A HORSE WITH NO NAME / AMERICA

"A Horse With No Name" es una canción de la banda estadounidense America, que fue lanzada como single un 31 de Enero de 1972 promocionando su exitoso disco debut homónimo.

Gracias al éxito de esta canción, America pasó a ser reconocida por todo el mundo por su interesante sonido soft-Rock mezclado con el folk mas melódico.
Cabe señalar que "America" empezó tocando a finales de los 70's en Inglaterra, y estaba formada por: Gerry Beckley (guitarra, Bajo, voces), Dewey Bunnell (voz y guitarra)y Dan Peek(voz, bajo, teclados).
Estos tres chicos compartían dos detalles en común: Ser hijos de soldados estadounidenses que estaban destinados en bases militares británcas y su gusto por la buena música.

La historia de esta canción empieza en 1968, cuando el cantante Dewey Bunnell viajó a Estados Unidos a visitar a sus familiares. En su estadía por Norteamerica, el joven músico quedó maravillado con el paisaje desertico de Arizona y Nuevo México. Fue tanta su admiración por esos lugares, que al llegar a su casa en Inglaterra empezó a escribir poemas inspirado en todo lo que sintió al caminar por esos lugares. Uno de esos escritos se titulaba "Desert Song".

Pasaron los años, y cuando por fin Bunnell y compañía consiguieron un contrato formal , "Desert Song" salió a la mesa como una posible canción para el disco.
Era mediados del año 1971 y la banda empezó a grabar sus canciones en los Trident Studios, ubicados en Londres, entre el repertorio que arreglaban estaba esta prosa pero ya elaborada como una canción, y con un lígero cambio de título. Ahora se llamaba misteriosamente "A Horse With No Name"...

Musicalmente, esta canción está inspirada en las melodias del músico canadiense Neil Young, quien era uno de los artistas favoritos de Bunnell, y jamás se dió le lujo de esconder ni renegar de su influencia.
Se dice que en el estudio de grabación los tres integrantes de la banda junto al productor Ian Samwell se dieron de cabeza contra la pared por varios días buscando esos efectos de sonido necesarios para que la canción tomara esa sensación de andar sobre un caballo. La idea principal era que el oyente se imaginara montado sobre un caballo y cruzara el desierto libremente, sin rumbo alguno n determinado por un mapa, y solamente buscando la felicidad perdida por algun momento triste que nos trae la vida...

Los tres integrantes de "America", decidieron lanzar esta canción como single por un motivo muy particular: Su sonido Folk que mezclado con con el paisaje desertico eran puntos muy aptos para ser un hit tanto en Estados Unidos como en tierras británicas.
Pero la canción tambien estuvo en el centro de una polémica, y eso tomó de sorpresa a la banda. Resulta que varias radioemisoras de Estados Unidos censuraron sin piedad a esta canción, logrando que no apareciera dentro de su parrilla programática. La razón de esta cruel cesura se debía a la palabra "Horse", que en español significa caballo pero que en los contextos suburbanos era muy usado para referirse a la heroína. A partir de ese detalle, las radios y la prensa escrita empezaron a hacer una campaña de desprecio a la banda, recurriendo a estúpidos discursos que hablaban "pestes" sobre la canción, admitiendo que incitaba a la juventudo a seguir su mal ejemplo y a la propaganda barata en favor a la adicción con esta droga semi-sintética.
Mientras los medios hacían pedazos a la canción, la banda declaraba en varias entrevistas que todo eso era una mentira y que esas personas estaban confabuladas para atacar sus creaciones.
Hasta el día de hoy los fanáticos siguen discutiendo sobre la temática de la canción y la heroína, sacando a relucir interesantes conclusiones sobre cada metáfora presentada en la letra.

Todos estos dimes y diretes llegaron a un punto final en favor de "America", ya que el single que contenía a "A Horse With No Name" se dió el lujo de entrar al puesto #3 en el UK Singles charts y... ¡¡¡al primer lugar del Billboard Hot 100 desplazando al segundo lugar a "Heart Of Gold" de Neil Young!!!!!

No hay lugar para dudas. Estamos frente a una estupenda y mágic canción que marcó la trayectoria de esta interesante banda llamada "America" y que los dejó para siempre marcados, y recordados por todas las generaciones que se dedican a desenpolvar los discos que están en el estante...
Que la disfruten!!

GIRL U WANT / DEVO

"Girl U Want" es una canción de la banda estadounidense Devo, que fue lanzada como single en el año 1980 promocionando el disco Freedom of Choice, que fue la tercera placa comercial de esta aplaudida banda New Wave.

Con sus ingeniosas experimentaciones hechas con sintetizadores, Devo logró quedar como una banda Pop muy potente, que lograba crear ingeniosas canciones que hablaban de las cosas más simples, hasta pasar a temas mas extraños ligados a la ciencia ficción, sin dejar de lado canciones irónicas hacía la sociedad.

Tras dos discos llenos de buenas críticas y con canciones muy llamativas, Devo ya sabía que su próximo trabajo tenía que ser su trampolín a la fama mundial.
Asi fue como Gerald Casal (teclados y bajo) junto a Mark Mothersbaugh (guitarra y teclados) empezaron a buscar una nueva melodía para empezar a trabajar en una canción.
Por esos días la canción más escuchada en las radios era "My Sharona", de la banda The Knack , que contenía una interesante y pedadiza simpleza en su estructura musical que dejó muy sorprendidos a los integrantes de Devo.
Inspirados en el riff de esa canción y en su lírica simple, Casal y Mothersbaugh decidieron dar rienda suelta a su creatividad para elaborar una pieza musical que siguiera ese molde armónico.

La letra de esta canción es fiel al estilo que practicaban los Devo en sus obras anteriores, y en este caso habla sobre la relación tortuosa de un amante que desea a una mujer no correspondida.
Ante esto, Casal mencionó en una entrevista que escribió estas frases reflexionando "acerca de una mujer que representa deseo y dolor para un invidivuo cualquiera. Ella es el objeto que motiva al hombre a hacer todo lo que pase por su cabeza y casi sin pensar". Además el compositor agregó,de manera metafórica, que esta canción "salió desde algún lugar que nadie puede ver, algo así como el famoso mito de las sirenas que utilizaban su canto para atraer a los marineros a la muerte, aprovechandose que estos se morían por una noche con una mujer, sin pensar que sólo era una fantasía, y que se podían morir con cosas tan simples como que chocara el barco".

Con un notable riff de guitarra mezclada con un sintetizador hace de "Girl U Want" una canción memorable, que saca aplausos por si sola gracias a su genialidad basada en una simpleza musical muy llamativa.
Con esto Mothersbaugh y Casale quedaron marcados como grandes compositores y tambien dejó a "Girl U Want" como la canción de Devo mas olvidada por los fans pero que con el paso de los años y tras varias re-versiones fue tomando el camino del cuál nunca tuvo que abandonar.
Estamos frente a una de las canciones mas conocidas de esta banda, pero que en su momento en que fue lanzada como single muchos críticos la trataron de algo simplemente comercial y se burlaron diciendo que "Devo se dedicaba ahora a hablar sobre chicas".
Bajo ese contexto, Casal le respondía a la crítica aludiendo a que "querían escribir algo apto para el momento musical de esos días y como un gancho para captar nuevos fans. Devo jamás se juntó en una mesa a pensar sólo en escribir un hit, pero cuando la gente empezó a escuchar este estilo de músical pensamos que tenía sentido... Era fácil escribir algo así, y era un materíal típico, pero ahí la prensa andaba revolviendola con que "Devo solo hablaba de niñas"".

Esta aventura musical no logró el objetivo que esperaba la banda, que era promocionar de buena manera su tercer disco. Es que "Girl U Want" pasó sin pena ni gloria por los charts de Estados Unidos, y marcó un punto de duda dentro de Devo, ya que se empezaron a "pasar películas" sobre un fatal fracaso comercial.
La prensa le daba duro a la banda, mientras ellos buscaban la solución para promocionar su LP, ya que ni siquiera su videoclip donde parodiaba al famoso y legendario Ed Sullivan Show sirvió para calmar las aguas.
Finalmente decidieron lanzar como single una canción llamada "Whip It" y la fama de la banda se fue en alza, llegando hasta mas allá del sistema solar (?)...

