VENUS AND MAR & ROCK SHOW / PAUL McCARTNEY & WINGS

 

"Venus and Mars/Rock Show"es una canción de la banda Paul McCartney & Wings, que fue lanzada como single  un 27 de Octubre del año 1975 promocionando el LP "Venus and Mars", la sexta placa comercial de esta emblemática banda que tuvo gran éxito en los 70's liderados por el talentoso y trabajólico ex-Beatle.

Tras el exitoso paso del disco "Band on the Run" en las disqueras y los medios de comunicación, Paul, Linda McCartney y el guitarrista Denny Laine decidieron ir por más. Para ello, Paul decidió contactar al guitarrista Jimmy McCulloch, un talentoso jóven  escocés, amigo de los Who, y que venía de tocar con la banda Thunderclap Newman y en otros proyectos paralelos. Pero el ex-Beatle no se quería quedar solo con cuerdas, y a la semana siguiente tomó contacto con Geoff Britton, un baterísta de larga experiencia, y que venía de formar parte de la banda de rock progresivo East of Eden. De esa manera lograa dar una nueva forma a su banda, y con ellos se fue a grabar a el nuevo repertorio a Nueva Orleans (Luisiana) en enero de 1975.

No llevaban ni una semana en esas tierras, cuando Jimmy y Britton tuvieron su primer encontrón, pero Macca no le tomó importancia. La cosa iba tomando vuelo, pero el guitarrista y el baterísta seguían de mala, hasta que en el mes de Julio el baterísta dejó la banda, grabando solo tres canciones y acusando a Jimmy de ser un "cabrón". Paul no tenía tiempo para charlas ni reflexiones, el disco tenía que salir sí o sí para aprovechar la primavera dejada por su anterior trabajo. Por ello, y bajo la rferencia de algunos conocidos, decidió llamar a terreno al neoyorquino Joe English para finalizar el álbum.De esa manera empezó a tomar forma el exitoso "Venus and Mars"...

Pero Paul no sólo tenía en mente lanzar el disco y luego vigilar los charts, sino que tambien quería salir de gira con sus compañeros por toda Europa y Norteamérica. Para ello, puso todas sus energías en escribir canciones que fueran potentes a la hora de interpretarlas sobre los escenarios y que marcaran la pauta para la fanáticada. Es por esta razón que el disco empieza con un medley muy interesante, que relata la vivencia de una estrella de rock en camarines y sus transformación a la hora de colgarse la guitarra y empezar a cantar a viva voz.

Dicho medley empieza con una simple guitarra que da inicio a  "Venus and Mars", una pieza folk que tiene la misión de dar el nombre al disco y que estaba hecha para comenzar los conciertos.

En un principio la fanáticada creía que la canción era simplemente  sobre Paul y Linda, pero finalmente fue el mismísimo autor que declaró en la Melody Maker que solamente era la historia de un individuo cualquiera del futuro esperando por una aventura sin límites dentro del espacio infinito. "Realmente la canción salió como un golpe de suerte, ya que estaba sentado con la guitarra y de la nada empezaron a salir acordes yunas frases que llamaron de inmediato mi atención. Luego se me ocurrió la idea de escribir sobre un hombre que espera frente a una catedral un transporte espacial que lo recoja y lo lleve a un viaje por el espacio. Este personaje empieza a pensar que no sería mala idea ir a Venus o a Marte, que en esa noche estaban alineados y era el lugar donde estaba la diversión" declaraba el músico en dicha entrevista.

Finalizada esta suave y delicada rola, empieza el juego rockero con el potente riff de entrada de la majestuosa  "Rock Show", que le mantiene fidelidad al titulo puesto que habla sobre la vida de un rockero sobre y detras un escenario. Escrita con la misión de ser el himno oficial para su próxima gira mundial, la cuál pretendía llevarlo nuevamente a Estados Unidos, Paul puso toda su garra y talento en sacar a delante una oda a los rockeros de antaño y a los que aún tomaban la bandera junto a la guitarra llenando estadios y transmitiendo alegría al pueblo.

En su  coro, "Rock Show" menciona con nostalgia los conciertos en el Concertgebouw de Amsterdam, en el Madison Square Garden y en el Hollywood Bowl.

Pero la canción también contenía referencias a gloriosos rockeros, y amigos de carretera de Paul. Por ejemplo, hay una frase dedicada al guitarrista Jimmy Page, que en ese entonces hacía de las suyas con Led Zeppelin ("What's that he's rolling across the stage, it looks like the one used by Jimmy Page, like a relic from a different age"). La razón por la cuál Paul incluye a Page en su canción estaba fundamentada en el cómo sentía que la energía y la manera como vivía el rock este gran guitrrista lo hacia parecer un amplificador enorme y vivo, que podía llamar la atención de todo el mundo en un solo segundo sobre las tablas.

