MORE THAN A FEELING / BOSTON

"More Than a Feeling" es una canción de la banda norteamericana Boston, que fue su single debut en las pistas rockeras en Septiembre de 1976.
Además esta canción forma parte de su exitoso disco debut homónimo, que llegó a vender millones de copias en todo el mundo (hasta el año 2003 tenía cerca de 17 millones de copias vendidas) y fue galardonado como Multiplatino.
Con este disco, el mundo del rock en los setentas le daba la bienvenida en gloria y majestad a esta interesante banda, que contenía mucha potencia en los riffs del ingeniero Tom Sholz (era graduado con honores del prestigioso MIT) y la maravillosa voz de Brad Delp.

Comenzemos con la historia que hay detrás de este primer y exitosos single de una de las bandas mas influyentes del rock del Hard Rock.
Esta canción fue escrita por "el mateo" Sholz y su inspiración principal para componerla vino de una canción llamada "Walk Away Renee"de la banda norteamericana The Left Banke, la cual fue muy exitosa a mitad del año 1966. Además, en el libro de Dave Marsh, titulado The Book of Rock Lists, se señala que el riff de guitarra que acompaña al coro de "More Than a Feeling" tiene cierta similitud sonora con los acordes de la clásica pieza de The Kingsmen llamada "Louie Louie".
Pero no todo fue un "Copy & Paste" musical, ya que Sholz demoró casi cinco años en escribir y arreglar cada detalle de la canción. Para eso trabajó "como chino" en su estudio de grabación casero que estaba ubicado en el sótano de su casa, el cual fue la fábrica de casi todas las canciones de ese primer disco, ya que los contratos y las discograficas no le tenían mucha confianza a estos muchachos que solo querían tocar buen rock.

El arduo trabajo de Tom Scholz dió buenos frutos para la banda. Como buen ingeniero, se dedicó a analizar cada acorde y a revisar cada detalle de las armonías de la guitarra, bajo y hasta la batería. Es que todo tenía que tener un orden perfecto, ningun detalle se podía escapar en la mesa de sonido y ese fue el rasgo principal para que la canción sea una pieza clásica del buen rock y de la musica de los 70's.

Otro aspecto que destaca en esta canción, es que en el fondo de todo ese mágico trabajo de producción hecho por el guitarrista y John Boylan, toda la melodía está basada en un simple riff de guitarra que solo contiene cuatro acordes y que en la decada de los 90's la banda de grunge Nirvana les "robaría" descaradamente en su canción "Smells Like Teen Spirit". Para muchos especialistas, que no dudan de la calidad musical de Cobain y compañia, esa canción fue una completa estafa para el trabajo de Scholz y simplemente "la sacaron barata" al no ser acusados de plagio.
Sobre este episodio tan comentado, muchos fanáticos de Nirvana defienden este polemico momento musical argumentando que Cobain odiaba a rabiar esa canción y decidió hacerle un homenaje irónico con el fin de burlarse abiertamente de la musica de Boston.
Simplemente lo dejamos a juicio del lector...

La canción logró algo inimaginable para la banda en cuanto a ventas y popularidad. Es que el single llegó a quinto puesto del Billboard Hot 100 y con eso la fama creció de manera tan rápida que de un día par aotro pasarond en tocar en pequeños bares de pueblo y grabar en el sótano de la casa de Scholz a llenar estadios por todo su país y firmar un contrato para una gran discográfica.
Con el paso del tiempo la canción ho ha estado ajena a diversos rankings que hacen los medios de comunicación para llamar a la nostalgia y darle mas premios a las melodías que marcaron la historia de la música popular. Por ejemplo la revista Rolling Stone colocó a "More Than a feeling" en el ultimo lugar de su lista "500 Greatest Songs of All Time" y en año 2009 fue puesta en el lugar #39 en la lista de las mejores canciones del hard Rock de todos lo tiempos hecha por el canal de televisión VH1.

Una canción memorable, llena d epotncia y que es parte fundamental para la historia del Hard Rock.... Que la disfruten!!!

EVERYBODY WANTS TO RULE THE WORLD / TEARS FOR FEARS

"Everybody Wants to Rule the World" es una canción de la banda británica Tears for Fears que fue lanzada como single un 18 de Marzo de 1985 con el fín de promocionar en todo el mundo su segundo LP llamado Songs from the Big Chair y que había salido a la venta el 27 de Febrero de 1985.

Esta canción fue muy importante para la carrera de la banda, ya que le abrió las puertas al competitivo mercado Norteamericano. Es que la canción en esos suelos fue todo un éxito llegando a liderar los rankings y ser puesto seguro en las programaciones de las radios en la mitad de la década de los 80's.

Cuando las radios empezaron a tocar "Everybody wants to rule the World" muchos fanáticos de este dúo, formado por Curt Smith y Roland Orzaba, quedaron dudando sobre si eran realmente los Tears For Fears.
Es que esta canción el dúo inglés dejaba de lado los problemas amorosos y las letras cursis de sus colegas "New Waves" para dar paso a una canción con sentido ciento por ciento humanista, ya que trata sobre la búsqueda del poder y de como ese afán de ciertas personas que quieren tenerlo todo hace tanto daño en el mundo.
La canción tiene aires de himno, suena potente y su mensaje quizás calo hondo en el sentido social de las personas que se encontraban por esos días en Estados Unidos, país que contiene y observa el poder gubernamental y económico de muchos países en el mundo.
Pero no nos vayamos del tema ya que ahora detallaremos como la banda llegó a esta canción...

La historia cuenta que un día cualquiera del mítico año 1984, el dúo se encontraba grabando los últimos detalles de la canción "Shout", que iba a ser incluida en su disco que ya tenía como título Songs from the Big Chair. Es que Smith y Orzaba llevaban ya varios meses trabajando la canción, siendo muy cuidadosos con cada detalle y con cada acorde de sus sintetizadores, porque sabían que esa canción tenía que ser un megahit.
En un descanso de esas extensas sesiones de grabación y mientras el productor Chris Hughes escuchaba los cambios que le habían hecho a la canción, Roland Orzabal se quedó en el estudio y pescó una guitarra acústica para entonar unos acordes que tenía escritos en un cuaderno. Ese guitarreo le llamo mucho la atención a Hughes, puesto que era muy llamativo el ritmo. Nadie lo sabía en ese momento, pero Orzabal estaba tocando los acordes principales de lo que después sería "Everybody Wants to Rule the World".
El productor quedó tan encantado con ese improvisado demo en el estudio que le pidió a los chicos que la arreglara un poco y le pusieran una buena letra para grabarla dentro del disco.
Así fue como Orzabal y Hughes se pusieron a componer la canción y a escribir la letra, a estos se le uniría Ian Stanley, un famoso compositor británico que participó en la grabación de este disco tocando los teclados y luego formó parte de la banda como músico de apoyo para sus presentaciones en vivo.

