graham Gouldman (que despues fundó la banda 10cc) pero tuvo mayor exito cuando fue interpretado en 1965 por esta banda que tenía en guitarras a los jóvenes Eric Clapton y Jeff Beck y que ademas eran parte de la comentada "British Invasion".

La versión de The Yardbirds llegó al tercer puesto en los UK Singles Charts y sorpresivamente en Estados Unidos llegó al casillero #6 lo cual fue todo un suceso para esta banda de Londres.

La historia cuenta que Gouldman escribió la canción cuando apenas tenía 19 años de edad mientras trabajaba en una tienda de proveedores de equipos electónicos, cerca del muelle de Salford. Por ese entonces tocaba en una banda con su amigos de Manchester llamada The Mockingbirds. Del origen de la canción recuerda en una entrevista : "Me encontraba durmiendo ya que la noche anterior había tocado con los Mockinbirds hasta el amanecer y entre el lapso que me desperté hasta que me alisté para ir a trabajar escribí aprtes de la canción. Ademas muchas veces en la tienda no llegaba nadie a comprar lo que me dejaba harto tiempo libre para escribir canciones. Tambien aproveché la hora de almuerzo donde me sentaba a escribir y arreglar las canciones".

El por qué decidió escribir esta canción viene de la frustración de buscar un hit para grabar como nuevo material para su banda, en este caso algún cover que les diera el camino al exito. Con respecto a esto Gouldman recuerda: "Recorrimos muchas tiendas y editoriales tratando de encontrar una canción... Pero no conseguimos ninguna que nos gustara, incluso nos habían propuesto unas canciones de los Beatles pero me puse a pensar "si hacemos esto nunca sacariamos un tema propio". Luego menciona: "Me había metido un poco en escribir canciones, porque venian de mi inspiración y eso era lo que yo quería hacer. Todos querían ser como los Beatles... pero yo escribí dos canciones y se las presenté a la compañía discográfica y estos rechazaron una. La canción que fue rechazada por el sello era 'For Your Love', que finalmente fue grabada por The Yardbirds y les dió el camino a su fama".

Contrario a los empresarios musicales, el manager de Gouldman, Harvey Lisberg, quedó muy impresionado por la canción, incluso tuvo la idea de decirle a Gouldman que podrían ofrecerle esta canción a The Beatles. "Recuerdo que le dije que ellos ya estaban bien orientados en componer canciones de canciones, lo cual era verdad", recordó Gouldman en una entrevista años despues.
A pesar de la afirmación negativa del músico, Lisberg le hizo escuchar esta canción al productor Ronnie Beck que al quedar asombrado con el tema la llevó a las oficinas de Hammersmith Odeon , donde los Beatles estaban grabando a mediados de los sesentas. Por coincidencias del destino la banda The Yardbirds se encontraba en dichos estudios realizando un especial de navidad y fue ahí donde Ronnie Beck tocó la canción a su manager, Giorgio Gomelsky, y la banda.

En 1965, The Mockingbirds estaba en el backstage del famoso programa de la BBC Top of the Pops, transmitido desde Manchester y donde The Yardbirds presentaría esta canción. Gouldman recordó sobre ese momento: "Fue un momento extraño cuando The Yardbirds apareció en el show tocando " For Your Love ". Todo el mundo gritaba y aplaudía a su alrededor y allí estaba yo, miembro de un grupo anónimo. Me sentí muy extraño esa noche al oírlos tocar mi canción ".

A pesar del gran éxito que "For Your Love" le dió a The Yardbirds tambien le trajo un gran problema a esta banda británica. Debido a que la decidieron grabar y colocar en el disco, que publicaron en agosto de 1965, el guitarrista Eric Clapton (que tocó la guitarra en el tema pero bastante furioso) dejó la banda para unirse a John Mayall & the Bluesbreakers. Las razones de la idea de Clapton fueron que la banda se estaba yendo a la música pop (el autor de Layla era mas fanático del Blues) y que "For your Blue" era una muestra de ello.





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BONUS TRACK: LA NOCHE QUE BOB DYLAN LE CANTÓ A ALLENDE

Bob Dylan sonriendole a la camara en el concierto en apoyo a los exiliados chilenos.


