domingo, 29 de enero de 2012

BO DIDDLEY / BO DIDDLEY



"Bo Diddley" es una canción del emblemático cantautor y guitarrista estadounidense Bo Diddley, que fue publicada en Abril del año 1955.
Oriundo de McComb, en el estado de Mississippi, y cuyo nombre verdadero era Ellas Bates, este aplaudido músico empezó a mostrar su talento musical desde que era muy pequeño, cuando sus padres lo inscribieron en una clase de violín en una Iglesia Baptista . Pero fue en los años 30 cuando por razones familiares se mudó a Chicago en que se dió cuenta que la música docta no iba con él y que los sonidos del Blues le calzaban perfecto. Por ello, y tras su fanatismo por la voz y el talento en las seis cuerdas de John Lee Hooker es que decide pedir una guitarra para la Navidad. Y así fue no más, ya que su hermana le hizo el tan preciado regalo.
Desde ese momento tomó el apodo de Bo Diddley (inspirado en el Diddley Bow, un instrumento de cuerda muy usado por los músicos negros) y empezó a probar suerte con sus propias composiciones, hasta que fue reclutado por el sello Chess Records y empezó a hacer historia, a tal punto que la prensa lo llamó "The Originator", por sus grandes aportes a la arquitectura armónica del rock and roll.
Enlace
No hay dudas en que su canción mas reconocida es aquella que lleva simplemente su nombre. Dueña de una estructura musical sacada del "Hambone", una variedad de danza muy usada por la gente de raza negra (en especial por los esclavos llegados del África) y que fue descrita como una "forma artística de golpeo de los muslos", Diddley hizo que su guitarra sonara siempre como un nstrumento de percusión, o como el latido de un corazón salvaje. Ahí estaba la receta de sus hits. A partir de eso, y de haber tomado ciertos acordes de una vieja pieza del folk llamada "Mockingbird", el guitarrista escribió esta canción y la tituló como "Uncle John".

Una vez que le enseñó la canción a los dueños de Chess Records, en Febrero de 1955, estos simplemente la rechazaron por encontrarla poco comercial, y con un pasaje directo al fracaso en las listas.De hecho, esos productores rechazaron la canción simplemente por su letra, ya que la encontraron "demasiado sucia para los auditores blancos y los conservadores".
Pero esto en ves que deprimir al músico le hizo sacar nuevas fuerzas creativas y en tan sólo una semana llegó nuevamente a los Universal Recording Studios, ubicados en Chicago, nuevcamente con su criticada canción pero con una letra renovada y titulada simplemente como "Bo Diddley", lo cuál llamó de inmediato la atención de los productores.

Una vez que le dieron el "sí", el 2 de Marzo de 1955 Diddley grabaría su canción con los emblemáticos músicos de sesión que tenía el sello.
Pero el músico también se dió un lujo en este, que sería su primer single oficial de su carrera como solista, e invitó a su viejo amigo Jerome Green para que tocara las maracas y apoyara en los coros. Además, juntos hicieron el llamativo efecto de sonido de la percusión utilizando varias cajas de resonancia que estaban puestas alrededor del estudion y que llamaron la atención de los demás músicos.

Una vez que la publicaron, la canción empezó a sonar de inmediato en las radios, y ya el 30 de Abril contaba con dos versiones instrumentales, y ademas la revista Billboard informaba que las ventas del disco eran millonarias y que de seguro sería uno de los más vendidos del año (y lo logró!).
Pero la canción no sólo sería un éxito en 1955, sino que también marcaría la cancha con el paso de los años para otros artistas, en especial el riff de guitarra que a sido utilizado por diversos artistas y en canciones muy famosas. Por ejemplo podemos mencionar a "Not Fade Away" de Buddy Holly, "Cannonball" de Duane Eddy, "Hey Little Girl" de Dee Clark, "I Want Candy" de Strangeloves, y la popular "Faith" de George Michael.

Las seis cuerdas de Diddley traspasaron las generaciones, y su música es parte fundamental para la historia del rock and roll. Por eso, todas las estrellas del rock de verdad han tomado influencias de este gran personaje, que supo dela fama y también del fracaso y que además experimentaba sonidos en el estudio, algo que después sería influencia pura para otros artistas que querían ir contra la ola de la moda musical comercial.
Que la disfruten!

viernes, 27 de enero de 2012

DEAR YOKO / JOHN LENNON



"Dear Yoko" es una canción del músico inglés John Lennon que forma parte del repertorio de su aclamado disco "Double Fantasy", publicado un 17 de Noviembre de 1980. Este sería el último trabajo en vida del ex-Beatle, ya que a casi un mes de su lanzamiento al mercado con "bombos y platillos" fue asesinado y enviado repentinamente al panteón de la leyenda, dejando una pena enorme en el mundo musical y también político-social.
Tras estar un largo periodo fuera del ambiente musical para dedicarse ciento por ciento a su familia, Lennon vuelve a las radios con este LP que contiene canciones memorables y un aire mas renovado para comenzar la nueva década. En "Double Fantasy" encontramos piezas notables, con un sonido moderno pero con esa poesía llena de honestidad y amor que sólo Lennon nos podía regalar. Un disco altamente recomendado, a pesar de tener que soportar los cánticos sedantes de Yoko Ono.

Sobre esta ultima, la esposa del cantante, es que hablaremos hoy, ya que en el disco se encuentra una canción que va dedicada al amor por el cuál el músico lo dejó todo, incluso a Los Beatles.
"Dear Yoko" es casi una despedida sin sentido o un tributo cordial en su cinta original, pero con el paso de los meses y años tomó mucha fuerza su mensaje simple y claro: Era la canción que ten+ia que estar, puesto que era el momento del Lennon con el corazón al desnudo y dejándonos en claro que a pesar de todo lo que decían los medios amaba a esa mujer con todo su ser.

En plena promoción del disco, Lennon mencionaba que "Dear Yoko" simplemente"lo dice todo. Es una pista agradable y está dedicada a mi esposa. En lugar de decir "Dear Sandra", como lo hacen otros artistas que escriben sobre una mujer real o ficticia, yo escribí sobre mi esposa". Es que el músico en cada disco dejaba una huella dedicada a su mujer, como tambien lo hizo con sus hijos y con sus padres. Era su honestidad brutal lo que hacía de Lennon un genio de lo cotidiano.

La historia cuenta que Lennon empezó a grabar "Dear Yoko " en su casa ubicada en Long Island, durante la primavera del año 1980 y la dejó registrada en una cámara de video, la cuál hoy en día es un objeto de colección. Después, en Junio de 1980, cuando estaba de vacaciones en la Bermudas, Lennon la volvió a grabar de manera acústica.
Una vez que la tenía casi lista para empezar a depurarla, Lennon no estaba tan seguro de algunos arreglos para la parte final. Por ello, corrió a la tienda de discos mas cercana y una vez que escuchó varios discos y uno que otro single de moda, el ex-Beatle se quedó con uno de la banda norteamericana Shirley & Company donde aparecía su super-hit titulado "Shame Shame Shame", el cuál inspiró varias pártes de la canción en su etapa final. Además, en la parte vocal, Lennon le hace un pequeño pero digno homenaje al maestro Buddy Holly, su ídolo de infancia.
Sobre esos detalles, el productor Jack Douglas, que trabajó con John en el Double Fantasy declaraba en una entrevista: "Esta canción tenía aires a los 50's, y John era bueno en esos ritmos. Siempre la encontré una canción ligera, y además es la más divertida dentro del repertorio".

El 14 de Agosto de 1980, fue el día en que Lennon entró a los estudios de Hit Factory a grabar esta canción. La sesión fue extensa, en cuanto a las horas, y tomó seis tomas.
Al momento de grabarla, Lennon y el guitarrista Earl Slick llegaron tarde al estudio y con una resaca de aquellas a causa de una noche de juega olímpica. "Fue la única vez que hice algo así antes de entrar a trabajar. Estaba fuera de control y, por supuesto, lo hice en un disco de Lennon" declararía el guitarrista años después al recordar esa mítica sesión donde el dolor de cabeza y el mal humor hizo de las suyas.

Debido a que Earl con el paso de las horas se iba quedando dormido, y decidió abandonar las grabaciones para ir a reposar "la caña". El productor Douglas decidió darle el papel protagónico al otro guitarrista, cuyo nombre era Hugh McCracken, quien incluso era un "capo" en la armónica y su especialidad era la guitarra slide. La participación activa de este nuevo integrante del staff de Lennon fue muy importante en esta canción, en especial por su interpretación de la arm+onica donde grabó cuatro tomas diferentes dándole un efecto sonoro muy llamativo,el cuál es la base de la canción.

