domingo, 29 de diciembre de 2013

HOW MANY MORE TIMES / LED ZEPPELIN


"How Many More Times" es una canción de la banda británica Led Zeppelin, que fue publicada un 12 de Enero del año 1969 como pieza final del aclamado disco debut de título homonimo.
Es que el Lp "Led Zeppelin" es una de las piezas fundamentales para el surgimiento del Heavy Metal, ya que en este trabajo se incluyen potentes riffs, secciones rítmicas potentes y muy ligeras, y a todos esos detalles también hay que sumarle un vocalista como Robert Plant, con el cual hay que sacarse el sombrero con su poderosa actuación tras los micrófonos.
En este trabajo musical que marca el debut de la banda en las pistas (aunque cada músico ya cntaba con bastante carretera sobre sus espaldas) se puede apreciar las bases fundamentales del Rock and roll y del blues ligadas demanera espectacular a la psicodelia, y el folk con aires británicos. Con mucha influencia en  Jimi Hendrix, Jeff Beck, Rolling Stones, Cream, y  Willie Dixon este disco marca la cancha de manera inmediata y es altamente recomendable para todo ser que quiera acercarse al rock.

No cabe duda que en la base musical de "How Many More Times" se deja en claro el gusto de la banda por los clásicos del blues. Es que esta pieza , firmada por Page, Bonham y Jones, contiene ciertas frases y similitudes con  "The Hunter", una pieza del guitarrista y blusero estadounidense Albert King y con una pieza de uno de los pilares del Memphis Blues, nos referimos a Howlin' Wolf  y la clásica  "How Many More Years."

Esta mas que claro, en ese entonces la banda británica le rendía tributo a esos viejos bluseros estadounidenses que fueron el pilar fundamental para el rock. Si bien esto no era muy bien visto por la crítica, la banda siempre se dio espacio para rendir homenajes y mostrar sus influencias, aunque en el año 1993 el autor de  "How Many More Years", el señor Chester Burnett, tuvo que ser incluido en los créditos de esta canción en todo compilatorio o remasterización que se haga de esta rola de los Zeppelin. Todo esto debido a varios motivos legales con la discográfica ARC, que casi lleva  a los tribunales a los autores de esta pieza.

Cabe señalar que Robert Plant, pese a no aparecer en los créditos de esta canción, también puso su grano de arena dentro de la letra. Una de las frases que se le adjudica en esta canción es aquella que dice,  "I got another child on the way, that makes eleven", la cuál hacía referencia a su hija que estaba por nacer, quien sería bautizada como Carmen, y que llegó al mundo meses después del lanzamiento de este disco.

La historia cuenta que esta es una de las tres canciones donde Page toca su guitarra con un arco de violín (las otras dos ocasiones fueron en  "Dazed and Confused" y en "In the Light").  Este momento clásico del rock, donde el melenudo guitarrista dejaba a todos boquiabiertos con su nueva técnica, ya la venía usando desde su época en los Yardbirds, y tal cómo reconocería mas tarde, esta técnica (¿se puede decir asi?) fue inspirada por un músico de sesión que conoció en un estudio de grabación, llamado David McCallum, y que ya lo hacía para crear diversos efectos en las grabaciones. Eso sí, el primero en utilizar esta técnica fue el guitarrista Eddie Phillips (quien incluso se atrevía con una baqueta!!) de la banda The Creation.

En una entrevista para el libro "The Guitar Greats"Jimmy Page deja en claro que esta canción es una versión mejorada de un cover que hicieron con los Yardbirds (que fue su anterior banda) del clásico blues 'Smokestack Lightnin'". "Con los Yardbirds teniamos varios momentos para improvisar, como por ejemplo cuando tocabamos 'Smokestack Lightnin'", donde yo ponía mis propios riffs y esas cosas por el estilo. Obviamente no iba a tirar a la basura todas esas ideas, asi que empecé a remodelar cada uno de esos riffs con el fin de volverlo a usar en canciones como 'How Many More Times' y 'Good Times, Bad Times', que fueron algo así como un extensión de todo el trabajo que hice con los Yardbirds" mencionaba el mítico guitarrista en esas páginas.
Además, esta canción contiene en su parte intermedia ciertos acordes y bases de una pieza instrumental de Jeff Beck Group llamada "Beck's Bolero" , que fue publicada en marzo de 1967 y donde Page colaboró en la versión original tocando guitarra y John Paul Jones el bajo.

Pero eso no es todo sobre esta canción, es que la leyenda cuenta que con el fin de burlarse de los dueños de las radioemisoras y los Dj's de ese entonces, que no dejaban entrar en su parrillas musicales canciones que sobreasaran los 4 minutos, Page decidió editar  la parte trasera del disco colocando que la duración de "How Many More Times" era de tan sólo 3 minutos con 30 segundos. La verdad era que la canción duraba 8 minutos y fracción, y por ese motivo muchas radios no la colocarían en su programación y Page simplemente quería promocionarla. Muchos dj's cayeron en la trampa, y el guitarrista simplemente sonrió...

Que la disfruten!!





viernes, 27 de diciembre de 2013

BECAUSE / THE BEATLES


"Because" es una canción de la famosa banda británica The Beatles, y que fue publicada dentro del disco Abbey Road, lanzado en Septiembre del año 1969. Este disco es uno de los mas aplaudidos dentro de la exitosa carrera de esta banda que pasó a la historia del siglo XX por sus extraordinarias melodías. "Abbey Road" es, en definitiva, la mejor despedida que una banda puede hacerle a sus fans. Un disco completo, lleno de magia musical, con exploración musical de alta calidad y con cuatro músicos inspirados en crear melodías eternas.

