HAPPY BIRTHDAY / STEVIE WONDER

"Happy Birthday" es una canción del cantante  compositor y arreglista estadounidense Stevie Wonder, que fue lanzada como single en el año 1981 con el fin de promocionar una campaña para convertir en fiesta nacional el natalicio del activista y defensor de los derechos civiles de los afroamericanos, el señor Martin Luther King, Jr.

King nació un 15 de Enero de 1929, y tal como dijimos mas arriba fue uno de los líderes en la defensa de los Derechos Civiles para los afroamericanos. Su mensaje y su discuso se basaba en el mensaje de Jesús ("ama a tus enemigos") y de la metodología de Gandhi (que tiene que ver con la protesta no violenta), de ambas aparece una filosofía de defensa que marcó a todo el pueblo estadounidense y que fue una revolución a nivel mundial y que tuvo un final feliz sin ir al alero de la violencia. Por esta razón, en el año 1964, y con tan sólo 35 años,  King fue galardonado con el Premio Nobel de la Paz y se convirtió en el  destinatario más jóven que se lleva el premio en sus manos.

Cuatro años después, específicamente un 4 de Abril de 1968, King muere asesinado en la salida de su habitación en el Motel Lorraine en Memphis, a causa de unos disparos proporcionados por James Earl Ray. En esos días Martin estaba reunido con el sindicato de empleados negros de una empresa de recolección de basura, que se mantenían en huelga por varias semanas para obtener sueldos dignos y un mejor trato laboral.

Su funerales congregaron a 300 mil personas, hubo duelo nacional y muchos adherentes al pensamiento de King salieron a las calles a protestar, a pedir justicia, a enseñar el mensaje de que unidos y sin armas en las manos el mundo puede ser mejor. Es que fueron mas de 2500 discursos en honor a la paz, casi 10 millones de kilometros recorridos en ayuda de los necesitados y mas de una veintena de intentos de agresión de los que aun demostraban no tener razonamiento alguno, pero esos detalles fueron los que hicieron que Martin Luther King fuera recordado de esa manera y que Stevie Wonder liderara una campaña para que el Gobierno Estadounidense le hiciera un homenaje como se merece este defensor de la Paz, este revolucionario de la verdad y la no violenacia.

Wonder pasó varios meses organizando un show en homenaje a este activista que fue uno de sus inspiradores para seguir una labor social en paralelo con su actividad musical. El objetivo era hacer una gran fiesta musical en Washington el 15 de Enero de 1981 (fecha del natalicio del Martin), con artistas invitados, discursos de activistas y así poder demostrarle al Gobierno estadounidense que muchas personas quieren que se les entregue ese día como el feriado en honor a su líder, en honor a este activista que marcó la historia de Estados Unidos y del mundo entero.

Por esta razón, Wonder se puso manos a la obra y experimentando sonidos y acordes en sus nuevos sintetizadores se puso a escribir una canción en homenaje a King y que a la vez sirviera como himno para acompañar esta noble causa. La canción contiene varias citas de los famosos discurso de King, por ejemplo, la letra está basada en "celebrar la paz en el mundo entero" y contiene un coro donde el homenaje a King ya es de alegría extrema pero necesaria: "Happy birthday to you". Claro, porque para Wonder ese día era un día de fiesta absoluta, donde renacen los sueños de King sobre la no discriminación y el apoyo a los necesitados: "amor y unidad para todos los hijos de Dios".

La canción fue lanzada como single, y en la portada original, aparecía una foto en blanco con la reseña en el nivel centrado que decía: "Martin Luther King, Jr. 15 enero 1929 - 4 abril 1968". En esa portada, se imprime un emotivo mensaje escrito por Stevie Wonder: "Se cree que para que cuando un hombre dá su vida por amor a los demás es eun sacrificio supremo. Jesucristo con su ejemplo nos enseñó que no hay amor más grande que ayudar a los demás. Durante casi dos mil años nos hemos estado esforzando para poder seguir ese ejemplo. Martin Luther King era un hombre que tenía esa fuerza. Él nos mostró, sin violencia, una mejor forma de vivir la vida, basada en el respeto mutuo, que nos ayuda a evitar la amarga confrontación  y el inevitable derramamiento de sangre. Todavía tenemos un largo camino por recorrer para llegar a ese nuevo mundo, que era su sueño. Nosotros, en los Estados Unidos, no debemos olvidar su sacrificioo supremo no debe olvidar tampoco su sacrificio, no debemos olvidar ese sueño".

Cuando llegó el mítico 15 de Enero de 1981, día de la fiesta organizada por Wonder y un grupo de activistas, toda la multitud gritaba a viva voz:"Martin Luther King Day, we took a holiday." Era una fiesta en honor a la paz, donde cada invitado dejó un mensaje en honor a ella y a un mundo mejor, sin guerras, sin odio, sin discriminación por el color ni el status social. Cuando apareció en escena Stevie, este se dirigió al publico con una sinceras y emotivas palabras antes de arrancar con su show: "Como artista, mi objetivo es transmitir el mensaje de que nosotros podemos mejorar la vida y el mundo.Me gustaría pedirles a todos ustedes, sólo por un momento, si es que gustan, estar en silencio y sólo a pensar y escuchar en su mente la voz de nuestro Martin Luther King ".

Esa jornada tuvo un exitoso final, ya que logró que los políticos hicieran presión para crear un feriado en honor a King y a la paz mundial. Por esta razón, un 2 de Noviembre del año 1983,  el presidente estadounidense Ronald Reagan aprobó la celebración de esta fiesta en honor a Martin Luther King, Jr. celebrándose de manera anual cada  tercer lunes del mes de Enero.

Debido a esos típicos trámites, legislaciones, cambios de fechas y toda esa carretera burocrática, el primer feriado se celebró el 20 de enero de 1986, y fue conmemorado con un concierto, donde Stevie Wonder fue el artista estelar donde nuevamente entonó esta canción.

Aunque el single no logró entrar en el Billboard Hot 100, bajo la chapa de R&B, si logró convertirse en un gran éxito en el Reino Unido donde alcanzó  la casilla #2 en las listas en Agosto de 1981.

Que la disfruten!!

MUST BE SANTA / BOB DYLAN

"Must Be Santa" es una canción navideña interpretada por el músico y compositor estadounidense Bob Dylan, que fue lanzada como single en Noviembre del año 2009, promocionando su disco "Christmas in the Heart", su disco número 34, que contiene maravillosas versiones de villancicos e himnos navideños que son tradicionales en Estados Unidos e Inglaterra.

La ganancias de este disco, publicado en Octubre del 2009,  iban en beneficio de la entidad estadounidense Feeding America, también para la fundación "Crisis" del Reino Unido, y para la World Food Programme.

El autor de "Hurricane" ha señalado que la idea de hacer un disco con canciones tradicionales de la época navideña venía desde su época en que era el rey de la música Folk, y, a pesar de ser judío,  nunca se sintió excluído de las fiestas navidadeñas durante su infancia en Minnesota y por esa razón siempre tuvo cierto gusto por esas canciones navideñas.  "Esto es así en todo el mundo y por eso todo el mundo se relaciona con ellas a su manera" comentaría Dylan sobre esta canciones tan particulares y que obviamente contrarrestaban de manera notable con su estilo musical que lo hizo famoso en todo el mundo. Incluso en esa mítica entrevista con Bill Flanagan, el cantautor también señaló cual sería su cena navideña perfecta :"Puré de papas con salsa de carne, pavo asado con nabo, galletas, pan de maíz y salsa de arándanos".

Dntro del disco podemos encontrar una llamativa versión  del clásico navideño "Must Be Santa", que fue escrita por Hal Moore y Bill Fredericks y que fue interpretada  por el cantante, compositor y productor estadounidense Mitch Miller en 1960. La parte musical de esta canción está basada en las famosas canciones festivas alemanas, donde se juega con la estructura de "llamada y respuesta":  "Who's got a beard/That's long and white?/Santa's got a beard/That's long and white."

Aquí fue donde Dylan aprovechó de todo su talento creativo como compositor para darse el gusto de cambiar cierta parte de la letra y con un tono muy irónico mezclar los nombres de los renos de Santa Claus (o Viejo Pascuero, o Papa Noel, o San Nicolás, a gusto de consumidor) con los apellidos de varios ex-presidentes de Estados Unidos: "Dasher, Dancer, Prancer, Vixen/Eisenhower, Kennedy, Johnson, Nixon/Dasher, Dancer, Prancer, Vixen/Carter, Reagan, Bush, and Clinton".

Para la grabación de esta canción, Dylan contó con el apoyo de la banda Brave Combo, una agrupación de músicos, oriunda de Texas , que desde 1979 recorre su país tocando una extraña mezcla de rock con polka.