Un 9 de mayo de 1974 el músico estadounidense Phil Ochs llevó a cabo un homenaje a todos los exiliados chilenos que habian llegado forzadamente (por pensar distinto) a tierras norteamericanas por causa del Gobierno Militar que mostraba sus garras y poca inteligencia vestida de uniforme desde el 11 de Septiembre de 1973.
Este homenaje artistico se llevó a cabo en el Madison Square Garden y tuvo en su escenario al tímido Bob Dylan, a dos de los integrantes de The Beach Boys, al actor y director de cine Dennis Hopper y la actual diputada Isabel Allende, quienes brindaron con un buen vino chileno por el fallecido mandatario chileno Salvador Allende y cantaron en homenaje a Víctor Jara (ayer, 16 de Septiembre, se cumplieron 36 años de su muerte por parte de los soldados chilenos).

Gracias a un documento electrónico enviado por mi amigo "Frank" hemos decidido publicar un reportaje muy interesante, con hartos datos y bastante asombroso que hizo el periodista Claudio Vergara en el diario La Nación Domingo y que fue publicada el 31 de agosto de 2003 y que nos relata todos los momentos de el primer megaevento internacional en ayuda de los exiliados chilenos.
En este septiembre plagado de "patriotismo artificial" en Chile donde muchos medios de comunicación se olvidaron que Victor Jara fue asesinado en nuestro mes patrio simplemente porque su folklor era mas peligroso que las balas de un ejercito de monos.


LA NOCHE QUE BOB DYLAN LE CANTÓ A ALLENDE
(Claudio Vergara)

Aunque en los ’70 su discurso se leía mejor en algún rastrojo hippie colgado en una feria artesanal, ningún músico norteamericano se atrevía a enrostrarle a Bob Dylan su cómodo reciclaje al confort burgués. Salvo uno de los más ácidos activistas universitarios curtidos en la música de protesta que intelectualizó el reclamo de la juventud de posguerra: Phil Ochs.

Sumido en un espiral de autodestrucción etílica, Ochs nunca celebró lazos de amistad con Dylan, por lo que aprovechó un encuentro en la penumbra neoyorquina para arrojarle un desafío mayor: “¿Te acuerdas que alguna vez te hablé de los mineros sudamericanos que conocí en mi visita al continente?”. “Yeah”, fue el gemido-respuesta que Dylan atinó a decir. “Bien, hoy esos mineros son exiliados de su tierra, por lo que en las próximas dos semanas organizaré un concierto en su ayuda y tendrás que ir”, fue la imposición de Ochs.
Sin mediar evasivas, Ochs sumó a uno de los nombres capitales de la música popular estadounidense al evento The Friends of Chile Benefit Concert, que estaría agendado para el 9 de mayo de 1974 en el Felt Forum del Madison Square Garden. Ciudad de Nueva York.

LA ORGANIZACIÓN
El objetivo era uno muy simple y necesario: reunir fondos para ir en ayuda de los ciudadanos que escaparon de la persecución pinochetista a otras naciones y consolidar el primer megaevento internacional que repudiaría el ascenso militar a La Moneda.

Aunque su proyecto era igualar los aplausos logrados dos años antes por el Concierto para Bangladesh, que organizó el ex beatle George Harrison para paliar la hambruna en Asia (congregando a celebridades como Eric Clapton, Ringo Starr y el propio Dylan), Ochs organizó en un par de semanas una cartelera nutrida de artistas, constituida por viejos camaradas de la trova folk y con aroma a campus universitario: Pete Seeger, Dave Van Ronk y Arlo Guthrie, a los que sumó el talante playero de los Beach Boys y el nómade estilo de Dennis Hopper, el actor que, en 1969, dirigió y protagonizó el primer gran éxito de cine independiente en la historia, Easy Rider.

A última hora desistieron Joan Baez y Joni Mitchell, las voces femeninas más representativas de la canción protesta. Finalmente, Ochs gestionó la participación de Amnesty International, organización que, posteriormente, distribuiría el dinero conseguido en distintas agrupaciones humanitarias.

MI AMIGO VÍCTOR
Sin embargo, la preocupación de Ochs no responde a un mero azar emocional. Sus nexos con Chile los cimentó en una cordial amistad con Víctor Jara nacida en una visita en diciembre de 1971 a la Universidad Técnica del Estado (UTE), entidad donde el cantautor local realizaba clases diarias.

Joan Turner, la bailarina inglesa que fue su mujer hasta el día de su asesinato, recuerda con precisión las escenas que años más tarde detonarían el homenaje de Ochs: “Yo fui a dejar a Víctor a la jornada de trabajos voluntarios de los universitarios, quienes partían en un bus a apoyar la huelga del sindicato de mineros de Sewell. Al lado del bus, dos gringos miraban lo que ocurría, junto a Víctor me acerqué a ellos y les contamos todos los planes del viaje”.