Tras una reedicion del single en 1995, cuando formó parte del soundtrack de la película Tank Girl, esta canción empezó a sonar nuevamente en las radios y fue tomando una respetable popularidad. A eso hay que sumarle las curiosas versiones que le hiceron el cantante Robert Palmer y tambien la banda Soundgarden (quienes nos regalan una versión muy recomendable). Bajo esos parámetros, la canción fue nuevamente analizada por la prensa, quienes dejaron de lado la palabrería barata y se animaron a decir que "Girl U Want" era una canción que marcó el nacimiento del New Wave... La vueltas de la vida, no??
Que la disfruten!!!

CAN'T STAND LOSING YOU / THE POLICE

"Can't Stand Losing You" es una canción de la banda británica The Police, que fue lanzada como single en Septiembre de 1978 y que además está incluída en el LP Outlandos d'Amour, el exitoso disco debut de esta banda publicado en Noviembre de ese año.

The Police quedó como una de las bandas mas exitosas de la década de los 70's y de los 80's, gracias a sus creaciones que navegaban en buena dirección con el Rock y el Pop mezclado con el Reggae y otras experimentaciones.

"CSLY" fue escrita por Gordon Matthew Thomas Sumner, conocido mundialmente como Sting y que era el bajista y voz principal de esta gran banda. En esta canción, el músico juega con la ironía cantando sobre un adolescente que se suicida tras terminar una relación amorosa bajo un ritmo bailable y muy pegadizo.
No cabe duda que el uso del humor es una buena estrategia para captar admiradores, y Sting supo sacar buen provecho a esto burlándose abiertamente de los suicidas. Puede que esto moleste a más de algun oyente, pero cabe recordar que esto es una canción Pop, nada más que eso y que hay que pasarla bien.
Cade señalar que Sting demoró unos cuantos minutos en escribir la letra, dejando en claro que no buscaba algo profundo ni reflexivo para esta canción sino que algo ligado a la simpleza del humor.

Con un sonido tirado al Rock y con ciertos acordes de Reggae, esta canción logra un efecto especial y queda como una base Pop apta para cualquier banda debutante y que dé seguro le traera el éxito necesario. Esa etraña y contradictoria mezcla de música bailable con una letra depresiva fue el gancho perfecto para que The Police empezara a mostrar su música al mundo. Algo nuevo estaba naciendo...

"Can't Stand Losing You" fue el segundo single que lanzó esta banda y fue el primero en entrar a las lista británicas, llegando al puesto #42 del UK Sigles Chart. Un año despues, específicamente en Junio de 1969, se realizó la re-edición de este single logrando que el éxito fuera rotundo, ya que llegó al segundo lugar de los Charts británicos.

Pero la canción tambien causó polémica, especialmente para los ejecutivos de la BBC que decidieron censurar el single e incluso pensar en estampar una denuncia en contra de la banda. Esta polémica no tenía nada que ver con la canción, sino que era por la portada del single donde se muestra un cuerpo de un joven (se dice que el modelo es el baterista Stewart Copeland) con capucha colgado de una cuerda, lo que dejaba en claro desde la entrada que el joven que hablaba la canción realmente se suicidó. A causa de esa impactante imagen, los señores de la BBC decidieron censurar a "Can't Stand Losing You" por su alto contenido morboso. Esto, finalmente, no empañó el éxito de este temazo....

Una canción que es de las favoritas de muchos de los admiradores de esta gran banda británica, que marcó el inicio del camino hacia la fama para estos tres jovenes que lograron conquistar el mundo con sus exclentes melodías...
Que la disfruten!!

GREEN RIVER / CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

"Green River" es una canción de la famosa banda estadounidense Creedence Clearwater Revival que fue lanzada como single en Julio del año 1969 y además esta incluída en el disco "Green River", un espectacular trabajo musical que pese a su corta duración es uno de sus discos mas potentes con muchos clásicos.

Para los que aún no conocen la música de esta banda oriunda de California, cabe señalalar que estos cuatro músicos se dedicaban a experimentar interesantes sonidos "pantanosos" con los aires mas clásicos del rock. Esta mezcla de estilos los llevó a ser muy famosos por todo el mundo, espcialmente por las temáticas de la canciones escritar por John Fogerty.

En "Green River", otra obra de John Fogerty, los furiosos y oscuros riffs de guitarra que se pasean por la estructura musical se mezclan con una letra que habla sobre la nostalgia de una infancia feliz. Es que John se inspiró en aquellos veranos cuando. junto a sus padres, iban a una finca que quedaba en un lugar llamado Putah Creek, que es un paraíso para todo aficionado a la pesca. A ese lugar, la familia Fogerty lo bautizó cariñosamente como "Green River". Sobre esto, el guitarrista y hermano de John, el señor Tom Fogerty señaló en una entrevista a un medio de su país, que se les ocurrió ese nombre " cuando encontré una botella de jarabe para soda que llevaba esa frase en el título. Era un líquido verde, con aroma a limón y al mezclarlo con hielo y soda era una delicia. Ese trago en algunos locales lo llamaban "Green River". Así que al ver que ese lugar tenía un hermoso río cuyas aguas eran de un majestuoso color verde, no dudamos en nombrarlo de esa forma".
En ese lugar los hermanos Fogerty aprendieron a nadar y se divertían recorriendo los bosques y trepando por sus árboles o cazando libélulas y ranas por las mañanas, y bailando con los pies descalzos a la luz de la luna.

En dos minutos y medio, esta canción nos entrega en su letra la descripsión de un lugar mágico, místico, maravilloso, y en donde siempre es bienvendo quien desea regresar.
John menciona en las frases finales a un tal "Cody", detalle que fue muy comentado por los estudiosos de esta gran banda.
Ante tanta pregunta sobre ese tal "Cody", del cual no se sabía a ciencia cierta que era en realidad, Tom Fogerty señaló que simplemente era una referencia a que "en ese lugar había una pequeña cabaña que era propiedad de un descendiente de Buffalo Bill Cody, a quien llamabamos Cody Jr. "

Musicalmente "Green River" es una joya que con una sólida sección rítmica basada en unos llamativos riff's de guitarra en manos de los dos Fogerty, quienes sacan a relucir todo su talento para lograr ese interesante efecto sonoro que nos hace pensar en pantanos, en arroyos y todo lo demás que rodea a esta inteesante melodía.
Una canción que está sujeta a lo que pide el manual del Rock and Roll, por su sencillez y su poca limpieza sonora que la ejó como uno de los trabajos mas aplaudidos de Creedence Clearwater Revival.

Como era de esperar, esta canción llegó al puesto #2 del Bilboard Hot 100 en Agosto de 1969 y dejó a la banda en su mejor momento comercial, ya que lo habían ganado todo hasta esa fecha.
En el Reino Unido la canción alcanzó el puesto #19 y terminó acaparando buenas críticas mientras que en Austria y Alemania llegó, en ambos casos, al puesto #5 y dejó a esa banda en la cresta de la ola por esos lados.

Una canción famosa, díficil de no corear o mover el cuerpo al ritmo de esas guitarras tan especiales, y que quedó para siempre como un clásico del Rock en manos de una banda magistral, que en pocos años se adueñó de los charts de todo el mundo y que siguen sonando en las radios que invitan a pasear por la nostalgia musical.
Que la disfruten!!

WHAT IS LIFE / GEORGE HARRISON

"What Is Life" es una canción del músico británico George Harrison, que fue lanzada como single el 15 de Febrero de 1971 promocionado su disco triple "All Things Must Pass", que fue el primer trabajo que lanzó este artista con la "chapa" oficial de ex-Beatle.

"All Things Must Pass" fue el trabajo que destapó ante la crítica toda la genialidad de Harrison como compositor de buenas canciones, lo cuál siempre se vió eclipsado por la dupla Lennon-Mccartney cuando formaba parte de The Beatles. En este disco, George deja un listado de hermosas canciones que que viajan sobre temáticas tan simples como el amor, la paz, lo espiritual y lo místico, que además iban relacionadas con su forma de ver la vida.