Pero las sesiones de grabación no fueron tan simples como muchos creen. Es que Orzabal no estaba convencido de que la canción fuera apta para que entre en el disco, puesto que la encontraba con "poco peso" creativo y algo monótona en su melodía. Pero Hughes no se aburría nunca de decirle a los Tears for Fears que esta canción sería un hit, y que solo le faltaba un simple detalle musical que la hiciera ser la mejor canción del disco.
Tras varios días de ansiosa búsqueda, Orzabal dió con el rumbo musical de la canción al "pedir prestado" ciertos acordes y partes de batería de la canción "Waterfront" de la banda escocesa Simple Minds y que por esos días era todo un hit en las radios de todo el Reino Unido.
Años despues, en una entrevista radial, el productor Hughes mencionó que " la grabación de "'Everybody Wants to Rule the World' fue simple y se hizo muy rápidamente la mezcla, casi sin tanto esfuerzo, en verdad". Eso sí, Hughes no comenta que la canción tuvo su rumbo definitivo luego de la "ayudita" de los Simple Minds sino Orzabal la hubiese dejado perdida por ahí como un demo que solo sería disfrutado por los fanáticos...

El resultado fue una de las canciones emblemáticas de la banda y que fue considerada como la mejor canción del año 1985.
Es que en "Everybody Wants to Rule the World' la banda no abusó de los sintetizadores y puso más enfásis musical en la guitarra, que se toma cierto rol protagónico dentro de la canción sin irse del sonido Pop tan cotizado por los fanáticos y que estaba tan de moda esos años. La canción contiene un coro genial, que deja tarareando al oyente con solo escucharla un par de veces, además la letra contiene cierto grado crítico y reflexivo tal como el término "Tears For Fears" que deriva de la terapia de Arthur Janov, y sus teorías se pueden ver reflejadas en las letras de las canciones que forman parte de The Hurting, su álbum debut.

La canción llegó al segundo lugar del UK Singles Charts en 1985 y ocupó el primer lugar de Billboard Hot 100 y varios de sus derivados ese mismo año. Un año despues la banda recibe el premio al mejor single en los famosos Brit Awards. No había dudas, esta canción marcó la segunda mitad de la decada de los 80's y hasta estos días sigue siendo tocada en las radios alrededor de todo el mundo.

Que la dis....!!!

THE MAN WHO SOLD THE WORLD / DAVID BOWIE

"The Man Who Sold the World" es una canción de famoso músico británico David Bowie que fue incluida en el álbum del mismo nombre, lanzado el 4 de Noviembre de 1970 y que contenía una portada muy polémica para esos años.

Aunque el disco no tuvo tanto éxito en materia comercial, para muchos críticos es considerado como una pieza fundamental para la carrera de Bowie, ya que es en este disco donde trabaja por primera vez con su banda de apoyo "Spiders from Mars", que serían los protagonistas secundarios del gran éxito musical de este personaje camaleónico.

En esos años Bowie pasaba por una increíble crisis de identidad y esto lo dejaba muy expresado en las letras de sus canciones. Era tanta su desesperación por buscar un molde de identidad o algún camino que le dijera la realidad de su personalidad que muchas veces se escondió bajo maquillajes extravagantes y en la creación de personajes ficticios.
Una de esas canciones era "The Man Who Sold the World", que trata sobre un hombre que no se reconoce a sí mismo y eso le provoca momentos malos, de poca autoestima y mucha confusión.
En algunas entrevistas Bowie ha descrito a su canción como un homenaje abierto a la juventud y de como ellos van descubriendo su verdadera personalidad con el paso de los años basados en un proceso lento, donde los sentimientos juegan un papel muy (pero muy) importante.

Pero dentro de la letra tambien podemos encontrar ciertas frases extraídas o inspiradas en obras literarias de algunos de los poetas favoritos del cantante.
Uno de esos poemas era "Antigonish" de Hugh Mearns, que trata especificamente sobre las personalidades múltiples . Obviamente este poema le cayó como anillo al dedo a Bowie que pasaba por esos días una crisis de identidad y decidió plasmar esa idea de Mearns en la temática de esta gran canción.

Si hacemos un análisis a la letra en lo profundo y con "pinzas", como si fuéramos un cirujano que opera canciones (?), podemos señalar que todo empieza con la imagen de "caminar por una escalera" que es la figura poética del encuentro de Bowie con su verdadera personalidad, de la cual pensaba que ya estaba bajo tierra y en el olvido. Con esta sorpresa, al sentir que aún tenía una personalidad definida, el cantante empieza a pedir perdón y a dar excusas de que él nunca se fue por otro camino y que siempre tuvo un punto de vista definido pero tuvo que venderse al mundo con el nombre de Ziggy Stardust (que era el personaje alter ego que usó Bowie para darle un estilo conceptual a sus canciones) porque era el disfraz perfecto para sentir que la vida solo era diversión y relajo.

Aunque "The Man Who Sold the World" no fue lanzada como single promocional del disco igual logró ser una de las canciones mas reconocidas en la extensa y cambiante carrera musical de David Bowie.
Recien en 1973 la canción fue lanzada como single cuando apreció en el lado B del single que incluía "Space Oddity" solo para Norteamrica. En el Reino Unido fue lanzada ese mismo año como lado B del single que promocionaba a la canción "Life on Mars?". En ambos lanzamientos la canción, junto a sus respectivos lados A, logró llegar a los primeros lugares de los rankings.

Sin embargo, la canción tambien contó con la ayuda de los covers que vinieron con los años, donde cada artista coopero con el éxito de esta gran canción. La primera en lanzar una nueva versión de la canción fue la cantante británica Lulu, que en 1974 y bajo la producción del mismisimo Bowie (que además tocó el saxo), logró colocar a "The Man Who Sold the World" en el cuarto puesto del UK Singles Charts.
Tuviero que pasar casi 20 años y varias veriones más para que la canción volviera a entrar en las listas de las radios y esta vez fue el turno de la famosa banda de rock Nirvana que la interpretó en 1993, durante su presentación en MTV Unplugged. Esta versión fue lanzada en el álbum póstumo MTV Unplugged in New York al año siguiente y colocó a "The Man Who Sold the World" de moda en los 90's liderando todos los rankings norteamericanos.

Una canción adaptable a cualquier época, un himno a la juventud que siempre busca algun simbolo de personalidad o un estereotipo que sirva de emblema para sus ideales y hecha por uno de los artistas mas influyentes en la historia del rock...