Musicalmente, esta pieza rockera toma intacta la influencia de los glamorosos acordes de las piezas del maestro Marc Bolan, y eso la hacía muy cercana al fenómeno glam Rock que por esos años era grito y plata en la escena musical.

El single que incluía este medley, alcanzó el puesto #12 en el Billboard Hot 100, y se convirtió en un nuevo gran éxito de esta banda que pasaba por su mejor momento en cuanto a fama, inspiración y economía. Paul ya no necesitaba colocarse la máscara Beatle para capturar fama, sino que se iba renovando a medida que pasaban los años y junto a sus Wings parecía haber encontrado el camino necesario para marcar tendencia en solitario.

Dos canciones fenomenales, elaboradas por uno de los músicos mas influyentes del siglo XX y para toda la eternidad...

Que la disfruuuten!

IT AIN'T ME BABE / BOB DYLAN

Bob Dylan - It Ain't Me Babe por faucho82  

"It Ain't Me Babe" es una canción del famoso músico y poeta estadounidense Bob Dylan, que fue publicada el 8 de Agosto en 1964 en "Another Side of Bob Dylan", el cuarto y majestuoso LP que traía a un renovado Bob que ya no sólo vivía del folk, y que se atrevía a probar con baladas y canciones mas ligeras pero con un acento poético en las letras de muy alta calidad.

Influenciado por la obra del poeta  francés Arthur Riambaud y por la Beatlemanía, y bajo la producción quirurjica de Tom Wilson, Dylan sacó a flote en una única sesión nocturna (ocurrida un 9 de Junio de 1964, en los Estudios del sello Columbia, en Nueva York) un disco magistralm influyente e histórico, que lo dejaba nuevamente en la cúspide de la fama y las buenas críticas.

Pero la historia de este disco empieza a finales de 1963, cuando el músico no la pasaba muy bien con su novia de ese entonces, Suze Rotolo. Hija de padres ligados al partido comunista, Rotolo siempre tuvo en mente la defensa de los derechos civiles y la lucha de clases, por ello desde inicios de los 60's que empezó a asistir a marchas y reuniones para salir a calle a protestar y marcar el terreno sobre esas temáticas que tenían revolucionada a la sociedad estadounidense. Fue dentro de ese ambiente, y en un concierto en la iglesia de Riverside, en 1961, cuando conoce  Dylan, y el romance empezó a andar cuesta arriba de inmediato. Suze se convertiría en esos días en la musa perfecta para las canciones de Dylan, quien además no dudó en enseñarle al mundo su conquista amorosa cuando aparecieron juntos en la mítica portada de su segundo LP: El famoso y exitoso  Freewheelin' Bob Dylan. En ese LP aparecían joyas musicales, y también se notaba que el músico lo tenía todo, incluso en el plano amoroso.  Años después, en su libro de memorias, Chronicles, Dylan mencionaría: "Desde el primer momento en que la vi no pude quitarle los ojos de encima, ella era la cosa más erótica que jamás había visto. Era muy hermosa, con la piel y el cabello dorados y de sangre italiana. Empezamos a hablar y mi cabeza comenzó a girar".

 Fue ella la que llevó a Dylan por el camino del pacifismo y la lucha por las injusticias sociales. Fue ella la que inspiró bella canciones, bellas metáforas y bellos momentos en una etapa fértil de este poeta urbano que fue influencia para muchos.

Pero una vez que decidieron vivir juntos en un pequeño apartamento de dos piezas en West 4th Street, ubicado en Greenwich Village, Nueva York aparecieron tiempos nublados, donde las peleas y la bipolaridad de ambos empezó a dejar huellas muy profundas. Primero fue cuando Suzolo quedó embarazada y en una decisión muy fuerte la pareja decidió abortar. Luego vino su viaje a Italia junto a su madre, en Enero de 1962, donde por seis meses alcanzó a estudiar en la Universidad de Perugia. La distancia y el temor al olvido dejaban muy triste a Dylan, quien seguía enviándole mensaje desde sus canciones mas emotivas. Pero también aparecería en escena la cantante Joan Baez, con quien Dylan tuvo un repentino affaire durante ese periodo para luego pasar a ser amantes.

Era Agosto de 1963, y Rutolo se había enterado de ese romance secreto de su pareja y obviamente eso lo rompía todo.

Dylan volvería a Nueva York tras una gira junto a una tropa de cantautores más y se encontró con una furiosa Suze, quien le tenía guardada toda sus cosas en una maleta con el fin de que se fuera de la casa. Dylan no quería creer lo que estaba ocurriendo y decidía quedarse, hasta que tuvo que llegar carla, la hermana de Suze, quien lo echaría de "patitas" a la calle.

Pero Bob no quería perder, y en unas cuantas semanas volvería a la carga con un plan de reconciliación, con mi nada hubiese pasado. Pero ahora la defensa estaba protegida por la madre de Suze, quien simplemente pescó a su hija y la alejó del músico.