"Estaba echado en el sofá de casa, escuchando a Yoko tocar 'Claro de luna' de Beethoven al piano. De pronto le dije: '¿Puedes tocar esos acordes hacia atrás?'. Lo hizo y así compuse 'Because'. La canción se parece a 'Claro de luna'. La letra es clara, sin exageraciones, sin imágenes y sin referencias oscuras" mencionada John Lennon a la Revista Playboy en el año 1980.
Por ese particular motivo, la canción tiene cierto parecido sonoro con la famosa pieza musical de Ludwig van Beethoven que fue publicada en el año 1802 y que estaba dedicada a la condesa Giulietta Guicciardi, de la cuál el músico alemán estaba enamorado.

Esta canción. de la cuál Harrison y McCartney han declarado como la "favorita" del disco "Abbey Road", es de las pocas piezas musicales donde tres componentes de la banda comparten la voz principal.
La creencia popular que rodea a esta pieza dice que la parte musical es simplemente los acordes de "Claro de Luna" pero tocados en reversa. Lamentablemente, diversos expertos, han declarado que la canción sólo contiene algunos acordes de esta pieza musical y el resto es simplemente obra de John Lennon.
Cuando apareció cierta critica por parte de la prensa, esa que quería que The Beatles de una u otra forma empezara a fracasar, apareció George Harrison en defensa de su compañero, señalando a los medios de prensa que la canción era obra ciento por ciento de John, y que usó la pieza de Beethoven sólo como un respaldo. "Paul por lo general escribe melodías más dulces, mientras que John se pasea por cosas o muy simples hasta llegar por algunas cosas muy extrañas. Pero n lo puedo negar, esta debe ser mi canción favorita del album. La letra es tan simple pero la armonía no fue nada de fácil para cantar. Cada uno tuvo que aprenderse la letra. Pero estoy seguro que esta canción impresionará a la gente. Es muy buena" declaraba el guitarrista de la banda en el año 1969.

Pero a raíz de toda esta sana discusión, aparecería entre medio Paul McCartney mencionando, en el año 1997, en su biografía "Many Years From Now", que la canción también contiene ideas muy usadas en ese entonces por Yoko Ono, y apostaría sin temor alguno a que ella tiene también su tajada en los créditos. "Podría apostar a que Yoko estuvo involucrada en la letra de esta canción, ya que contiene ciertas referencias al viento, al cielo y a la tierra, que eran temas recurrentes en sus poemas, en especial en Grapefruit, que fue de mucha influencia para John en ese entonces" mencionaría Macca en su biografía autorizada.

"Because" se empezó a grabar el viernes 1 de Agosto del año 1969, cuando aparecieron en el estudio de grabación John Lennon y Paul McCartney quienes grabaron parte de la base musical. Tras 23 tomas de esa base musical, donde John estuvo a la guitarra y Paul al bajo, apareció en la sala Ringo Starr quien se encargó simplemente de marcar los tiempos con el hit-hat durante la grabación, pese a que no fue utilizada su parte en la producción final.
De las 23 tomas grabadas, la número 16 fue la que decidieron utilizar como base para la canción. De manera inmediata John, Paul y George se pusieron manos a la obra para grabar la parte vocal. La versión definitiva fue grabada el 4 de Agosto, donde se concluyó con los doblajes y uno que otro arreglo por parte de George Martin.

Al día siguiente, y aprovechando que aún quedaba espacio en las cintas, George Harrison grabó dos pistas de sintetizador Moog. Esta sería la primera vez en que un "overdub" de este instrumento aparecería en la historia de las grabaciones de The Beatles.
Semanas después del lanzamiento del disco, George Harrison declaraba a la prensa que esta canción        " será una de las melodías que más recordará la gente". Mientras que John Lennon declaraba en el año 1972 a la "Hit Parader" que la canción "contiene un arreglo tremendo, un poco como la Quinta de Beethoven al revés".

En fin, hoy les dejamos esta gran canción, de una gran banda y que pertenece además a un disco emblemático para la historia del Rock.
Que la disfruten!!
                                                   