Una vez que laparte instrumental estaba lista y ya grabada, fue la hora en que apareció para grabar la parte vocal. Esto ocurrió un 22 de Septiembre, el mismo día en que el músico y su esposa firmaron un suculento contrato con Geffen Records, que sería la encargada de publicar este esperado LP de uno de los artisyas mas influyentes de todos los tiempos, dueño de una leyenda enorme y reconocida por todo el planeta. Es John Lennon, es el poder de la canción...
Que la disfruuuuuuten!

martes, 24 de enero de 2012

BENNIE AND THE JETS / ELTON JOHN



"Bennie and the Jets" es una canción del cantautor británico Elton John, que fue publicada como single un 4 de Febrero de 1974, y está incluída en el LP Goodbye Yellow Brick Road, considerado por la crítica como su mejor trabajo musical .
Lanzado como un disco doble, este trabajo musical de Elton John fue completamente grabado en Jamaica, dejando con las ganas a Los Rolling Stones quienes tenian en un principio esa alocada idea pero por razones técnicas y políticas no pudieron terminar su proyecto en esas tierras, dejando así a este aclamado músico inglés.
El resultado final fue un disco brillante, donde cada canción es un pasaje de calidad y que tenía un conjunto de singles bien potentes que darían que hablar dentro d ela industria musical de los 70's.

Dentro de su aclamado repertorio, una de las que se robaba la película era la "popera" "Bennie and the Jets", escrita por el cantante y su compañero Bernie Taupin como una sátira a la escena músical de los 70's, en especial sobre el comentado "Glam Rock" y sus camaleónicas puestas en el escenario. Influenciado por las obras de David Bowie y Gary Glitter, Elton John se metió de lleno en ese mundo musical nuevo y bastante criticado por esos años. Pero la "facha" del cantautor iba por el lado del juego sexual, donde usaba coloridas y deformadas ropas de mujer combinada con un aspecto salvaje y llamativas gafas de sol, que lo hacía ver bastante extraño.

La historia de esta canción empieza en Francia, cuando Elton y Taupin estaban en los Strawberry Studios escribiendo material para este nuevo LP. En una ocasión, Elton empezó a hacer un efecto vocal tartamudeando "BBB-Bennie ...". Fue en esa ocasión en que Taupin tomó la idea la trabajó en un contexto futurista, con aires robóticos y a Ciencia Ficción.
" Bennie And The Jets era casi Orwelliana , de aspecto futurista. En un principio se suponía que iba a hablar sobre una banda femenina de autómatas que tocaba rock and roll" señalaría Elton en la revista Esquire.

Una vez que terminaron la canción, Elton decidió viajar a jamaica con su banda de apoyo para atrapar la mística del lugar y hacer historia con su nuevo LP que estaba preparando. De esa manera, el músico empezó a trabajar y a grabar la canciónes, siendo una de las primeras canciones en ser trabajadas la extraña "Bennie and The Jets".
Al escuchar la canción, uno de los primeros en saltar de su asiento y pedir explicaciones fue el guitarrista Davey Johnstone, quien declararía años mas tarde que "era una de las canciones mas extrañas que había trabajado". Asi como Davey, los demás músicos de sesión también se extrañaron con estos acordes.

Otro de los detalles musicales mas caracteristicos de esta pieza es el falsete usado por Elton, el cuál estaba inspirado en el estilo del cantante Frankie Valli. Es que John era un fanático a rabiar de este cantante norteamericano, en especial de su etapa con los Four Seasons, ya que fue la música con que el cantautor creció e incluso fue uno de sus primeros concierto donde asistió de jóven. Uno de los que aplaudió de pie ese detalle fue el productor Gus Dudgeon, quien quedó muy a gusto con la canción, y tan extraña no la sentía.

Dudgeon tuvo un pepel fudamental en los toques finales a la canción, ya que suya fue la idea de dalr un toque "en vivo" a la canción incluyéndole en el periodo de mezclas un efecto de aplausos y chiflidos que fue sacado de un audio en vivo de un concierto que dió Elton John en Royal Festival Hall y otro que dió en Vancouver, ambos en el año 1972.

En un principio Elton no le tenía mucha fe a la canción, e incluso, al no creer que odría tener éxito, decidió no publicarla como single en el Reino Unido, dejando el espacio para la hermosa balada "Candle in the Wind" (que fue un éxito rotundo, y con varios records a la espalda, y con esta canción en el lado B). Pero la empresa discográfica decidió promocionar el disco con "Bennie and the Jets", y realmente fue una gran sorpresa para el cantante, quien simplemente cruzó los dedos para lograr evitar un desastre comercial, aunque igual había protestado para darle oportunidad a esta "rola". Pero un 13 de Abril de 1974 Elton John se cayó de espalda puesto que no podía creer que su canción había llegado a la cima del Billboard Hot 100.

No hay dudas, esta es una de la canciones mas reconocidas en la carrera de este genio de la música británica, dueño deun talento a la hora de componer que saca aplusos eternos.
Que la disfruten!

BONUS TRACK: ESPECIAL HDC "THE BEATLES"

Con motivo de los 3 años del Blog, y con el fin de ir recopilando las mejores entradas, hemos decidido lanzar el primer ejemplar de la Revista digital HDC, y qué mejor que empezar con un análisis de 19 canciones de The Beatles, las cuales fueron cuidadosamente elegidas por el comité de expertos (?).



La puedes descargar, en formato PDF, aqui.

Que la disfruten!

sábado, 21 de enero de 2012

EVERY NIGHT / PAUL McCARTNEY



"Every Night" es una canción del músico británico Paul McCartney, que fue publicada un 17 de Abril de 1970 en "McCartney", su primer disco oficial como solista después d ela dolorosa ruptura de The Beatles. Mencionamos como "dolorosa" a esa separación de la banda ya que no sólo dejó triste a la fanaticada sino que también marcó la carrera musical de sus cuatro integrantes, y en especial a Paul que se había llevado la peor parte de la torta millonaria y las acusaciones de ser el protagonista de esa tragedia con que se despedían los 60's.
Un disco llamativo, con escasez de producción avanzada, con tintes acústicos y con una clara melancolía en cada una de sus piezas es el resumen del repertorio. Pero, a pesar de esos detalles, el resultado final es una joya que sólo un Beatle podía hacer, ya que sacar oro de un pozo de barro era un acto de magia que pocos músicos podían hacer. Y este LP es un claro ejemplo.

Una de las canciones que compone ese disco es "Every Night", quizás una delas piezas que más destaca por su composición y su estilo rockanrolero.
La historia de esta canción empieza a inicios del año 1969, cuando aún The Beatles estaba en pie. Como en esa época las relaciones entre los integrantes estaba día a día por los suelos, Paul, y su esposa Linda, decidieron tomar unas vacaciones en Grecia con el fin de escapar de ese infierno musical que era ensayar con sus demás compañeros. Fue durante esos días en que Paul escribió algunos versos y capturó los acordes de lo que después sería esta grandiosa pieza musical.

Un vez que tocó suelo británico, Paul partió de inmediato al estudio de grabación de Apple donde sus demás compañeros seguían echando leña a la máquina de canciones en las míticas sesiones "Get Back", que estaban destinadas a que la banda tomara nuevamenteel rumbo y volviera a los escenarios con su faceta mas rockanrolera.
Así fue como un 21 de Enero, Paul intentó grabar parte de esta canción que aún no tenía título oficial. En esa ocasión, Paul la interpretó a pura guitarra acústica y a todo pulmón, aunque con una letra aún en construcción.
Luego, el 24 de Enero, y tras trabajar con sus demás compañeros en "Dig A Pony" (de John) , McCartney decidió volver a grabar esta canción que estaba preparando junto a su buen amigo Lennon, quien lo acompañó en la guitarra slide, la cuál interpretó de una manera horrible. Al parecer la "onda" de antaño ya estaba perdida...