La historia cuenta que Harrison escribió "What Is Life" para el cantante de soul Billy Preston, que era uno de los artistas contratados por el sello Apple (cuyos dueños eran los cuatro de Liverpool).Preston, que había conocido a los Beatles en 1962 durante una gira con Little Richard, era muy amigo de George quien, además de invitarlo a tocar en algunas de sus canciones y a participar en varias sesiones de grabación con los Fab-Four, fue el productor de algunos de sus discos.

A finales de los 60's Harrison estaba muy metido en lo espiritual y en lo religioso, y eso se veía reflejado en sus canciones. Por ello, la idea original era que "What Is Life" sonara a música gospel y que en voz de Preston sonara celestial.
El resultado final fue algo extraño, y que dejó muy sorprendido a Harrison. Primero, la canción no era una oda ni a Dios ni a lo espiritual sino que una simple prosa de amor y segundo, no tenía nada de parecido a lo catalogado como "Gospel" ya que estaba más cercana al Rock, con un riff de guitarra muy llamativo.
Estos detalles hicieron cambiar de idea a Harrison, quien decidió guardar esta canción para el disco que estaba trabajando... Algo le tincaba sobre esta melodía.

Asi fue como Harrison le presentó esta nueva canción al mítico productor Phil Spector, con quien estaba elaborando el concepto del disco.
Tras arreglar algunos detalles musicales y líricos, Spector decidió hacer un recambio en la plantilla de músicos que estaban trabajando con George y decidió trabajar con Pete Ham, Joey Molland y Tom Evans(que eran integrantes de la banda Badfinger) y con el guitarrista, y amigo personal de George, Eric Clapton, que en esos días tocaba en el supergrupo Derek and the Dominoes. De esa misma banda, Spector decidió reclutar al tecladista Bobby Whitlock, quien quedó muy asombrado con la actitud del productor en esa sesión de grabación.
"El verdadero espectáculo era el que hacía señor Phil Spector, quien en esa época era un tipo muy gracioso y colorido. Al escucharlo y al verlo aprendí mucho del trabajo de un productor y el como puedes hacer obras magistrales con un llamativa creatividad. Sólo a él se le ocurría poner 6 guitarras en una canción" señaló el tecladista en una entrevista con un medio inglés. Sobre las palabras de este tecladista, hay un buen ejemplo que refleja el trabajo de este hiperactivo productor. Resulta que en las primeras tomas del tema Spector había ideado una base musical basada toques de trompetas y un oboe, que finalmente fue rechazado por Harrison por encontralo fuera de la línea musical que él quería mostrar en este trabajo.

Finalmente la canción quedó lista para ser incluída en el disco, y luego se optó por lazarla como single debido a su notable gancho musical adornado por un riff de guitarra que es de antología.
Harrison fue el encargado de tocar ese riff, que suena durante toda la canción y que se mimetiza de buena manera con los instrumentos de viento.
Otro detalle que llama la atención en esta canción es el coro, que tiene un aire a himno ya que está lista para ser cantada a viva voz en algun concierto. Si miran los creditos del disco se podrán dar cuenta que estos coros son acreditados a la desconocida dupla de cantantes "O'Hara-Smith". Años despues se supo que esos dos apellidos eran los apodos de Clapton y Whitlock respectivamente, y que fue hecho como un chiste simplemente para despistar a los críticos y a los oyentes.

El 27 de Marzo de 1971, Harrison recibía la noticia de que "What Is Life" llegaba al décimo puesto del Billboard Hot 100, dejandólo como el primer Beatle que logró entrar al Top Ten estadounidense en calidad de solista. Esto tapaba muchas bocas, especialmente de los periodistas que admiraban a los McCartney y a los Lennon, dejando al pobre George de lado.

"What Is Life" es una de la canciones mas aplaudidas de George en estado solista y no puede faltar en ningun compilado que se haga de este gran artista británico
Que la disfruten!!!

PAC-MAN FEVER / BUCKNER & GARCIA

"Pac-Man Fever" es una canción del dúo estadounidense Buckner & Garcia, qe fue lanzada como single en Diciembre del año 1981.

Gracias al rotundo éxito de esta canción, inspirada en el famoso videojuego de Toru Iwatami, Jerry Buckner y Gary Garcia quedaron dentro de la historia de la música Pop de los 80's y además tuvieron que estar marcados de por vida como un dúo que hacía re-versiones de las melodías que acompañaban los clásicos juegos de videos que fueron furor en esos años.

La historia de esta canción tiene su inicio en la ciudad de Atlanta. En ese lugar Jerry Buckner y Gary Garcia eran muy reconocidos por la gente ya que trabajaban en la composición de ingeniosas melodías y Jingles para ser usados en tandas comerciales. Ambos músicos, siempre tenían esa rutina de que luego de la jornada de trabajo se dirigían a su bar favorito para beber una cervezas y conversar de sus temas favoritos, y además de eso se daban un tiempo jugar una "fichas" en el Pac-Man. Hay que señalar que en esos días, aquel simple e inocente videojuego era un fenómeno mundial, llegando a obtener un Récord Guiness como el videojuego de arcade más exitoso de todos los tiempos.

Pasaron varias noches, y varias fichas, para que ambos músicos decidieran rendirle un homenaje musical a este personaje que comía puntos, cerezas y que tenía de enemigo unos coloridos e hiperkinéticos fantasmas.
Para hacer mas cercana lesta canción al juego, García y Buckner decidieron usar los efectos del videojuego. Para ello, ambos compositores fueron a un local que atendía uno de sus amigos en Atlanta y se llevaron prestada una máquina al estudio de grabación. Finalmente, con la máquina instalada en su estudio, empezaron a jugar mientras tanto la cinta ya empezaba a girar para grabar y luego incluír los efectos sonoros del juego, sin tantos retoques ni usando otros instrumentos. Así lograron crear ese magnífico detalle sonoro que le dá un "plus" a la canción.

Tal como mencionamos más arriba, en esos días "Pac-Man" era un furor entre la juventud y estos dos músicos sabían que cualquier productor relacionado a ese videojuego tenría una bienvenida con honores. Por tal motivo, y luego de grabar la canción, García decidió ir donde un amigo que era DJ en una radio de Atlanta y le pasó la cinta con "Pac-Man Fever".
Pasaron los días, y la canción ya empezaba a rotar en la parrilla programática de la radio a tal punto que la gente llamaba a los trabajadores de la emisora para preguntar en que tienda vendían el single con esta canción.
Fue tan grande el "boom" de la canción, que en pocos días aparecieron ejecutivos de la CBS Records tocando la puerta de ambos músicos y con un contrato en mano para publicar "Pac-Man Fever" bajo su etiqueta y por todo Estados Unidos.

En Enero del año 1982, ya todo el mundo bailaba al ritmo de "Pac-Man Fever", que además logró llegar al noveno lugar del Billboard Hot 100 y se dió el lujo de vender más de 2 millones de copias. Mientras tanto, Buckner & García quedaban como la "Joyita" de la CBS, y eso hizo que los "peces gordos" del sello le empezaran a exijir nuevas canciones ligadas con los videojuegos, y aqui empezaron los problemas...

Resulta que ambos músicos, tras el éxito de esta canción, ya estaban preparando material para su disco. Dicho material no tenía nada que ver con los videojuegos, sino que estaban trabajando en piezas musicales ligadas al Pop y algo de New Wave, pero todo cambió de manera brutal cuando aparecieron los gerente del sello con una propuesta muy impactante: Su disco tenía que estar basado en videojuegos, ya que era la única manera de promocionar con éxito a la banda y además agregaron que sería muy fuerte (para los artistas y las cuentas bancarias de los empresarios) un cambio en el estilo musical.
Tras una larga conversación,y varias taas de café, los "peces gordos" convencieron al dúo en crear un disco en la línea de "Pac-Man Fever" y le entregaron una bolsa con varios juegos de video para que vayan experimentando y creando nuevas melodías para su disco.
Asi fue como en 3 semanas grabaron el disco "Pac-Man Fever", una joya musical en donde aparecieron varias canciones como : "Do The Donkey Kong," "Ode To A Centipede," y "Froggy's Lament". Obviamente ninguna de estas piezas alcanzó las cifras logradas por el sincero (?) el homenaje a Pac-Man pero quedaron en la memoria de los amantes de esos famosos videojuegos de principio de los 80's.