Ante ese oscuro panorama  Dylan pescaría su guitarra y se iría de gira por Europa, la penas tenía que pasarlas con música...

Durante esa gira, y bajo un estado de ánimo muy bajo,  Dylan empezaría a trabajar en canciones que luego aparecerían en su nuevo trabajo musical, y que serían grabadas en una sola sesión de grabación, debido a que la disquera obligó a Dylan sacar un LP cuanto antes. Fue en esa mítica sesión del 9 de Junio de 1964 donde Dylan grabaría 14 canciones, donde destacaban:  "All I Really Want to Do", "Spanish Harlem Incident", "To Ramona", "I Shall Be Free No. 10", "Ballad in Plain D", "Mama You Been On My Mind", "Denise Denise", "Black Crow Blues" y una llamativa balada a guitarra y armónica, supuestamente inspirada en su relación con Suze, llamada "It Ain't Me, Babe".

 Se cuenta que "It Ain't Me, Babe" fue escrita en primera instancia durante en 1963 durante un viaje que hizo el músico a Italia para conversar y hacer las pases con Suze. En un principio la letra de esta pieza musical estaba pensada para ser incluída en un poemario que estaba preparando el artista tras obtener un "sí" de una famosa editorial. El libro, lamentablemente, nunca vió la lúz pública...

Esta rola comienza con una frase muy particular: "Go 'way from my window", la cuál estaba inspirada en una de las piezas musicales del famoso cantor folk John Jacob Niles llamado "Go 'Away From My Window".  En ese entonces, Dylan empezó a retomar esas viejas canciones que fueron de su temprana influencia, y donde J.J. Niles era uno de sus cantantes favoritos . Pero también tenía un guiño a The Beatles, quien en ese entonces manifestaban su influencia por Dylan en cada entrevista. La respuesta de Dylan estaba en esta canción, y en especial en la frase  "no, no, no, it ain't me babe" que iba en contraste con el positivo "she loves you, yeah, yeah, yeah" del cuarteto de Liverpool.

La canción tomaría fuerza y protagonismo tras ser incluída en el comentado  "Another Side of Bob Dylan. No pasaron ni semanas para que aparecieran nuevas versiones de la canción a cargo de Joan Baez y  luego sería el turno de Peter, Paul and Mary, Johnny Cash y Nancy Sinatra. Pero quienes gozarían de la fama gracias a esta pieza musical sería la banda norteamericana  The Turtles, quienes en 1965 debutaron con esta canción en los charts y llegaron hasta la casilla  #8 del Billboard.

Una canción memorable, eterna y con una historia muy particular tras sus bellas metáforas. Es una pieza de Dylan, del poeta de la calle que cambió al mundo con sus extraordinarias piezas.

Que la disfruuuten!

YOU WEAR IT WELL / ROD STEWART

 

"You Wear It Well" es una canción del cantante y músico británico Rod Stewart, que fue lanzada como single el 12 de Agosto de 1972 promocionando su memorable album Never a Dull Moment, que fue todo un éxito en ambos lados del Atlántico.

Fanático del fútbol, en especial de su querido Celtic de Glasgow, decidió emprender una carrera como genio del balompié pero finalmente las cosas no se dieron como suponía y se decidió por el rock, el blues y el soul y de esa manera ganarse la vida sobre los escenarios con su rasposa y característica voz.

Con casi 15o millones de copias vendidas, es considerado como uno de los artistas británicos que mas discos a vendido en la historia del Rock en esas zonas, y además está dentro de las 100 voces mas famosas del rock, según la revista Q.

"You Wear It Well" fue escrita por Rod Stewart y el guitarrista Martin Quittenton, y para muchos fanáticos en esta rola se repite la fórmula musical de su anterior super-hit: La asombrosa y delicada "Maggie May".

Mas allá de la similitud armónica, dado su formato acústico (con guitarras, mandolinas y violines) de balada folk que adorna de manera suave y delicada la rasposa voz del bueno de Rod, esta canción contiene un coro mas marcado en la melodía como caracteristica que hace diferencia y la letra está basada en una carta que le envia el narrador a un viejo amor, donde la nostalgia abraza cada frase.

La canción navega como una conversación improvisada, a ratos pareciera que el cantante hablara de su epoca actual y en otros momentos pareciera que la letra fuera totalmente incongruente con la temática de fondo. La verdad (eso creemos), es que fue simplemente producto de una improvisación que tuvo  el blondo Rod tras escuchar la parte musical escrita y elaborada por Quittenton durante las sesiones de grabación del disco. "Escribí esa letra sin ningun ensayo ni intento previo" serían las palabras dedicadas de parte del cantante al ser consultado por esta rola en esos años que sonaba con todo en las radios.