Finalmente, la canción pasó a segundo plano dentro del extenso repertorio que tenían los Beatles antes de su fin, y Paul la dejó en carpeta para algún proyecto a futuro.
Pasaron las semanas, los meses y The Beatles como banda ya no existían, y la gente lo sintió mucho, la prensa igual aunque tenía pasto para sus páginas de "copuchas" y de los cuatro jinetes sólo hubo uno que sintió más fuerte la caída: Paul McCartney.
"Imaginate que tus tres mejores amigos, de un rato para otro, estén en contra tuya. Por eso, y lo admito, me caí a la botella, me caí a las drogas. Fue un periodo muy díficil para mí" comentaría en el año 2007 un renovado Paul a las revista Q. Es que el músico sin The Beatles no sabía que hacer, puesto que la sombra de su pasado era muy gigante como para empezar de cero una vez mas. Por ello, y tras caer en un cuadro depresivo y casi en la banca rota, y aparte de eso vinieron los abusos de drogas y alcohol, el músico tuvo que caer en los brazos de Linda, la mujer que tenía a su lado y con quien pudo pasar sus penas alejado del mundo del espectáculo.

Con ella a su lado, Paul empezó a tomar gusto por la vida famliar, por el campo y por una amplia cantidad de cosas que antes quizás no le daba tanta importancia por ser un poderoso Beatle. Esos buenos momentos, hicieorn que las ganas de pescar nuevamente la guitarra afloraran nuevamente y que la música tomara nuevamente su rumbo en sus manos y pensamientos creativos. De esa forma renacía entre las cenizas Paul, y todo gracias a que Linda se había convertido en una influencia enorme para su vida.

Con una mezcladora de 4 pistas que había adquirido tras la ruptura de su banda, Paul empezó a grabar y grabar canciones, y entre esas estaba "Every Night", una canción que había arreglado detalle a detalle ,tras tenerla en carpeta desde 1969, y que ahora era un homenaje al amor por Linda y su agradecimiento por mantenerlo de pie aún en las horas mas oscuras.

Un 22 de Febrero de 1970, McCartney llegó a los estudios Abbey Road y de inmediato grabó dos temazos: " Maybe I'm Amazed" y "Every Night". Esta ultima pieza, fue la que llevó mas tiempo para la producción, y la cuál tuvo de cabeza al músico ya que recien el 24 de Febrero estaba lista para ser incluída en el disco. Pero valió la pena....
Para la fanatica de Paul, "Every Night" es considerada una de las piezas mas notables dentro de su giratoria carrera como solista y con los Wings. La canción cuenta s¿con una delicada melodíaque la lleva a ser aplaudida hasta estos días y que dejaba en claro, que pese a que la leyenda Beatle es enorme, por separado cada unode sus integrantes seguían derrochando mágica y talento a la hora de escribir canciones...
Que la disfruten!

jueves, 19 de enero de 2012

GAMES PEOPLE PLAY / JOE SOUTH



"Games People Play" es una canción del cantautor y guitarrista estadounidense Joe South, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1968 y que arraso en las listas de ventas y los charts de todo el mundo con su atrativa propuesta lírica y musical.
Oriundo de Atlanta, Joseph Alfred Souter (nombre vedadero del artista) empezó su carrera musical en el año 1958 con moderados hits y además empezaba a escribir canciones para que fueran interpretadas por el maestro del rockabilly Gene Vincent ( una de las mas destacadas fue "I Might Have Known") y a raíz de ese potente trabajo fue reclutado por un empresario musical de su tierra natal quien lo contrató como guitarrista de sesión y con esa "pega" llegó a tocar en varios hits de aclamados artistas. Por ejemplo South fue el encargado de las guitarra en "Chain of Fools" de Aretha Franklin, en "The Sound of Silence" de Simon & Garfunkel y además fue parte de la banda de sesión utilizada por Bob Dylan en su aclamado LP Blonde on Blonde. A partir de esas nuevas experiencias, el guitarrista decidió retomar la composición y empezar una revitalizada carrera como solista que tuvo buenos frutos.

Una de las piezas musicales que le dió la eternidad musical a este aclamado músico fue "Games People Play", una notable canción insporada en la temática del famoso libro del mismo título publicado en el año 1964 por el famoso psiquiatra Eric Berne. En esa obra, el médico habla de manera muy directa sobre la psicología de las relaciones humanas, desenfundando a través de simples juegos varias tácticas y maniobras inconscientes que aparecen y conducen nuestra vida.
Bajo esa panorámica humana, Joe South escribió sobre la poca felicidad del vivir que tienen los seres humanos, quienes viven pensando de manera extrema y negativa ante los problemas que aparecen en el diario vivir. Por ello, South usa su canción a modo de protesta contra la desigualdad social, la hipocrecía, el odio entre humanos y la intolerancia en el plano social, con mensajes claros y sin tanta metáfora rebuscada.

Musicalmente la canción toma un rumbo notable, y mas encima retoma fuerzas cuando sale a la luz publica que todos los instrumentos fueron tocados por Joe South y sin ninguna ayuda externa. Es que el músico en ese entonces tenía un idea experimental donde todo lo que hacía tenía que tener el espiritu natural de la creación activa, por ello decidió ser él y sólo él la fuerza de entonación para sus obras.
Cabe señalar, eso sí, que gran parte de la melodía fue tomada de un viejo clásico de la música Cajún llamado "'Tit Galop Vierta Mamou", que fue interpretado con mucho éxito en el año 1965 por The Balfa Brothers y que posteriormente tuvo muchas versiones. Pero en su canción, South cambia ese solo de violín por una distorsionada guitarra sitar Danalectro.
Por esos años, donde la temática de la psicodelia hacía de las suyas, la marca registrada de todo hit era partir con un desolado solo de guitarra o juegos de cuerdas y South no quizo quedarse atrás y en esta canción se dió el lujo de empezar de esa manera su creación.

Ese manto musical formado por la guitarra sitar y el conjunto de violines es uno de los momentos mas notables de y brillantes dentro de la canción, y deja en claro que el trabajo de producción fue hecho con pinzas y cuidando cada detalle que aparecía en el camino. Luego aparece un teclado a escena junto a un grupo vocal que transita por toda la "rola" y la cosa se pone de alta calidad, demostrando que en esos años el Pop tambien era sinónimo de calidad y profesionalismo al máximo, algo que hoy en día se ha perdido pese a tener mucha tecnología en las manos como para hacer cantar hasta a un perro.

Una vez que la canción tocó los estantes de las disqueras, de inmediato se sintió aroma a hit (?). Ya a mediados de Enero de 1969 la canción entraba al Billboard Hot 100 y en pocas semanas escalaba hasta el lugar #12. Semanas después Joe South era grito y plata en el Reino Unido, donde esta canción llegó al puesto #6, dejando muy en claro que la calidad musical daba buenos dividendos.
Pero su momento mas alto de esta pieza fue a inicios del año 1970, cuando Joe South ganó el premio Grammy a "la canción del año". Con ese galardón la canción entraba al rincón de los hits eternos, y por ello es que hasta el día de hoy las radios aún la ponen en su parrilla musicales como intentando llevar al oyente a un paseo por los recuerdos de juventud y por los sonidos clásicos que tanta falta hacen hoy en día.
Que la disfruuuten!

martes, 17 de enero de 2012

TIE A YELLOW RIBBON ROUND THE OLE OAK TREE / DAWN & TONY ORLANDO



"Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree" es una canción de la banda Dawn & Tony Orlando, que fue lanzada como single en Marzo del año 1973 y que se convirtió en su hit que dió la vuelta al mundo, y con el cuál hasta el día de hoy se mantienen eternos.
Oriundos de Nueva York, esta banda nace de un simple encuentro con la casualidad marcada por fracasos musicales del pasado. Es que Tony Orlando, quien había comenzao su carrra musical en el año 1961, tuvo un éxito moderado en las listas, hasta que en 1969 decidió retirarse de la música debido a que no llegaba entrar a los charts y su sello ya lo tenía hasta el cuello con tantos fracasos.
Pero un año después, tras tener ciertos lios con su anterior casa disquera, el cantante vuelve a la batalla musicales pero esta vez con el sello Bell Records y esconde su identidad bajo el nombre de una inestable banda llamada Dawn (en honor a la hija de uno de ls productores de ese sello) y de esa manera recluta a dos cantante llamadas Telma Hopkins y Joyce Vincent Wilson, quienes seria su apoyo vocal y las caras visibles de este gran proyecto que le devolvió el gusto por la música y por la fama que tanto quería saborear.

Pero la historia de esta canción, y quizás su pieza musical mas recordada de esta banda, empieza por el año 1971 y tiene como autores a la famosa dupla de compositores formada por Irwin Levine y L. Russell Brown.
La idea de la canción nace de una historia real, la cuál tenía como protagonista a un convicto que recibe su paso a la libertad tras pasar un extenso periodo tras las rejas. Según Levine y Brown, la canción tomo forma tras leer esa historia en un articulo del New York Post, y obviamente ellos tomaron trozoz de esa historia real y la mezclaron con otra de fantasía, para hacer mas comercial a la canción.