La canción y el álbum "Pac-Man Fever" dejaron a Garcia y Buckner etiquetados como un dúo especializado en crear canciones basadas en videojuegos y dueños de un trabajo musical que siempre será recordado con nostalgia, porque mezclar sonidos Pop con los detalles sonoros de esos simples pero entretenidos videojuegos parece ser algo fácil, pero ellos le dieron calidad y abrieron la puerta para que otros musicos empezaran a experimentar con esa ídea...
Que la disfruten!!! (Game Over)

L.A. WOMAN / THE DOORS

"L.A. Woman" es una canción de la banda estadounidense The Doors, que fue lanzada como single en Abril del año 1971 y que está incluída en el exitoso disco que lleva como título el nombre de esta pieza musical. Dicho trabajo musical fue el último que grabó su líder y cantante Jim Morrison, ya que meses despues fue encontrado muerto en la bañera de su hogar, tras un paro cardíaco originado por su abuso con la heroína.

Hablar de The Doors es hablar de una banda que jugaba con el talento, que no se le puede clasificar tan fácilmente dentro del ambiente psicodélico en que les tocó vivir, ya que ellos experimentaron diferentes estilos musicales basados en finas estructuras melódicas que los fue dejando como una banda mítica dentro de la historia del Rock.

Las grabaciones de este disco empezaron en Noviembre del año 1970, y la idea principal era volver a la viejas raíces del Blues en estado puro. Bajo esa extensa planificación, Morrison y compañía empezaron a idear nuevas canciones para luego contactar a su amigo y productor Paul A. Rothchild, quien les ayudaría en la elaboración del disco (ya había trabajado con ellos en los LP's anteriores). Tras escuchar la canciones, el productor puso una mueca de inseguridad y se paró al frente de Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore para decirles que su nuevo repertorio parecía "música de cóctel". Esto enfureció a los muchachos, quienes empezaron a dicutir con Rothchild para defender sus nuevas canciones. Resultado final: Los Doors quedaron sin productor.
Tampoco era llegar y trabajar con la banda, para entrar a ese estudio de grabación había que ser muy valiente ya que en esos días la relación entre los músicos estaba algo tensa, especialmente por la actitud de Morrison, que estaba marcada por su dependencia con las drogas.

A mediados de Diciembre de 1970, y en su sala de ensayo que pasó a ser un improvisado estudio de grabación, la banda empezó a trabajar en una canción titulada como "L.A. Woman", que destacaba por ser una pieza de rock marcada por sonidos psicodélicos y una actuación vocal memorable, donde Jim Morrison deja en claro todo su talento cantando con una llamativa voz furiosa y rasposa.
Morrison fue el dueño de la parte lírica dentro de esta canción, inspirandose en el libro "City of Night" del escritor estadounidense John Rechy y que fue publicado en 1963. En dicho texto se hace una dura descripción sobre el inframundo urbano de la prostitución masculina y la perversión sexual, ídea que fe tomada por Morrison para contextualizarla dentro de las noches salvajes en Los Angeles, California.

En el momento de grabar esta canción, Los Doors pescaron sus instrumentos y la grabaron inmediatamente en vivo, sin arreglar ningún detalle ni sobregrabar ningún instrumento. Todo fue hecho en una sola toma, y para lograr este maravilloso detalle, los Doors necesitaron a dos músicos de sesión que los acompañara en el bajo y la guitarra.
El encargado del bajo fue Jerry Sheff, mientras que Marc Benno trabajó en las guitarras. Tras esta sesión, ambos músicos fueron invitados por la banda para participar en la gira promocional del disco. Finalmente, y tras la muerte del vocalista, ese plan se canceló...

Otro detalle que marcó a esta canción fue la forma con que Morrison grabó su voz. Se dice que el legendario vocalista cantó desde el baño del estudio. Esto fue hecho por dos razones, las cuales clasificaremos como técnica y a la otra como personal. La Técnica se refiere a que Morrison quedó muy a gusto con la acústica de ese cuarto y el llamativo efecto que producía en su voz, ya algo gastada de tantos cigarros. Mientras que la "personal" se refiere a que era la mejor forma de mezclar las grabaciones con su gusto por la cerveza, y asi no perder tanto tiempo en ir a "descargar"ese famoso líquido acuoso transparente, amarillento y de peculiar olor (?).

En la parte final de la canción se puede escuchar varias veces la frase "Mr. Mojo Risin '", estas tres palabras causaron mucho misterio entre los fanáticos, que de inmediato empezaron a sacar ingeniosas conclusiones. Una de las más llamativas está enlazada con las historias de los viejos bluseros, que comúnmente usaban la palabra "Mojo" dentro de sus creaciones musicales. Un buen ejemplo es la canción del legendario Muddy Waters llamada "I Got My Mojo Workin'."
Originalmente el "Mojo" es un amuleto o una especie de relicario vudú para atraer amor, trabajo o felicidad, y era muy usado en los pueblos africanos.
Pero Morrison no estaba ni ahí con el Vudú y sus derivados, y al igual que mucha gente "blanca", entendía que el "Mojo"estaba relacionado con la energía sexual, asi que usó la frase "Mr. Mojo Risin ', que era un anagrama de su nombre, para simular un multiorgasmo rabioso.

Recien en el año 1985, cuando se cumplían 14 años sin Jim Morrison, el tecladista de la banda, Ray Manzarek, decidió publicar un videoclip con esta canción, el cual fue programado varias veces en el canal MTV (sí... Ese mismo que hoy promociona cantante desechables!) con grán éxito...

Señoras,señores, niños, niñas, señoritas y señoritos (?) es un agrado traer nuevamente algo de The Doors, una banda magistral, única y que tiene algo místico, algo especial en cada acorde que la hace ser una de las agrupaciones mas famosas en la historia del rock...
Que.....!!!!

Pd: Amigas y amigos recuerden que tambien estamos en FACEBOOK!!!

ALBATROSS / FLEETWOOD MAC

"Albatross" es una instrumental de la banda británica Fleetwood Mac, que fue lanzada como single en Enero del año 1969 y que se convirtió en una de las piezas musicales mas aplaudidas de esta "camaleónica" agrupación.

Los Fleetwood Mac surgen en el año 1967 inspirados por esa extraña mezcla de blues con adornos psicodélicos mas alguna expermentaciones con el sonido Hard Rock. Con el paso de los años, y con muchos cambios de integrantes, la banda fue viajando hacía un sonido mas depurado y más cercano a lo Pop y lo comercial, lo que la dejó como un ícono de la musica setentera.

El líder de estabanda era Peter Green, dueño de un talento especial para crear melodías. Por esos año, Green y los Fleetwood Mac pasaban por un buen momento comercial debido a que sus singles eran apludidos por la crítica y la actuación como compositor de este maestro en la guitarra sacaba buenos comentarios.
A mediados del año 1968, Green le presentó a los demás miembros de la banda un instrumental llamada "Albatross", que destacaba por incluír diversos efectos de guitarra bajo una suave y relajante melodía.

La historia cuenta que Green escribió esta melodía inspirado en el famoso poema The Rhyme Of The Ancient Mariner, cuya autoría recae en el famoso poeta inglés Samuel Coleridge.
Green había leído este texto desde que era niño y siempre le había llamado la atención esa creencia que tenían los marinos de que los albatros eran un ave de buen augurio y de que puede resultar desastroso matar o dañar a uno de ellos en alta mar ya que atraían la mala suerte. Además muchos navegantes mencionan que éstas aves encarnaban las almas de los marinos muertos en el mar. Ahora volvamos a lo musical...

Luego de obtener el sí de parte la banda, Peter Green empezó a trabajar su nueva creación. Con el paso de los días, el también guitarrista de la banda, Jeremy Spencer empezó a dar quejas de que la canción era un desastre y que no lograba llegar con su guitarra a los efectos que pedía el autor de la pieza musical.
Toda esa tensión fue enfriada dos meses después con la llegada del jóven Danny Kirwan, que sólo tenía 18 años de edad, y que empezó a trabajar de inmediato en este instrumental y se acopló de buena forma con el estilo que les pedía Green.