La historia cuenta que Dylan conoció a esta banda cuando en el 2008 apareció en la producción de su programa radial, el famoso Theme Time Radio Hour, un disco de esta banda. Lo que más le llamó la atención al músico era su interesante interpretación de canciones archiconocidas pero con una base musical bastante llamativa que las alejaba a años luz de las versiones originales. De hecho Bob ha señalado que cuando escuchó la  impactante versión de "Hey Jude"  (a ritmo de cha-cha-cha) fue el momento exacto en que decidió invitar a los Brave Combo a su estudio de grabación para tocar algunas rolas e intercambiar ideas musicales.

El resultado final fue una canción mega-festiva, con un leve toque a ironía navideña que la deja como un clásico para pasarla bien en familia y disfrutar de los regalos, los aguinaldos y los bonos para la clase media.

Hoy es 25 de Diciembre y esta canción cae como anillo al dedo para la celebración...

Que la disfruten!!

FELIZ NAVIDAD!!!

El equipo de HDC les desea a cada uno de sus lectores una feliz Navidad y un prospero año nuevo.

Que sea un momento grato donde esten rodeados de la familia y seres queridos, y que sea un nuevo año recargado de éxitos y buen vivir.

 Abrazo de gol de media cancha para todos! Y sigan echandole un vistazo a nuestor humilde espacio musical...

 Atte. Jimmy Jazz

SATURDAY NIGHT'S ALRIGHT (FOR FIGHTING) / ELTON JOHN

"Saturday Night's Alright (For Fighting)" es una canción del músico inglés Elton John que fue publicada como single un 16 de Junio del año 1973 con el fin de promocionar su séptimo trabajo musicald e estudio, el aclamado  Goodbye Yellow Brick Road.

Este disco doble es considerado por la crítica como uno de los mejores trabajos de Sir Elton John, y eso queda más que claro con los casi 91 millones de copias vendidas en todo el mundo, lo cuál es otro de los récords de este gran artista británico.

Es que este trabajo musical trae un repertorio muy sólido y lleno de melodías clásicas en una etapa muy fructífera para el músico y su letrista,  el aclamado Bernie Taupin, con quien tenía una rutina de trabajo bastante llamativa y la cual consistía en encerrarse por varias semanas creando y arreglando nuevas canciones con el fin de tener un material casi perfecto a la hora de grabar.

Además, con este trabajo musical empezaba algo así como la "Eltonmanía", que sería condecorada con el paso de los años, por la prensa, al ser elegido el artista mas popular de los años 70's.

La idea original de este proyecto era grabar el disco en Jamaica, pero por motivos políticos (la situación económica y gubernamental del país estaba por los suelos en ese entonces), y también tecnológicos (los estudios de grabación nos contaban con mesas de sonido de calidad, mezcladoras y todo lo necesario para un disco de esta calidad) hicieron que Elton y su tropa de músicos tuvieran que volver a Inglaterra y de ahí empacar nuevamente rumbo a Francia para grabar y termianr el disco en el Chateau d'Hierouville.

Pero durante su estadía en tierras de Bob Marley, Elton y Bernie Taupin se dieron el lujo de terminar una canción que tenían pendiente desde hace semanas y antes de tomar el vuelo.  Esta canción llevaba por título "Saturday Night Alright for Fighting", y era un primer intento de hacer un rock and roll al mas puro estilo británico, o sea con aroma a The Who y a Rolling Stones. Es que hasta ese entonces, Taupin y Elton John sólo se dedicaban a imitar el rock and roll estadounidense y tenían en cuanta que tenían una deuda muy grande con el rock local, el de su tierra natal.

Para esta canción Taupin escribió la letra basándose en su etapa de adolescencia cuando frecuentaba, en esos eternos fines de semana, diversos bares de los suburbios del puedo de Market Rasen, donde las peleas callejeras eran ya una costumbre para cerrar los locales nocturnos.

Como pueden leer, en esta ocasión Taupin no escribía sobre amor, ni sobre las cosas que le pasaban a Elton en ese entonces ni tampoco sobre la cultura norteamericana, sino que esta vez era sobre el Reino Unido, y su lado oscuro pero a la vez momentos inolvidables para él.

Una vez que le presentó la letra y la idea musical a Elton John, este decidió ponerse manos a la obra en escribir una parte musical ligada el Rock en estado puro y al Glam, que por ese entonces era furor en la escena musical.

Durante su estadía en Jamaica, Elton y su banda grabaron parte de esta canción en los improvisados estudios de grabación que habían arrendado en Kingston. En esa sesión grabaron esta rola bajo el título "Saturday" y el resultado final fue desastroso en tono altos y demandantes. "Sonaba horrible, como si hubiese sido grabada en un radio transistor" comentaría Elton en una entrevista años después. Lo que si queda para el anecdotário de esa experiencia  era que esta fue la única canción que alcanzaron a grabar antes de arrancar a su tierra al ver que todo iba de mal en peor.

Una vez que empezaron a re-grabar el disco en tierras francesas, nuevamente Elton y Bernie tomaron la canción y la volvieron a grabar y a hacerle uno que otro arreglo a la música. Es que el pianista en el fondo era un rockero ciento por ciento, que amaba los riffs y el desenfreno de mover melenas, romper barreras y ser el mejor de mundo arriba del escenario. Y en esta canción se nota, y el detalle que saca chispa es el furioso y potente riff de guitarra creado por Elton donde deja marcada la cancha para los futuros rockers. "Es uno de los mejores riffs de  guitarra estridente" declararía Taupin años después.

Es que en esta ocasión Elton decidió grabar las voces sin estar sentado frente a su piano, sino que de pie y disfrutando la base rockera que ya tenían grabada y depurada su banda, formada en ese entonces por: Leslie Dee Murray en bajo, Davey Johnstone en guitarras y Nigel Olsson en batería. De esa manera se dio el tiempo de sentir la canción como si la estuviera cantando frente a miles de personas y de rescatar toda la energía acumulada para darle un toque especial a esta canción, osea tal como lo dijo en una entrevista: "Quería volverme loco".

Tras eso, Elton pescó su piano y grabó sobre la base una energética interpretación que le dá mas color a la rola y a la vez le dió una nueva técnica para grabar a futuro y darle mayor importancia a su interrpetación vocal, en la cuál demuestra un talento impresionante. A pesar de esto, para Elton John el proceso de grabación de esta canción fue duro y complicado, ya que encontrar ese sonido furioso, y una interrpetación vocal adecuada no fue tarea fácil.

Una vez que la liberaron como single promocional,  "Saturday Night's Alright (For Fighting)" tuvo cierta polémica tras no ser incluía en la parrilla programática de varias radios británicas por el hecho, o el supuesto, de que incitaba a la violencia. Pero todo eso se iría a la punta del cerro el 7 de Julio de 1973, que fue la fecha exacta en que la canción escaló hasta el puesto #7 del UK Singles Charts, donde se mantuvo por casi 9 semanas dentro del Top Ten.

Un mes después, la canción entraría en el puesto #12 del Billboard Top 40 y dejaba en claro que el éxito era rotundo...

Que la disfruten!!!!!!!!!!!!!!!

WALK WITH YOU / RINGO STARR

"Walk with You" es una canción del cantante, compositor y baterista Ringo Starr, que fue lanzada como single un 22 de Diciembre del año 2009 promocionando "Y Not", el decimoquinto disco de estudio del ex- Beatle en calidad de solista.

En este trabajo musical, que fue publicado en Enero del año 2010, Ringo no sólo se dedicó al canto, las percusiones y los sintetizadores sino que también tuvo un destacado rol en la producción, y eso lo dejaba con verdadera libertad de hacer lo que quisiera con su nuevo repertorio.

La historia de este disco empieza el año 2008, cuando el músico se encontraba en su casa en Los Ángeles, California. Fue un año en que Ringo quería probar nuevas cosas para su carrera musical, y empezó, como si fuera un juego, a grabar diversos demos y a componer bajo muchos estilos con el fin de llegar a algo serio y bien trabajado. Con el paso de los meses, el baterísta se fue dando cuenta que el material que tenía creado hasta ese entonces no era "tan malo" y que con la ayuda de uno que otro amigo el proyecto de un nuevo disco podía salir a flote.

Uno de los tantos amigos de Ringo que llegaron a ayudar en este disco fue  Van Dyke Parks, un músico talentoso, y además de un gran curriculum como compositor, arreglista, productor y actor estadounidense. Dentro de la amplia gama de artistas que han pedido ayuda o colaboración a este música oriundo de Hattiesburg, Mississippi podemos encontrar a Brian Wilson (colaborando en el proyecto "Smile"), Phil Ochs, Grace Kelly, Delaney Bramlett, The Byrds, Harry Nilsson, Silverchair, Keith Moon, Frank Zappa entre otros.

Parks colaboró con una canción que tenía un estilo bastante raro para lo que tenían en mente. Era una canción que llevaba por título "Walk With You", y que tenía cierto aroma a gospel, o música religiosa. Ni a Ringo ni al propio autor le gustó esa idea final, ya que encontraban desastroso escribir sobre Dios si ellos ya eran unos pecadores profesionales (?). Cambiaron ciertas partes de la partitura original, pusieron una que otra cinta nueva, arreglaron nuevos detalles a la armonía  ya apareció una canción que ya no hablaba de una fe  ni de un camino celestial sino que era un himno simpático a la amistad.