Los nuevos pasajeros eran el mencionado Phil Ochs y Jerry Rubin, músico fundador del movimiento pacifista People’s Park. Embarcados rumbo al pueblo industrial, el autor de Te Recuerdo Amanda le pidió a Ochs su participación en un acto de reivindicación laboral frente a los trabajadores del cobre.

“No tuvo problemas en aceptar, subió al escenario y quedó tremendamente emocionado con lo que ocurría en Chile, ya que precisamente él llegó acá buscando toda la ebullición artística de la que había escuchado hablar”, rememora la viuda del artista.

Como una muestra de agradecimiento, Ochs buscó, tres años después, a Turner para sumarla al show benéfico, el que cada día provocaba mayor hostigamiento por parte del Departamento de Estado norteamericano.
Pero la actual directora de la fundación Víctor Jara accedió a tal instancia a través de las gestiones que efectuó Joan Baez, quien la invitó a un tributo previo concretado en una iglesia de San Francisco, desde donde viajaron a Nueva York.

De tal manera se concretó la visita de Joan a la extensa jornada anunciada para el 9 de mayo de 1974. De ella, la bailarina evoca un inmediato detalle: el revuelo causado por el atraso de Bob Dylan al arrancar el show.

¿A QUÉ HORA LLEGA BOB?
Aprovechando la incertidumbre desatada por la ausencia del cantautor, Turner extrajo de su bolsillo un poema consagrado a la memoria de Víctor, que le había entregado el poeta y dramaturgo británico Adrian Mitchell, en su paso por Inglaterra, sólo semanas después del golpe militar. Desempolvó el escrito titulado Víctor Jara de Chile: Vivió como una Estrella Fugaz, repasó sus versos, se acercó a Arlo Guthrie –hijo del fundador del folk norteamericano, Woddy Guthrie- y leyó: “Ellos lo golpearon con sus bototos / ellos aplicaron shocks eléctricos / ellos dispararon hasta matarlo / pero sus manos son gentiles / sus manos son fuertes”, fueron las líneas que horas más tarde Guthrie musicalizaría en una creación improvisada que años después sumaría a su prolífica discografía.

En el trajín, una diminuta figura de sombrero tejano deambulaba por la platea exigiendo que le abrieran paso a camarines: “Era Bob Dylan que llegó con una hora de retraso y fue desconocido hasta por el personal de seguridad del recinto. Portaba guitarra con bandolero y sólo la intervención de Phil Ochs permitió que subiera al escenario”, describía el artículo de una hoja de extensión, que dedicó la revista Rolling Stone el 20 de junio de ese año, en su edición 163.

Con Dylan calentando motores, la cruzada abrió sus fuegos con una remozada versión del clásico de la música cubana Guantanamera, a cargo de Guthrie y Seeger, rematando en una sentida interpretación del propio Seeger para el poema Estadio Chile, la última creación facturada por Víctor Jara antes de ser acribillado en el recinto capitalino.

El resto de la programación devino en un curso caótico que se desparramó en lecturas de poemas de Neruda, a cargo de Dennis Hopper, la emisión del último discurso realizado por Allende y una abrumadora rechifla a la Junta Militar que motivó un discurso leído por la hija del mandatario Isabel Allende.

La nota disonante la marcó la mediocre interpretación del hit veraniego California Girls por parte de los Beach Boys, quienes arribaron con apenas la mitad de su contingente: Carl Wilson y Mick Love. Un opaco aporte que también contagió al despistado Dylan, quien apenas se limitó a mostrar dos composiciones acordes al drama chileno, pero de pluma ajena (Deportee, de Woody Guthrie y la tradicional Spanish is the Loving Tongue).

AFTER HOURS
Pero en lo que Dylan jamás tuvo reparos fue en exigir que le llevaran vino chileno para brindar por la memoria de Allende, como corresponde. Según el libro Encounters with Bob Dylan del periodista Tracy Johnson, un grupo de cercanos accedió al backstage con varios jarrones de vino (supuestamente chileno) y un par de botellones de whisky, que fueron repartidos entre los partícipes, antes de la interpretación conjunta de Blowin’ in the Wind –la más trascendente composición del norteamericano- que cerraría el show.