Si hay algo que caracteriza a "Albatross" es ese singular juego de guitarras y platillos que simulan de manera perfecta el ambiente relajante del mar. Ese impecable solo de guitarra en manos de Green es un detalle hermoso, sacado de un paraiso musical y que deja a la canción en el casillero de la armonías hermosas.
A menudo se piensa que Green grabó esta pieza instrumental con su famosa Les Paul, pero años despues, en una entrevista a una revista especializada en ese instrmento, señaló que logró todos esos efectos y vibratos gracias a una Fender Stratocaster.

"Albatross" fue el mejor cierre que le pudo hacer la banda a los 60's. Una melodía que nos transporta al caribe, a una playa solitaria pero a ritmo de buen blues, y eso si que merece un aplauso eterno.
Un instrumental que dió cátedra a muchas bandas y que fue un hit en toda Europa. En su tierra natal, la banda llegó al primer puesto de UK Singles charts y ganó muy buena críticas.
Mientras que en las listas de Suiza, Holanda, Alemania, Irlanda y Suecia este insturmental llegó a entrar en los primeros 5 puestos, siendo un éxito rotundo.
Donde no tuvo mucha aceptación fue en Estados Unidos, donde no logró entrar al Billboard Hot 100 debido a que las radioemisoras la confundieron como una típica canción de surf Rock.

En tierras británicas fue tan famosa esta melodía que hasta The Beatles decidió tomar algunos detalles musicales de "Albatross". Esto fue muy comentado luego de que George Harrison dijera en 1987 a un medio inglés que la canción "Sun King" (del disco Abbey Road) estaba inspirada en esta pieza de Fleetwood Mac. "Estabamos en el estudios y dijimos "vamos a hacer algo parecido a "Albatross". Pero en realidad nunca sonó como Fleetwood Mac ... pero ese fue el origen" mencionó el guitarrista de esa mítica banda.

Como leen, estamos frente a una canción mítica, que causó furor en toda Europa y que es considerada por muchos como uno de los instrumentales mas famosos en la historia del rock.
Asi que busquen un buen traguito, un aperitivo y escuchen esta extraordinaria pieza musical.
Que la disfruten!

HOCUS POCUS / FOCUS

"Hocus Pocus" es un famoso instrumental de la banda holadesa Focus, que fue lanzada como single en Septiembre del año 1971 y que está incluída en su segundo LP titulado Focus II (en algunos países europeos se le conoce con el título Moving Waves) que fue publicado en Octubre del año 1971.

Focus destaca por ser una de las bandas pioneras dentro del género llamado Rock Progresivo, ya que se atrevieron a mezclar diversas experimentaciones musicales (por ejemplo; melodías medievales con algo de folk) y adaptarlas a los sonidos urbanos, como el blues y el jazz.

Este notable instrumental fue escrito por dos integrantes de la banda: El guitarrista Jan Akkerman y el tecladista/flautista Thijs van Leer.
Lo que más destaca dentro de esta pieza musical es aquella llamativa serie de falsettes en voz de Thijs van Leer, que estan muy ligados al canto tirolés. Dicho estilo de canto fue muy usado, en épocas pasadas, en tierras suizas y austriacas como alarma ante ataques bélicos y destaca por ser una serie de sonidos guturales a base de energéticos y a ratos chistosos falsettes. Este modo de cantar está unido de manera perfecta a un furioso y pesado riff de guitarra en manos de Jan Akkerman que se pasea junto a la melodía de un teclado al mas puro estilo neoclásico. Además, esta pieza cuenta con espectaculares partes de acordeón y flauta (que destacable eso!!!) junto a una serie de momentos para que el baterista Pierre van der Linden demuestre toda su destreza detrás de los tambores.
Todos esos pasajes hacen que la melodía de "Hocus Pocus" tenga un gusto a locura, a pirotecnía de emociones fuera de lo normal pero que al final llega a un punto muy claro: Estar presente ante una canción impecable, aunque a ratos suene rara y sarcática, pero no hay que dejar de decir que está llena de elegancia en cada acorde. Eso la hace distinta...

Cuando la canción empezó a sonar en las radios, muchos críticos dedicaron varias líneas para decir que "Hocus Pocus" era simplemente una mezcla de sonidos absurdos y no salía de esa calificación. Ante esa situación, en una entrevista con el periódico británico New Musical Express en Mayo del año1973, el guitarrista Jan Akkerman, se dió el lujo de decir que "Hocus Pocus" era simplemente " una parodia hacía los típicos grupos de rock." No sabemos si lo dijo en tono figurado o solo defiende la verdad, pero la canción sí o sí se convertiría en un hit.

Originalmente esta canción fue lanzada como single en 1971, pero tuvo muy poca difusión en las radios ya que duraba casi siete minutos, y eso era un pecado para sus elaboradas y bien cuidadas parrillas programáticas.
A finales de Abril pero del año 1973, los Focus decidieron re-lanzar esta canción pero en una versión editada especialmente para su promoción en las radios. Esta versión llamó mucho la atención entre los auditores, ya que traía nuevos sonidos y especialmente porque traía ese divertido canto...

El 3 de Mayo de 1973, fue el día en que "Hocus Pocus" lograba llegar al puesto #9 en el Billboard Hot 100 . Mientras que en tierras británicas la canción llegó sólo al puesto #20, pero eso no opacó el buen momento de esta banda por esos lares, ya que la prensa catalogó a Focus como “El mejor grupo extranjero” y al señor Jan Akkerman como “el mejor guitarrista del mundo”. En Junio del año pasado "Hocus Pocus" volvió a la escena británica gracias a un aplaudido comercial de la marca deportiva Nike que fue lanzada en plena epoca "mundialera" y que dejó a la canción en el puesto #54 del UK Singles charts.

Un temazo de alto calibre... Una melodía que saca aplausos y nos logra llevar un rato a la locura...
Que la disfruteeeeen!!

GIRLS & BOYS / BLUR

"Girls & Boys" es una canción de la banda británica, de rock alternativo, Blur que fue lanzada como single un 7 de Marzo del año 1994 promocionando su tercer trabajo musical titulado "Parklife". Dicho disco es uno de los más exitosos dentro de la carrera musical de esta banda emblema del Britpop, en donde mezclan diferentes estilos musicales logrando un trabajo sólido, interesante y de mucha influencia para otras bandas.

Dentre del disco, "Girls & Boys" ocupa un lugar especial por su sonido muy apegado a bandas como Pet Shop Boys o Duran Duran pero además de ese la canción pasa a ser una pieza muy llamativa por su letra.
Es que estos cuatro jóvenes oriundos de Colchester idearon una nueva y típica letra irónica, en donde sus dardos iban en dirección a esa nueva cultura juvenil que se declaraba adicta al "Tecno-Pop" y al "Europop" mezclandolo con actitudes y mensajes hedonistas donde la experimentación sexual, el ambiente festivo extremo y el juego con drogas y pastillas eran la bandera de este "nuevo estilo de baile". Obviamente esto dió que hablar en los medios de comunicación británicos, que estaba sorprendidos con estos nuevos movimientos juveniles. De esa sorpresa y dado todo el "boom" que hacían los medios, los Blur decidieron escribir esta canción....

Para el vocalista y guitarrista Damon Albarn, esta canción era un mensaje a la juventud de los 90's, en donde se abrió la puerta para la libertad de opción sexual y la experimentación de nuevas sensaciones dentro de esa temática. En el coro ("looking for girls who are boys/who like boys to be girls/who do boys like they're girls/who do girls like they're boys/always should be someone you really love") , la ironía pasa a ser el mejor elemento para dar el mensaje que el mundo estaba cambiando y que todo ese ambiente conservador de antaño, especialmente en la represión al homosexual, a la lesbiana o al bisexual ya había quedado en el pasado, y a la vez era muy repudiado.
Bajo ese revolucionario contexto social, los Blur sacaron su mejor cara para satirizar esta llamativa situación, sin miedo a las críticas ni a las futuras polémicas de los medios consevadores que ya estaban frotando sus manos para acusarlos de incitar a la juventud para salir de la línea dentro del sagrado mensaje de las leyes religiosas...