domingo, 22 de diciembre de 2013

HAVE YOURSELF A MERRY LITTLE CHRISTMAS / JUDY GARLAND


"Have Yourself a Merry Little Christmas" es una canción de la actriz y cantante estadounidense Judy Garland, que fue incluía en el famoso musical Meet Me in St. Louis, en el año 1944.
Esta aclamada artista, cuyo verdadero nombre era Frances Gumm, nació un 10 de Junio del año 1922 en Grand Rapids, Minnesota en el seno de una familia muy ligada al ambiente artístico, en especial al mundo del vodevil. Por esa razón, desde los tres años Frances ya estaba sobre un escenario, y convivía a diario con gente que vivía del estrellato y la fama.
Uno de sus papeles mas inolvidables fue el de Dorothy en la famosa película "El mago de Oz" (del año 1939 y dirigida por Victor Fleming) donde llegó a ganar un Oscar a la mejor actriz juvenil. de ahí en adelante su carrera en el cine y el canto fue un éxito rotundo, y eso se vio ciento por ciento cuando en el año 1944 estrenó Meet Me in St. Louis, un musical dirigido por Vincente Minnelli, quien en medio del rodaje se enamoró de la actriz y llegaron a formalizar la relación con un comentado matrimonio. De ese matrimonio, que rompió en 1951, nace Liza Minnelli, quien después seguiría los pasos de su madre en las tablas.
A pesar de que la fama siempre la tuvo en la cresta de la ola, y toda cinta que protagonizaba era un éxito seguro para la MGM, Judy nunca la pasó tan bien como creían muchos de sus amigos. Es que tanta exposición en los medios le afectó en el sistema nervioso llevándola a varias crisis psicológicas, y fue en esa razón donde aparecieron a la escena los tranquilizantes y sedantes, todo eso mezclado, además por una adicción a las drogas debido a su control del sobrepeso.
Mientras su vida privada era una tormenta constante de divorcios, matrimonios y problemas con pastillas, su trabajo en el cine era de nominaciones al Oscar, viajes a distintos lugares del mundo y muchos lujos más. Pero todo tuvo su final un 22 de junio de 1969, cuando en Londres y tras una sobredosis de somníferos Judy Garland dejaba de existir. Tenía tan sólo 47 años y ya entraba a la categoría de leyenda.

La historia de esa famosa canción empieza en el año 1943, y tiene como protagonista al compositor y arreglista Hugh Martin. Era época de vacaciones, y Martin se encontraba en una cabaña que sus padres tenían en el barrio Southside en Birmingham, Alabama. Eran los días en que estaba trabajando en un nuevo proyecto, y este era crear la banda sonora para el musical "Meet Me in St. Louis", y necesitaba una canción que acompañara una melancólica escena en el que una familia se encuentra muy triste por tener que partir de su amado hogar en St. Louis, Missouri, y viajar a Nueva York, donde el jefe de familia había encontrado una mejor situación laboral. Además, y para hacer mas triste la escena y la canción, esta es interpretada por Esther (Judy Garland) para "animar" a su abatida hermana menor, Tootie (Margaret O'Brien) en pleno día de Nochebuena.

Pero si la escena ya era para tirar unos cuantos lagrimones, la letra de la canción ya era un extremo. Es que era tanta la melancolía de sus frases, que la misma Judy Garland pidió cambiar algunas frases a los mismísimos compositores. Es que tal como mencionábamos, Judy ya tenía un estado anímico muy bajo, e interpretar esta canción en el escenario ya la traía un nudo en la garganta y eso era bastante incómodo.
De hecho, el director de la cinta, Vicente Minnelli, criticó a la canción y la tildó de deprimente, y mandó a cambiar la letra de manera inmediata cuado supo  que hasta la protagonista no se sentía cómoda al cantarla.
Fue tras ese episodio donde los autores decidieron modificar la letra y eliminar (o depurar) la parte que decía: "Have yourself a merry little Christmas / It may be your last/ Next year we may all be living in the past / Have yourself a merry little Christmas / Pop that champagne cork / Next year we may all be living in New York."
La idea de Minnelli era que la canción tomara un leve toque optimista y que no se fuera al extremo depresivo. Fue así como Martin y Ralph Blane cambiaron algunas frases y lograron satisfacer a los protagonistas de la cinta.

A finales del año 1943 "Have Yourself a Merry Little Christmas" fue lanzada como single por el sello Decca, donde Judy Garland demostraba todo su talento musical.
La canción fue todo un éxito en las radios, e incluso la prensa mencionó que sirvió de consuelo para muchos soldados estadounidenses que combatían en el extranjero durante la Segunda Guerra Mundial.
En 1957 la canción volvería a las tablas y a los charts pero esta vez interpretada por Frank Sinatra, quien con algunas variaciones en la letra (se cuenta que el "La Voz" le pidió a Martin que cambiara algunos versos ya que su disco navideño estaba enfocado a pasar una Feliz Navidad) llevó a la canción nuevamente a la popularidad mundial.

Fue tras esa versión de la canción en que aparecieron en el ruedo cierta polémica entre los dos compositores de esta. Es que por esa época Martin le quitó todo protagonismo a Blane dentro de la banda sonora de este musical, tras una entrevista con un periódico de Estados Unidos.
Martin fue claro en mencionar que Blane lo había ayudado en varias  ocasiones, como por ejemplo en la banda sonora de la cinta "Best Foot Forward", pero que en las canciones de Meet Me In St. Louis, la letra y la música pertenecían ciento por ciento a él, y sin la mas mínima ayuda de Ralph. Ahora, sobre el por qué esta acreditada a ambos compositores, Martin lo aclaró de la siguiente manera: "Yo estaba muy contento con las ganancias generadas por aparecer en los créditos, hacer las partituras, las regalías de la ASCAP (American Society of Composers, Authors and Publishers), etc... Esta extraña situación simplemente fue causada por ser ingenuo y no tener ni idea sobre los negocios".