La injesta etílica decantó en una balbuceante interpretación del himno pacifista que se extendió por tediosos 10 minutos en los que, según advierte Johnson, otro invitado de fuste menor le tuvo que susurrar a Dylan gran parte de la lírica de su obra capital. Joan Turner lo recuerda como un momento desagradable: “Aunque existía una gran solidaridad, vimos que había mucha gente bebiendo detrás del escenario, con groupies, lo que era muy chocante, ya que nosotros no sabíamos ni de fans ni de shows. Si hasta en un momento me sustrajeron la cartera. Creo que nadie de los presentes, ni nosotros, intuíamos la terrible tragedia que ocurría acá”.

Pese a ello, la viuda de Jara aceptó la invitación que Dylan le realizó al día posterior para visitar el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde quiso mostrarle el célebre cuadro Guernica de Picasso para retratar, de manera indirecta, la represión y la violencia que explotaba en nuestro país.
“Estamos con ustedes”, fueron las últimas palabras de un tímido Bob Dylan antes de despedirse de su invitada y borrar todo rastro de uno de los eventos más significativos y particulares elaborados a favor de la disidencia chilena en el extranjero.

Después de todo, reunió 30 mil dólares para la causa y logró ser registrado de manera muy rudimentaria en un disco doble que salió a la venta cinco años más tarde bajo el título de An Evening With Salvador Allende, aunque hoy se encuentra fuera de todos los catálogos discográficos.

Pruebas duraderas para una de las últimas instancias levantadas por la militancia izquierdista de Phil Ochs: el cantautor remató sus días suicidándose en 1976 tras un profundo cuadro depresivo que sucumbió ante su adicción alcohólica. Más allá de la anécdota, The Friends of Chile Benefit Concert constató que los crímenes perpetrados por la dictadura habían alcanzado repercusiones insospechadas.


Esperamos que haya gustado este reportaje sobre un evento que llama bastante la atención debido a que en muy pocos medios lo han comentado y lo mas importante es que une lazos entre artistas norteamericanos del folk protesta de los setentas con la pena y la tortura de ser un exiliado del país donde naciste y te criaste.
Para terminar este Bonus Track les señalamos que en el interesante blog rockchilelatinoamerica se publicó el audio de este concierto en un post y creanme que es un discazo historico a pesar que el sonido no sea del 100% de calidad!!!... Recomendable para escuchar mientras lees este post.

Pd: en caso que no funcione el link del disco les dejamos otro datito.

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miércoles, 16 de septiembre de 2009

SEVEN SEAS OF RHYE / QUEEN



"Seven Seas of Rhye" es una canción la famosa banda británica Queen. Fue escrita por su aclamado vocalista Freddie Mercury y tiene una particularidad bastante rara ya que es la canción que cierra el primer disco de la banda lanzado en 1973, eso sí en una versión instrumental, y tambien cierra el segundo disco publicado en 1974 titulado Queen II.

La canción fue elegida como el único single que promocionaría el "oscuro" Queen II y ademas fue el tercer sencillo lanzado al mundo por la banda que dejaría un gran legado en la historia del rock. Salió a la venta el 23 de febrero de 1974 y fue promocionada en vivo cuando la banda la interpretó en el programa de la televisión británica Top of the Pops.
Según los fanaticos y el número de ventas esta canción fue el primer hit de Queen ya que el single alcanzó el puesto #10 en los charts ingleses.

Esta canción ayudó mucho a la popularidad de Queen y le dió otro aire a sus espectaculos en vivo dandole una buena reputación desde el público.
Para la banda, esta es la canción que le dió un golpe al destino y les llevó a la fama mundial luego de una pobre gira por Australia donde al llegar al aeropuerto lo esperaban periodistas que se equivocaron ya que esperaban la Reina de carne y hueso.
Pero Seven Seas of Rhye les cambió la vida a los miembros de la banda a tal punto que Mercury tuvo que dejar su trabajo en una tienda de ropa en el Kensington Market por todas las giras que les habían programado.

Originalmente esta canción fue compuesta para las sesiones de la BBC, pero los integrantes de la banda al ver el gran exito que tuvo decidieron incluirla dentro del disco.
El autor de la canción, Freddie Mercury toca el piano (y nos regala una hermosa introducción) y hace la voz principal mas los coros, mientras que el "pelucón" Brian May se luce con su guitarra en ardientes riffs y atambien apoya en los coros. Roger Taylor en la batería mientras que John Deacon hace lo que mejor sabe hacer en el bajo.