El articulo que describen los compositores fue publicado en dicho periódico en octubre de 1971, y estaba firmada por el columnista Pete Hamill bajo el título: "Going Home". En esas páginas, el autor señalaba sobre un suceso que marcó las vidas de un grupo de estudiantes universitarios que iban de gira de estudios a disfrutar de las playas en Fort Lauderdale, y que en la carretera se hacen amigos de un ex-convicto que estaba mirando atentamente un viejo y gran roble que tenía en su tronco un pañuelo amarillo. La simbología urbana de ese pañuelo quería decir que en ese lugar había una familia esperando con los brazos abiertos a ese ser querido que estaba luchando en la guerra o estaba preso en algun lugar de Estados Unidos. Por ello, ese personaje miraba con mucha atención esa señal, ya que quizás él no era el único que estaba fuera de casa por razones que estaban fuera de lo normal.
Esta bonita tradición prevenía de un viejo cuento muy popular en esas tierras, publicado en 1959, que hablaba de una pareja de enamorados que tiene que separarse porque él fue llamado al ejército y ella, bajo su encanto de mujer enamorada, le promete que lo esperará con un pañuelo
amarillo fuera de casa, en señal de esperanza y confianza.

Hasta ahí todo parece normal, y la canción toma un rumbo humanitario, ycon una historia realmente hermosa en su trama interior. Pero Levine y Brown también fueron pillos, y tras ver que en Agosto de 1972 Hammil re-editaba ese artículo y mas encima había sido de utilidad para que un canal de televisión hiciera una serie basada en esa historia del convicto, ambos compositores decidieron correr a inscribir bajo su nombre la canción "Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree", que tenía la temática muy parecida a esos dos proyectos anteriores.

Una vez que decidieron ceder la pieza a Tony Orlando, este ni tonto ni perezoso hizo los arreglos musicales pertinentes y decidió grabarla como el siguiente single que les mantendría la racha de estar en los puestos de avanzada en los charts de ambos lados del Atlántico.
Y así fue, ya que en Abril de 1973 "Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree" llegaba sólo por unos días de diferencia a la cima del Billboard Hot 100 y del UK Singles charts y se mantuvieron casi 4 semanas en esa posición. Además, la canción fue todo un éxito en Australia, donde estuvo 7 semanas en el primer puesto de sus rankings (desde Mayo a Julio!) y sonaba hasta en "la sopa".

Tras observar como la canción era un hit monmental y además estaba basada sin tapujos en la historia que había relatado en aquellá columna, Hammil no se quedó de brazos cruzados y en Mayo de 1973 demandó a los compositores de la canción por plagio, justo el día en que los noticiario informaban que la canción ya había vendido 3 millones de copias.
En su defensa, Levine y Brown mencionaron al periodista que jamás tomaron ideas de su artículo titulado "Going Home" (!) y que simplemente la escribieron tras conversar con muchos ex-soldados quienes d¿le señalaron esa tradición del pañuelo amarillo atado al roble. Obviamente esa excusa no le sirvió a los compositores, quines después buscaron otro fundamento para explicar la temática de su canción y esta decía que tomaron cierta influencia tras ver la cinta She Wore A Yellow Ribbon, de 1949 y con John Wayne como protagonista. Si bien ese detalle era mas creíble, lo cierto es que la demanda fue y ambos compositores tuvieron que pagar, ya que era muy notorio el parecido de las temáticas, y además habían admitido conocer esa famosa columna de Hammil.
Y mientras eso ocurría en los Estados Unidos, en Nueva Zelanda la canción llegaba al puesto #1 y encantaba con su dulce historia que mezclaba esperanza y amor a chorros.
Que la disfruten!

sábado, 14 de enero de 2012

YOU'VE GOT TO HIDE YOUR LOVE AWAY / THE BEATLES




"You've Got to Hide Your Love Away" es una canción de la banda británica The Beatles que fue publicada un 6 de Agosto de 1965 dentro del disco Help! (que también era la banda sonora de la película del mismo nombre).
Para muchos fanáticos de esta banda inglesa, en "Help!" se manifiesta un interesante avance musical para la banda, el cuál tomaría altas revoluciones en el disco siguientes, pero ya en este LP el mensaje estaba más que claro: Los plásticos "Yeah, Yeah" ya no existían, y los Beatles se mostraban más maduros y con influencias musicales muy actuales, como por ejemplo el fanatismo por Bob Dylan.
Sea como sea la trama de la cinta, la banda sonora incluida en este disco es maravillosa, con los cuatro jinetes del rock en su estado puro, dejando de lado los covers y con ganas de experimentar nuevos sonidos y melodías en sus propias creaciones. Ese es un plus importante para el disco, ya que en especial el lado A de este, su quinto trabajo musical, debe ser de los inicios más potentes de un LP en la historia del rock.

Uno de los puntos más altos del disco está en una melancólica tonada acústica compuesta por John Lennon y titulada "You've Got to Hide Your Love Away" . En ella se puede notar de manera fría y calculada que la influencia de Bob Dylan atraía en especial al líder de la banda, que jamás ocultó su fanatismo por este poeta del blues y del rock. Eso sí, mientras Lennon dejaba de lado su alma rockera para dar pasos a misteriosas baladas acústicas con sabor a Folk, al otro lado del "charco", Dylan tiraba su guitarra de "palo" detrás de los escenarios y enchufaba la guitarra eléctrica para actualizar sus sonidos junto a una banda de apoyo y eso le trajo mas que un polémica con sus fans... Pero eso es otra historia.

Pero si viajamos al año 1971, y nos vamos a las páginas de la Rolling Stone, donde se le hacía una interesante entrevista a un renovado John Lennon podemos dar cuenta que la canción era además una rebeldía hacía la industria del Pop de esos años, donde todo era básico y las emocioes se dejaban de lado para dar paso a la fama, los charts y el dinero.

Tal como ya lo venía experimentando en algunas piezas musicales, en esta canción Lennon manifestaba una honestidad a ratos brutal dentro de la lírica. Años después, en una entrevista con Playboy, el músico mencionaría: ""You've Got to Hide Your Love Away" es de mi período "Dylan". Es una de esas piezas que hablan sobre lo triste que te sientes con frases como 'Here I stand, head in hand...' No sé exactamente como y cuando empezó esta idea, pero era algo para reclamar que en realidad soy un perdedor y además ocultó un amor. Pero en vez de proyectar mis emociones, prefiero eso de tratar de expresar lo que sentía en ese momento, algo muy parecido a lo que había hecho en los libros".
Además el músico agrega un sincero homenaje a su ídolo, indicando que " fue con la obra de Dylan que tomé en cuenta que mas allá de discutir o dar explicaciones sobre un tema, simplemente tenías que escuchar sus obras Claro, es que él tenía la actitud del compositor profesional para escribir canciones pop; y que a su vez, lo unía con un cierto estilo de canto para cada single".

Ahora, sobre la temática en sí de la letra, existen muchas especulaciones en torno a ella. Una que suena fuerte, aunque no existen datos verdaderos y fiables, era que Lennon le había escrito esta pieza al manager de la banda, Brian Epstein.
Era conocido en el rubro musical que Brian era homosexual, y que sufría mucho tras no ser aceptado en su familia que era de una talla conservadora. También, muchos investigadores de la leyenda Beatle declaran que el manager sentía cierta atracción por John, y era con él con quien se llevaba más bien. De hecho en un momento dado, específicamente en Abril de 1963, y tras una extensa gira por Europa, John y Brian deciden pasar unas merecidas vacaciones en Barcelona, España.

Una vez que ambos tocaron el suelo de Liverpool, la prensa empezó a especular que la pareja había compartido una experiencia sexual. De hecho, uno de los que asegura esta teoría del viaje a España es Hunter Davies, biógrafo oficial de la banda, quien afirmaría en el año 2006 que "si bien John no era homosexual, hay que recalcar que podía llegar a ser tan tonto como para intentar cualquier cosa por primera vez".

Lo único cierto en todo esto es que lo que ocurrió en ese viaje a España simplemente ambos se lo llevaron a la tumba y no queda nada más que discutir y sacar conclusiones de fantasía. Aunque también existe otra teoría sobre la letra de la canción, y está dada en un caso opuesto, ya que hay ciertos biógrafos que reclaman que esta canción simplemente habla sobre la infidelidad a su mujer de ese entonces, marcada por una reflexión de los excesos quien tiene toda estrella del rock.