Con el paso de los años diversos artistas de la talla de  The Carpenters, The Pretenders, Michael Bublé, Luther Vandross, Christina Aguilera, Martina McBride, Little Big Town y Keyshia Cole, entre tantos mas.
Además, en el año 2007, la ASCAP dejó a "Have Yourself a Merry Little Christmas", como la tercera canción navideña  conmas versiones en los últimos cinco años.  Solo fue superada por "Winter Wonderland" y "Christmas Song".
Que la disfruteeen!!


miércoles, 18 de diciembre de 2013

GOD REST YOU MERRY GENTLEMEN / BING CROSBY


"God Rest You Merry Gentlemen" es una canción del cantante y actor estadounidense Bing Crosby, que fue publicada en el año 1945 en el aclamado disco "Merry Christmas".
Antes de la marea de los Frank Sinatra y los Dean Martin,  este cantante y actor marcó de inmediato la cancha y llegó a lo mas alto de la fama gracias a su buen trabajo en diferentes ambientes artísticos , ya sea en la pantalla grande, en la radio o en el campo musical, siempre dejaba en claro que talento tenía de sobra.
Con una actitud relajada, amable, casual y una voz que sería muy imitada (de Jazz Singer!!), Bing Crosby se convirtió en un personaje muy influyente en su época, y eso lo supo manejar muy bien durante toda su vida artistica.
Con un catalogo musical enorme, donde llegó a vender mas de 30 millones de copias y con mas de sesenta películas en el cuerpo, Crosby logró hacerlo todo, disfrutó de todo y vivió de todo, hasta que la fama se fue de sus manos y aparecieron los Sinatras, pero eso ya es otra historia.

"God Rest You Merry Gentlemen" es un villancico muy popular en tierras británicas, y según varios investigadores navideños (?) data del siglo XVII y su autor es desconocido. De hecho, una de las primeras publicaciones oficiales de esta canción salió a la luz publica en el año 1833, gracias al famoso anticuario inglés William B. Sandys quien la incluyó en el compilado navideño "Christmas Carols Ancient and Modern".
Pero este canto navideño no se quedó ahí, ya que en 1871 sería incluída en la colección "Christmas Carols New and Old" que pertenecía  a la famosa dupla formada por Sir John Stainer y H.R. Bramley. En esta publicación aparecían cerca de 40 villancicos, los cuales fueron recopilados por casi 10 años de investigación, y que sería grito y plata en Iglesias y publico en general. Fue tanta la popularidad de esta colección (donde se incluían, ademas de este villancico,  las clásicas The First Nowell,  The Wassail Song, When Christ Was Born of Mary Free entre otras tantas) que hasta el año 1950 aun seguía editándose este cancionero, incluyendo una que otra rareza o pieza olvidada en algún estante con aroma a pino y pan de pascua.

Pero un 8 de Junio del año 1942, sería Bing Crosby quien decidiera grabar esta canción acompañado por el director musical John Scott Trotter y su orquesta, ademas de la  participación del Max Terr's Mixed Chorus.
Esta nueva y renovada versión fue incluida por Crosby en su disco (mas bien su gramófono) "Merry Christmas", el cuál fue publicado en el año 1945 por el sello Decca y que tuvo mucho éxito en radios y también en ventas. Como en esa época los Lp aun eran parte del sueño de todo productor, este trabajo musical consistía en cinco discos de gramófono con 2 canciones cada uno. Con la llegada del vinilo, el disco pasó a un formato único y además llegó a ser considerado como el disco navideño con mas ventas de todos los tiempos, ya que llegó a las casi 15 millones de copias vendidas en todo el mundo.

Que la disfruten!!!




domingo, 8 de diciembre de 2013

STAND BY ME / JOHN LENNON


"Stand by Me" es una canción del músico británico John Lennon, que fue lanzada como single el 10 de marzo del año 1975 y que fue incluida en el disco "Rock 'n' Roll", la sexta placa en calidad de solista de este gran músico y artista inglés.
La historia de este disco es muy particular, ya que la idea de hacer un homenaje a esos clásicos de los 50's y 60's por parte de Lennon tuvo su origen tras una demanda del empresario Morris Levy, dueño de la discográfica Roulette Records, y quien decidió acusar de plagio al ex-Beatle debido a que la canción "Come Together" (que pertenecía a la época de los Fab Four) incluía ciertos acordes y frases de la canción "You Can't Catch Me", de Chuck Berry.
Pero el astuto de Levy puso varias cartas sobre la mesa en la previa de ir al paseo eterno de los tribunales, y le planteó la sorprendente idea a Lennon de que la demanda se iría a la basura sí y sólo si  el Beatle grababa al menos tres canciones de su catálogo en su próximo disco. John aceptó la idea y se puso manos a la obra.

Tras encontrar muy buenas canciones en el catálogo musical de la empresa de Levy, Lennon decide hacer un disco que solo esté compuesto por covers de esas canciones que escuchaba cuando era adolescente, en especial de la época en que Los Beatles aún eran una banda de bares, jopos y chaquetas de cuero. D ea manera nace el disco "Rock 'n' Roll".
Para la historia del rock quedan los tormentosos días en que se grabó este aplaudido disco. Es que Lennon decidió trabajar sus cintas con el productor Phil Spector  en octubre del año 1973 y este, que era un personaje de aquellos, en unos de sus tantos arrebatos, llegó un día de bata y con una pistola amenazando a los músicos de estudio y al propio John, con el fin de que se quedaran callados y aterrizaran en el trabajo. Además, en esa época este famoso productor pasaba borracho, y no fue mucha la sorpresa cuando en uno de sus intentos de aplicar el mando con la pistola derramó un vaso de vodka sobre las cintas. Fue tras ese incidente en que Lennon lo increpó, y Spector simplemente pescó las cintas y se las robó, para luego terminar en una pelea de antología que duraría un par de años, cuando Lennon recibió esas cintas de parte del presidente de Capitol Records.