Pasaron los días, y en los días iniciales de Febrero del 2009, Ringo recibe una noticia que lo dejó muy contento. Paul McCartney iba a viajar a Estados Unidos ya que estaba invitado a la entrega de los premio Grammy en el Staples Center. Era un buen momento para que los dos Beatles se juntaran un rato en el estudio para hacer música, conversar y quizás grabar algo.

Por esos días Ringo estaba trabajando una canción llamada "Peace Dream", que estaba inspirada en el mensaje de paz y amor que divulgaba por todo el mundo John Lennon y no era mala idea que apareciera McCartney en los créditos cantando y arreglando algunas cosas de la rola.

Finalmente Ringo llamó a su compadre para hacerle una invitación a su casa y para que le eche un vistazo a su nuevo trabajo musical que ya estaba en el horno. "De ahí somos!" le respondió McCartney.

"Vino con su bajo, lo que era una buena señal", contaba Starr a la BBC en el 2010, y además agregó que cuando le presentó la canción "Peace Dream", Paul le dijo: "Claro que la tocaré".

Tras grabar esa canción, ambos músicos se pusieron a conversar y disfrutar del resto del repertorio que tenía Ringo casi listo en esos días.

Fue en ese momento cuando Paul escuchó la base de "Walk with you" y tras su término, este le dijo a Ringo: "Dame un par de auriculares y pone de nuevo esa pista. Quiero hacerle un retoque'". Fue de esa forma en que Paul decidió poner su voz en el coro y además se dio el lujo de crearle una nueva línea de bajo. "Él creó una base de fondo que armonizó la canción e hizo que el estribillo sonara tan bien", explicaba Ringo durante la promoción del disco y agregaba que ese detalle " fue un sello netamente distintivo de McCartney, y no puede haber algo mejor. Es un genio”. Mientras que Paul declaraba a un medio estadounidense que:" Ringo me dijo: 'Probablemente no te guste esto, pero te voy a mostrar lo que tengo hecho. Y como a él le gustaba, terminamos cantando algunas armonías. Es genial trabajar con él. Él siempre ha sido un grande y siempre lo será"

Esta es la primera y quizás la única canción en donde dos ex-Beatles cantan a dúo, lo cuál la deja como pieza histórica para los fanáticos de esa emblemática banda de Liverpool que conquistó el mundo y le puso la banda sonora a toda una generación.

Que la disfruten!!!!

DRIVING HOME FOR CHRISTMAS / CHRIS REA

"Driving Home for Christmas" es una canción del músico británico Chris Rea que fue lanzada como single en Diciembre del año 1988 y que esta incluida en el compilado "New Light Through Old Windows" (Octubre de 1988).

Rea destaca en el mundo de la música por su agradable fusión del rock, el pop y el Blues y a eso también le agrega ciertos toques de gospel, soul y música tradicional irlandesa. También se ha dado el gusto de experimentar con la música electrónica pero sin dejar de lado su pasión por la técnica de la guitarra slide. Esa amplia gama de estilos lo hacen merecedor de innumerables buenas críticas y de ser una influencia para muchos otros artistas que han visto en su música un camino a la inspiración.

Pero este artista no se queda ahí, ya que también ha desarrollado sus facetas de pintor, productor, compositor y además es un fanático de las carreras automovilísticas y de los Ferrari's.

1988 fue un año donde la cosecha del éxito de los discos anteriores empezó a dar inicio a una buena primavera monetaria para este prestigioso músico.  En ese año Rea decide empezar a re-mezclar sus antiguos hits con el fin de ponerle la mano verdadera con la cuál estaban pensados en los demos y dejar de lado todo ese toque comercial que le impregnaron los productores de ese entonces para darle un giro a su carrera musical. Pero Chris no se quería sólo dedicar a eso, y pensando en las fiestas de fin de año y en su fanaticada decidió grabar unos temas inéditos para darle otro nuevo aire al disco compilatorio que tenía en mente.

Uno de esos temas inéditos que tenía en carpeta era una especie de "villancico automovilístico" que había escrito un par de años atrás cuando iba junto a su esposa en su Austin Mini rumbo a su hogar, en Middlesbrough tras un viaje a Londres. En ese entonces era mas barato ir a Londres en auto que en tren, lo cuál significaba quizás mas esfuerzo, por la situación de las carreteras, pero un gasto menos para el bolsillo de la gente. Y Rea lo lo sabía muy bien, y cuando ya estaban en la mitad del viaje los pilló un taco de esos casi interminables, y mientras esperaban salir de eso el compositor tuvo la idea de escribir una canción sobre carreteras y la fiesta de Navidad.

De esa manera el músico decide grabar y arreglar una canción llamada "Driving Home for Christmas", la cuál fue lanzada como single en Diciembre y en pocas semanas ya lograba entrar al  puesto  #53 del UK Single Chart, y a pesar de no poder entrar al Top Ten, la canción se ha convertido hasta ahora en uno de los clásicos navideños anglosajones. Esto queda al descubierto cuando de manera sorpresiva, en el año 2007, y quizás por el uso en varios spots publicitarios, la canción vuelve a retomar fuerzas y lograr llegar al puesto #33 en el UK Singles charts, dejando en claro que nunca ha quedado en el olvido.

Pero dos años después de esa sorpresa, la canción vuelve a estar en la palestra y esta vez por una causa muy particular. Resulta  que Rea cedió todos los derechos de la canción en apoyo a la organización benéfica "Shelter", que tiene como objetivo poner fin a la falta de viviendas para la gente de escasos recursos en Inglaterra y Escocia. Esta organización, fundada el 1 de Diciembre de 1966, se preocupa de dar asesoramiento, información y apoyo a las personas necesitadas mediante un grupo de profesionales que tienen como misión convencer a las autoridades gubernamentales y locales para crear y elaborar nuevas leyes y políticas de Estado para mejorar  la calidad de vida de las personas que se encuentran en una situación económica muy deplorable.

Sobre esta decisión de brindar apoyo a esta entidad de ayuda, Rea declaró en la Radio BBC en ese 2009:  "Yo quería hacer algo especial para esta Navidad y qué mejor  que ayudar a que mucha gente que no tiene un techo donde vivir, y que lo necesitan de manera urgente. Con esto de asociarnos con Shelter esperamos poder marcar una diferencia".

Para la promoción de la canción, se realizó un llamativo videoclip que contaba con un puñado de estrellas de televisión que eran muy populares en tierras británicas en ese entonces. Entre los que participaron en este videoclip de la canción podemos destacar al actor Martin Shaw, al presentador y periodista Mike Read, al animador Kristian Digby, a la también animadora y modelo Lizzie Cundy, al cantante Kenny Thomas, a la cantante Carol Decker entre otros más.

Para Louise Parkes, director de "Shelter", el haber elegido esta canción para recaudar fondo era algo muy especial ya que "es una clásico en Navidad y resume perfectamente lo importante que es tener una casa propia en esta época del año". Además agregaba en esa entrevista con la BBC que "para miles de familias de todo el Reino Unido, la Navidad se gasta en arriendos o vivienda que están húmeda, en hacinamiento o en mal estado. Lo cuál es muy caro y además viven con el miedo de que a futuro aparezca un embargo o desalojo y los deje en la calle".

La campaña fue todo un éxito en el Reino Unido, ya que la canción tuvo casi medio millón de descargar y fue vital a la hora de hacerles realidad a muchas familias ese sueño de una casa propia.

Como pueden leer, una canción no sólo es para marcar una época, un momento o un episodio del tiempo sino que también puede ser motivo de ayuda, de hacer pensar y ser el reflejo de una ayuda importante en estas fechas donde todo es consumismo, donde todo es dinero y los sentimientos pasan casi siempre a segundo plano.

Que la disfruuuuuteeeen!!

CHRISTMAS TIME (IS HERE AGAIN) / THE BEATLES

"Christmas Time (Is Here Again)" es una canción de la banda británica The Beatles que fue lanzada como single un 4 de Diciembre del año 1995 acompañando como lado B a "Free as a Bird".

Era casi una costumbre que en los 60's muchas bandas aprovecharan la época navideña para publicar discos con reversiones de villancicos populares o canciones originales influenciadas por la nieve, las luces, el arbol de navidad y todo lo que rodea a estas fiestas de fin de año. Así fue como varias bandas, donde podemos destacar a los The Beach Boys y The Four Seasons, lanzaban como single canciones con aroma navideño para lograr buenas ventas en la cola del año. A pesar de esa estrategia comercial, The Beatles nunca tomó esa opción y solamente se dedicaba a lanzar una limitada cantidad de discos con mensajes navideños, bromas y una que otra improvisada canción navideña sólo para su fanaticada a modo de agradecimiento por su apoyo constante y su extrema "buena onda".

La historia de esta canción empieza el 27 de Noviembre del año 1967, que fue la fecha exacta en que The Beatles grabó esta canción navideña y cuya autoría recaía en todos los integrantes de esta prestigiosa banda.