Eso sí, dentro de la letra hay una frase muy llamativa y que llama de inmediato la atención del oyente:  "Madame Onassis got nothing on you". Esta frase tiene referencia a Jacqueline Kennedy Onassis, viuda del presidente John F. Kennedy. En esos años, cuando la canción estaba en los primeros lugares de los charts, la ex- Primera dama estaba emparejada con el magnate griego Aristóteles Onassis. Tras ser consultado por esta frase, Stewart simplemente dijo en su tonalidad de profesional de la seducción (?): "Jacqueline Kennedy le ha dado al pueblo estadounidense una cosa que siempre han carecido: Majestuosidad"

 "You Wear It Well" llegó al primer puesto del UK Singles chart, y al puesto #13 del Billboard Hot 100. Dejando en claro que el talento de Rod Stewart estaba tan vigente y no era nada pasajero como esos cantante que simplemente viven de las modas.

Que la disfruten!

I'VE JUST A SEEN A FACE / THE BEATLES

 

"I've Just Seen a Face" es una canción de la banda británica  The Beatles. Esta pieza musical fue estrenada e6 de Agosto del año 1965  en el Lp "Help!", disco que contenía la banda sonora de la famosa y rara película del mismo nombre y que fue protagonizada por los integrantes de la banda.

Mas allá de la cinta cinematográfica, la banda sonora trae un variado repertorio, en el cuál destaca la madurez en las letras y la nueva experimentación musical. Es que la banda ya no sólo probaba con baladas y rock and roll, sino que aparecían en escena canciones ligadas al folk (Dylan ya aparecía como influencia pura), al western, a la balada clásica, al soul y al funk.

Cada pieza musical, cada episodio melódico hace de "Help!" un trabajo musical importante y que sería uno de los pilares del puente que llevaría a que esta banda de Liverpool revolucionara el panorama musical de los 60's.

Una de esas canciones que venía incorporada en el quinto disco de la banda era una pieza con aroma a country, a western, a música norteamericana y cuya autoría recaía en Paul McCartney, nos referimos a "I've Just Seen a Face".

La historia de esta canción empieza a inicios del año 1965, cuando el músico decide ir a vivir a casa de los padres de su novia de ese entonces, la bella Jane Asher, en Wimpole Street. Pero esos momentos de amor y de peleas varias hacían que Paul se desconectara de los singles de la banda. Es que su trabajo como compositor pasaba por un periodo bajo, y tras ser partícipe principal en los ultimos 5 singles de la banda ya en esos días no encontraba la canción justa y sólida para entrar a la pelea con las piezas de Lennon, que ya tomaba harta ventaja, en especial por los adornos poeticos de sus letras que las hacían mas interesantes para los nuevos fans.

 

 Fue en su nueva casa y bajo la nueva vida en pareja donde el músico empezó a experimentar nuevos sonidos. De esas canciones que iba tejiendo día a día , aparece una melodía con un toque de country, cuya parte de guitarra le cayó muy bien a su tía Gin, y que debido a ese detalle Paul la bautizó por unos días  como "Aunty Gin's Theme".

"Tenía ese toque a country y western, y desde mi punto de vista sonaba bastante bien. Sin embargo, su melodía era más rápida y a ratos parecía una pieza extraña. Pero yo estaba muy satisfecho con este trabajo. Su letra funciona bastante bien, cada verso arrastra al otro y eso me gustaba bastante" mencionaría Paul McCartney en su biografía "Many Years From Now" , de Barry Miles.

La letra de la canción recien fue escrita en la madrugada del 14 de Junio de 1965, mientras grababan parte del repertorio del disco. En esas cansadoras sesiones, Paul se decidió por una letra que habla sobre el amor a primera vista y sus metáforas sobre todo ese actuar humano. Finalmante, y tras seis tomas anexas y a las sesis de la mañana, Los Beatles grabaron "I've Just Seen A Face", con Paul, John y George a las guitarras acústicas y Ringo dándole duro a una caja con sus escobillas. Posteriormente, cuando la canción ya estaba casi lista, Ringo grabaría una toma donde agregó el sonido de maracas. Pese a que aún quedaba tiempo para arreglar la canción, Paul no dió el visto bueno para agregar una parte de bajo electrónico, y por ello esta es de la pocas canciones donde la banda no usa ese instrumento.

La canción no alcanzó a ser incluída dentro de la banda sonora, pese a que tuvo buenas críticas por parte d ela producción de la cinta y simplemente tuvo que quedar en el lado B, al igual que la clásica "Yesterday". Donde tuvo un rol protagónico fue en los Estados Unidos, donde el sello Capitol decidió no incluirla en la versión norteamericana del disco, y la dejó como la apertura de su re-versión del disco Rubber Soul apostando a un éxito seguro debido a que la promocionarían como el tributo de los Beatles a la música Folk.

Macca siempre le tuvo n cariño especial a esta rola. Eso queda demostrado en su etapa solista, cuando junto a su banda Wings la entonaban de manera acustica en los conciertos que daban por toda Europa, siendo de las pocas canciones con aroma "Beatle" que se atrevía a sacar del baúl de los recuerdos.