Una de esas canciones que aparece en ese compilado de hits sesenteros, fue la famosa balada "Stand By Me", que fuera popularizada por el cantante estadounidense Ben E. King en el año 1961.
Eta canción, que fue escrita por King junto a la famosa dupla formada por Jerry Leiber y Mike Stoller, y que además estaba inspirada en una canción religiosa llamada "Lord Stand by Me,"  era una de las que Lennon tenía mas aprecio, en incluso en la sesiones del disco Let it Be, cuando era parte de los Beatles, ya entonaban parte de esa gran canción.

Pero una de sus versiones mas reconocidas, aparte del single que lanzaría Lennon, seria la de aquella sesión de grabación que protagonizaron John Lennon y Paul McCartney, junto a Stevie Wonder, Jesse Ed Davis, Bobby Keys y Harry Nilsson entre el 28 y 31 de Marzo del año 1974 en los Burbank Studios en Los Angeles. Y se hizo famosa, ya que fue uno de los pocos registros musicales donde los dos cabecillas principales de The Beatles tocan juntos tras años de peleas y paseos judiciales por creer que la música era igual que manejar una empresa.
Esta sesión de grabación, que aparecerpia en calidad de "bootleg" en el año 1992 bajo el título "A Toot and a Snore in '74" fue catalogada por el propio McCartney años después como "confusa" y además coincidía con la época del "Lost Weekend", cuando Lennon estaba soltero, vivía con May Pang, extrañaba a ratos a Yoko, trabajaba junto a Harry Nilsson como productor y había vuelto a caer en picada en la cocaína y el alcohol. Pero aparte de eso, había vuelto a ver a viejos amigos, y en especial lo que causó mucho revuelo fue el volver a estrechar la mano de su amigo Paul McCartney, con quien se encontró en Los Angeles y compartieron mucha actividad musical durante casi 3 días. "La última vez que ellos tocaron juntos fue una jam session improvisada en la época en la que yo y John vivíamos juntos en Los Angeles. Un día, los McCartney nos hicieron una visita sorpresa, después de la primera noche de grabación del disco Pussy Cats de Harry Nilsson. De hecho, después de ese encuentro, nos vimos harto con los McCartney. Incluso, John planeaba trabajar nuevamente con Paul en 1975 (en Nueva Orleáns). Pero no se concretó" comentaría años mas tarde May Pang, la elegida por Yoko para cuidar a Lennon en su separación temporal.

Pero hasta ahí, las versiones de esta canción por parte de Lennon eran bastante flojas, y a la vez muy poco inspiradas. Pero sería en octubre de 1974 cuando el músico decidió grabarla ya de manera oficial, y fue en los días finales de la grabación de su sexto disco, y aprovechando que estaba con su selecto grupo de músicos que lo acompañaron en la grabación del disco "Walls & Bridges". Nos referimos a los guitarristas Jesse Ed Davis, Peter Jameson y Eddie Mottau, a Ken Ascher en el piano, el señor Klaus Voormann en bajo, los saxofonistas Joseph Temperley, Frank Vicari y Dennis Morouse, y al baterista Jim Keltner. Junto a ellos, Lennon logró dar vida a esta nueva versión, la cuál inclus llegó a ser seleccionada como single promocional para su nuevo disco.

Finalmente el 10 de Marzo del año 1975, "Stand by Me" sale a la venta como single y llegaría a ser todo un éxito en los Estados Unidos donde alcanzó el puesto #20 del Billboard Hot 100 y acó aplausos de parte de la prensa especializada. Distinta realidad tuvo en tierras británicas, donde el single solo alcanzó el puesto #30 del UK Singles charts y no tuvo mucha promoción en los medios.
Pero meses después, cuando el disco "Rock 'n' Roll" estaba en el top Ten de los charts estadounidenses, Lennon recibe una noticia que lo dejaría mas que contento: Yoko Ono estaba nuevamente embarazada. Esa fue la razón por la cuál el músico tomaría la decisión de abandonar de forma momentánea su carrera musical para enfocarse ciento por ciento a la familia.
Cinco años después, Lennon volvería a un estudio de grabación con nuevo material bajo el brazo, pero todo terminaría de manera trágica aquel 8 de Diciembre de 1980, cuando cinco balazos efectuados por un "supuesto" fanático, en la entrada del Hotel Dakota, acabaron con la vida de un músico, un artista, un poeta que quedó entre los mas grandes del siglo XX por su extensa y exitosa obra e influencia mundial.

Que la disfruten!!!



sábado, 30 de noviembre de 2013

ANIVERSARIO DE HDC: 5 AÑOS JUNTO A USTEDES!!!


Esto que empezó el año año 2008, tras una fiesta donde con un grupo de amigos empezamos a buscar y hablar sobre canciones mientras corrían las cervezas, las papas fritas y los discos. Esto que empezó como un registro de prueba, sin tener tanta fe en el resultado ni creerme el cuento, sólo por amor a esas canciones que escuchaba desde niño, cuando tenía apenas 23 años y estudiaba Pedagogía en Matemática en Temuco, una hermosa ciudad ubicada en la región de la Araucanía,  hoy ya cumple 5 años en el universo del Internet.

La idea es seguir, aunque la vida ya nos pone nuevas metas en materia profesional, pero aquí estamos, resistiendo de manera firme a la rutina y dejando siempre un dato curioso, una canción que quizás estaba olvidada o que quizás pasó por ahí, en algún tocadisco, walkman, discman o un lujoso MP3.