En esta canción los cuatro Beatles se encargan de la voz principal y además cuenta con la participación del productor George Martin en voz junto al actor galés Victor Spinetti. Este ultimo era uno de los mejores amigos de la banda e incluso participó en las cintas "A Hard Day's Night", "Help" y "Magical Mystery Tour".  Como joyita, podemos mencionar que quien lo invitó a participar a la primera película de The Beatles fue nada mas ni nada menos que George Harrison. La razón por la cuál fue invitado por el guitarrista a participar de la cinta fue cuando este se acercó al comediante y le dijo: ''Tienes que estar en todas nuestras películas o mi mamá no irá a verlas, porque le encantas''.

Dentro de la canción Spidetti hace un dúo de claqué con Ringo Starr y además forman parte de las parodias, bromas y anuncios publicitarios falsos que pasan en la parte intermedia de la canción como puente a los coros. La canción casi era una sesión improvisada donde cada uno de Los Beatles mostraba su ironía y su buen sentido del humor a la hora de compartir un momento grato en homenaje a sus fans.

Para muchos criticos  esta canción demostraba la unidad que tenía la banda en esos momentos, y la cuál se iría a las "pailas" un año después cuando los conflictos personales, las rencillas y los malos ratos afloraron en el camino de la banda mas influyente del rock.

Finalmente la canción tuvo una duración de casi siete minutos, donde las bromas, los insultos y la ironía eran la chapa esencial de esta canción. Todo termina de una manera muy rara con uno de esos poema sin sentido de marca John Lennon, quien lo narra bajo una versión de la famosa canción escocesa "Auld Lang Syne" a puro órgano.

En la grabación de esta rola John Lennon tocó el bombo y cantó, mientras que Paul McCartney aparte de cantar tocó el piano. En la guitarra acústica estuvo George Harrison, quien también estuvo en la voz principal al igual que Ringo que aparte de bailar tap también estuvo detrás de su batería.

El 29 de Noviembre la canción se editó y a la semana fue enviado a cada integrante del fans club oficial de la banda en formato flexi- disc. Posteriormente, en el año 1970, la canción fue incluída en el disco recopilatorio "The Beatles' Christmas Album", que era nada mas que los mensajes y canciones navideñas que la banda le había hecho a su fanaticada desde el año 1963 hasta 1969. Obviamente este disco sólo fue publicado para los fans club oficiales.

Pero en el año 1995, y aprovechando el lanzamiento de la inédita " Free As A Bird", se decidió que como lado B tenía que ir esta canción ya que justo caía de perillas para todo el amiente navideño. En esta ocasión se usó una versión editada, de tan sólo 3 minutos, donde se borran las risas, los insultos y harta parte del relleno para incluir mensajes navideños de cada integrante de la banda que fueron grabados en el año 1966.

Que la disfruten!!

LIVE FOREVER / OASIS

"Live Forever" es una canción de la banda inglesa Oasis que fue publicada como single un 8 de Agosto del año 1994 y que está incluida en el disco "Definitely Maybe", que marcaba el debut en las pistas de esta banda que hizo historia en la década de los 90's.

"Definitely Maybe" es un disco lleno de sorpresas (y que demuestra todo el talento en composición de Noel Gallagher), y que a pesar de ser el primero de la banda es bastante sólido en su repertorio y muestra influencias básicas de The Beatles, pero también demuestran un fanatismo por los Stones Roses, T.Rex y David Bowie e incluso toman ciertos legados de la psicodelia.

Guitarras furiosas, textos interesantes y a ratos de una simpleza sorprendente, son la mezcla perfecta para que esta banda empezara con un buen puntapié inicial y empezara a pintarla historia de manera espectacular.

La historia de esta canción empieza en el año 1991, cuando Noel trabajaba en una empresa del rubro de la construcción y además era "roadie" de la banda  de rock alternativo Inspiral Carpets. Tras sus extensas jornadas de laburo puro, Noel se daba tiempo para escribir canciones en su pequeño departamento que tenía en Manchester. Eran canciones que buscaban un camino, eran canciones que esperaban algún día ser tocadas en vivo, aunque sea en un bar o en la banda que tenía su hermano, Liam, llamada The Rain.

Una de esas canciones que tenía en carpeta Noel era "Live Forever", que estaba inspirada en la "rola" de los Rolling Stones llamada  "Shine A Light" y que aparece en uno de los disco favoritos del compositor y cerebro creativo de Oasis: el "Exile On Main Street".

Pero la canción recién sería presentada e interpretada en vivo en los míticos ensayos de la banda en el año 1993, cuando pasaron de ser The Rain a tomar el nombre de uno de los locales donde The Beatles tocó por primera vez en Manchester allá por el año 1962: Oasis.

Cuentan testigos de esas sesiones que Noel le presentó la canción al resto de la banda y que en menos de una hora ya la estaban ensayando y arreglando, y que a la noche la incluyeron en su repertorio musical cuando fueron a tocar a un bar.

La versión oficial de la canción fue grabada en el año 1994 en los Clear Studios, Manchester, y contó con la producción de Owen Morris, quien también trabajó en la mezcla de "Definitely Maybe". En el año 2008, y en la misma entrevista de la Q Magazine, declaraba: "Cuando escuché a Noel cantar "Live Forever", se me vino a la mente la imagen de Slash, con chaqueta de cuero, sobrevolando el Gran Cañón. Es que me dejó mudo esa interpretación y la sentía muy fresca... Decidí que siguiera cantando, y toda esa energía la capturé en la mezcla final".

La letra de la canción es un homenaje de Noel Gallagher a su madre, Peggy, y el toque especial de esto viene dado en la frase inicial: "Maybe I don't really want to know/ How your garden grows", que está inspirada en el gusto de su madre por la jardinería y además por el hecho de que cuando los hermanos Gallagher eran unos niños, siempre esperaban con ansias a su madre observando ese hermoso jardín que daba la bienvenida a su morada.

Sobre esta temática, Liam declaró en la Q Magazine, en Octubre del 2008, que "Live Forever" es su canción favorita dentro del extenso repertorio de la banda y además agregó que "cada palabra significa algo poderoso para mí. Captura ese espíritu especial que tenía Oasis, y creo que esa el la razón por la cuál  una gran cantidad de personas sienten esa misma atracción por ella como cuando nosotros la escuchamos por primera vez en Boardwalk, Manchester en voz de Noel, en la famosa versión demo".

Pero el menor de los Gallagher también da sus razones por la cuál es su favorita en esa entrevista, mencionando que: "Cada vez que la interpretamos siento que tenemos que hacer la mejor versión. Me hace pensar en mi madre cuando la canto y eso me hace sentir que tengo el mejor trabajo dentro de la banda. Puede que no sea mía  pero yo la canto. Es por esa razón que supera a muchas otras canciones."

En la etapa de promoción del disco, y aprovechando el optimismo de esta canción, Noel Gallagher explicaba ciertos contrastes entre la banda y la tristeza y rabia del grunge, a pesar de que se declaraba un fanático de Nirvana: "Fue escrita en medio del grunge y toda esa mierda, y recuerdo que Nirvana tenía una canción llamada "I Hate Myself and Want to Die", y yo pensaba... "Bueno. Yo no acepto eso". Por mucho que me guste él (Cobain) y toda esa mierda, yo no acepto eso. No puedo aceptar gente como esa vaya por ahí, drogados, diciendo que se odian a si mismos y que quieren morir. Eso es basura. Los niños no necesitan estar escuchando esas tonterías".

"Live Forever" fue todo un éxito en el Reino Unido (#10), no así en los Estados Unidos, donde ni siquiera logró entrar en las listas. A pesar de eso, y según una encuesta realizada por el sitio oficial de la banda, en el año 2008 los seguidores votaron por esta canción como la "mas popular de la banda".

Cabe señalar que la portada del single contiene la foto del hogar de infancia de John Lennon, ubicado en la 251 Menlove Avenue y que fuera comprado por Yoko Ono, quien la donó  a la National Trust.

Una canción memorable, clásica y que marcó el soundtrack de muchas vidas!

Que la disfruten!

CLEANUP TIME / JOHN LENNON

"Cleanup Time" es una canción del músico británico John Lennon que fue publicada dentro del disco  Double Fantasy, publicado un 17 de Noviembre del año 1980 y que sería el ultimo disco en vida de este artista que revolucionó al mundo primero con The Beatles y luego con una carrera solista que dejó varios himnos musicales y un mensaje mundial sobre paz, amor y un rotundo no a las guerras.

En el año 1975 y tras el nacimiento de su hijo, Sean, Lennon decidió tomar un descanso y colgar en la pared la guitarra para dedicarse ciento por ciento a su familia y además para pasar mas tiempo con su hijo Julian, con el cuál quería limar muchas asperezas y volver a demostrarle que la figura paterna estaba siempre ahí.