En materia musical, "Girls & Boys" nos trae una exprimentación muy interesante en manos de Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree en donde se dieron un paseo por lo New Wave, pero en una versión mucho mas moderna y elegante a diferencia de los sonidos ochenteros. El sitentizador de la entrada ya lo dice todo y de paso nos invita a pasarla bien...
Al igual que la letra, la música es un parodia a todo lo que sonara "tecno" (y sus derivados), basádonse en una sensación rítmitca pegadiza llena de efectos electronicos que estan aptas para el baile y que a la primera reprodución suena a Pop barato, pero luego de escucharla por completo te das cuenta de toda esa calidad que sólo Blur nos podía entregar.

"Girls & Boys" fue el nuevo ataque a los charts por parte de Blur, tras dos años marcados por el fracaso comercial de sus singles. La canción quedó entre las mas aplaudidas de la banda y llegó al quinto puesto en el UK Singles chart, revolucionando las estaciones de radio y las pistas de baile.
Pero no todo terminó ahí, ya qee tambien decidieron publicar el single en Estados Unidos, donde en pocas semanas "pegó" con fuerza en las estaciones de radio especializadas en Rock, y llegó al puesto #59 del Billboard Hot 100, lo cuál la dejó como la canción mas famosa de Blur en tierras de Homero Simpsons.

Es un agrado dejar en este espacio una canción clásica de los 90's, que marcó a muchas generaciones y que dió la vuelta al mundo con su interesante propuesta musical presentada por una banda que dejó un gran legado dento del Britpop.
Que la disfruten!

CHERISH / THE ASSOCIATION

"Cherish" es una canción del grupo Pop estadounidense The Association que fue lanzada como single en Agosto del año 1966, y además fue incluída en su aplaudido disco debut titulado como And Then...Along Comes the Association.

Para aquellos que no conocen mucho de esta banda, les podemos mencionar que tuvo su origen en California y que destacaron entre sus pares por sus dulces armonías marcadas por llamativos juegos de voces que los críticos denominaron como "Folk Psicodélico" y que llamaron mucho la atención a mediados de los 60's.
La formación con que de The Association salía al escenario era con Gary Alexander en voz principal, Terry Kirkman en teclados, Rus Giguere en guitarras y voz, Brian Coles en bajo y voz, y en batería el señor Ted Bluechel. Esta formación fue la que le dió la fama mundial a esta agrupación.

A inicios del año 1966, los Association daban su primer golpe en los charts con el lanzamiento de la canción "Along Comes Mary", cuya letra marcó polémica porque hablaba sobre las drogas, pero eso no fue escucsa para que lograra un gran éxito y fuera promocionados por todo Estados Unidos.
Fue gracias a esa canción, que se le empezaron a abrir varias puertas a la banda y eso se vió marcado en las extensas giras que lograron hacer por todo su pais. Fue en uno de esos viajes, cuando el tecladista Terry Kirkman escribió una canción en tan sólo media hora. La nueva creación llevaba como título "Cherish", y a pesar de ese detalle lírico esta pieza musical no es una clásica canción de amor, ya que habla de la obsesión y la desesperación extrema de un joven que no puede lograr conquistar a su amada.
Cuenta la leyenda, que en el momento que Kirkman compone e interpreta esta canción frente a sus compañeros, se le acercó Mike Whelan, que por ese entonces formaba parte de The New Christy Minstrels (banda que teloneaba a los Associaton en esa gira), que le dijo al tecladista que esa canción le llamaba mucho la atención y le pidió casi de rodillas que se la cediera para poder grabarla con su grupo. Muchos por ahí mencionan que Whelan casi logra su objetivo de ser el primero en grabar este tema...

En Julio de ese mismo año, y aprovechando unos días libres, la banda decide grabar esta nueva canción, con el fin de que sea parte su próximo single. Con instrumentos en mano, los músicos fueron al famoso garage-estudio de Gary Paxton donde fueron recibidos por Curt Boettcher, un productor de renombre en esos años y que ya tenía un extenso curriculúm tras trabajar con diversas bandas.
Boettcher hizo algunos cambios en la canción, y para lograr una melodía interesante decidió trabajar con músicos de su confianza, dejando de lado a los integrantes de la banda, quienes reaccionaron muy enojados ante esa idea. Finalmente, al ver que las cosas se ponían "peludas", Boettcher dejó que dos de los integrantes de la banda trabajaran con sus músicos, mientras que el resto sólo se dedicó a arreglar y editar las armonías vocales.

Un "datito" interesante: Entre los músicos de sesión se encontraba el multi-instrumentista Doug Rhodes, que era parte de la banda The Music Machine, y que fue contactado por Boettcher para que tocara un instrumento llamado Celesta, que tiene un parecido al piano pero en vez de tener cuerdas tensas contiene placas de metal que logran un sonido muy llamativo.

Tras terminar de manera positiva la sesión de grabación, Boettcher junto a los muchachos se percataron de un detalle que le podía costar la promoción del single. Resulta que por esos años, las radioemisoras estadounidenses rechazaban aquelas canciones que duraran más de 3 minutos, por la simple razón de que copaban su parrilla programática. "Cherish" llegó a durar 3 minutos con 25 segundos, por lo que ya era un probema para las radios, asi que de manera artesanal el productor acelero algunas pistas e hizo uno que otro recorte a la cinta pero el esfuerzo fue en vano, ya que sólo logró dejarla en 3 minutos con 15 segundos. Al ver que no había otra solución ante tal problema, Curt Boettcher se la jugó con la poca honestidad y le dijo a los gerentes del sello que en la etiqueta del single coloquen que la canción duraba 3 minutos exactos con el fin de gambetear la aduana radial.

Finalmente, esa estrategia dió sus buenos furtos, ya que la canción llegó al primer lugar del Billboard Hot 100 en Septiembre de es emismo año, durando tres semanas en ese puesto. Mentras que en Canadá, los resultados fueron parecidos, aunque duró sólo dos semanas en la primera posición, dejándola como un clásico de los 60's especialmente por su notable juego de voces, que quedó como marca registrada de esta banda.

Les dejamos este clásico de clásicos, en voz de The Association, una banda que debe estar sí o sí en todo compilado musical de esa interesante época, ya que ellos marcaron pauta dentro de la escena y lograron crear una canción que impactó a todo el mundo, eso se ve reflejado en un ranking que sacó años atrás la BMI, donde "Cherish" ocupó el puesto #20 en su lista de las 100 canciones mas tocadas en radio y televisión en el siglo XX.
Que la dis....!!!!

MANDY / BARRY MANILOW

"Mandy" es una canción del cantante y compositor estadounidense Barry Manilow, que fue lanzada como single en Septiembre de 1974 y está incluída en su segundo trabajo de estudio titulado simplemente como "Barry Manilow II".

Este cantante, oriundo de Brooklyn y que viene de una famila judía, es considerado como un artista escencial y de alta influencia para muchos jovenes talentos que admiran mezclar en sus shows algo de actividad teatral al interpretar una canción, un detalle importante que lo hizo marcar terreno ente tanto cantante que se paseaba por la escena musical norteamericana.

Pero la historia de esta canción empieza en el año 1971, cuando el cantautor estadounidense Scott English publica un single donde aparece una delicada balada llamada "Brandy", que había escrito junto al compositor inglés Richard Kerr.
Tras lanzar el single, la canción apenas llegó al puesto #91 del Billboard Hot 100 y pasó rápidamente al olvido en Norteamerica tras una escasa promoción en los medios de comunicación.
Distinta fue la suerte de esta balada en el Reino Unido, en donde llegó al puesto #12 del UK Singles chart en 1972 y quedó dentro de los singles que marcaron pauta dentro del mercado musical británico.
Fue tanta la popularidad de esta canción en tierras británicas que las radios la tocaban varias veces en un día y la prensa empezaba a rellenar páginas y páginas en sus periodicos tratando de elaborar conclusiones sobre quien sería la tal Brandy que inspiró esta delicada pieza musical.
Estos periodistas llegaron a tal punto de su dilatada investigación que llegaron a concluír que la canción era sobre el perro de English. Claro, tal como lees, estos seres dueños de la palabra escribieron en sus medios que la canción era sobre un can, que tras su muerte había dejado en una profunda depresión al cantante.
Pero esta sorprendente conclusión tiene un origen notable. Resulta que todos los días llamaban al telefono particular de Scott English centenares de periodistas ingleses que querían saber la historia verdadera de Brandy. Este ritual comenzó siendo celebrado por el cantante pero con el paso de las semanas se volvió algo estresante. Cuento corto, un día el cantante no aguantó más y cuando llamó un periodista consultando sobre la temática de la canción, Scott pescó el telefono y le dijo lo primero que se le vino a la mente, para que estos seres lo dejen en paz: "Te daré la exclusiva. Trata sobre un perro que tuve, que se parecía a Lassie y que la tuve que enviar muy lejos. Ahora dejame tranquilo". Luego de eso, el autor de "Brandy" colgó e telefono y de ahí en adelante, gracias a esa inocente mentira, nadie le volvió a preguntar sobre ese tema...
Eso sí, al otro día varios matutinos tenían en su portada la noticia de que "Brandy", la canción de moda en esos días, estaba inspirada en el perro del cantante e inventaban historias fantásticas llenas de realismo mágico que dejaban chico a García Marquez.