Este Blog es y será un homenaje a la canción, a descubrir lo que hay detrás de cada acorde, de cada frase, de cada contexto en que vió la luz pública. Porque, tal como hemos dicho durante estos años por esta carretera cibernética: PARA TODO HAY UNA CANCIÓN.

ABRAZO DE GOL PARA TODOS!!!!

MUCHAS GRACIAS POR SUS COMENTARIOS, CRITICAS Y APORTES!!!

Atte;
Jimmy Jazz




I'M OUTTA TIME / OASIS


"I’m Outta Time" es una canción de la banda inglesa Oasis, que fue lanzada como single el 1 de Diciembre del año 2008 y que pertenece al disco Dig Out Your Soul, séptimo trabajo de esta mítica banda de Manchester.
Este mencionado disco trae a una banda mas ligada a la madurez, que era un concepto que no era muy utilizado dentro del diccionario de carretera de Oasis. Es que tras el gran éxito del disco "(What's the story) Morning Glory?" la banda de los hermanos Gallagher cayó en un pozo de excesos y falta de autocrítica que lo llevaron a perder el rumbo musical ( y parte de los integrantes) por casi 10 años.  Pero a pesar de que no encontraron ciento por ciento su antigua savia, en el disco "Dig Out ​​Your Soul" ya empezaron a sonar como antaño, con esa mezcla de Beatles y Stones Roses,  como que habían encontrado por los suelos algo de la química perdida, como si apareciera en escena un remake del "Be Here Now" pero sin tanto exceso de cocaína, juerga y una torta de arreglos que llegaban a la paranoia musical. Lamentablemente, y cuando nuevamente la critica los tenía muy bien catalogados, aparecieron en escena los egos, el aburrimiento de las giras y las peleas, que al parecer aún eran parte de la carretera.

Dentro de este gran disco aparece una delicada y llamativa balada escrita por Liam Gallagher, quien ya estaba tomando bastante experiencia a la hora de escribir y ya exigía su espacio en los discos hace rato. Se trata de "I’m Outta Time", una canción "engañosamente brillante", según Noel.
"Es realmente sincera , hay mucha melancolía e su letra y eso es lo que quería mostrar Liam" señalaba a la Q Magazine el guitarrista  Gem Archer, en Octubre de 2008, cuando el disco aún no salía a la venta y estaban en la etapa de promoción. Y el guitarrista tiene mucha razón, ya que esta canción muestra el lado melancólico y reflexivo de un personaje que se caracterizaba por escándalos, inmadurez y dudosa rebeldía en momentos que ya son parte de la historia del rock de los 90's.

La historia de esta canción empieza en el año 2005, cuando Liam estaba tratando de escribir una buena balada pero las ideas no llegaban a buen puerto. " Tenía un par de versos y parte de la música, mientras que el coro me tomo como un año en poder escribir y arreglarla. No podía hacer nada, era una mierda todo lo que salía. Hasta que un día, estaba tocándola y salió algo interesante y pensé "Muy bien, esta es la canción que estaba buscando"" comentaría años después Liam a la revista Rolling Stone.
En varias entrevista Liam ha declarado que entre el año 2006 y el 2008 estaba muy inspirado a la hora de escribir, y esta canción forma parte de un proceso muy intenso de búsqueda musical. "Cuando por fin la terminé, pensé, 'Sí, hombre, debo seguir así en este negocio musical y no tirar la toalla.".  Creo que fue la primera gran canción que hice, no tiene grandes acordes para ser un himno, pero estoy muy orgulloso de este resultado" declaraba el vocalista de la banda la Q Magazine en el año 2011 tras ser consultado sobre sus nuevas y viejas creaciones.

Otro de los detalles que contiene esta balada es un extracto de una entrevista hecha a John Lennon en la BBC dos días antes de su trágica muerte. En ella, Lennon menciona la frase: "As Churchill said, it’s every Englishman’s inalienable right to live where the hell he likes. What’s it going to do, vanish? Is it not going to be there when I get back?". Según el guitarrista Gem Archer, la idea de colocar esta frase de Lennon fue de exclusiva idea del autor de la canción y que ya lo habia manifestado en más de alguna ocasión. Para ello buscó varias cintas que tuvieran entrevistas al autor de "Imagine", y finalmente se quedó con esa, que la encontró en un viejo casete que había comprado años atrás en las tiendas Currys. Además, esta canción tiene cierto pasajes musicales muy ligados al sonidos de Lennon, en especial la que forman parte de su etapa solista y por ello muchos han declarado que es un homenaje al ex-Beatle, del cuál Liam era fans a rabiar.

Pero Liam ha declarado que la canción no es un homenaje a Lennon, ya que iba mas allá de eso y estaba ligada a otros sentimientos, aunque pocas veces ha dado un significado sobre la letra. Incluso se ha llegado a pensar que esta canción también habla sobre el duro momento por el que pasaba la banda en esos días, sobre los malos contratos, las heridas del pasado y la perdida de fama. Sobre esto, Liam declaraba a la Rolling Stone: "Siempre he sido un gran fans de John Lennon, y esta canción tiene un poco del ambiente de Lennon, así que pensé: 'Bueno, tengo que encontrar algún audio donde él esté hablando'. Así que fui a buscar por todas esas viejas entrevistas, esto fue lo primero que encontré, y fue sólo una cuestión de trabajo. No es un homenaje a John Lennon, porque si usted se sentara y tratara de escribir un homenaje a John Lennon lo mas seguro es que saldría una mierda, una basura, pero esto es un especie de guiño hacia su persona"

La canción llegaría al puesto #12 del UK Singles chart, y se convertiría en el primer single de a banda en no entrar al Top Ten de dicho ranking desde el año 1994. Aun así, la canción logró ser considerada como una de las piezas mas alabadas del disco y por los fans. Esto llevó a que un rendido Noel (quien siempre se llevaba los créditos de los hits), declarara a la revista inglesa NME que esa canción era "una bella y hermosa balada".