Si analizamos la letra nos encontramos con algo misterioso y muy llamativo. Al parecer nos describe un mundo de fantasía, idealizado en la niñez de Freddie Mercury, denominado "Rhye". Originalmente esta canción se llamaba "The Land of Rhye" y fue compuesta por Mercury y su hermana Kashmira en su niñez.
Cuando Freddie se unió a Queen empezó a escribir muchas canciones acerca de esta fantsía que había creado, por ejemplo: "Lily of the Valley", "My Fairy King", "Ogre Battle", "The Fairy Feller's Master-Stroke", "The March of the Black Queen", "Great King Rat", "Mad the Swine" y la que hoy comentamos.

Sobre esta canción y su significado en la letra, el sitio web Argenqueen menciona: "Muchos dicen no entender el significado de esta canción hasta el punto de catalogarla una obra sin sentido, pero quien piensa eso se equivoca. Seven Seas of Rhye es una canción que recurre al tema religioso (tema que Freddie gustaba abordar) y en el cual se hace una crítica desde el punto de vista de un personaje quien saca a relucir todo el lado malo de las religiones, sin embargo este personaje igual posee una y al momento de criticar defiende su postura y su credo"

La versión del disco Queen II termina con la parte instrumental descendiendo su sonido para dejar el audio de un grupo de personas, en tono de fiesta, cantando una popular canción inglesa llamada "I Do Like To be Beside the Seaside"... quizás festejaban el inicio de la fama que hasta estos días tienen a Queen en muchos Mp4 y viejos vinilos tocando esas hermosas canciones.



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POLICE TRUCK / DEAD KENNEDYS


"Police Truck" es una canción de la banda punk norteamericana Dead Kennedys. Originalmente fue publicada en mayo de 1980, como el lado B del single de su exitosa "Holiday in Cambodia" y posteriormente fue lanzada como single en junio de 1987 para promocionar el disco que recopilaba sus mejores canciones llamado Give Me Convenience or Give Me Death.

La canción contiene una satírica letra que habla en contra de la opresión de la policía y contiene una visión en primera persona sobre las propias autoridades. La canción menciona esos tan vergonzosos actos que cometen los de uniforme como golpear a los borrachos y secuestrar a las prostitutas solo por creer que son "la ley".

Esta canción fue una de las canciones mas populares de los Kennedy en sus inicios. "Police Truck" musicalmente se basa en el surf-rock, estilo musical muy popular en los sesentas (ellos lo llamaron en su tiempo Surf-punk), y contiene una excelente ejecición por parte de East Bay Ray y un coro descendente digno del rock and roll de antaño solo que cantado con mas rabia y protesta ("ride, ride, how we ride") .
Ademas "Police Truck", como muchas de las canciones esta gran banda oriunda de San Francisco, es un ejemplo de la capacidad de Dead Kennedys para representar esas situaciónes preocupantes de la sociedad a través de letras cargadas de humor e íronia.

Pero a pesar de ser una canción polémica y muy protestante, tambien hizo que los fans se fijaran en ella como un punto de quibre dentro de la banda. Ya que a mitad de la década de los noventas y bajo el permiso de tres de los cuatro miembros originales de la banda (nos referimos especialmente a East Bay Ray, Klaus Flouride y D.H. Peligro) esta canción apareció la banda sonora del popular videojuego de skate Tony Hawk's Pro Skater. Este acto provocó la ira de muchos fanaticos que criticaron con rabia esa desición de vender la música de la banda a una compañia, lo cual hacía trizas el mensaje de la banda en su época dorada de romper los esquemas y no venderse al sistema con sus canciones. Esto dejó claro que esos tres integrantes ya no estan comprometidos con la lucha de la banda. El vocalista Jello Biafra, sin embargo, niega que esto haya sido planeado por sus tres ex-socios... pero nunca se sabe y el dínero mueve montañas en estos días.

Años despues la canción aparecería en otro videojuego. Esta vez en el Guitar Hero Encore: Rocks the 80's, eso sí con una letra cambiada (por ejemplo la palabra "Drunks" que se esucha al principio de la canción se sustituye por "punks") y por si fuera poco (mas rabia para los fans) esta canción, junto con "California Über Alles" y "Holiday in Cambodia", están disponibles para el famoso juego Rock Band como contenido descargable.

Sin dejar mas polémicas... les dejamos esta canción con harta historía de los Dead Kennedys una banda que hizo cambiar el punk underground de los ochentas y que ayudó a que ese estilo musical traspasara mcuhas fronteras.



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