En lo que respecta al trabajo en estudio en sí, hay que señalar que "You've Got to Hide Your Love Away" empezó a ser grabada un 18 de Febrero de 1965 en los estudios Abbey Road. En esa ocasión la banda grabó nueve tomas (en una de ellas se corta repentinamente la interpretación debido a que Lennon rompe un vaso), de las cuales seleccionaron sólo dos.

Un detalle importante a considerar de esta pieza musical es que fue la primera canción, desde “Love Me do”, donde los Beatles utilizan un músico invitado. Si en “Love Me Do” la batería estuvo a cargo de Alan White, en esta pieza se invitó al flautista y arreglista musical Johnnie Scott, quien incluyó el fantastico momento de la flauta en la parte final de la pieza.
“Me dijeron más o menos lo que querían, todo tenía que estar en el tiempo de ¾, y la mejor manera de satisfacer sus necesidades fue a tocar una flauta tenor y luego una flauta alto, utilizando la técnica del doblaje. Recuerdo estar grabando frente a los cuatro en el estudio. Me acuerdo de la sonrisa de Ringo, quien regresaba de su luna de miel” mencionaría Johnnie Scott, en una entrevista con el periodista Mark Lewisohn.

Una canción notable, de las que marcaron el cambio musical de la banda y de los 60’s, el cuál dejó a muchas bandas en el olvido, especialmente aquellas que aún creían en el melódico Yeah, yeah…
Que la disfruten!!!!

viernes, 13 de enero de 2012

YOU'VE GOT YOUR TROUBLES / THE FORTUNES



"You've Got Your Troubles" es una canción de la banda británica The Fortunes que fue publicada en Julio de 1965, y que catapultó a la fama a esta agrupación "beat" de Birmingham.
La historia de esta banda empieza en 1963, cuando el sello Decca los reclutó tras una larga sesión de audición (tal como leen, el mismísimo sello que por tener la diea de que las bandas con guitarras eran poco comerciales rechazó meses antes a The Beatles, y que ya en esos días se daba cabezazos contra la pared por su fatal decisión).
Fundada bajo el nombre de The Cliftones por el bajista y cantante Rod Allen y el guitarrista Glen Dale, estaba además estaba comformada por Barry Pritchard en guitarras, David Carr en teclados y Andy Brown en batería, y juntos lograron llevar a cabo un sonido Pop ligero pero eficaz que fue escuchado mas allá del territorio británico, siendo figuras principales en lo que se conoció como la "invasión británica" al mercado musical estadounidense a medidados de los 60's.

Otro detalle musical que jugaba a su favor le daba a la banda era tener de aliados a la pareja de compositores formada por Roger Greenaway y Roger Cook , ambos se convertirían en expertos en la elaboración de joyas Pop dentro de la escena musical britanica y con un curriculum lleno de elogios y premios.
Una de las primeras canciones que escribieron juntos esta aclamada dupla fue "You've Got Your Troubles", una canción con hecha en Birmingham pero que tenía aires musicales a Liverpool, en especial al fenómeno del "Mersey Beat", del cuál compartian detalles en común. Y estaba mas que claro, en ese entonces la batuta la llevaba The Beatles y detrás de ellos se unían muchas bandas británicas imitando fielmente el estilo (esas duraron un par de años) y otras llevándolo mas allá, e incluso experimentando nuevas técnicas e influencias varias (como es el caso de Fortunes).

Sobre las influencias musicales y los secretos de esta canción, el señor Roger Cook mencionó en el libro 1000 UK #1 Hits ( de Jon Kutner y Spencer Leigh, y altamente recomendado!) que "no hay músico en Inglaterra que no haya aprendido o imitado algo de The Beatles. Pero me gustaría creer que fueron ellos los que tomaron algunos trucos de nosotros. Recuerdo que Roger Greenaway y yo escribímos la melodía, con la idea en la mente de sacar algo que no haya sido escuchado en años anteriores. Lamentablemente, pocas semanas después aparecieron los Beatles con "Help!" y eso nos jugó muy en contra".

Sin embargo, la canción contiene detalles musicales notables, como el incluír una sección de bronces entre medio, y un juego vocal de alta calidad, que deja al oyente muy sorprendido y le dá un toque especial a la pieza.
Esos detalle hicieorn que la canción llegara a la casilla #2 del UK Singles charts y que además empezaran a sonar fuerte en los Estados Unidos, donde escalaron hasta la casilla #7, siendo una gran sorpresa para los agentes británicos, quienes vieron con buenos ojos el andar de este quinteto.

En esa época, muchas bandas británicas estaban muy aliadas a las radios piratas, la cuales le ofrecian mejores garantias de reproducir sus singles y además formaban parte de la onda Mod, donde el sector juvenil se concetraba de mejor manera.
"You've Got Your Troubles" fue enviada por The Fortunes a una emisora pirata llamada Radio City, cuyo operario era el señor Tom Edwards, quienes empezaron a tocar la pieza con un mensaje oculto detrás, el cuál sólo entendían los radioescuchas: Contenía una señal de socorro, que indicaba que la estación radial necesitaba de manera urgente ayuda para seguir en el aire.

Este sería su primer hit mundial, y ademas con esta canción pudieron mantenerse en las pistas comerciales hasta 1967 cuando deciden romper con Decca e irse a United Artist, donde empezaron con un tibio debut y terminaron perdidos en aguna parte d elos charts, debido a que la música Pop iba cambiando, y su estilo melódico simplemente iba en decrecimiento.
En los 70's, y tras varios cambios en su formación la banda firma con Capitol, y tras tres singles exitosos se les pierde la huellla, aunque siguen girando por el mundo demostrando que los 60's nunca mueren.
En fin, una canción retro para empezar el día de buena forma, y recordar que los 60's fueron la base fndamenta para el rock y el Pop, donde las influencias casi se hacen infinitas.
Que la disfruten!

jueves, 12 de enero de 2012

DECEMBER, 1963 (OH, WHAT A NIGHT) / THE FOUR SEASONS



"December, 1963 (Oh, What a Night)" es una canción de la banda estadounidense The Four Seasons, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1975 promocionando su LP Who Loves You. Este trabajo musical traía de vuelta a esta mítica agrupación de Nueva Jersey que hizo de las suyas en los 60's gracias al talento musical de los aclamados compositores Robert Gaudio y Bob Crewe.
Para este disco, lanzado en Noviembre de 1975, la banda tuvo una leve alteración de sus componentes originales, por ello la versión "1975" de los Four Seasons entraba a la cancha con John Paiva en guitarra, Don Ciccone en bajo, Lee Shapiro en teclados y Gerry Polci en batería, dejando en voz principal al talentoso Frankie Valli, dueño de un fino falsete, el cuál muy caracteristico para la historia de la banda.

Esta canción fue escrita por Bob Gaudio, quien había sido tecladista de los FS pero dado su impulsivo trabajo musical se dedicaría de mejor forma a la composición de melodías para su banda y otras mas. Pero la "rola" tan original no era, ya que tomaba ciertos acordes de un cántico muy coreado en la epoca final de la polémica "Prohibición" que cayó sobre Estados Unidos en 1920 y que declaraba de ilegal vender bebidas alcohólicas a todo público. Ese canto llevaba por título "December 5th, 1933".

Obviamente, la temática de la rola no iba a ir por el lado de exigir la libertad de las bebidas alcoholicas y para ello Frankie Valli decidió trabajar la letra con la compositora, y novia de Gaudio, Judy Parker.
De hecho se cuenta que Valli, con su fiel pelaje de detallista impulsivo, casi se cae de espalda con la versión demo y que le mandó de vuelta las cintas a Gaudio con una lista de los pasajes melódicos que tenía que depura, o sino no sería un hit como ya tenían pronosticado. Finalmente terminó como una canción de amor, pero de esas que llaman a la nostalgia, donde la historia da vueltas en un muchacho que no puede olvidar a su primer (y quizás único) amor.

Eso sí, algunas frases de la pieza musical tiene ciertas insinuaciones sexuales, las cuales fueron muy revisadas por los productores de las radioemisoras de caracter conservador, antes de ser lanzada al mercado. Tiempo después, sería el mismísimo Frankie Valli quien contaría la verdad de la trama de la letra, y no tuvo tapujos en decir que "December, 1963 (Oh, What a Night)" trataba sobre " la pérdida de la virginidad", en donde ese hombre recordaba su debut en las pistas del amor. En esa misma entrevista el cantante también menciona que la temática tiene cierta relación con el éxito de The Shirelles llamado "Will You Love Me Tomorrow".