Que la disfruteis!!!

YER BLUES / THE BEATLES

"Yer Blues" es una canción de la famosa banda británica The Beatles y forma parte del repertorio del famoso disco homónimo o tambien conocido por los fans como "White Album" que fue publicado en Noviembre de 1968.
En este álbum los cuatro integrantes de The Beatles pudieron dar rienda suelta a su composiciones y a todo su talento. Probando nuevos sonidos, escribiendo letras muy personales y logrando una joya musical, que es considerada como de los trabajos mas interesantes de esta gran banda que revolucionó la historia de la música rock.

En este caso, "Yer Blues" pertenece al talento musical de John Lennon, que la escribió mientras estaba en Rishikesh, India. Cabe señalar que en esos días la banda se encontraba en un retiro espiritual y de aprendizaje sobre la meditación con el Maharishi y en las extensas horas de ocio se edicaban a escribir nuevas canciones, de las cuales, un gran puñado de estas fueron incluídas en el disco blanco.

La canción, en cuanto a su letra, puede sonar como satírica y como medio enserio. Es que Lennon le implantó ciertas frases muy oscuras y otras con algo de humor negro hacía esos fans que lo crticaban por su romanse con Yoko o le repudiaban sus nuevas canciones con tildes personales. A ratos se entiende como una parodia poetica o una respuesta irónica a las canciones de Dylan, especialmente en la frase "Feel so suicidal, just like Dylan's Mr. Jones" que hace referencia a la canción "Ballad of a Thin Man", una de las joyas musicales de Bob. Tambien contiene frases dedicadas a la Cosmologia e incluye versos donde el autor revela su batalla contra sus demonios psicológicos. De todo ese nudo poetico, que solo Lennon puede decifrar, sale una canción memorable, llena de potencia y con una interrpetación que sale del alma como si fuera una declaración publica sobre el rock.

Luego de escribir la letra, Lennon se dispuso a componer a música basandose en las versiones demos que grabó en su hogar y en las sesiones de ensayo en los estudios Abbey Road.
Pero Lennon era un genio que basaba su crítica en la ironía y en esta canción dejó en claro que musicalmente esta canción es una parodia bien hecha hacía el potente Blues británico que tenía su "boom" comercial a principios de 1968 con bandas como Fleetwood Mac. y Chicken Skack entre tantos más que aparecerían en la escena con el paso de los años y que sacaban a la luz el lado mas ácido del viejo blues, con muchas improvisaciones, experimentaciones con drogas, nuevos sonidos y melodías de larga duración.
Por eso, inspirado en aquellos nuevos sonidos y en los dichos de la prensa y antiguos fans de que la banda ya no tenía nada nuevo que mostrar (en materia musical), es que Lennon le dió ese toque musical a su canción como un parodia y una respuesta a todos esos que pensaba que los Beatles simplemente ya estaban trabajando de "hobbie". Pero en este disco se notó que la banda estaba mas viva que nunca y que sus canciones tambien pasaban por experimentaciones y mezclas que iban mas allá de modificar musicalmente un Blues...

Pero hay muchas anecdotas que giran en torno a la canción. Una de ellas cuenta que McCartney le pidió de rodillas a Lennon que no titule su nueva canción como "Year Blues", porque no iba con el mensaje de la canción. Sin embargo John decidió usar "yer" en vez de "your", todas estas modificaciones no eran de importancia para el autor. Lo importante era la canción en sí, no el titulo poque eso estaba de más...
Pero en la edición de enero de 1971 de la revista Rolling Stone, Lennon explicó qye decidió colocar la palabra "Blues" en el título en homenaje a esas viejas canciones de Sleepy John Estes que siempre contenían esa palabra en los títulos de sus piezas musicales. Además, Lennon escuchó mucho a ese maestro el blues en su juventud, especialmente en la escuela de artes donde se dió cuenta de que era algo más que un simple músico que cantaba con guitarra en mano, sino que era todo un personaje histórico para la popularidad de ese género musical impregnado con aires meláncolicos de las calles de Chicago.

La sesión de grabación de esta canción fue el 13 de Agosto de 1968 en el estudio 2, que era una pequeña sala lateral donde apenas entraban los músicos, pero donde el sonido se notaba mas potente y podían sonar como Lennon les pedía.
Era tan pequeña que McCartney se refiería a esa sala como "el armario" y fue en ese lugar donde Harrison, Lennon, McCartney y Starr se acomodaron bien y le dieron todo el volumen a sus amplificadores para grabar de buena manera la potencia de este raro "Yer Blues".
"Estábamos en una habitación de 8 pies, todos juntos y apretados, pero haciendo lo que mejor sabemos hacer: tocar" dijo Ringo en una entrevista con la Rolling Stone años despues al recordar esa loca forma de grabación.

Al final la canción fue grabada en dos tomas diferentes junto a la atenta mirada del productor George Martin. Esto puede ser descubierto aproximadamente a los 3:17 cuando luego del solo de guitarra de George Harrison se cambia de manera brusca el sonido con un nuevo redoble de Ringo.
El otro detalle que llama la atención en esta canción es la voz de John improvisando frases de la canción mientras la furia de las guitarras incendian la pieza musical. Esta voz seguramente se coló por el micrófono de la batería y al ver que le daba un toque especial a la melodía decidieron dejarla.

"Yer Blues" tambien forma parte de un momento histórico para la carrera de Lennon porque fue la primera canción que cantó sin la compañía de sus compañeros de banda y esto fue gracias a la invitación que le hicieronn los Rolling Stone para participar en su especial para la televisión titulado The Rolling Stones Rock and Roll Circus que fue grabado días despues del lanzamiento del disco.
En esa ocasión Lennon decidió interpretar "Yer Blues" acompañado de Eric Clapton en guitarra, Keith Richards en bajo y Mitch Mitchell en la batería. Este "dream team" del rock fue bautizado como "Dirty Mac" y le dieron un sonido mas sucio y mas compacto a la canción dejandola mejor que la original.

En fin, les dejamos esta gran canción de The Beatles que fue una respuesta a todas esas personas que andaban murmurando que esos cuatro chicos de Liverpool en 1968 ya estaban acabados. Pero al escuchar canciones como "Yer Blues" simplemente tuvieron que tragarse sus ácidas palabras porque Los Beatles son eternos... El resto les copia.

Que la dissssfruten!!!

BONUS TRACK: EL FOTOGRAFO MAS FAMOSO DEL ROCK

El pasado martes Jim Marshall tomó su cámara y se fue a recorrer el cielo buscando una que otra foto, buscando ese momento que nadie ve, que nadie imagina y que tampoco sospechan.