Pasaron tres años para que esta canción volviera a las pistas. Esta vez en la voz del cantante y compositor estadounidense Barry Manilow, quien venía de un frío debut musical que había provocado cierto enojo y el quiebre dentro de la plana mayor del sello Arista, quienes tenían mucha esperanza en el talento de este jóve artista.
El dueño de este sello discográfico, le propuso a Barry grabar esa famosa balada "Brandy", con el fin de promocionar de manera exitosa su segundo trabajo discográfico y no volver a pasar por otro fracaso comercial, ya que eso si que sería duro para ambas partes.

En un principio, Manilow no encajaba con la balada e incluso pensó dejarla de lado y grabar otra canción. Es que no la podía sentir suya, se sentía incomodo cantando algo que ya había tenido éxito y que en una segunda versión sonaba sólo como una imitación barata hecha simplemente para recaudar dinero fácil.
Pero ante tanta insistencia por parte de sus productores, el compositor decidió adaptar la melodía hasta convertirla en una balada ultrameláncolica, donde la angustia saliera a flor de piel y la interpretación llegara hasta el alma del oyente. Ese detalle marcó a la versión de Barry.
Otro detalle importante y propuesto por el cantante, fue el llamativo cambio de título en la canción, que pasó de ser "Brandy" a "Mandy". Esto se tuvo que hacer para evitar confusiones con la canción "Brandy (You're A Fine Girl)", que fue todo un hit en 1972 en voz del grupo Looking Glass.

"Mandy" trae un trabajo musical muy interesante, ideado por Manilow y su productor Ron Dante, en donde se apoderan de una melodía ajena pero le incluyen una parte de cuerdas, unos coros celestiales y toques de timbales que dejan los pelos de punta y le dan una sensación impactante a la canción.
Esta versión en manos de Barry Manilow, golpeó fuerte en el Billboard Hot 100 y llegó al puesto N°1 dee ese chart, siendo el primer single del sello Arista en llegar a esa posición. Además sfue certificada con un disco de Oro y catapultó a la fama a este músico, al cual muchos periodistas catalogaron como un "fenómeno".
Es que fue un hit que dió la vuelta al mundo, por ejemplo en el Reino Unido, "Mandy" llegó al puesto #11, en Nueva Zelanda al casillero #30, en Canadá al puesto #1 y en Alemania llegó al #19.

Una balada de lujo, una canción eterna, un transportador de emociones, un himno a la nostalgia. Esas frases puede resumir lo que se siente al escuchar esta balada, que dé seguro les traerá más de algún recuerdo.
Que la disfruten!!!

NEVER WITHOUT YOU / RINGO STARR

"Never Without You" es una canción del cantante, compositor, baterista y actor británico Ringo Starr, que fue lanzada como single un 25 de Octubre del año 2003 y que está incluída en su decimotercer disco de estudio titulado "Ringo Rama", el cual fue considerado por la prensa como el mejor disco que ha lanzado el ex-Beatle en su carrera como solista.

En este disco, mr. Ringo se dá el lujo de invitar a varios amigos para que colaboren en las canciones que componían su proyecto musical, entre los que podemos destacar están: Eric Clapton, Willie Nelson y David Gilmour.

Una de las canciones más aplaudidas de este disco es, sin lugar a dudas, "Never Without You",canción que Ringo Starr dedicó de todo corazón a su amigo y compañero en The Beatles, George Harrison quien había muerto el 29 de Noviembre del año 2001 a causa de un cáncer al pulmón que lo mantuvo luchando hasta el ultimo día de su vida.
Con sólo 58 años, Harrison se iba de este mundo y dejaba una gran pena en varios de sus colegas y de toda la fanáticada que vibró y mantuvo intacta la escencia de The Beatles.

Ringo fue uno de esos que lloró como un niño cuando supo que su amigo había perdido la batalla contra esa penosa enfermedad. Es que Ringo fue el que tuvo una relación mas estrecha con Harrison, desde la etapa de The Beatles y que se vió reflejada en los ultimos días de la banda cuando ambos se veían muy frustrados con el escaso aporte en los discos y en las canciones firmadas por Lennon-McCartney.
Otro episodio que une a estos dos personajes, fue cuando el baterista, al ver que su aporte en las cancones era nulo, decidió irse de la banda en plenas grabaciones del reconocido "White Album" para refugiarse en el yate del famoso comediante Peter Sellers (en donde escribió "Octopus's Garden"). En esa ocasión el primero que le envió una carta fue George, invitandolo a seguir trabajando en la banda ya que lo extrañaban mucho. Pasaron dos semanas dy Ringo volvía a los estudios Abbey Road, quedando muy sorprendido cuando vió los pasillos llenos de flores y una cartel que le daba la bienvenida. Esa idea fue de Harrison.
Otro momento en que se vió reflejada su amistad fue cuando en 1971 Harrison y Ravi Shankar decidieron llevar a cabo el famoso "The Concert for Bangladesh", que iba en ayuda a los refugiados Pakistán Oriental. Para esa ocasión Harrison quería formar un supergrupo que deleitara a los espectadores, y no dudó en invitar a sus tres ex-compañeros de banda. Finalmente el único en tomar la invitación fue Ringo, ya que Paul aún tenía bronca por el penoso termino de la banda y Lennon se ausentó porque Yoko no lo dejó ir...
Esos momentos, y quizas cuantos otros más, hicieron que Ringo pescara un cuaderno y escribiera una canción en homenaje a su amigo y colega.

"Never Without You" fue escrita por Starr junto a la ayuda de los compositores Mark Hudson y Gary Nicholson. Sobres este trabajo colaborativo, Starr comentó en una entrevista con la BBC: "Gary Nicholson comenzó esta canción, luego Mark la trabajó y de inmediato nos dimos cuenta de que podíamos adaptarla para George, que por esos días estaba en mi memoria".
Dentro de la letra nos podemos percatar que hay ciertas referencias a dos canciones escritas por Harrison, las cuales son: "Within You Without You" y "All Things Must Pass" que van ligadas de manera perfecta a las frases que iban en honor a este gran músico.

Otro detalle que no dejó pasar el baterista fue invitar a Eric Clapton a que toque la guitarra en esta pieza musical dedicada a George. Es que Clapton fue otro gran amigo y compañero del autor de "Something" y cuando recibió la invitación de Starr y la idea de la canción no lo pensó dos veces.
Recordemos que a pesar de una que otra polémica, la amistad entre Clapton y George siempre se mantuvo intacta, desde que ambos escribieron "Badge", que fue lanzada como single por la banda Cream hasta tocar un histórico solo de guitarra en la pieza musical de Harrison, para The Beatles, llamada "While My Guitar Gently Weeps". Además de compartir escenario en siversas partes del mundo...
El aporte de Clapton fue muy llamativo y apludido por la crítica, ya que ideó junto a Ringo un riff de guitarra que imitaba los acordes del riff usado por Harrison en su canción "What is Life". Este detalle coronó de manera magnífica y emotiva el homenaje de Ringo a su amigo George...

Quizás no sea una joya que cambie el mundo del Rock, quizás no tenga la potencia de otras bandas ni una letra plagada de secretos. Pero "Never Without You" en su simpleza nos transporta a la nostalgia, al sincero homenaje a esos amigos que parten antes de nosotros pero que dejan momentos inolvidables que nunca se apagarán con los años.
Que la disfruten!