Cinco años tuvieron que pasar para que por fin Lennon decidiera volver a la música y ponerse manos a la obra con un nuevo disco. Era 1980, una década de cambio de energías, que traía a John con el alma renovada y con las ideas claras de contarle al mundo que a pesar de todo, él estaba bien. Este disco se llamó "Double Fantasy" y fue producido por Jack Douglas, y  que incluía magníficas canciones como     "(Just Like) Starting Over", "Woman", "I'm losing you", "Watching the wheels" o "Dear Yoko".

Hoy, cuando se cumplen 32 años sin Lennon en la tierra, queremos hablar de una de las canciones que también marcó el tracklist de este discazo, nos referimos a "Cleanup Time", que fue escrita por el ex-Beatle en Junio de 1980 durante sus vacaciones en las Bermudas. Segun cuenta el artista, en varios medios de comunicación, en esas vacaciones familiares tuvo tiempo para todo, incluso para terminar las nuevas canciones que tenía en carpeta para el proyecto musical que estaba listo para empezar a ser grabado en Nueva York. Una de las últimas canciones que aparecieron en esa etapa fue "Cleanup Time" y "(Just Like) Starting Over".

"Ambas fueron escritas cuando suponía que tenía todo listo el trabajo. Eran algo así como un tipo de vino. De esas cocas que nacen mientras te diviertes sabiendo que el trabajo estaba terminado  declararía John en 1980.

El origen de esta canción vino tras una conversación telefónica entre John y el productor Jack Douglas durante su estadía en las Bermudas. "Estuvimos hablando de los años 70's, y otras cosas. Comentábamos sobre los excesos de drogas y alcohol y cosas por el estilo- no específicamente sobre mi vida personal, sino que sobre la gente en general. Entonces él me dijo "Bueno, esta bien una limpieza temporal" y yo le contesté que "Claro, asi es". Y tras terminar la conversación me sentó al piano y empecé a escribir. De ahí sale "Cleanup Time"" comentaría John  Lennon en 1980 en una entrevista con David Sheff.

 Tras su regreso a Nueva York, Lennon empezó a grabar varios demos caseros de esta canción en un piano. donde destaca mucho el proceso de la letra de la canción. la cuál hace referencia a su vida hogareña, del cuidado de sus críos y el tener a una mujer  a su lado a pesar de momentos duros como el comentado "Lost Weekend" y los excesos de drogas, alcohol y mañas en general.

En la canción Lennon se refiere a Yoko Ono como una mujer astuta, que lo guia y que es su mejor complemento en la vida. De hecho, el músico siempre mencionaba que en esta canción él le rendía un homenaje a su mujer y a su pequeño Palacio de Versalles: El Dakota. Recordemos que en ese tiempo la encargada de todas las cuentas y finanzas era Yoko. Ella era la que mandaba en ese terreno y la que negociaba los contratos con el fin de que no se les escapara ningun "billetito" y cortar bien el "queque".  De esa manera evitaban ser estafados y Lennon simplemente se dedicaría a tocar, cantar y seguir escribiendo hits.

El 13 de Agosto de 1980 fue la fecha exacta en que Lennon grabó la parte instrumental de esta canción. En esas sesiones lo acompañaron Earl Slick y Hugh McCracken en guitarras,  Tony Levin en el bajo,  George Small al piano. Mientras que Andy Newmark estuvo a la batería y Arthur Jenkins en percusión.

Mientras que el 5 de Septiembre fue el momento en que Lennon decidió grabar una parte con bronces, los cuales estuvieron a cargo de ,  Howard Johnson, Grant Hunderford, John Parran, Seldon Powell, George 'Young' Opalisky, Roger Rosenberg, David Tofani y Ronald Tooley.

Quince días después, cuando la base instrumental estaba en un ciento por ciento, Lennon grabó las voces, coros e hizo algunos arreglos.

Uno de los detalles musicales que destacan en esta canción es la genialidad con que Lennon y Douglas lograron hacer que los bronces se confundieran o se mutaran con una frase repetitiva que decía

'Got to clean up, clean up.' Según el ingeniero encargado de esas sesiones, el señor Lee DeCarlo "En esta canción hicieron algo parecido a lo utilizado en "Bohemian Rhapsody" de Queen donde las voces que suenan de fondo se hicieron con un vocoder. La técnica utilizada es tocar un sintetizador, cantar en un microfono adaptado a este y luego recoge las características de los acordes y los convierte en voz. En este caso, en la canción, los trompetistas fueron grabados de esa forma y luego lo convirtieron en voces".

Una canción más dentro del extenso catalogo musical de este músico que marcó la historia del siglo XX. Ya son 32 años años sin Lennon, ya son 32 años donde queda demostrado que el sueño nunca ha terminado. Gracias Lennon! Gracias a la música!

Que la disfruten!

SAVIOUR'S DAY / CLIFF RICHARD

"Saviour's Day" es una canción del cantante británico Cliff Richard, que fue lanzada como single en Noviembre del año 1990.

Para la historia del rock and roll y del Pop del Reino Unido, Richard es uno de sus pilares fundamentales, un pionero a la hora de hablar del tema ya que sus intervenciones a finales e los 50's con la banda The Drifters (que no tiene nada que ver con el grupo estadounidense del mismo nombre) y posteriormente con The Shadows, lo dejaron en la cresta de la ola de la popularidad y fueron influencias  para muchos artistas que venían por detrás buscando nuevas experiencias musicales inspiradas en el rock and roll. La carrera musical de este cantante y guitarrista está marcada por atravesar los nuevos estilos de baile, los raros peinados nuevos y las nuevas generaciones reinventandose de manera extraordinaria y bastante llamativa. Eso queda más que claro cuando se escuchan clásicos como "Living Doll", "Travellin' Light", "Please Don't Tease" o "The Young Ones".

Todo artista, sin depender su escala de fama, siempre se da la oportunidad de ganar más dinero, más éxito o también revitalizar su carrera con un clásico navideño. Aprovechando las fiestas, el ambiente de alegría, las promociones, la etapa de regalos y todo lo que rodea a este periodo final de año, siempre una canción navideña es bienvenida para la fanaticada.

Eso era lo que tenía en mente el compositor Chris Eaton, a mediados de Octubre del año 1989 cuando dio por terminada una canción con aires alegres y un mensaje de paz, amor y solidaridad para renovar el espíritu en época navideña y que de seguro llamaría la atención de Cliff, que era un tipo aferrado al cristianismo desde el año 1966.

Cabe señalar que Eaton ya había trabajado junto a Cliff, cuando este le cedió las canciones "Lost in a Lonely World" y "Summer Rain" para el disco Wired for Sound, lanzado en el año 1981.

Aprovechando una fiesta de fin de año, organizada por el sello discográfico de Cliff, Eaton decidió llevar una cinta con el demo de la canción para poder enseñársela al cantante. Antes de entrar a la fiesta, uno de los productores del artista ya le había dicho al compositor que el proyecto musical de Richard para finalizar 1989, llamado "Stronger", estaba listo y ya no se podían incluir mas canciones, y menos a ultima hora, ya que eso podía repercutir en el tracklist y los estilos musicales que este traía.

Pero el compositor fue "catete" e hizo caso omiso al productor y decidió ir directamente a hablar con Cliff Richard para que este le diera el visto bueno a la canción. Cuando logró su objetivo, Cliff lo atendió de manera amena y decidió escuchar las cintas en casa, pero Eaton lo instó a escucharla de manera inmediata, que buscaran un reproductor de cinta en alguna oficina. Finalmente, el "caset" con la demo de la canción fue a parar al Roll Royce del cantante, donde ambos la escucharon y al final tomaron decisiones importantes. "Me gusta bastante la canción. Creo que puede llegar a los primeros lugares" fue el comentario de Cliff  tras escuchar la cinta. La canción se llamaba "Saviour's Day"  y sería recién grabada entre el 16 y el 23 de Julio de 1990 en los R.G. Jones Recording Studios, en Wimbledon, cuando el cantante preparaba un disco en vivo de uno de sus conciertos más épicos en el estadio Wembley.

Finalmente, la canción tuvo su salida como single en Noviembre de 1990 y fue apoyada por un emotivo videoclip grabado en el famoso Durdle Door, en Inglaterra.

Una vez que fue lanzada como single, las buenas noticias empezaron a llegar a partir del 8 de Diciembre, cuando se supo que la canción ya estaba en el sexto puesto de UK Singles charts. Y cuando ya quedaba menos de una semana para Navidad, la canción ya estaba en la tercera casilla de ese chart y ya era condecorado como éxito absoluto. Pero la canción haría historia el 29 de Diciembre, cuando por fin pudo escalar hasta la posicion #1 y dejó a Cliff Richard como el primer artista en lograr tener números unos en 4 décadas diferentes.

"No se puede superar este número uno. Este fue mi primer número 1 de los 90's, y fue una etapa donde nunca me dí por vencido pese a que no tenía tanta promoción como antes. Eso lo hacía mas difícil, ya que las estaciones de radio recien tocan este tipo de canciones unas semanas antes de Navidad, por lo tanto tenia poco tiempo para estar en el aire. Creo que hemos perdido esa conexión que teníamos antes la radio y el artista. La radio se ha olvidado de nosotros"  declaró Cliff Richard en Noviembre del 2008 al Daily Mail.