Que la disfruten!!

domingo, 24 de noviembre de 2013

DO YOU WANT TO KNOW A SECRET / THE BEATLES


"Do You Want to Know a Secret" es una canción de la banda británica The Beatles que publicada en el disco Please Please Me, el primer trabajo musical de esta emblemática banda.
Si bien la banda tuvo un éxito bastante limitado con la canción "Love Me Do", en su segundo single empezaron a ver la otra cara de la moneda, la de la fama absoluta y los primeros puestos de los charts, y fue gracias a la canción "Please Please Me". Tras ese "bombazo", la banda decide viajar a Londres y grabar su primer LP en una sola sesión, el cual saldría a la venta el 22 de Marzo del año 1963 y sería el pitazo inicial para una carrera llena de éxitos y mitos.
El disco "Please Please Me" alcanzó el primer lugar en las listas del "New Musical Express" y "Melody Maker" y en tan sólo seis meses alcanzó los 250.000 discos vendidos (obteniendo Disco de Plata). Se estima que alrededor del mundo, este Lp vendió cerca de dos millones de copias y fue el pitazo inicial para la "Beatlemanía".

Dentro de este disco encontramos una canción que tiene en voz principal a George Harrison pero que fue escrita por su compañero John Lennon (aunque Paul McCartney también dice tener algo de tajada en esta canción). Hablamos de la "rola" "Do You Want to Know a Secret".
Se suele citar que esta canción fue escrita por John de manera exclusiva para su amigo George, pero ese dato falso, ya que la canción fue escrita por John simplemente para ser incluida en este disco y la decisión de que la cantara George simplemente se tomó como grupo para darle participación al guitarrista. La canción fue escrita cuando el manager de la banda, el señor Brian Epstein, le prestó a John y  Cynthia un departamento que tenía de manera secreta para llevar a sus parejas. Recordemos que el manager de la banda era homosexual. "No puedo decir que la escribí para George (Harrison). En ese tiempo vivía en un apartamento junto a catorce estudiantes de la escuela de Artes. Acababa de casarme con Cynthia, y Brian Epstein nos pasó un pequeño departamento que tenía en Liverpool, que tenía de manera secreta para llevar a sus parejas, ya que no podía llevarlas a casa de sus padres", comentaba John Lennon en una entrevista con el periodista David Sheffield en el año 1980.

Si bien en algunas entrevistas George Harrison declaró gran parte de la musica de esta canción estaba inspirada en  "I Really Love You", un éxitazo de la banda estadounidense The Stereos que la rompió en el año  1961, pero John Lennon dejó muy en claro la música y la letra estaba inspirada en la canción "Wishing Well" del film de Disney, "Blancanieves y los siete enanitos".
"Mi madre siempre fue así ... Ella era una buena comediante y cantante. Nunca llegó a ser profesional, pero, ya sabes, ella tenía experiencia en pubs y esas cosas por el estilo. Tenía una buena voz. Ella podía hacer de Kay Starr. Cuando apenas tenía dos o tres años de edad, ella me cantaba una dulce melodía, una que decía: 'Want to know a secret? Promise not to tell. You are standing by a wishing well.' La melodía pertenecía a ua canción de una pelicula de Disney" recordaba John Lennon en el libro "All We Are Saying" (1980), del periodista David Sheff.
Además, en dicho libro, el autor de la canción agrega: "Así fue como llegaron ciertas frases a mi memoria, y la escribí y después se la cedí a George para que la cantara. Pensé que sería un buen  material para George, ya que sólo tenía tres notas y él no era el mejor cantante del mundo. Si bien ha mejorado mucho con el paso del tiempo, en ese entonces su habilidad para el canto era muy pobre, debido a que se concentraba mas en su labor como guitarrista".
Sobre esto último, un honesto George Harrison declararía en el documental Anthology: "Esa era  "mi canción" en el álbum. No me gustaba como quedó mi voz en la grabación. Yo no sabía cantar, y nadie me dijo cómo hacerlo".

El 11 de Febrero de 1963 fue la fecha exacta en que la banda grabó  "Do You Want To Know A Secret" en los estudios Abbey Road. Según los datos de esa histórica sesión de grabación, esta canción fue la cuarta que grabó la banda en esa jornada.
Se grabaron seis tomas de la pieza musical, y se tomó la ultima pista de grabación, a la cual se le agregaron un doblaje en los coros, y dos baquetas que son golpeadas en la parte intermedia. En la grabación de la canción George Harrison se ocupó de la voz principal y las primera guitarra, mientras que John Lennon estuvo en los coros y la guitarra acústica. Mientras que Paul McCartney participó en coros y bajo, y el señor Ringo Starr estuvo en batería y percusión.