Que la disfruten!

THE FAIRY FELLER'S MASTER-STROKE / QUEEN

 

"The Fairy Feller's Master-Stroke" es una canción de la banda inglesa Queen, que fue publicada en su segunda placa musical, el comentado "Queen II", que fue lanzada al público en marzo del año 1974.

Para la fanáticada de Queen, esa que no sólo gusta de los hits radiales, el "Queen II" es un trabajo importante dentro de la discografía de la banda, ya que marca la segunda parte de un debut donde la banda de inmediato marcaba diferencias y no se apegaba a ningún estilo en especial. Lamentablemente, y también bajo un sello inexplicable hasta el día de hoy, muchos se olvidan de estos dos discos de la banda y simplemente se dejan llevar por los trabajos que vendieron más o que salieron a la venta cuando la banda era reconocida a nivel mundial. Pero eso no le tiene que quitar prestigio a un disco sólido, de sorpresas musicales y que tiene buenas críticas de varios músicos que encontraron un esencia especial en este LP donde la primera parte (llamada "Lado Blanco") es escrita solamente por Brian May (a excepción de una rola de Taylor al final de ese lado) y la segunda parte trae todo el talento de Freddie Mercury (el aclamado lado negro).

Específicamente del lado Negro es que vamos a hablar hoy, y en especial de la segunda pieza: "The Fairy Feller's Master-Stroke", inspirada en una pintura del mísmo titulo que pertenece al famoso pintor inglés Richard Dadd.

Mercury siempre se declaró fanático de este pintor (y de las obras clásicas en general), cuya obra destacaba por la creación de mundos imaginarios; y por ello es muy característico ver que en cada uno de los detalles de sus cuadros se encuentran duendes, hadas y criaturas sobrenaturales que inspiran un paisaje muy especial.

Freddie siempre le tuvo mucho aprecio a esta pintura, de hecho cada vez que podía entre graabción y grabación, la iba a mirar y analizar a la Tate Gallery, donde se encuentra el original.  Sobre este tema, en 1977el mismísimo Freddie declaraba en una entrevista sobre esta pieza musical con aires barrocos: "Me inspiré a fondo por una pintura de Richard Dadd que se encuentra en la Tate Gallery. Entonces pensé escribir algo, realizé una investigación sobre ella y todo eso sirvió de inspiración para escribir esta canción bajo mi punto de vista, bajo mi pripia mirada sobre la pintura que tenía ante mis ojos. Quizás sólo está hecha bajo una visión básica, de alguien que la miró como un collage y como me gusta la pintura, pensé que sería interesante escribir sobre esto"

Una vez que escribió la letra y la música, Freddie decidió enseñarle su nueva pieza  a sus compañeros de banda. Para ello, pidió a su productor, Roy Thomas Baker, que le tuviera listo un clavicordio y un piano para llegar y trabajar en la canción. Fue en esos momentos donde Freddie se puso manos a la obra con su canción e invitó a Roy Thomas Baker a que lo apoyara con las castañuelas. De esa manera aparecía la versión demo de esta magnífica canción.

""The Fairy Feller's Master-Stroke" es una pieza sorprendente, aun me acuerdo de ese día, yo estaba por ahí en el estudio, y miraba atentamente a Freddie que disfrutaba en el piano tocando esta canción, que tenía enía un estilo algo maniático y a la vez tan frágil en su melodía" declararía Brian May en el año 2003.

El baterísta, Roger Taylor describe a la canción como el "experimento mas grande para un equipo musical" en referencia al uso de varios instrumentos en su grabación y raras técnicas en su producción, donde cada detalle era vigilado por Mercury  al mismo estilo como Dadd cuidaba cada momento de sus cuadros.

Contiene arreglos complejos, en especial para la parte vocal donde cada coro y doblaje de voz fue delineado de manera específica para que calzara en cada nota y espacio de la cortina básica hecha a piano, guitarra, bajo y batería.

La letra de la canción habla sobre mundos y paisajes medievales,  llenos de fantasías y cuyos protagonistas son los personajes del cuadro de Dadd, como la Reina Mab, Waggoner Will, the Tatterdemalion y otros tantos más.

 Si bien la canción nunca fue interrpetada en vivo, sigue siendo hasta el día de hoy una piexza de culto para la fanaticada de La Reina. Una canción fantástica, que nos demuestra que esta banda venía con varias sorpresas bajo la manga y que por algo fue y será una de las mas importantes a la hora de hablar de Rock de verdad.

Que la disfruuuten!

BRAIN DAMAGE / PINK FLOYD

"Brain Damage" es una canción de la aclamada banda británica Pink Floyd, que fue publicada el 1 de Marzo de 1973 en el exitoso, influyente y reconocido disco The Dark Side of the Moon.