Pero en sus 74 años terrenales nos dejó bellos testimonios sobre la historia del rock captadas en inmortales fotos de conciertos, en el backstage, para sesiones contratadas por las discográficas, para documentales y como un hobbie para disfrutar de otra manera el maldito rock.

Es que este famoso fotógrafo gozó de la confianza de muchos astros del rock, que le permitían introducirse detrás de los escenarios durante los conciertos, con lo que captó míticas imágenes de rockeros de los años 60 y 70.
Entre sus retratados figuran Bob Dylan, Joan Baez y los Rolling Stones. Una de sus fotografías de Janis Joplin con una botella de whiskey “Southern Comfort” o una de Jimi Hendrix prendiendo fuego a su guitarra en 1967 en Monterrey figuran entre las más legendarias.

“Con su particular carácter, enérgico y áspero, el propio Marshall era también a veces una estrella del rock”, escribió “The New York Times”. “Y los músicos lo respetaban por sus imágenes tanto como por su manera de lograrlas”.

Como somos fanáticos de la obra artistica de este gran fotógrafo (y del rock!!), hemos decidido hacerle un atrasado pero interesante homenaje con cuatro de sus fotos mas llamativas con sus respectivas historias detras de la foto (la traducción puede tener algunos errores (?)) sacadas de su interesante Web Oficial:

La imagen principal del famoso "Monterey Pop Festival" en 1967. En esa ocasión Jimi Hendrix dejó a su Stratocaster en llamas.

"Hice la sesión de fotos de Led Zeppelin para Atlantic Records en el Hyatt House en 1970. La foto fue tomada en el último piso del hotel, ahí logré obtener la toda la luz disponible para sacarle una foto al grupo y hacer algunos retratos individuales"


"¿Qué dirá Churchill acerca de Rusia?,¿Dirá que es un misterioso acertijo envuelto en un enigma? Bueno, Dylan es así. Esta foto en particular, fue tomada una mañana de domingo cuando Bobby, su novia Suze Rotolo, Dave Van Ronk y Terri Van Ronk iban a desayunar todos juntos en Nueva York. Sólo dos tomas fueron aniquiladas - lo que no es gran cosa - pero creo que Bob aun era un niño en 1963. Contrarip a la creencia popular, esta foto no se inspira en "Like a Rolling Stone". Nadie realmente sabe dónde venía, pero él es uno de los compositores más brillantes de estos tiempos"


"Los Beatles entrando al escenario en su último concierto. Yo era el único fotógrafo con permiso para estar en el Backstage. Cuando llegamos al estadio, la banda iba en un vehículo blindado, y yo estaba en el coche que iba detrás, y en eso apareció un viejo que era el administrador del estadio el cual no nos quería dejar entrar- No sabía que estaba pasando! Así que tuvimos que correr entre la multitud, mientras se arreglaban las cosas, y finalmente entramos 20 minutos despues"

Para ver mas fotos y sus respectivas descripciones visita la Web Oficial de Jim Marshall y disfruta de sorprendentes imagenes.

Fuente:
Diario El Comercio
Marshallphoto.com

BREAKING UP IS HARD TO DO / NEIL SEDAKA

"Breaking Up Is Hard to Do" es una canción del cantante y compositor estadounidense Neil Sedaka que fue publicada como single en 1962.
Sedaka logró abastecer mas su cuenta bancaria, la fama y la creciente popularidad gracias a esta canción que llegó al número uno en las listas de las radios Norteamericas y a los primeros lugares de los rankings de todo el mundo.

Eran los inicios del rock and roll y las baladas pop, las listas de las radios cada semana recibía nuevas canciones y nuevos artistas que con le paso de los año se les puso observar si tenian peso artistico o simplemente eran pasajeros de la fama.
Entre esos estaba el joven Neil Sedaka, que ya era todo un experimentado en colocar canciones en los Top Ten de las listas de Estados Unidos. En su curriculum artístico ya figuraban canciones como Oh! Carol (#9 de 1959), Calendar Girl (#4 de 1960) y Happy Birthday Sweet Sixteen ( #6 en 1961). Todas estas piezas musicales, muy marcadas por un pop melódico y dulzón, hacían que este artista sea muy observado por los críticos musicales a la espera de que su fama decaiga o saque un single tan pero tan bueno, que sea un hit en todo el planeta. La sorrpesa estaba por venir...

Asi fue como Sedaka, escondído en algun departamento o en algun sector rural (?), logró escribir su nuevo y futuro hit titulado "Breaking Up Is Hard to Do" que además contó con la ayuda del escritor y compositor Howard Greenfield
Según declaraciones del propio cantautor, esta canción la escribió luego de escuchar "It Will Stand" de la banda The Showmen, que fue una "rola" veraniega que obtuvo un éxito moderado y que fue usada por Sedaka como la principal base musical para componer "Breaking Up Is Hard to Do".
El lanzamiento como single de "Breaking Up is Hard to Do" fue todo un suceso, con su "pegajoso" coro, una letra simple y un maravilloso juego de voces, no demoró mucho en llegar al primer lugar de los rankings y en ser coreada en distintas partes del mundo.

Sin experimentar tanto en lo musical, Sedaka ni se despeinó pensando algo rebuscado y se tomó de la mano de su pop dulzón y su armonías suaves, divertidas y poco complejas para lograr la canción culpable de su momento más épico de su fama musical y con la cual recorrió muchos escenarios alrededor del mundo cantando sus hits.
Obviamente los especialistas y criticos musicales se mostraron muy asombrados al ver los logros que este cantante estaba cosechando gracias a este single y como lograba volver al numero uno del Billboard Hot 100 dando a entender que se convertía poco a poco en el dueño de las canciones que formaban parte del soundtrack de los inicios de los 60's.

Luego de este gran hit, todos los gerentes y productores de su sello pensaron que la carrera de Sedaka iría en constante ascenso desde 1962, pero todo se fue al suelo con la llegada de bandas musicales como The Beatles, Beach Boys y The Rolling Stones que con sus frenéticas canciones llenas de rock and roll hicieron cambiar el sonido del mundo y el el rumbo de los rankings dejando en un segundo plano a todos esos solitsas e ídolos adolescentes, entre los cuales estaba el interprete de "Oh Carol".

Cuesta decirlo pero luego del gran éxito de "Breaking Up is Hard to Do" y otros singles que tambien llegaron a los puestos de avanzada en los rankings, la carrera de Sedaka fue en descenso y se fue cayendo en pícada hasta tocar el olvido. Todo esto se debía a que la juventud ya no quería baladas cursis ni canciones dulzonas, sino que se rendia a los pies de grupos juveniles qie provenían del lado oscuro del rock and roll, ese que no se veia en la tele y que con traje y corbata lograron cambiar el rumbo musical de los 60's.