Una canción que marcó la jornada navideña del año 1990 y que se convirtió con el paso de los años en una pieza clásica de ese género musical tan criticado a veces por los "especialistas", pero que tiene ciertas particularidades que las hacen entrar en este blog.
Que la disfruuuuteeeeeen!

YOU'RE IN MY HEART (THE FINAL ACCLAIM) / ROD STEWART

"You're in My Heart (The Final Acclaim)" es una canción del cantante y músico británico Rod Stewart que fue publicada dentro de su octavo disco, el comentado Foot Loose & Fancy Free, publicado en Noviembre de 1977.

Tras los exitosos  Atlantic Crossing y A Night on the Town, Rod intentó repetir la fórmula en su octavo trabajo discográfico de estudio, y simplemente el resultado no fue como esperaba desde un principio. No estaba en sus planes recibir tantas crítica y salvó el honor gracias a la seguidilla de buenos singles y al respaldo que aún le entregaban la fanaticada a su carrera musical que pasaba por una buena primavera en ese entonces. El repertorio musical fue algo muy criticado por la prensa, que consideraba que el disco simplemente era un "relajo" o quizás hasta una broma de mal gusto vociferaban algunos. Es que canciones al estilo de "Hot Legs" sonaban fuera de tono, y no tenían nada que ver con lo que venía mostrando el artista. Para su suerte, las baladas jugaban aún  a su favor y una de las que salvó la caída repentina fue la simpleza y la honestidad de "You're in My Heart (The Final Acclaim)".

La historia de esta famosa balada empieza a mediados del año 1977 cuando Rod cae en una profunda depresión tras el término de su relación amorosa con la actriz sueca Britt Ekland. Ambos se habían conocido en el año 1975 gracias a unos amigos en común, y a partir de ese día no se separaron y decidieorn incluso vivir juntos. Los flashes, las camaras y la prensa rosa tenían sus cañones listos para saber de todo sobre la relación del cantante y la que fuera chica Bond en "The Man with the Golden Gun" (1974). La relación iba en viento en popa, porque el cantante pasaba por un gran momento profesional, y su novia había dejado muchos proyectos para poner toda la carne en la parrilla (?) en su relación amorosa y así lograr ser algo tan parecido a John Lennon y Yoko Ono. Lamentablemente  los excesos, las giras, los malos amigos hicieron que la relación amorosa sufriera su decaimiento en 1977, años en que decidieron poner fin a su relación de manera definitiva.

En su libro, "True Britt" (1984), la actriz menciona un episodio que trae a la vista el nacimiento de esta canción. En esas páginas, Britt menciona que una mañana ella despertó y vió a Rod sentado en su escritorio escribiendo una canción. Ella notó que el músico había pasado la noche en banda creando nuevo material para su disco, y cuando le intentó increpar esa actitud, el músico simplemente le cantó  "Tú estás en mi corazón, tú estás en mi alma."

Este fue el motivo esencial para la canción, la cuál traía a un Rod honesto, casi en todo de agradecimiento a esa mujer que lo hizo feliz y que quizás nunca olvidaría (aunque eso pocos se la creyeron...).  "No habla totalmente sobre Britt ... podría también tener algo de alguna persona que estaba conociendo en ese entonces. No sé, hay varias cosas en esa canción" mencionaría el músico a la BBC en los 90's.  Y es cierto, dentro d ela letra de la canción encontramos varios detalle y algunos bastantes llamativos. Por ejemplo cuando  habla de "Beardsley prints"  es una referencia al artista e ilustrador británico Aubrey Beardsley, que tuvo una notable aparición en la sociedad victoriana con sus notables obras que trataban sobre el erotismo, el simbolismo y las caricaturas con sentido político. Si bien Rod no era un amante de los cuadros (así lo ha dicho de manera publica), quizás a su novia sí le gustaban las ilustraciones de este emblemático artista inglés.

Otro detalle de la canción viene ligado al fútbol,  otro de los amores de Rod Stewart y que está en cierta equivalencia con su gusto por las chicas rubias. Por ello en la canción aparece la frase "You're Celtic, United, but baby i've decided. You're the best team i've ever seen" que no es mas que una comparación entre sus dos amores, ya que el cantante se declara un hincha a rabiar del Celtic de Escocia (aunque también fue un "pecador" alguna vez)  y tambien le tiene cierto cariño al Manchester United de Inglaterra.

"You're in My Heart (The Final Acclaim)"  tuvo un éxito rotundo, y se convirtió rápidamente en uno d elos singles mas populares de este blondo cantante. Es que logró llegar a la casilla #4 del Billboard Hot 100 y al puesto #3 en el UK Singles charts, dejando en claro que en el terreno de las baladas la rasposa voz de Rod no tenía límites.

Que la disfruten!!!

THE DAY BEFORE YOU CAME / ABBA

"The Day Before You Came" es una canción del grupo sueco ABBA, que fue lanzada como single un 20 de Octubre del año 1982 y que fue incluida en el compilatorio The Singles: The First Ten Years, el cuál sería el ultimo disco oficial de esta famosa agrupación antes de dar el corte definitivo a su carrera musical que tuvo más éxitos que fracasos.

Mezclar de manera perfecta una pareja de bellas mujeres con un llamativo talento vocal junto a un dúo de compositores extraordinarios, que podían experimentar sin despeinarse cualquier estilo musical bajo las bases le Pop, fue la fórmula perfecta para el éxito de esta agrupación oriunda de Estocolmo.

Fue tanto el impacto que lograron sus singles y sus LP's que llegaron a convertirse en los artistas más exitosos dentro del catálogo de su compañía discográfica —la prestigiosa Universal Music Group— y llegaron a ser nombrados por la prensa como una de las bandas con más ventas en los años 1970. Bajo esos pergaminos, ABBA no es una simple banda de Pop, sino que revolucionó el panorama musical y ayudó a afinar es estilo con talento, frescura y nuevos estilos.

La historia de esta canción, que pertenece a Benny Andersson y Bjórn Ulvaeus, cuenta que fue grabada  un 20 de Agosto de 1982 en las salas de grabación de los estudios Polar Music. En ese entonces la canción llevaba por título "Den Lidande Fågeln" e incluso por unas cuantas horas estuvo bautizada simplemente como "Wind".

La letra de la canción pertenece a Ulvaeus, quien la escribió basándose en el difícil proceso de asumir el divorcio con su compañera de banda, Agnetha Fältskog (quien se encarga de la voz principal), con la que estuvo casado desde 1970 y donde tuvieron dos hijos. La pareja se separó en el año 1979, pero tuvieron que seguir viéndose las caras dentro de la banda y llevar la procesión por dentro ya que los contratos y las actuaciones no daban tiempo para empezar a pensar. Años después Ulvaeus mencionaría que esta es una de las canciones donde la letra se escapaba de la ficción. El guitarrista y compositor declararía sobre esto:    "Si el 90% de las letras eran pura ficción, también existen canciones donde hay sentimientos verdaderos, como "Winner Takes It All " y "The Day Before You Came". Ambas reflejan un tiempo, una escena".

Dentro de la letra podemos encontrar una frase bastante llamativa, que dice: "I must have read a while, the latest one by Marilyn French or something in that style,"  que hace referencia a la famosa escritora feminista Marilyn French (1929-2009), que tuvo su apogeo a finales de los 70's cuando lanzó "The Women's Room" que fue el libro que marcó la historia de la lucha feminista del siglo XX.

 Los que trabajaron con ABBA en el estudio, recalcan que en esas sesiones de grabación la sensación era de tristeza y oscuridad. Es que poco a poco la banda se iba decayendo, y en las canciones eso quedaba muy claro. Los ánimos estaban por el suelo y eso hacía difícil el panorama de trabajar el disco, más si una de las parejas estaba separada y la otra estaba pasando por un fino proceso de poner fin también a su relación. Con eso quedaba claro que la famosa agrupación sueca tenía los días contados.

El ingeniero de sonido Michael Tretow comentó  a un medio escrito que al momento de grabar esta canción Fältskog pidió apagar las luces, ya que tenía miedo a que la vean llorar de la emoción, ya que todos sabían que este era el tan anunciado final.

En materia musical, la canción tenía cierto parecido a "You're So Vain", de la cantante estadounidense Carly Simon y ese detalle fue muy comentado por la prensa al momento de salir el single, más si se trataba de una canción con toques autobiográfica  el cuál era el estilo principal de la cantautora neoyorkina. Sobre esta temática, Ulvaeus comentaría en Marzo del 2010 al The Times: "Tú lo has dicho, ¿verdad? La música está haciendo alusión a ella. Muchos saben que la canción fue hecha cuando estábamos con mucha tensión y con cierto giro hacia el teatro musical. Agnetha hizo el papel principal en la canción. Ahora que miro hacía atrás, creo que fue un cambio rotundo para todos los fans de ABBA. Es que la energía se había ido".