Son contadas con los dedos de las manos las bandas que puede dar el lujo de cambiar de estilo musical como quien se cambia de camisa todos los días. Una de esas bandas es Pink Floyd, quienes tras aparecer dentro de la escena psicodelica y experimental de fnales de los 60's, con discos de alta calidad instrumental, y bajo la mírada diferente de un un líder tan hiperkinético como Syd Barrett, fue cambiando los acordes con los años sin miedo a lo económico ni al fracaso ni a los cntratos, sólo dandóle una oportunidad a la música y su libertad. Por ello, y tras la partida de su mítico líder y fundador, fueron Roger Waters y David Gilmour los encargados de tomar las riendas musicales y terminar un ciclo de 7 discos sobre sus espaldas con un disco notable, el que tuvo mas ventas en la historia de la banda, una joya artística de tintes progresivos que pilló a cada integrante en la cúspide de sus talentos. Nos referimos al "Dark Side of The Moon", un disco soberbio, sólido, de piezas musicales de alta calidad, bajo una producción mas que asombrosa y donde la temática es el mundo "moderno" de la globalización,y sus derivados negativos en el ser humano, como el consumismo, la carrera por sobrevivir en competencias, el deficit mental, el poco tiempo para compartir y vivir la vida y el caos de creer estar en una alegría que es más falsa que las promesas de los políticos.

Hoy hablaremos de una de las canciones que da punto final a este notable viaje musical, nos referimos a "Brain Damage", escrita por Roger Waters.

La historia de esta canción empieza en Junio de 1972, cuando los cuatro integrantes de la banda volvían a los estudios Abbey Road tras estar de gira por Norteamérica promocionando su disco Meddle. En esas sesiones de grabación el más inspirado era Waters, quien traía en carpeta varias maquetas de nuevas canciones que había escrito en medio de la gira, entre hoteles y vacaciones de fin de semana. Una de esas canciones llevaba por título "The Dark Side of the Moon", y estaba dedicada a su amigo, y fundador de la banda,  Syd Barrett, quien en esos días pasaba por momentos críticos ya que el abuso de drogas duras le provocaron un colapso mental.

Tras varios ensayos y arreglos musicales, la banda recien grabó oficialmente la canción en formato acústico en Octubre de ese año bajo un nuevo título: "A Piece for Assorted Lunatics".

Pero la canción tenía un secreto oculto en su letra, y es que Waters, un pillo de primera división, la escribió en primera persona como si fuera el propio Syd a la guitarra quien nos estuviera contando su visión del mundo actual y su definición sobre la locura. Esto toma fuerza bajo una simple frase que está en la letra:"The lunatic is on the grass", la cuál no era un homenaje a la marihuana como dicen supuestos especialistas, sino que era una metáfora sobre la locura mencionada por el propio Barret en algunas entrevistas y conversaciones con amigos. La frase fue tomada  cuando se le consultó a Syd sobre la locura y su experiencia en los hospitales psiquiatricos y su relación con los demás internos. Barrett le pidió a sus amigos que miraran a su alrededor del parque del centro psiquiatrico y derrepente observaron un cartel que decía "No pisar el césped". Ahí fue donde el ingenio de Barrett saltó a la vista, mencionando una frase sorprendente: "¿Con eso quieren evitar que los locos pisen el césped?". En resumen, esa frase decía que al parecer los locos eran otros.

También se dice que es una metáfora usada por Waters para reflejar como su amigo desobedeció los límites que tiene la locura y la compara con algunos personajes mundiales (dictadores, militares e idealistas falsos) que bajo una oscura locura mental hicieron trizas su mundo bajo distintas características.

 En fin, la letra de esta canción relata el lado "B" de la vida, donde la lógica aparentemente pierde su rumbo y todo colapsa en un punto fuera del plano de la realidad. Por eso, la canción culmina con una frase clave: "Nos veremos en lado oscuro de la luna".

 Musicalmente "Brain Damage" contiene una melodía simple (quizás inspirada en la guitarra acústica de "Dear Prudence" de The Beatles) y sin tantos arreglos adheridos en su producción. Incluso, uno de los críticos mas severos por las caracteristicas de la armonía era el tecladista Richard Wright, quien la encontraba demasiado simple y monótona, llegando a decir que era la mas débil del disco.

Finalmente,en Enero de 1973 terminó de ser grabada, sin cambios en la letra pero con un nuevo título: "Brain Damage", ya que el disco pasó a ser bautizado bajo el primer título ue tuvo esta rola en su versión demo.

Una canción épica, que da cierre a uno de los discos mas emblemáticos de la historia del rock.

Que la disfruten!

YOUR SONG / ELTON JOHN

 

"Your Song" es una canción del músico britanico Elton John, que fue publicada como single en Octubre del año 1970 y con la cuál empezó su gran camino a la fama eterna, ya que logró buenas posiciones en los charts y recibió excelente críticas por parte de la prensa especializada.