A partir de la nueva moda, Sedaka se dedicó a sacar discos con escaso éxito y a componer canciones a otros artistas mientras trataba de sobrevivir al olvido de la gente y miraba de lejos los primeros puestos de los charts.

Pero en 1975, cuando el rock aun estaba en metamorfosis y seguía siendo éxito en popularidad, Sedaka decide volver a los escenarios en gloria y majestad. Para eso decide revivir "Breaking Up is Hard To Do" en una nueva versión que sería incluída e su disco "Hungry Years" que lanzaría a la venta ese año.
Esta versión mas suave y con un estilo mas cercano a la balada, fue el gancho perfecto para obtener esa fama que desde 1963 había perdido. Adaptandose a los nuevos tiempos, esta nueva versión de su clásica canción logró llegar al octavo puesto del Billboard Hot 100 en Febrero de 1976. Todo un éxitazo!!!!
Esto hizo que la canción obtuviera un record debido a que es de las pocas canciones que han logrado entrar dos veces al Top Ten del Billboard pero en diferentes versiones, en distintos años y por el mismo artista.

Que disfruten esta pieza clásica sesentera y setentera, llena de esa magia pop retro que hoy en día es tan recodada en las radios que juegan con nuestra nostalgia...

Que la disfruten!!!

GYPSY EYES / THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE

"Gypsy Eyes" es una canción de la banda britanica-estadounidense The Jimi Hendrix Experience que fue lanzada como single el 16 de Octubre de 1968 y publicada un mes antes dentro del famoso disco Electric Ladyland.
Electric Ladyland destaca por ser uno de los discos mas famosos de la Hendrix Experience (llegó a ser superventas en Estados Unidos y en gran parte de Europa) y todo eso fue producto del arduo trabajo que lideró el zurdo Jimi Hinedrix, que arregló cada detalle musical y vigiló con lupa y guitarra en mano cada canción que sería incluída en su disco.

"Gypsy Eyes" fue escrita por Jimi Hendrix como un homenaje al "Field Hollers". Este estilo musical, impulsado en el periodo anterior a la Guerra Civil Americana, era muy usado por los esclavos, obreros y presos afroamericanos que solían cantar versos con contenido espiritual, religioso y alusiones a la penosa esclavitud a viva voz mientras trabajaban.
Hendrix compuso su canción al estilo "Field Hollers" inspirado en su madre, cuyo nombre era Lucille, y donde dejó impregnada toda su melancolía al recordar su infancia que estuvo muy marcada por crecer sin una madre a su lado, ya que fue abandonado a los 9 años luego de que sus padres se separaran. Desde ese entonces su abuela paterna, Nora Rose Moore, se hizo cargo de él.

La historia cuenta que la relación de Hendrix con su madre estaba marcada por la rabia de enterarse que fue abandonado por ella. Siempre se preguntaba si realmente su madre se sentía orgulloso de él o si algun día volvería a buscarlo para ser felices . Pero con el paso de los años Jimi se fue enterando que su madre había muerto muy joven y que tuvo una vida marcada por las fiestas y la vida nocturna.
Se enteró que en el periodo que su madre estaba embarazada, su padre estaba luchando en la Segunda Guerra Mundial y en todo ese tiempo que Lucille pasó sola y sin noticias de su pareja, esta mujer no tuvo mejor idea que tener un amante. Ese amante tenia como nombre Johnny y fue el escape perfecto para la madre del futuro "Jimi" para olvidar la soledad.
Es por eso que cuando nació su hijo, Lucille le puso Johnny Allen Hendrix. Pero cuando llegó el padre del pequeño Jhonny y se enteró por terceras personas del por qué su mujer le puso ese nombre a su hijo, la cosa se puso bastante fea. Empezaron las discusiones en la pareja y decidió rápidamente cambiarle el nombre a su hijo, porque el niño merecía respeto. Así fue como pasó a llamarse James Marshall Hendrix, en memoria de uno de los hermanos fallecidos de su padre que se llamaba Leon Marshall Hendrix.
Al saber esta historia de su niñez, Jimi Hendrix se puso muy triste y simplemente se dió cuenta que todos esos sueños de conocer a su madre y ser feliz junto a ella estaban muy alejados de la realidad, ya que ella nunca le tuvo respeto como hijo y lo dejó vagando en creencias infantiles que derivaron en muchos traumas personales.
Toda su rabia, pena y tristeza fue colocada en la letra de esta canción...

Ahora vamos a Diciembre de 1967, especialmente a los Record Plant Studios donde Jimi Hendrix y su banda grababan trabajando "como chinos" ese ansiado LP que sería lanzado en dos discos debido al amplio material que lograron terminar.
La grabación de "Gypsy Eyes" no fue fácil para los "Experience", porque Hendrix andaba muy prendido y no quería que se escape ningún detalle. Según cuentan varias revistas, la banda llegó a registrar casi 50 grabaciones en distintas tomas, lo que provcó la ida de algunos de sus músicos que no soportaban el estilo de trabajo que había adoptado "el mejor guitarrista del mundo".
Fue tanta la decepción de Hendrix con su banda, que él tuvo que tocar la mayoría de los instrumentos en esta canción, ya que no le entendían sus reglas. Por ejemplo se hizo cargo del bajo y fue muy duro con el baterísta para que no perdiera el ritmo. Se notaba que este famoso guitarista zurdo quería lograr una joya rockera...

El resultado final de "Gypsy Eyes" fue un pedazo de blues y psicodelia en su punto máximo. Con una letra y base melódica sacada de esos tristes cantos de los campesinos negros que se mezclan con un riff de guitarra furioso, que quema y que le dá una energía extraña a esta "rola".
De un momento a otro toda la melancolía de Hendrix por los sueños rotos por culpa su madre se envuelven en una colección de riffs de guitarra cuidadosamente compilados.
Es que la labor de Hendrix como productor fue notable, aunque pocos lo saben ya que se quedan con el Jimi quemador de guitarras, y lo usó como un instrumento musical más dentro de su trabajo.
La mezcla de sonido y esos multiples efectos sonoros hechos con una sola guitarra, le dan un toque mas que espectacular a la canción y todo en manos de este gran músico que con solo 27 años en este mundo las hizo todas y ya es toda una leyenda para el rock.

Les dejamos la potencia, el talento y todo el espiritu taurino de este gran artista afroamericano. Viva Hendrix!!! y que la disfruteis!!!!