Si lo ánimos estaban por los suelos, las ventas también se tornaron lentas y se empezó a visualizar cierto decrecimiento en cuanto a popularidad. Si bien la canción tuvo un éxito rotundo en países como Suecia, Finlandia, Noruega, Suiza, Bélgica, Polonia, Holanda y Canadá; en el Reino Unido simplemente llegó al puesto #32 y no pudo subir subir más hasta perderse meses después. Mientras que en Estados Unidos la canción ni siquiera entró en los charts, lo que reflejaba que el largo y serpenteante camino de esta agrupación ya estaba llegando a su fin, al igual que su vida en pareja.

Que la disfruten!!

SOMEONE SAVED MY LIFE TONIGHT / ELTON JOHN

"Someone Saved My Life Tonight" es una canción del pianista y compositor inglés Elton John, que fue lanzada como single un 25 de Junio del año 1975 promocionando el disco "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy". Dicho disco tiene cierto aire conceptual en sus entrañas, ya que cuenta la historia de  cómo se conocieron Elton John y Bernie Taupin, y además relata esos duros primeros años cuando ambos estaban en busca de la fama y un contrato para poder empezar a mostrar su arte musical. Por esa razón, cada pieza musical contiene un pedazo de sus vidas y además las dejaron en orden cronológico, como si fuera una obra de teatro hecha especialmente para su fanaticada.

Lanzado en la primavera musical de ese músico oriundo de Middlesex, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" llegó a vender, sólo en pedidos por adelantado, un millón de copias y lideró de manera inmediata las listas estadounidenses dejando muy en claro que el Rey del Pop de esos años usaba lentes psicodélicos, trajes extraños y tenía un repertorio musical conocido en todo el mundo.

Dentro de ese exitoso disco encontramos una hermosa balada llamada "Someone Saved My Life Tonight", que trae los recuerdos de la dupla de compositores de su grandioso año 1969, cuando la prensa ya empezaba a destacar el talento musical del pianista y sus llamativas canciones. Pero la canción no habla específicamente de la fama, sino que trata de un proceso que en ese entonces tenía entre la espada y la pared a Elton John: Su noviazgo con una mujer llamada  Linda Woodrow.

En esos años, Elton y su novia compartían un departamento en East End junto a Bernie Taupin. Eran los años en que la carrera musical del pianista estaba en notorio ascenso y este simplemente estaba enfocado en llegar a la fama absoluta cueste lo que cueste, ya que era su sueño más buscado. Pero también tenía algo escondido en su interior, algo que no lo podía decir abiertamente así por así ya que le podía costar ese sueño y la prensa, la maldita prensa rosa, lo podía crucificar de manera inmediata, empezar a sacar conclusiones falsas y dejarlo por los suelos: Elton John era homosexual.

Entonces, las contradicciones eran inmediatas, ya que el músico con su talento ya estaba empezando a sacar portadas, pero en su vida tras los escenarios ya tenía una tormenta feroz a causa de cómo decirle a su novia que él no podía casarse, que en realidad su vida no giraba en el gusto por las mujeres. Ante tantos pensamientos, ante tantos consejos que nos servían de nada, ante tantas noches buscando una solución, una palabra para poder decir la verdad y escapar de esa cárcel personal, el músico intentó tomar la solución mas drástica, y era el suicidio. Aquí fue donde aparecieron sus incondicionales amigos, Bernie Taupin y el también cantante Long John Baldry (quien conocía a Elton tras tocar juntos en la banda Bluesology), especialmente este último fue quien mas apoyó al músico en estos duros momentos que la vida le traía al camino. Por eso cuando ya faltaban tan sólo tres semanas para la boda, y tras una larga noche de verdades y exceso de alcohol con su par de amigos, el músico decidió contarle la verdad a su comprometida. "Me iba a casar cuando era más joven, y yo salí y me emborraché con Long John Baldry y Bernie y fue específicamente John quien me dijo que no debía casarme, y eso era lo que quería escuchar, ya que sentía que estaba en lo cierto. Asi que me emborraché, fui a casa y le dije a ella que no podíamos casarnos" recordaría Elton John en una entrevista en la década de los 90's.

La boda de Elton y Linda estaba pactada para Junio de 1970, pero ya en esos días las tarjetas de invitación y la lista de regalos ya habían sido enviadas a los invitados. Pero tras la mencionada borrachera con sus amigos, Elton llegó a casa y acabó con todos los planes que tenía junto a Linda. Con eso, se iban a la basura 18 meses de relación, y Linda simplemente no lo podía creer ya que para ella Elton (o Reginald Kenneth Dwight) era el hombre que la tenía enamorada, era el hombre con el cuál quería ser feliz eternamente.

"Yo estaba absolutamente destrozada cuando "Reg" terminó su compromiso conmigo", mencionaría Linda al Sunday Mirror en Octubre del 2005. "Yo estaba confundida y perpleja y no entendía la razón por la que todo esto ocurría, no había nada malo entre nosotros. Desde el momento en que lo conocí fuimos felices. Él había estado bebiendo con Long John Baldry y regresó una mañana. Yo sabía que John era gay, pero no sabía si pasaba algo entre ellos. Todo lo que sé es que él volvió, me dijo que se iba de la casa y se acabó todo. Yo lloré y le dije que lo necesitaba, que lo amaba, pero no le importó, y se fue con sus padres. A la mañana siguiente, su padrastro vino y se lo llevó. Nunca más supe de Reg".

"Someone Saved My Life Tonight"es la canción que habla de ese periodo, y es un agradecimiento a la amistad y a los consejos de su amigo Long John Baldry, quien es realmente ese "alguien" que empapa el título de la rola que hoy les traemos al ruedo. Incluso, Taupin se refiere Baldry con el seudónimo de "Sugar Bear" dentro de la letra. Sobre esta temática y la supuesta dedicación de esta canción a su persona, Long John Baldry mencionaría en una entrevista que: "Al parecer, le di a Elton algunos buenos consejos cuando se encontraba en un aprieto personal, y escribió una canción sobre ello. Pero todavía no puedo entender por qué escribió esta  canción".

Una vez que tenía la letra en mano, Elton compuso la música a inicios del año 1974 cuando se encontraba en un crucero disfrutando de unas merecidas vacaciones en Francia. En ese barco, existía un piano a bordo y este fue vital para escribir la música de varias piezas que aparecen en el disco que empezaría a trabajar meses después. Lo mas chistoso es que el músico no disponía de mucho tiempo para usar ese piano, ya que la mayor parte del tiempo era utilizado por una cantante de ópera que tocaba todas las noches en las veladas y ensayaba varias horas ante cada presentación. A pesar de ese inconveniente, Elton John llegó a escribir la música completa para esta balada que iba de agradecimiento a uno de sus mejores amigos.

En Junio de 1974, cuando empezaron oficialmente las sesiones de grabación de este disco en los estudios Caribou Ranch, en Nederland, Colorado, el productor Gus Dudgeon quedó asombrado por la fuerza emocional de esta canción, la cuál llegaba a tal punto de que Elton  buscaba de  manera perfecta calzar la voz con el poder de la letra. A ratos, a tanto llegaba le perfeccionismo del pianista por llegar a una actuación vocal notable que se olvidaba de la letra y empezaba a gritar por la sala varias groserias o buscaba de manera nerviosa un detalle vocal que resultara llamativo para la música. Dudgeon no sabía que hacer, y a ratos prefería arrancar a la sala de control y no observar ese acto de desesperación. Fue en ese momento cuando el guitarrista Davey Johnstone llegó a la sala y le dijo al productor: "¿Sabías que está cantando acerca de un suicidio?" Tras esa declaración, Dudgeon entendió el tema y se puso manos a la obra junto a Elton John con el fin de depurar la canción.

Una vez que la terminaron, Elton decidió que fuera lanzada como single. Pero había un problema fatal, y era que la canción casi llegaba a los 7 minutos de duración y eso hacía que la compañía discográfica la cortara o simplemente no la lanzara como single. Pero Elton John no andaba con ánimos de recortar sus singles, y fue directamente donde los "peces gordos" de su sello a declararles en su cara que no quería acortar su canción y que tenía que ser lanzada como single en su formato original o simplemente se arrepentirían.

Y Elton John ya en ese entonces era un visionario, ya que tras lanzar como single esta balada el éxito llegó de manera inmediata. Es que la canción logró llegar hasta la casilla #4 del Billboard Hot 100 (y el 25 de Septiembre de 1975 recibió un disco de Oro) y al puesto #22 del UK Singles Chart.

Esta fue la historia de una canción eterna, una canción dedicada a la amistad, una canción que quedó como una de las destacadas dentro del canciones de este extraordinario músico ingles.

Que la disfruten!

I WANT TO TELL YOU / THE BEATLES

"I Want to Tell You" es una canción de la famosa banda inglesa The Beatles, que fue incluida en el disco "Revolver", que fue publicado un 5 de Agosto del año 1966.