Esta pieza esta incluída en su segundo LP, el interesante "Elton John", que con baladas ingeniosas, más canciones llenas de Funk, Blues y Soul (donde las letras estaban firmadas por el poeta Bernie Taupin), sumado a cuidadosos arreglos de cuerdas y una producción de calidad llevó al reconocimiento absoluto de este artista en las tablas del Pop.

La canción que tuvo el honor de dar inicio a este llamativo disco homónimo es una bella e inocente balada llamada "Your Song". La historia de esta canción empieza en el año 1967, cuando un adolescente Bernie Taupin, de tan solo 17 años, empezó a escribir poesías que luego pasaría a ser canciones. bajo un panorama lleno de ingenuidad, donde la metáfora era simple y sólo estaba ligada al amor, el compositor empezaba asi, día a día, a entrenar la pluma y a buscar nuevos ingredientes literarios a sus escritos. Entre esas canciones que tenía en un cuadernillo, estaba parte de "Your Song".

En una entrevista con un medio alemán en el año 1989, el compositor  declaraba sobre su etapa de adolescente mezclada con este tipo de canciones: "Baladas perennes como 'Your Song', tienen que ser de las letras mas ingenuas e infantiles que he escrito durante mi carrera en la música. Pero si aún la gente se pone de pie al escuchar sus acordes quiere decir que algo tiene de especial. Es que la letra reflejaba lo que realmente sentía en ese momento. Tenía 17 años y mi experiencia en el amor era sólo del punto de vista infantil. Ahora, sé que no volvería a escribir algo parecido nunca mas, ya que las baladas que escribo ahora hablan del amor mas maduro, del matrimonio, de las rupturas y de todo eso que les rodea. Pero uno siempre va a escribir desde el punto de vista de un tiempo determinado y canciones como "Your Song" siempre estarán presentes en esa etapa".

Fue a finales de los 60's cuando Bernie conoció a Elton John, o mejor dicho fue a la inversa, puesto que los escritos de Taupin llegaron a manos del pianista mientras este trabajaba para una empresa discográfica. Tras leer los poemas de Bernie, Elton decidió ubicarlo y llamarlo para que lo ayudara en su nuevo proyecto musical. Una vez que llegaron a buen puerto (derechos de autoría, porcentajes de ganancia y todo eso), Bernie tomó sus maletas y se mudó a la casa de los padres del músico donde empezó el trabajo musical a full.

Fue durante esas sesiones de ensayo, en que Taupin pescó un poema llamado "Your Song" y mientras tomaba desayuno, le arregló una frases mas llamativas, una que otra metáfora para luego enseñársela a su compañero musical. Una vez que Elton John leyó la letra, simplemente se puso manos a la obra y en tán solo 20 minutos tenía escrita la parte musical de esta hermosa balada.

Para Elton, esta canción tenía ese aire de sinceridad que tan bien usaban artistas de la talla de James Taylor o Carole King, que capturaron gran fama  y buenas críticas sólo con una guitarra y un piano.

Una vez que la tenían lista y bien ensayada, Elton y Taupin fueron a las salas de grabación de los Trident Studios dnde la registraron de manera casi artesanal. Pero fue durante esa sesión de grabación en que apareció en escena el productor Gus Dudgeon, quien tras escuchar atentamente la canción mientras trabajaba con otros artistas en la sala de al lado, quedó muy a gusto con el trabajo profesional de la dupla y decidió ficharlos para que trabajara bajo su mandato en las mesas. De esa manera "Your Song" tomaba su formato definitivo.

Pero, a pesar de todos los buenos comentarios y el buen pasar de la "rola", Elton no le tenía mucha fé a la hora de lanzarla como single promocional de su nuevo trabajo y de un arranque de desconfianza le cedió esta pieza musical  a sus amigos de la banda Three Dog Night, quienes en esos días de Enero de 1970 estaban grabando su cuarto LP, titulado It Ain't Easy. Recordemos que la amistad entre la banda y sir  Elton John venía desde el año 1969, cuando junto a Taupin le cedieron la rola "Lady Samantha ".

Una vez que  los Three Dog Night habían grabado la canción bajo la supervisión de Taupin, estos decidieron no lanzarla como single ya que querían que primero tuviera su aparición en los charts en voz de Elton John. Esta decisión fue importante para Elton, quien decidió dejar de lado su mal humor y grabar de una vez por todas "Your Song" y lanzarla como single 7 meses después del lanzamiento del disco homónimo.

El resultado final fue una balada simple pero bella donde de manera perfecta la letra de Taupin calza en la marea musical creada por Elton John.  Esa mezcla de emociones, que van de la mano con arreglos ligados al Jazz, al Soul y al Folk, dejan a la balada como una d elas piezas musicales mas aplaudidas dentro del extenso catálogo musical de este músico inglés.

"Your Song" llegó a ser el primer super-hit de Elton John, ya que causó furor en toda Europa, en especial en sus tierras locales donde alcanzó el cuarto lugar d elos charts. Mientras que en Estados Unidos esta canción llegó al puesto #8 del Billboard Hot 100.