THAT'S LIFE / FRANK SINATRA

"That's Life" es una canción del famoso cantante estadounidense Frank Sinatra que fue lanzado como single en 1966.
Esta canción es una de las piezas más clásicas dentro del gran repertorio musical que nos dejó este artista conocido en todo el planeta como "La Voz".
Además, con "That's Life", Sinatra volvía a los primeros lugares en los rankings de Norteamérica, luego de que la Beatlemanía en esas tierras se fuera apagando por la archi-conocida frase de Lennon sobre que su banda era más famosa que Jesucristo. Pero esa esotra historia...

Esta maravillosa y positiva canción fue escrita por el compositor Dean Kay y el famoso productor Kelly Gordon especialmente para que fuera interpretada por Frank Sinatra.
En aquellos días de 1966 el cantante no la estaba pasando muy bien. pasaba por un momento personal delicado a causa de sus tramites de divorcio con la actriz Mia Farrow y su carrera musical se veía opacada por las nuevas bandas y cantantes solistas que estaban a la moda y eran pan de cada día en las listas de las radios. Todo eso tenía triste al pobre Frank, hasta que le presentaron esta canción cuya letra y música fue un escape ante la adversidad y aunque la frase "That's Life" es usada comúnmente para expresar el fracaso, Sinatra le dió otro color y un giro hacia el lado mas positivo como ver y analizar todas las cosas simples y detalles lindos que nos a regalado la vida

Los arreglos musicles estuvieron a cargo de Ernie Freeman y la producción fue del señor Jimmy Bowen, que hizo un trabajo memorable y anecdótico paralograr que Sinatra volviera a los charts con un hit.
Bowen le dio las indicaciones a Freeman sobre la parte de piano y teclados, que tiene su punto máximo en la introducción y es uno de los detalles musicales mas importante dentro de la misma. Ese arreglo de piano y órgano hammond le dieron un sonido mas "sucio" y mas "popero" a este recatado y positivo Blues que también destaca por contener una letra donde pide vivir la vida llena de alegría dejando detrás todas las penas y los fracasos.

Luego de que Bowen arreglara la música junto a los músicos de sesión, venía la parte donde Sinatra tenía que entrar en acción.
La idea del productor era que Sinatra cantara la canción con alguna mueca de soberbia o de enojo ante las adversidades. Como si estuviera a punto de reventar de tantos problemas y le pidiera furioso a la vida momentos de alegría y no de tantos fracasos. Pero después de tantos ensayos, Bowen no lograba su propósito porque Sinatra aún creía que estaba en frente de una balada y no le daba la interpretación correcta.
Pero los productores son "pillos" y pueden llegar a hacer lo que sea con tal de que su artista logre el propósito de grabar un hit. Asi que la idea de Bowen era hacer enojar a Sinatra y en ese mal momento hacerlo cantar. Era la única forma de que la canción salga tal como él quería.
Era el 18 de octubre de 1966 y tras una larga sesión de grabación de las canciones que formarían parte del disco "That's Life" un cansado Sinatra se preparaba para ir a su casa a dormir luego de una extensa sesión. Se alistó y se despidió de los músicos y de Bowen.
Cuando estaba a punto de encender su auto, un desesperado Bowen aparece en su ventana y le pide que vuelva al estudio, ya que aún faltaba grabar la parte vocal de "That's Life". Obviamente, y porque es humano, esto no le gustó a Sinatra y se enojó con su productor, incluso se le escaparon algunos buenos garabatos en contra del humilde trabajador musical. Así fue como, volvió a entrar al estudio y empezó a cantar la letra de la canción envuelto en su enojo por no dejarlo ir a dormir, mientras Bowen sonreía al ver que su idea dio el resultado que tanto anhelaba. Es por esto que en la grabación se nota un tono furioso de "La Voz", el cual es muy evidente si escuchamos de manera concentrada la canción.

Sinatra volvía en gloria y majestad con su "That's Life" que llegaba al cuarto puesto del Billboard Hot 100 chart y al primer lugar del Easy Listening chart. Todo un hit, del cual Sinatra se volvía a aferrar para seguir deslumbrandonos con su gran voz.
Es que es simplemente calidad 100% Sinatra, ese que hacía todo a su manera, ese que con el paso de los años fue reconocido como una delas voces mas importantes del siglo XX.

Que la disfruten!!!

WHISKEY IN THE JAR / THIN LIZZY

"Whiskey in the Jar" es una canción de la banda irlandesa Thin Lizzy que fue publicada como single un 3 de Noviembre de 1972.

Esta famosa canción del folklore irlandés, versionada en formato rock fue su primer hit en llegar a los puestos altos de los charts y el puntapié inicial para el popular repertorio de esta banda liderada por Phil Lynott.
Si bien la canción no se encontraba dentro del tacklist de su tercer disco titulado Vagabonds of the Western World (lanzado el 21 de Septiembre de 1973), fue un single promocional más que indicado para que el disco volviera a tener fama y la banda estuviera en la cima de su fama. Por eso en 1991, en una reedición del disco, los productores y los antiguos integrantes de a banda decidieron colocarla dentro del repertorio. Un justo homenaje a ese cover que les regaló tanta popularidad.

La primera versión popular de esta canción (que según varios informes tuvo su nacimiento por el año 1728) fue publicada en 1967 en las voces del grupo folk irlandés The Dubliners. Esta versión tuvo un recatado éxito en su país de origen y logró hacer más popular la canción entre la gente que realmente no la conocía.
Al escuchar esta magnífica canción en versión de sus coterráneos, cuya letra es un relato en primera persona de un bandolero de carretera que es taicionado por su mujer y es llevado a la cárcel, Bell, Downey y Lynott decidieron hacer su propia versión. Para esto pescaron el tema y empezaron a componer arreglos llenos de riffs junto a una notable parte de batería. Al escuchar el resultado final, no caben dudas de que los Thin Lizzy no querían perder la oportunidad de lograr fama con un cover hecho a la perfección.

El orígen de la canción es totalmente desconocido, aunque muchos investigadores han dado datos y breves conclusiones que solo sirven de teorías para fomentar el interes por esta gran canción.
Lo realmente interesante es la letra de esta canción, que con algunos cambios hechos por los Thin Lizzy, contiene un relato de un bandolero del Suroeste de Irlanda (aunque no se sabe si es en Kerry, Kilmoganny, Cork, Gilgarra Mountain, Sligo Town u otros sectores de esa región irlandesa) que ha sido traicionado por su mujer llamada Molly (en otras versiones se le llama Ginny o Jenny).