Una vez que la lanzaron como single, la canción empezó a tomar fuerza en las radios, y ya el 21 de Febrero de 1976 legaba el primer galardón: Llegó al primer puesto del UK Singles Chart. Pero eso no era todo, ya que no tuvieron que ni esperar ni un mes (específicamente fue el 13 de marzo) para enterarse que la canción también lideraba el Billboard Hot 100, quedando esta pieza musical como el quinto y ultimo "number one" de esta emblemática banda que supo adaptar sus acordes a los cambios culturales de dos décadas muy especiales.
Que la disfruuuten!

lunes, 9 de enero de 2012

THE TIDE IS HIGH / BLONDIE



"The Tide Is High" de la banda New Wave estadounidense Blondie, que fue lanzada como single en marzo de 1981 y que está incluída en Autoamerican, su quinto y llamativo LP de estudio, musicalmente hablando, publicado en Noviembre de 1980.
Para la fanaticada de este mítico grupo neoyorkino, comandado por la bella y talentosa Deborah Harry en voz, el cambio de década golpeó fuerte en la banda y su potente estilo musical de guitarras afiladas y locura Punk se vió en un fuerte cambio con la salida al mercado de "Autoamerican", que dejaba un rato el rock para dar un fuerte paseo por la música Reggae y el Rap, dos estilos que se estaban tomando los diales de las radios en ese entonces.

La historia cuenta que por esos días de 1980 en que la banda preparaba el material de su nuevo disco en los United Western Studios, en Hollywood, Debbie Harry y el guitarrista Chris Stein se hicieron fanáticos a rabiar de la banda británica de Ska The Specials, y tanto fue su gusto por esos sonidos urbanos que incluso pensaron en hacer un cover de alguna pieza de esa banda, pero finalmente por problemas con el sello y por las pocas ganas que pusieron los demás integrantes d ela banda decidieorn dejar todo en un simple proyecto en el olvido.
Pero el camino ya estaba marcado, y el gusto de experimentar nuevos sonidos ya era un buen deporte musical para Blondie.

Harry y Stein quedaron tan agusto con los sonidos jamaiquinos, que decidieron empezar a investigar sore ese estilo musical y a conseguir discos emblemáticos de ese maravilloso género musical de la Isla. Entre esos discos que fueron comprando y recopilando dentro de las giras por el Reino Unido, encontraron un single que tenía como año de publicación 1967 y que estaba a nombre de la banda jamaiquina The Paragons, donde estaba incluída una interesante pieza llamada "The Tide Is High", la cuál dejó impresionados a los dos miembros de Blondie.
Oriundos de Kingston, este experimentado trio musical formado por Garth "Tyrone" Evans, Junior Menz y John Holt encontró la fama musical gracias a esta canción.
Escrita por Holt durante su infancia, y bajo la producción del maestro Duke Reid, esta pieza musical causó furoro por toda la isla y gran aprte de centroamérica, en especial por un distorsionado violín que dá inicio a la rola y que fue interpretado por el popular músico "White Rum" Raymond.

Si Blondie andaba en busca de un buen cover, aquí tenían una buena canción para hacer historia y modificar bajo sus acordes tan particulares.
Una vez que los demás integrantes de la banda dieron el sí a la canción, Harry decidió mantener los toques de Jamaica, y para ello reclutó a tres percusionistas que se "peinaban" en ese estilo musical. Sobre ese efecto sonoro de la percusión, el guitarrista Chris Stein comentó que eran "8 pistas donde esos tipos tocaron sobre la cubierta de un piano".

Su versión de "The Tide is High" era una obra Pop de alta claidad, e incluso Harry la definía como una canción " poco cínica". es que en ella, la dulce y apasionada voz de Debbie navega en un manto musical muy innovador, donde el reggae y el ska toman un sonido muy distintivo.
Por ello, los resultados del single en las listas fueron tan exitosos: Llegó al primer puesto del Billboard Hot 100, lo mismo pasó en el UK singles chart, mientras que en Australia y Alemania llegó a la casilla #4 y #5 respectivamente. Como se pueden ercatar estmaos frente a un hit de alta sproporciones para esta mítica banda.

Pero eso no es todo, ya que fue tanto el impacto de este single, que otros músicos también sintieron mucho interés sobre esta "rola" y uno de ellos fue el gran John Lennon. Esto se supo gracias a una entrevista que en el 2006 le hizo la Rolling Stone a Sean Lennon, hijo del Beatle, donde dijo: "Mi padre tenía un viejo Wurlitzer en la sala de estar de nuestra casa ubicada en Long Island donde escuchabamos mucho a Elvis y The Everly Brothers. Pero recuerdo una tarde en que lo sorprendí escuchando 'The Tide Is High "de Blondie, que en ese tiempo estaba sonando constantemente en las radios. Por eso, cada vez que escucho esa canción, veo a mi padre, sin afeitar, con el pelo recogido en un moño, bailando de aquí para allá , con unos pantalones cortos gastados y conmigo a sus pies, haciendo mi mejor esfuerzo para coordinar los pasos de baile "

Que la disfruten!

domingo, 8 de enero de 2012

MERCY, MERCY ME (THE ECOLOGY) / MARVIN GAYE



"Mercy Mercy Me (The Ecology)" es una canción del músico y cantante estadounidense Marvin Gaye que fue lanzada como single un 10 de Junio del año 1971 promocinando su joya musical llamada "What's Going On", uno de su Lp's mas famosos y que mejroes críticas se llevó por parte de la prensa que la dejó cmo uno de los trabajos discográficos escenciales para la historia del Soul.
Considerado una figura esencial para el Soul, y uno de los protagonistas de la historia musical del sello Motown, Marvin empezó como baterista de sesión por los inicios de los 60's y terminó como una leyenda de esa casa discográfica y de la música estadounidense, que lamentablemente tuvo un triste final al ser asesinado de dos disparos a quema-ropa por su propio padre en plena discusión familiar. Pero su leyenda se hace eterna, y en discos como "What's Going On" (1971), un trabajo conceptual que lo alejaba de su carisma de baladista romántico y que contiene serios tintes políticos, pacifistas (manifiesta su odio a la Guerra de Vietnam) y crítica social (sobre el racismo, y el poco cuidado del medio ambiente) y que casi fue censurado por su sello, lo dejaron en la palestra de los personanajes mas valientes dentro de la escena musical de esos duros años.

Tal como mencionamos, este trabajo musical de Gaye era una bomba poética que incluía mucha critica a la sociedad, y en especial al actuar del ser humano frente a su contexto. Por ello, es que dentro de su magnífico repertorio musical encontramos una canción que habla y reflexiona sobre el cuidado del medio ambiente, y la obligación que debiera tener el hombre para cuidar su contexto.
Para adentrarnos en la historia de esta maravillosa canción, es necesario saber en qué andaba pensando Gaye por esos días, y la respuesta la dió recien en el año 1976 cuando en una entrevista radial el músico reconoció que por esos años andaba en una búsqueda espiritual y que todo tenía que estar relacionado sonidos. "Empecé a estudiar las obras de Don Juan y de Carlos Castaneda. Mi idea de vida es dar y recibir amor, como si fuera un impecable guerrero, y eso no tiene ninguna relación con cosas tan desechables como el vino, las mujeres, la ropa y los diamantes, y todas esas cosas que nos gustaría tener. Decidí perderle el gusto a esas cosas y simplemente estar interesado en adquirir nuevos conocimientos y el poder capturar toda la energia que la Tierra nos regala. Todo esto es fácil, solo debes poner tiempo y esfuerzo, nada más" diría Marvin Gaye en esa mítica entrevista.

Por ese entonces, el artista pasaba por momentos muy duros, y una de las causas principales causas fue la repentina muerte de su amiga y colega Tammi Terrell, que lod ejó muy descolocado, e incluso pensó en retirarse del plano musical por una fuerte depresión que esto le había llevado.
Debido a eso, Marvin empezó a buscar un nuevo destino espiritual, y de ello vino la inspiración para este disco. Por ello, se tomó un breve descanso del mundo del espectáculo y se metió de lleno en los libros con el fin de entender el por qué de muchas cosas que pasaban en el mundo.
Para ello, su filosofía de vida era buscar el poder que tenían las cosas simples, y todo lo que nos rodeaba, ya que esas cosas nos transmitían energía y buenas sensaciones. "El poder está aquí, está en las rocas, está en el aire, en los animales. Hay hombres inteligentes que deberían tomar esas fuerzas y esos elementos para entender las maravillas de esto y los misterios. Me gustaría ser un hombre poderoso, y me gustaría usar todo ese poder de una manera buena" mencionaría el cantante en esos años en que el disco ya era alabado por la prensa.