Fue tanta la fama de esta canción, que hasta colegas del músico quedaron impactados. Uno de ellos fue el genio John Lennon quien le dió espacio a esta canción en una entrevista con la Rolling Stone en 1975, señalando lo siguente: "Recuerdo haber escuchado esa pieza de Elton John llamada "Your Song ". Se escuchó  mucho en los Estados Unidos y fue uno de sus primeros grandes éxitos. En ese entonces me llamó mucho la atención y fue de las pocas canciones que le podían hacer el peso a las que hicimos con The Beatles. Es que era un paso adelante para la escena musical, y traía a una de las voces inglesas mas importantes de ese momento. esa canción me ponía muy contento". Pero la relación musical de esta pieza de Elton John con The Beatles no se quedaba solo en esas palabras, ya que semanas después de haberla lanzado como single, la mismísima revista Rolling Stone la catalogó como una "balada al estilo McCartney", debido a su delicadeza y sinceridad en la letra.

Una canción eterna, una pieza de alta calidad en voz de uno de los artistas mas famosos de la historia del Pop. Que la disfruten!

WELL WELL WELL / JOHN LENNON

"Well Well Well" es una canción del famoso músico británico John Lennon, que tuvo su aparición en el aclamado disco Plastic Ono Band, lanzado un 11 de Diciembre del año 1970.

Bajo la comentada terapia primal, que estaba basada en el desgarro de los miedos del pasado y visualizaba de esa manera el progreso emocional, Lennon sacó un disco crudo, sin pelos en la lengua en cada una de sus letras y musicalmente notable y poderoso en su producción. Era rock y poesia en estado natural, era un lanzamiento de una bola de fuego donde el artista no dejaba nada de lado y ponía todo su talento en la parrilla para dejar este registro musical tan aplaudido por las generaciones futuras.

En la temática de cada canción del disco podemos encontrar mensajes familiares, mensaje políticos, reflexiones sobre la religión, metáforas sobre las drogas y también cierto aire de paranoia. Pero también encontramos un mensaje feminista, influenciado por los escritos e ideales de Yoko Ono, sobre liberación sexual y revolución mental. Y ese mensaje, en cierto tono irónico, está bajo el potente riff de  "Well Well Well".

En el verano de 1970, Lennon alquiló una casa en Bel Air con el fin de empezar la comentada terapia primal bajo la supervisión del doctor Arthur Janov. Fue durante esas sesiones, en que el músico se dió el tiempo de idear su disco, y a la vez de jugar con la guitarra y los efectos. Fue en esos días en que apareció el riff que da el inicio a esta canción. Pero esa parte de guitarra Lennon la venía ensayando desde finales de 1969, cuando quedó impactado con la canción del musico estadounidense Lee Dorsey "Everything I Do Gonh Be Funky (From Now On)". Tras escucharla, un sonriente Lennon declaró a sus músicos de sesión, Klaus Voormann y Ringo Starr, que quería conseguir ese espiritu para una de sus canciones y aunque tuviera que tocarla y retorcarla cien veces iba a conseguir algo parecido o simplemente se retiraba del plano musical.

El 26 de Septiembre de 1970 fue la fecha exacta en que Lennon empezó a grabar "Well Well Well", y empezó por la parte mas esencial: El comentado riff distorsionado, que fue grabado en dos partes y  bajo la atenta mirada de Ringo y Klaus quienes eran la orquesta perfecta para esas sesiones dirigidas por Phil Spector.

En cierta parte de la canción, Lennon decidió gritar en vez de cantar. Para muchos criticos, que empezaron a estudiar el disco una vez que tocó las tiendas, esa era una de las formas secretas de mostrar como estaba cada pieza influenciada por la Terapia Primal. Pero estos tipos solo estaban lanzando pelotas fuera del tiesto, puesto que semanas después de haber lanzado el disco, y tras ser consultado sobre esta temática en una entrevista para la Rolling Stone, Lennon declaró: "Sólo basta con que escuches "Twist And Shout". Ahí te darás  cuenta que yo no podía cantar esa maldita pieza, y simplemente estaba gritando. Por ello, no quiero que confundan la terapia con la música". Mas claro no podía ser...

La canción fue terminada un 23 de Octubre de 1970, cuando Lennon le pasó las cintas a Spector para que este hiciera su trabajo en la edición y arreglos.  Lo primer que hizo el productor fue grabar "Well Well Well" en "mono" y agregarle un eco a la voz, el bajo y a la batería, dejando intacto la parte de guitarra.

De esa manera se le dió rienda suelta a una de las canciones mas aplaudidas de Lennon como solistas. Con cierto aire a Hard Rock y una letra dura, crítica y fiel a la sangre poética de uno de los artistas mas importantes para la escena de la música popular del siglo XX.

Que la disfruten!