La historia nos cuenta sobre este bandolero que asalta a un Oficial del ejercito Inglés de apellido Farrell y le roba todo su dinero. Luego el bandido va donde su amada Molly (de la cual estaba locamente enamorado) y le muestra el dinero que había sustraido con el fín de que ella le diera "su amor eterno". La fina Molly le "jura que le será fiel, no, nunca lo dejará" y la historia hasta ese rato pinta para un final feliz. Sin embargo, cuando ambos entran al dormitorio para celebrar su amor, el capitán Farrell sale de un escondite y arresta al bandolero, que queda soprendido y aturdido al darse cuenta de la trampa que le había tendido su amada Molly. Finalmente el bandido saca sus pistolas y luego de un tiroteo mata al Capitán Farrell, dejandolo como colador de tantas balas que le puso en el cuerpo. Luego de eso, el bandolero es llevado a la cárcel y desde las celdas donde cumple su condena mortal nos cuenta esta historia de traición, robo, amor y muerte.

La versión de Thin Lizzy fue todo un éxito en tierras británicas. Esto se vió reflejado en el sexto lugar que logró en el UK Singles Charts a pocos días de su lanzamiento y en otros puestos de los rankings de toda europa, logrando el primer gran éxito de esta gran banda irlándesa gracias a una canción tradicional de su pueblo.
Luego de esta experimentación rock/folk hecha por Thin Lizzy, cientos de bandas han versionado el tema en varios estilos musiales. Una de las bandas que volvió a darle éxito a esta canción fue Metallica, que en 1998 le dió mas "power" y energía a la versión de los irlandeses para incluirla en el disco Garage Inc., que estaba plagado de covers.
La versión de Metallica, inspirada totalmente en la original de Thin Lizzy, logró ganar un Grammy y llegó al cuarto puesto en los charts norteamericanos siendo considerada como una de sus canciones mas emblematicas en la década de los 90's. Todo gracias a Phil Lynott y compañía... Un buen homenaje.

Les dejamos esta clásica canción setntera, que amrcó a mcuhos fans del buen rock y que dejó a Thin Lizzy como una banda interesante e importante en las historia del rock británico.
Sin nada mas que decir... Solo que la disfruten!!!!

UP AROUND THE BEND / CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

"Up Around the Bend" es una canción de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival que fue publicada como single en Abril de 1970.

Esta canción logró obtener gran popularidad en las listas de las radios y le dio otro éxito mas a esta banda, que por ese entonces la rompía en la escena musical norteamericana y en varias partes del mundo.
Posterior a su éxito como single, la banda decide colocar a "Up Around The Bend" dentro del disco Cosmo's Factory, que fue publicado en Julio de 1970 logrando vender millones de copias y dejando a la banda como una de las más importantes en la historia del rock.

Esta canción fue escrita por , el líder y guitarrista de la banda, John Fogerty a principios de 1970 mientras la banda hacía un tour musical por Europa.
Fogerty escribió esta canción basándose en el riff de guitarra que había descubierto y escrito por casualidad en algún cuarto de uno que otro hotel donde la banda estuvo hospedando durante esa exitosa gira.
Luego de eso, Fogerty empezó a trabajar en la letra de su nueva canción. El resultado fue una lírica básica pero con mucho sentido nacionalista y crítico, donde invita al oyente a unirse en un mágico viaje por las curvas de la carretera donde promete buenos momentos, algo así como un ambiente de fiesta y un "todo estará mejor" mientras se reunen con un causa en común. Esa causa era la libertad y el momento de reflexión sobre los sucesos sociales que acontecían a finales de los 60's...

Musicalmente la canción está muy marcada por ese nervioso y emocionante riff de guitarra, que llega incluso a opacar la letra o simplemente dejarla en segundo plano. Con ese ambiente repetitivo y con algunas irregularidades en el sonido, la canción demuestra una amplia madurez en las composiciones de los Creedence, a pesar de que la grabación y el trabajo para el disco tuviera que ser hecho en pocos meses, a causa de las giras y la promoción de sus anteriores singles. A eso se le puede sumar el cansancio de los integrantes ante este ritmo de vida lleno de sorpresas y trabajos ciento por ciento a full.
Como dato importante, hay que señalar que los Creedence grabaron esta canción en la mitad del mes de Marzo del año 1970 para que rápidamente, y sin tantos arreglos musicales, fuera lanzada como single la primera semana de Abril de ese año.

Si analizamos la interpretación vocal de Fogerty, debemos destacarla como: Notable. El guitarrista, líder creativo y vocalista de la banda logra en esta canción traspasar toda su motivación y su alegría de pasarla bien en el estudio con el resultado final de su canción. Es que el bueno de Fogerty hace que la canción sea altamente "tarareable" y memorable, especialmente en el coro donde queda impreganda toda esa energía rockera que solo los Creedence podrían regalarnos.
Por algo "Up Around The Bend" quedó como una de las canciones mas reconocidas de esta banda que en solo 5 años de carrera tuvo todo lo que una banda de rock anhela tener: Fama, altas ventas de discos, varios números uno en las listas y entrar a la historia del Rock.

La canción fue lanzada como single junto a "Run Through the Jungle" en Abril de 1970 logrando rápidamente llegar a la cima del Billboard Hot 100 chart y luego fue catalogada como disco de oro por parte de la RIAA por vender un millón de copias.
Además este single fue el que tuvo mayor éxito en tierras británicas para la banda. Los Creedence se abrazaban de alegría al saber que el single que incluía a "Up Around The Bend" llegaba al puesto #3 del UK Singles Chart, siendo la canción mas popular de la banda hasta estos días en la tierra de Mr. Bean.

Les dejamos esta gran canción que es especial para escucharla mientras viajamos por alguna carretera en auto, moto, avión o simplemente caminando, porque es mas sano... Que la disfruten!!!

BONUS TRACK: EL JUEGO DE QUEEN

Para muchos el mejor disco de Queen es el "A Night at The Opera", un LP lanzado en 1975 con arreglos fantásticos, una producción que llevó un año de trabajo y canciones mágicas como "Bohemian Rhapsody", "Love of My Life", "'39", "You're my best friendas" entre otras más. Aunque nadie lo niega, ese disco es uno de los trabajos más aclamados por los reporteros y los críticos y una de las joyas musicales en la rockera decada de los 70's.

Pero a comienzos de 1980, en Inglaterra existía buena música en las radios, puesto que los Pink Floyd tenían en su punto máximo el disco The Wall, por otro lado Los Clash batían records de venta con su "London Calling" y Sting con sus Police seguía con la buena racha de su Reggatta de Blanc. Además las bandas de música disco se estaban actualizando, empezaron a utilizar los sintetizadores y estaba por nacer el Synth-pop, un estilo de música que sería el soundtrack de toda una generación.
Queen comenzó los 80's con un disco llamado "The Game", que venía bien promocionado desde finales de 1979 cuando la canción "Crazy Little thing Called Love" logró llegar al #1 del Billboard Hot 100 e Estados Unidos, que era el país que los muchachos de Queen querían conquistar para lograr el 100% de éxito que toda banda de rock británica sueña y anhela.