(IS THIS THE WAY TO) AMARILLO / TONY CHRISTIE

"(Is This The Way To) Amarillo" es una canción del cantante y actor británico Tony Christie que fue publicada como single en Noviembre del año 1971. Con esta canción, este baladista oriundo de Conisbrough, obtuvo una gran popularidad en todo el Reino Unido siendo su "caballito de batalla" por varias décadas, donde cada nueva versión a sido muy bien recibida por el público, dejándola como un clásico de la década de los 70's.

La historia de esta canción empieza a finales del año 1970, cuando un empresario fue a visitar la casa del famoso cantautor Neil Sedaka. En esa ocasión, el empresario fue a conversar con interprete de "Oh Carol" para convencerlo de que le escribiera una canción a un joven talento que había contratado. Se trataba de un joven llamado Tony Christie, que "pintaba" para ser tan famoso como su ídolo, el galés Tom Jones.
Luego de varias conversaciones con el cantante y el empresario, Sedaka decidió ayudarlo y fue en busca de una cinta que contenía la versión "demo" de una canción llamada "(Is This The Way To) Amarillo", que habia sido escrita por Neil y el compositor Howard Greenfield. Según lo señalado por Sedaka en una entrevista con el Daily Mail, el 19 de junio del 2009, esta canción "originamente era un reggae, pero finalmente la adaptó a una versión mas pegadiza y alegre. Y eso me gustó".

"(Is This The Way To) Amarillo" habla simplemente de un hombre que viaja en busca de su novia a la ciudad de Amarillo, ubicada en el estado de Texas. De ahí el fanático de Christie se puede preguntar o romper la cabeza pensando ¿Por qué se nombra a esta ciudad?, ¿Sedaka tuvo algún amor por esa zona o simplemente es un homenaje a esa hermosa ciudad?
La respuesta es simple, pero partamos por el inicio. Se cuenta que Sedaka y compañía pensaron titular la canción como "Is This The Way To Pensacola", como un merecido homenaje a la ciudad de Pensacola, Florida. Pero al momento de escribir la letra el artista se dió cuenta que habían pocas palabras que rimaban con el nombre de esa ciudad portuaria y decidió buscar otra ciudad para terminar esta pieza musical.
Finalmente ambos músicos norteamericanos decidieron usar la ciudad de Amarillo como ambiente para esa historia de amor. La elección de esa ciudad simplemente se debía a que rimaba de manera perfecta con varias palabras, tales como: "willow" y "pillow". Ese fue el motivo para usar el nombre de esa reconocida ciudad situada cerca del Lago Amarillo.

La canción finalemnte fue cedida y grabada por Tony Christie, quien la lanzó como single en Noviembre de 1971 y alcanzó de manera imediata el puesto #18 del UK Singles chart. Pero la canción sonó por toda Europa, destacandose en Alemania y España donde "Amarillo" logró llegar al primero puesto de los charts. De hecho, en tierras de Franz Anton Beckenbauer, la canción es muy usada por los hinchas de varios clubes de Futbol y Hockey sobre hielo, quienes han adaptado su coro para alentar a sus equipos favoritos sobre el tablón.
Muchos críticos menconaron que era raro que una canción escrita por dos norteamericanos, que además hablaba sobre una ciudad ubicada en ese continente pero que había sido grabada por un cantante inglés fuera todo un hit en Europa. Eso llamaba la atención...

En Marzo del año 2005, Tony Christie decidió relanzar esta canción pero en una nueva versión y acompañado del comediante británico Peter Kay. El motivo de este lanzamiento era conseguir fondos monetarios para la organización caricativa Comic Relief, que iba en ayuda de Etiopia.
Esta canción contó con un llamativo videoclip que incluía la participación de varias celebridades, donde destacan Brian May y Roger Taylor de Queen, el músico Shakin' Stevens, el cantautor Shaun Ryder, el periodista Michael Parkinson y la modelo Heather Mills (sí, la ex-esposa de Sir Paul).
La canción logró recaudar cerca de £1.5 millones, que iban directamente a las arcas de esa organización y además hizo que Christie rompiera el record de la canción que mas demoró en legar al primer puesto del UK Singles Chart, ya que tuvieron que pasar casi 35 años para que "(Is This The Way To) Amarillo" lograra llegar a la cima del chart británico. Eso la hizo mas mítica...
Que la disfruten!!!

I'M STILL STANDING / ELTON JOHN

"I'm Still Standing" es una canción del cantautor británico Elton John, que fue lanzada como single un 3 de Julio del año 1983. Además, esta canción fue incluída en su decimoséptimo trabajo musical titulado Too Low for Zero, disco que lo trajo nuevamente a la fama luego de algunos fracasos comerciales y que además contaba con la ayuda de su amigo, el poeta, Bernie Taupin, quien en esta ocasión escribió las letras de todas las canciones que formaron parte de este LP.

Los 80's fueron una década muy importante para la carrera musical de Elton John, pero en sus primeros años tuvo una serie de fracasos comerciales y problemas en su vida privada que hicieron que el cantante pasara por duros momentos. Pero decidió hacer borrón y cuenta nueva para empezar a trabajar en su disco Too Low for Zero a toda "pila".
Lo primero que hizo fue llamar a su amigo y letrista Bernie Taupin para que le ayudara en la composición de todas sus canciones que tenía en carpeta. Después de contactar al poeta, Elton empezó a contactar a sus viejos amigos, con los cuales había trabajado en los 70's, con el fin de volver a la magía musical que le dió tanta fama y buenas críticas.
Pero Elton John no se quedó sólo con eso, además de juntar a sus viejos compañeros, decidió trabajar con el productor Chris Thomas y decidió hacer su base en los famosos Air Studios de Montserrat.

Asi fue como en Octubre del año 1982, Elton y compañia grabaron "I'm Still Standing", una llamativa canción que hablaba sobre el no rendirse ante los problemas que aparecen en la vida en especial cuando se terina una relación amorosa.
Con letra del mencionado Bernie Taupin, esta canción va dirigida a una ex-pareja, en donde se le relata que a pesar de los problemas, las penas y la soledad, la vida no aún no termina y puede volver a caminar por esos mismo lugares que recorrieron juntos con la vista en alto y sin caer en depresiones.
No se sabe si realmente está inspirada en algun problema sentimental de Reginald Kenneth Dwight, pero no hay dudas de que su letra habla de un tema universal, que no está ajeno a ningún ser humano, nos referimos al aprender renovar la confianza en las personas luego de pasar por un momento difícil.

La canción, en su aspecto musical, es una excelente muestra del talento de este artista para crear brillantes melodía que se paseaban por la energía del Rock mezclada con la simpleza del Pop y que se ajustaban a un estilo de musica con el cual Elton John brilló en los 70's. Para lograr ese efecto y esa energía fue muy importante el trabajo de sus amigos Davey Johnstone (guitarra), Dee Murray (bajo) y Nigel Olsson (batería), quienes se acoplaban a la perfección junto al piano y la forma de grabar que tenía este gran artista británico.
Eso sí, muchos periodistas alertaron que esta canción tenía un parecido musical a "Modern Love" de David Bowie y empezaron a alertar un supuesto plagio entre ambos artistas. Semanas después ambos artistas decidieron poner trapos frios al asunto mencionando que las dos canciones fueron grabadas en la misma época y sin conocimiento alguno del trabajo de sus colegas. Con esas frases dejaron que la polémica pasara a segundo plano para que finalmente la gente bailara tranquila ambas canciones.

"I'm Still Standing" se convirtió en el superhit de Elton John y logró que su carrera musical empezara a tomar un nuevo rumbo.
Es que con la llegada del single al cuarto puesto de UK Singles Chart y a la casilla #12 del Billboard Hot 100, el cantautor empezó a recibir nuevas ofertas y suculentos contratos para hacer giras por todo el mundo, y de paso quedó como una de las figuras dentro de la musica ochentera.

Te dejamos esta canción clásica, que dejó a Elton John sonando en todas las radios del mundo y que hoy es un pasaje sonoro a la nostalgia, a esos días que nunca se olvidara.