De esa manera Gaye escribe "Mercy Mercy Me (The Ecology)", que sería uno de los himnos al medio ambiente, con una clara propuesta espiritual.
Musicalmente la pieza es una joya Soul con Gaye al piano y en voces, con arreglos de cuerdas hechos por Paul Riser y con la sólida interpretación musical a cargo de The Funk Brothers, la histórica banda de sesión de la Motown. Juntos le dieron vida a la sincera "Mercy Mercy Me (The Ecology)" que contenía rigurosos tintes pegadizos ligados al Pop, un saxofón con aroma a Jazz (interpretado por el famoso Wild Bill Moore) y con una estructurada interpretación vocal notable donde la improvisación juega un papel fundamental), siendo uno de los puntos altos de esta joya que no contiene coro.

Pese a que Gordy, el dueño de la Motown, había declarado que "Mercy Mercy Me (The Ecology)" no tenía na esctructura comercial y que de seguro sería un fracaso musical para el artista, las cifras reales dijeron otra cosa: Llegó a la casilla #4 on Billboard un 14 de Agosto de 1971 y se mantuvo una semana en ese puesto llegando a ser un exito de proporciones altas para este gran artista.

Una canción para reflexionar, en días de calentamiento Global y tanta locura económica en el mundo...
Que la disfruuuten!
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viernes, 6 de enero de 2012

BABY LOVE / THE SUPREMES



"Baby Love" es una canción del grupo estadounidense de Pop y Soul The Supremes, que fue lanzada como single un 17 de Septiembre de 1964 y que está incluída en el LP "Where Did Our Love Go", segundo trabajo de estudio de este famoso trio femenino.
Integrado por Diana Ross, Florence Ballard y Mary Wilson, este conjunto vocal causó gran sorpresa a mediados de los 60's por su interesante repertorio, experimentaciones varias y una el carisma dentro del escenario, en especial el talento de Ross como interprete. Estas tres chicas se conviertieron en una de las joyitas del sello Motown, la máquina discográfica liderada por el Berry Gordy que fue de vtal importancia para el Pop ya que promocionó de buena forma la música negra por todo el mundo con verdaderos clásicos musicales.

Si había algo que caracterizaba muy bien a la Motowon era la calidad de sus compositores, que en la mayoria de los casos demostraba su talento tomandose del brazo de lo comercial y poniendo un cierto grado de influencias notables de otros estilos mas lejanos. Uno de los equipos de compositores mas codiciados en el mercado era el quee staba formado por Lamont Dozier y los hermanos Brian y Edward Holland, quienes simplemente firmaban sus creaciones con la sigla "H-D-H", que era su sello distintivo y que los hacía notar de inmediato.

A mediados de 1964, The Supremes preparaba su segundo ataque musical con el fin de que esta vez sí o sí entraran a pelear puestos en los charts. Tras un pálido comienzo en los charts, donde Berry Gordy se las dió de compositor y productor a la vez, los ánimos se fueron muy abajo, y el proyecto "Supremes" tenía que ser nuevemante retocado.
Para este segundo tiempo, Gordy dejó de lado su lado de compositor y decidió que las canciones fueran hechas por el trío H-D-H, quienes no se mostraron muy a gusto con la idea ya que estaban hasta la "coronilla" con otras bandas y lo unico que querían era aunque sea un momento de relajo. Y no estamos exagerando, ya que en esas fechas los tres compositores eran casi tratados como esclavos por el jefe, quien les enviaba todo artista que apareciera en la puerta del sello, y a veces tenían que escribir dos o tres canciones al día y en cuestión de semanas tenerlas listas para ser publicadas. Por ello, en un principio trabajar con The Supremes no era algo que les cayera bien, y las protestas no esperaron mucho...

Una vez que le encontraron el camino musical al grupo, la terna de compositores empezó a crearles el material musical, y eso no fue una tarea ta fácil. Uno de los primeros en tomar la batuta musical fue Lamont Dozier quien llamó a Edward a una sala desocupada donde escribieron una letra que hablaba sobre un amor adolescente, aunque en un tono bastante inocente, e incluso cursi, pero eran los 60's. Tras tener la idea básica de la letra, Dozier corrió donde Brian, quien se econtraba frente a un piano ideando una melodía que encajara matemáticamente en el estilo que estaban buscando para la banda. En cuestión de horas Brian y Lamont tenían lista la canción, que tenía ciertos acordes muy parecidos al primer single que la terna de compositores le había creado a la banda: La llamativa "Where Did Our Love Go" .

Una vez que tenían ya casi lista la pieza, en la primera semana de Agosto de 1964, los compositores decidieron llamar a la famosa banda de sesión, que trabajaba para el sello, llamada The Funk Brothers quienes se hicieron a cargo de la parte instrumental de la rola.
Una vez que tenían depurada la pieza con los músicos de sesión, fue la hora de llamar a la cancha a las Supremes, quienes llegarond e inmediato a grabar e incluso llevaron algunas ideas para adornar la pieza. Por ejemplo, Ballard y Wilson idearon unas llamativas improvisaciones vocales para acompañar la voz principal, que estaba a cargo de Ross.
Antes de grabarla de manera formal, todo registro Motown tenía que pasar por el control de calidad impuesto por Gordy. Por eso, una vez que la canción le fue enviada a su oficina, el jefe del sello empezó a analizarla de manera comercial y la encontró algo monótona y poco viable para llegar a la cima d elos charts. Por ello, Gordy decidió que la banda volviera al estudio y le agregara un nuevo intro a la pieza musical utilizando esas improvisaciones vocales desde un inicio. Ese detalle marcó a la canción...

Finalmente The Supremes y compañia grabaron "Baby Love" un 13 de Agosto de 1964, y en Septiembre ya estaba en las disqueras. Pero recien el 31 de octubre de ese año la canción logró llegar al primer puesto del Billboard Hot 100, donde estuvo cuatro semanas estacada en ese lugar y con buenas críticas por arte d ela prensa.
Pero eso no era todo, ya que en el Reino Unido la canción fue un furor en ventas, y llegó al primer lugar de UK Singles charts, convirtiendo a las Supremes en el primer grupo femenino estadounidense en lograr ese acto.

A partir de ese momento el emblema de la Motown eran estas tres chicas que habían firmado un contrato por allá en el año 1961 cuando aún no tenían muy claro que estilo musical interpretarían.
Con el paso de los años cederían mas protagonismo a su compañera Diana Ross, y tras 12 hits que llegaron al primer puesto de los charts estadounidenses dejarían un legado musical muy importante para los 60's .
Que la disfruuuuten!

jueves, 5 de enero de 2012

LOVIN' YOU / MINNIE RIPERTON



"Lovin' You" es una canción de la cantante estadounidense Minnie Riperton, que fue publicada el 13 de Enero del año 1975 y además está incluída en el LP Perfect Angel, que es considerado por los especialistas como el disco mas escencial de la corta pero fructífera carrera musical de esta talentosa cantante dueña de una voz muy especial, donde destacaba su efecto "silbído".
La historia musical de Minnie empieza desde su infancia en su natal Chicago, cuando tras probar suerte en el ballet clásico encuentra su verdadera vocación en el coro de su colegio, donde de inmediato empezó a destacar sobre el resto.
Años después, específicamente en 1961 y con tan sólo 16 años, su sorprendente voz la lleva a firmar su primer contrato como profesional del canto para formar parte de una banda femenina llamada "The Gems", donde obtiene un mediano éxito con algunos singles, pero también deja un legado importante en ese paso por el Pop: Demostró que su potencia vocal llegaba hasta las cinco octavas. Esa característica la hizo merecedora de muchas beunas críticas. Pero sus ganas de llegar a triunfar en la escena musical no paraban, y asi fue como en 1968 llega a ser la voz principal de la banda "The Rotary Connection", que mezclaba el Soul con los efectos psicodélicos, regalando un repertorio muy notable e interesante para la crítica. Al año siguiente, Minnie se casa con el productor de la banda, el señor Richard Rudolph, y ambos deciden emprender, de forma paralela al trabajo de la banda, una carrera en solitario para la cantante, que empezó en 1970 con la edición de su primer LP titulado Come to my garden, el cupal tuvo ua buena recepción y fue el pilar fundamental para lograr algo grande.