No cabe duda en que este disco marcó un antes y un después en la trayectoria de estos muchachos de Liverpool. Con canciones renovadas, con estilos experimentales y variados, y a eso hay que sumarle las nuevas aventuras sonoras de las mesas se sonidos (loops, secciones de metales, influencia Hindú,cortes de cinta y guitarras en retroceso), hacen de este LP un material esencial para el rock universal.

Si en algo se caracterizaban Los Beatles, era en el no temer a la renovación musical ni a los parámetros impuestos por las demás discográficas.

Ellos iban en contra de la ola, en una época donde los "moldes" estaban hechos y la imitación estaba a la vuelta de la esquina. Por eso hay que destacar que con "Revolver" y bajo la decisión de no volver a hacer giras promocionales ni conciertos la banda igual logró llegar a los primeros puestos de los charts. El disco lideró en ventas según las listas del "New Musical Express" y "Melody Maker". Incluso, sólo en pedidos por adelantado alcanzaron los 300.000 discos. Finalmente, las cifras dicen que sólo en territorio británico vendieron 500.000 copias y alrededor de 2.000.000 en todo el mundo.

"I Want To Tell You" fue escrita por George Harrison (en este disco aporta con dos rolas más), en Junio del año 1966. Según el autor, esta pieza solamente habla de "aquellos pensamientos que son tan difíciles de escribir ó decir ó transmitir". En fin, la canción trata sobre un chico que está enamorado, pero no sabe cómo ni qué decirle a esamujer que lo tiene loco de amor y viene ligado a pensamiento orientales en base a contradicciones dentro del ser.

La historia cuenta que esta canción empezó a ser grabada el 2 de Junio en los Abbey Road, y en primera instancia fue titulada simplemente como Laxton's Superb, que provenía de un tipo de manzana y que había sido sugerido por el ingeniero Geoff Emerick durante las sesiones de grabación, donde tuvo la difícil tarea de darle el gusto en todo al guitarrista. Sobre este duro y tenso proceso de trabajo junto a George, el ingeniero Emerick recuerda: "Uno realmente tiene la impresión de que George se toma una cantidad de tiempo definida para grabar sus pistas, mientras que el resto de la banda podía tomarse el tiempo que quisieran. Sentía mucha presión al trabajar con las canciones de George".

Tras grabar las primeras versiones de su canción, George ya tenía claro para donde  quería ir  con la canción. Por ello, cuando apareció George Martin, este quedó muy a gusto con la pieza y le preguntó por el título. "No lo sé" respondió con una sonrisa Harrison y por detrás aparecería Lennon sugiriendo un título creativo con algo de ironía típica de la casa a causa del título que ese entonces llevaba la rola en la cinta: "Granny Smith Part Friggin' Two! Nunca le hemos puesto un título así a alguna de nuestras canciones!".  Finalmente, Martin decidió titular a la canción como "I Don't Know".

En esas sesiones de grabación, Harrison se hizo a cargo de las guitarras y la voz solista (que posteriormente doblaría para darle un nuevo efecto). Mientras que Paul McCartney se hizo a cargo del piano y los coros, John Lennon estuvo a la pandereta, palmas y coros, y Ringo Starr fue a la batería y grabó las maracas.

El 3 de Junio, cuando la canción ya estaba lista para ser incluida en el disco, McCartney grabó la parte de bajo, siendo una de las pocas canciones donde este instrumento fue grabado e incluido en la cinta de manera posterior a la grabación original. La razones de tal decisión nunca han sido reveladas, pero se cree que Harrison quería una parte de bajo especial, y muy cuidada para que los detalles fueran casi perfectos en la armonía. Tras ese momento, la canción ya estaba lista para que el 6 de Junio fuera incluida en el tracklist oficial del disco bajo el nombre "I want to tell you".

Que la disfruten!!

GET IT WHILE YOU CAN / JANIS JOPLIN

"Get It While You Can" es una canción de la cantante estadounidense Janis Joplin que fue incluida en el superventas "Pearl" (11 de Febrero de 1971), el famoso disco póstumo de esta talentosa artistas que enmarcó el movimiento hippie de finales de los 60's con su rasposa pero poderosa voz que la dejó entre las voces mas emblemáticas dentro de la historia del rock.

"Pearl" fue el capitulo final de una artista que estuvo sólo 27 años sobre esta tierra a causa de los excesos y la vida frenética tras el escenario y a la vez fue el único trabajo musical donde participó junto a los Full Tilt Boogie Band, una agrupación de músicos, oriunda de Canadá,que contenía alguno de los componente de la Kozmic Blues Band.

Con esta nueva banda en el estudio y en las giras, y bajo la producción de Paul A. Rothchild (que trabajó con los Doors y Love) fueron el condimento perfecto para que Janis estuviera mas que inspirada y con aires nuevos para empezar a grabar un nuevo repertorio. De ahí es que de manera póstua aparece un disco emblemático, sólido y que en cada pieza deja en claro todo el poder musical de la banda y en especial de esta mujer que cantaba con emoción, rabia, a ratos de risa irónica y en otros con una ternura angelical a ritmo de blues, folk, soul y el rock mas ácido.

Hoy traemos a la palestra la canción que cierra el disco, una pieza escrita por los compositores Jerry Ragovoy y Mort Shuman. La historia cuenta que Ragovoy en ese entonces tenía una poderosa carrera como compositor y como productor, llegando a escribir varias piezas clásicas dentro del soundtrack de los años 50's y 70's. Por ejemplo, este personaje es el dueño de canciones como "Time Is on My Side" (acreditada con un seudónimo: Norman Meade) e interpretada por The Rolling Stones; también escribió la famosa "Pata Pata" para la sudafricana Miriam Makeba y tiene créditos en "Stay with Me" una de las piezas características del repertorio de Lorraine Ellison y un puñado de otras piezas clásicas.

Mientras que su compañero, Mort Shuman, también traía una trayectoria musical notable como compositor, y en especial por cederle piezas a Elvis Presley, Dion and the Belmonts, Bobby Darin, The Drifters y otros artistas célebres de los años 60's.

"Get It While You Can" nos habla sobre darle una oportunidad al amor, y disfrutarla porque la vida es corta y los momentos pueden ser eternos. Puede sonar algo impresionante, dado que es la canción que cierra el Lp, pero tras escuchar la versión demo, Janis quedó muy impresionada con la canción y por su temática que calzaba de manera perfecta con el mundo, donde Vietnam, donde las campañas contra el racismo, donde las frases de paz y amor, eran parte del contexto diario de ese entonces.

Varios historiadores de la vida de Janis concuerdan en que la artista tenía un punto de vista muy claro sobre toda esa filosofía de la contracultura de la juventud de finales de los 60's y también era muy cr´pitica ante ciertas actitudes de algunos "hippies". Por ejemplo, semanas antes de entrar a grabar esta canción, en uno de los tantos conciertos que hizo por Estados Unidos, Janis escuchó decir a uno de los roadies de la banda que la policía simplemente eran unos "cerdos" que abusaban del poder. Ante eso, Janis se paró de su asiento y le interrumpió el discurso al jóven semi-rebelde diciéndole en un tono dulce y a la cara: "Son policías, sólo son personas que deben hacer su trabajo, cariño. No le llames cerdos, eso sólo empeora las cosas ". Eso resume la postura de Janis, una anarquista sin violencia, sino que con dialogo, con mensajes, con ideas claras. buscaba cambiar el mundo.

En las sesiones de grabación, que empezaron el 5 de Septiembre de 1970 en los estudios Sunset Sound de California, Janis se mostraba vital, alegre, motivada, arreglaba las canciones a su modo, les decia lo que tenía que hacer la banda, la pasaba bien en el estudio. De hecho, se cuenta que mientras grababan esta canción, el guitarrista John Till tenía algunos problemas para interpretar ese característico solo de la parte media de la canción. Intentaba, intentaba pero no lograba calzar en la melodía y mientras tanto los demás músicos esperaban por la inspiración de su compañero y líder de la orquesta rockera para seguir grabando. Fue en ese instante, cuando se le vio muy frustrado al guitarrista en que apareció Janis y le dio un beso. "Ella me dio un beso enorme. La verdad es que no me acuerdo de nada después de eso, sólo vi asteristos y tuve un signo de exclamación en mi cabeza. Fue una experiencia rara, era como estar tocando un solo de guitarra frente a cuarenta mil personas y conseguir el beso de Janis" declaró Till en una entrevista.

Pero por dentro, Janis estaba deteriorada, en especial por problemas sentimentales (dado el término de su relación con George Niehaus) y su recaída en la heroína que la llevó nuevamente al abismo. Por ende, este disco fue la medicina perfecta, o quizás el momento dado para sacar todo afuera, para ponerle a cada canción un sentimiento verdadero, un pedazo de vida y en "Get It While You Can" toda esa energía se libera para dar paso al punto final de un disco que no pudo tener promoción, dado que cuando estaba a punto de cumplirse un mes de las grabaciones, específicamente un 4 de Octubre de 1971, se supo que la voz de Joplin se apagaba y que su leyenda se hacía eterna. Tenía sólo 27 años y quedaba claro que la vida era un blues...

Que la disfruten!!!