Pero no entraremos a dar datos técnicos ni palabrerias baratas sobre este albúm, eso lo pueden encontrar en otros sitios. Sino que colocaremos el "The Game" en el reproductor y analizaremos canción a canción este disco que fue publicado un 30 de Junio de 1980. Los invito!!!

Queen- The Game

Empieza a girar el disco y la primera parada musical es "Play The Game", una canción que empieza con unos sonidos hechos por un sintetizador, instrumento que hasta ese entonces no había sido usado en canciones en Queen, y nos trae esa magía musical que tanto caracteriza a Freddie Mercury muy marcada con sus notables juegos de voces, cambios rotundos de ritmos y una parte de piano muy dulce, que hace de la canción la mejor introducción al disco. Queen entró con todo a la cancha en su "The Game".
Finalizada esa pieza musical empieza una canción con la guitarra de May y el bajo de Deacon tocando el mismo riff demanera conjunta. Es el intro de "Dragon Attack", una especie de Funk-Metal muy lograda que nació de una improvisación que hizo la banda en su estudio de grabación. El guitarrista Brian May nos regala unos mágnificos solos desde su Red Specials y Taylor nos demuestra toda su calidad como baterísta, mientras Deacon le saca partido al repetitivo solo de bajo que le dá mas viveza a esta gran canción.
Pero la fiesta Funk no terminaría allí, ya que en la sigiente pieza nos encontramos con otro juego "pegajoso" de bajo y batería con sabor a música negra pero con aires mas modernos. Es "Another One Bites the Dust", cuya autoría es del bajista John Deacon, y que contó con efectos de sonidos hechos por las guitarras y los bajos sobre una melodía que ya es histórica en la carrera de Queen. Su estructura musical simple, sin tantos arreglos y con un Freddie Mercury en altisimo nivel, en cuanto a interpretación, hacen de esta canción una joya con la cual Queen tuvo a los chats de norteamerica a sus pies. Que buen comienzo de este disco, veamos que viene ahora.
Un fuerte "platillazo" y un "Hey!!" en voz de Freddie nos trae el fin del funk y el comienzo de la parte rockanrolera del disco. es que empieza "Need Your Loving Tonight", otra canción del señor Deacon, pero que contiene aires musicales muy parecidos a las viejas canciones de The Beatles y algo de los norteamericanos Creedence Clearwater Revival. En sus casi tres minutos la canción toma esos aires Pop-Rock tan comerciales, melódicos y divertidos que uno no se puede aguantar las ganas de silbar, tararear o seguir la batería con las palmas. Muy buen cambio de ritmo, el The Game se vuelve más que interesante en esta etapa...
Ahora se viene la ultima del "Lado A", y es nadas menos que "Crazy Little Thing Called Love", un homenaje musical a Elvis y a los sesentas. Escrita por Mercury, esta canción fue el primer single del disco en 1979 y fue el primer paso para que los fans esperaran este disco. Una melodía bailable, digna para las fiestas y que nos trajo los acordes de guitarra típicos de los sesentas en inicio de 1980. Quizás entre tanto punk, reggea y onda disco muchos pensaron que el rock and roll se iba a los museos, pero Queen les dijo simplemente que no... este fue el resultado.
Termina el primer tiempo de este The Game. Hasta ahora una parte melódica y mágica de Freddie, dos interesantes Funk-Rock y dos piezas que hacen homenaje a los 60's con buenos acordes de Rock and roll. Ahora a cambiar de lado...


Empieza el Lado B, y una guitarra a ritmo de balada acompaña el cantar de Freddie. Se trata de Rock It (Prime Jive), la primera composición de Taylor en el disco y donde empieza a cantar con su potente y rasposa voz despues de la intro de Mercury. Mas allá de las peleas entre el vocalista y el baterista por quien cantaba esta pieza, la canción contiene aires mas rockeros dignos de los setentas, donde May toma las riendas en la guitarra como en los viejos tiempos atrayendo al fanático a volver a los sonidos de discos anteriores como el "News of the World" o del "Jazz". Una canción que merece mas cariño, en vez de ser mencionada como "relleno".
"A one, two, three, four, one", asi empieza "Don't Try Suicide", la siguiente parada musical muy marcada por el "punteo" de bajo por parte de Deacon y las partes de guitarra pr parte de May. Esta rara canción fue escrita por Mercury y en ella deja impregnado todo su sentido del humor en la letra y algo de calidad en la composición. Marcada por fuertes cambios de ritmos, la canción logra un ambiente extraño, entre felicidad y algo de rareza para el oyente. No sé si dejarla como "relleno" puro, pero esta claro que es de las mas "flojitas" del disco.
Pero luego viene el turno de May, que más allá de sus fuertes riffs de guitarra nos regala una delicada balada llamada "Sail Away Sweet Sister" donde se las da de vocalista y no lo hace nada de mal. Una de las canciones mas destacadas del disco y opacada por las que fueron singles, esta melodía nos trae al Queen sin aires de fiesta, mas íntimo y con esos coros que toman aires de himnos dignos para cantar en un estadio. Notable el final con otro solo de bajo hecho por Deacon y una breve participación de Mercury en el canto a mitad de la balada. La espera valió la pena...
Terminado los ultimo acordes de esa trsite balada, llega la segunda oportunidad para Taylor con su canción llamada "Comming Soon". El batero, junto a la ayuda del buen Freddie, saca adelante una canción entretenida, con mucha experimentación roquera y llena de buen ritmo. Para muchos otro "relleno", pero para otros una de las canciones mas raras de Queen, que quizás pasa sin pena ni gloria en el disco, pero que contiene unos complejos solos de guitarra que son llamtivos para quien escucha el disco y además trae un entretenido juego de voces entre Roger y Freddie.
Es cierto, el segundo tiempo del "The Game" no ha sido de los mejores, pero en la parte final viene la sorpresa. El disco temrina con una balada llamada "Save me", escrita por May y que con el paso de los años fue considerada una de las mejores canciones de Queen. Con una letra mega-romantica, impulsada como un poema al miedo de estar solo en el ámbito amoroso, esta balada se tomó las radios británicas cuando fe elegida como single y nos trajo a ese Queen de antaño, con delicadas melodías de piano, bajo, batería y buenos riffs de guitarra. Con este "golazo" musical de ultimo minuto finaliza el juego de Queen. Un disco notable, algo olvidado por los fans y que es siempre bueno tenerlo en la discoteca familiar para disfrutarlo en una de esas tardes de ocio...Game Over.