Tras hacer una breve pero exitosa promoción al disco par aluego continuar el trabajo con la banda, en 1974 los Riperton y su esposo decidieron ir en busca de influencias musicales a Los Ángeles, en donde conocieron nada más ni nada menos que al gran Stevie Wonder, quien invitó a Minnie a participar como corista en dos piezas de su disco Fulfillingness' First Finale. La cantante puso su voz en las canciones "Creepin'" y "It Ain't No Use", y de paso logró que el músico le "devolviera la mano" aceptando la idea de co-producir su segunda placa que estaba preparando pero que ya en ese entonces tenía título: Perfect angel.

En ese disco que ya estaban preparando, había una balada escrita por Riperton y Richard Rudolph llamada simplemente "Lovin' You", la cuál era usada como canción de cuna para hacer dormir a su pequeña hija llamada Maya (si señores, la que hoy es comediante en el programa Saturday Night Live ). De hecho en la parte final de la canción se puede escuchar a Minnie cantar "Ma-ah-aha aha--ah-ya."

Musicalmente esta canción destaca por su simplicidad, que era una de las caracteristicas mas aplaudidas de todo el repertorio de Minnie Riperton. Y en esta balada su amor de madre, bajo una hermosa capa musical cubierta por un piano eléctrico y unos suaves acordes de guitarra acústica hacen de la canción una joya de alto impacto.
De hecho, y para mantener la magia con que apareció la canción, a la hora de grabar la canción Minnie decidió llevar a su hija al estudio y cantarle directamente a ella, con el fin de captar todas esas sensaciones, mientras Stevie Wonder apoyaba en la producción y además incluía su voz en los coros. Ese era el secreto de "Lovin 'You" .

Pero como simepre, tenía que aparecer un problema. Es que semanas antes de lanzar el disco, Riperton recibió una carta del sello Tamla Motown que le anunciaba que el señor Stevie Wonder no podía aparecer en los créditos, debido a que él participaba activamente en el trabajo de ese sello y eso traeria problemas contractuales donde incluso podían llegar a tribunales. Por ello, Wonder decidió usar un apodo en los créditos del disco y del single que saldría pronto. Su nombre ficticio era "Black Bull Productions", que estaba inspirado en el signo zodiacal del cantante (es taurino).

El 5 de Abril de 1975 fue un día muy especial para la cantante, ya que fue la fecha en que "Lovin' You" llegó a la cima del Billboard Hot 100 (donde estuvo por cuatro semanas), siendo la canción que la elevó al éxito absoluto. Semanas después las buenas noticias llegaban desde el reino Unido, donde la dulce balada llegó al segundo casillero del UK Singles Charts. Y asi fue apareciendo la canción en varios paises y cupando los primeros puestos en venta, mientras que las radios hacían su tarea de reproducirla en su parrilla programática.

La canción llamó de inmediato la atención de los medios, quienes siempre que entrevistaban a la cantante trataban de sacar pistas sobre los efectos sonoros que rodean a la canción, en especial por ese pájaro que canta alegremente en el fondo durante casi toda la canción. Tantas veces le preguntaban sobre ese detalle, que en una de esas entrevistas Minnie respondió que simplemente esa ave salió por error, ya que solamante figuraba en la versión demo pero que quedó en la cinta original de manera casual, y además racalcó que no usaron ningun "plumífero", sino que fue hecho con su propia voz, ya que además tenía un talento especial para imitar varios sonidos.

En fin, les dejamos una de las canciones mas famosas de los 70's y de la carrera de Riperton, quien lamentablemente un 12 de Julio de 1979 dejó de existir a causa de una fuerte lucha contra un cáncer de mamas, que finalmente la dejó como una de las leyendas del Soul.
Que la disfruten!

martes, 3 de enero de 2012

WATERFALLS / PAUL McCARTNEY



"Waterfalls" es una canción del músico británico Paul McCartney que fue lanzada como single un 13 de Junio del año 1980 y fue incluída en su disco McCartney II, trabajo musical que traía nuevamente al ex-Beatle como solista tras tomar la dura decisión de romper con los Wings.
"McCartney II" viene a ser el tercer disco firmado solamente por Paul, y es un disco muy raro debido a que parte del repertorio musical está formado solo por improvisaciones en el estudio de grabación que hizo de manera casera tras descubrir las ventajas del sintetizador a la hora de componer. A pesar de ello, las canciones mas elaboradas tomaron muchas buena scríticas, y eso hizo que el disco tomara muchas fuerzas y fuera reconocido con buenas ventas a pesar de ser catalogado friamente como "experimental" por la prensa.

La historia cuenta que a mediados de Junio del año 1979, McCartney tenía varias pistas grabadas y listas para ser depuradas en el estudio. Entre esas piezas se encontraba una delicada balada llamada "I Need Love" que fue escrita durante las sesiones de grabación del disco "Back To The Egg", que fue la ultima placa comercial en la vida de los Wings.

Para revitalizar las sesiones de grabación y tras grabar ocho canciones instrumentales, un aburrido Paul decidió empezar a trabajar nuevamente esta canción y empezó por cambiarle de inmediato el título, ya que la encontraba muy común y corriente esa frase. Asi fue como pasó a ser titulada como "Waterfalls". " Se me vino a la cabeza esas imágenes de cascadas y hermosos lagos que uno veía en los afiches turísticos de América. Por eso se llama así" declaró el ex-Beatle en una entrevista.
Pero "Waterfalls" tambien era el nombre con que bautizó a una cabaña que compró por una alta suma de libras en Junio de 1974 a los alrededores de Rye, en Sussex, donde tenía varias hectáreas con cultivos de hortalizas y una gran variedad de animales pastando.

El segundo paso era cambiar la temática de la letra, y un aplicado como Paul se tomó tan en seio la cosa que empezo de inmediato a idear prosas, pero el resultado final siempre era de mal gusto para el autor. Si bien no le tenía fé a la letra original de la balada, Paul tuvo que adaptar solo frases de ella, ya que sus ideas estaban bloqueadas y los nuevos escritos simplemente los decribiría años mas tarde como "letras intestinales, puros vómitos". Finalmente tuvo que dejar la parte lírica original dela canción, con uno que otro arreglo.

Asi fue como la primera semana de Julio de 1979 Paul decidió grabar esta canción simplemente usando un piano eléctrico para compañar su impecable interpretación. Posteriormente, y muy al estilo George Martin, el músico compuso un arreglo orquestal usando un sintetizador, con el fin de adornar su balada con aroma a campo y a dia soleado.

Que fue registrado inicialmente con voz y piano eléctrico, y una parte de cuerdas sintetizador era overdubbed posteriormente. El arreglo simple reflejo de la naturaleza conteplative de letra de la canción, aunque McCartney revela más adelante que él sentía que underproduced. Citó Cataratas, junto con todas las noches desde el álbum de McCartney, como una de las canciones que se fueron remake que volver a examinar los de su pasado. "Con un sintetizador logré el efecto de un cuarteto de cuerdas imaginandome a una orquesta que estaba tocando de manera alocada sobre los Alpes Suizos. ¡Y funcionó!" declararía Paul sonre el resultado final de su canción, que lo traía nuevamente a su pasado Beatle, donde se licenció con nota máxima de baladista profesional en la industria del Pop de verdad.

Con una letra que demuestra una visión del amor de una persona madura y con muchas caídas en la vida, esta balada quedpo como una de las canciones mas aplaudidas dentro de la carrera solista de este musico inglés. Macca describía la temática de esta balada como "esas cosas que ocurren cuando pasas la barrera de los 30 años".

Un viernes 14 de junio de 1980, y bajo el sello Parlophone, era publicada sólo para el Reino Unido el single que incluía a esta canción y que llegó a la novena posición de los charts. Para el resto del mundo, la canción fue publicada recién el 22 de julio, pero no tuvo el mismo éxito que en sus tierras natales, ya que, por ejemplo, en Estados Unidos la canción no alcanzó ni a entrar en el Billbaord Hot 100.
Pese a todo, esta balada con el tiempo fue tomando fuerzas y quedó como una pieza clásica dentro del repertorio de este extraordinario músico inglés que es considerado uno d elos genios de la música popular del Siglo XX
Quela disfruten!!!!