Si bien "Do You Want to Know a Secret" no fue lanzada como single en el Reino Unido, la cosa fue totalmente diferente en los Estados Unidos, donde un 23 de Marzo de 1964, y bajo el sello Vee-Jay, apareció en escena el single que incluía esta canción y que llegó al puesto #2 del Billboard, y que sólo fue superado por otra de sus canciones, la debutante "Can't Buy Me Love".

Pero la canción tuvo cierta popularidad en el Reino Unido gracias a Billy J. Kramer y los Dakotas, quienes también eran representados por Brian Epstein, y a los cuales Lennon les grabó la maqueta de esta canción en un retrete. Si señoras y señores, tal como leen, Lennon grabó el demo de esta canción en un baño publico, y tras terminar su versión llegó y tiró de la cadena al final de la cinta. La historia cuenta que Lennon le dijo a Kramer que el retrete era el lugar más silencioso que había podido encontrar para grabar esa maqueta.
La versión de Kramer y sus Dakotas fue lanzada en Gran Bretaña el 26 de abril de 1963 y llegó al  nº1 del UK Singles charts y estuvo ahí durante dos semanas. Y a pesar de que fue todo un fracaso en tierras estadounidense, el gran éxito de Kramer en Gran Bretaña demostró que la firma Lennon-McCartney podía ser un trampolín para otros artistas que buscaban fama con buenas canciones.
Que la disfruten!!!!







domingo, 17 de noviembre de 2013

LISTEN TO THE MUSIC / THE DOOBIE BROTHERS



"Listen to the Music" es una canción de la banda estadounidense The Doobie Brothers, que fue publicada como single el 19 de Julio del año 1972 y que además fue incluida en el disco Toulouse Street.
Oriundos de California, esta emblemática banda logró mezclar de excelente manera el folk, el soft Rock, el blues y el Rock sureño, la cuál dejó en un catalogo musical lleno de clásicos.
Con el disco Toulouse Street, la banda logró un disco de oro y a la vez llegó a la fama absoluta. Es, sin lugar a dudas, el disco mas valorado y reconocido por la prensa (y con una calidad de producción que saca nota 7), y en donde se alejaban de ese estilo musical que lo llevó a ser comparados en primera instancia con los Eagles, ya que en este, su segundo Lp, muchas de las canciones contenían ciertos guiños hacía el Jazz y R&B, y eso ya marcaba la cancha.

La historia de la clásica "Listen to the Music" empieza en Mayo de 1972, cuando el guitarrista y vocalista de la banda, Tom Johnston estaba descansando en su casa en San José, California. En ese entonces, y aprovechando unas breves vacaciones antes de entrar al estudio de grabación, el guitarrista pasaba casi la mayor parte de su tiempo tocando su guitarra. Asi fue como a eso de las 2 de la mañana Tom llegó a  un sospechoso riff. Era el primer paso para crear una nueva canción.
Una vez que encontró una buena melodía, y escribió parte de la letra, Johnston llamó por teléfono a Ted Templeman, el productor que trabajaba con la banda. Tras comentarle sobre su creación musical, Tom pesco su guitarra y le cantó la canción a un Templeman que estaba aún enredado en las sábanas. Luego de la demostración, Tom le declaró al productor: "Estoy seguro de que esta canción será un éxito".

Días después, cuando la banda llegó al estudio de grabación, Tom decidió empezar a trabajar de inmediato en esta canción. Los acordes y arreglos de guitarra se mantuvieron intactos con respecto a la que el productor escuchó por teléfono, y simplemente se trabajó en la parte de bajo, donde el encargado de tocarla fue  Tiran Porter , para luego pasar a trabajar en la parte de batería, donde los encargados fueron el baterista Mike Hossack  y el guitarrista Pat  Simmons. A pesar de todas las ganas y la fe que le ponían a esta canción, el productor no estaba muy seguro de su calidad, y les paró los carro en cierta ocasión: "Esta canción no está para ser un single". El tiempo le haría comer sus palabras a Templeman.

Pero el éxito de esta canción radica en el mensaje que contiene su letra. Un mensaje muy ligado a la diversión y el sentido positivo de ver y analizar la vida. " Todo esto se basa en una visión, un tanto utópica, del mundo. La idea era mostrar que la música podía llevarnos a un plano mas alto, fuera de las ideas de aquellos líderes del mundo, ya que nos hace sentir grandes. Es algo así como vivir eternamente recostados en un prado, bajo un sol brillante y sólo  escuchar música. Básicamente la canción habla de que la música ayuda a crear un mundo mejor. Eso sí, ya me he dado cuenta que las cosas no funcionan de esa manera" declaraba Johnston en una entrevista años después del éxito de esta rola.  

"Listen To The Music" llegó a la casilla #11 del Billboard Hot 100 en noviembre del año 1972 y se convirtió en el primer gran éxito de esta gran banda, aunque su productor pensara lo contrario...
Que la disfruten!!!



sábado, 16 de noviembre de 2013

DON'T LET THE SUN CATCH YOU CRYING / GERRY AND THE PACEMAKERS


"Don't Let the Sun Catch You Crying" es una canción de la banda británica Gerry and the Pacemakers, que fue  publicada como single en Abril del año 1964.
Liderados por por talentoso compositor Gerry Marsden, esta banda, que al igual que The Beatles eran oriundos de Liverpool, llegó a ser muy popular en su tierra a los comienzos de la década de los 60's.
Pero no sólo los unía con los Fab Four la ciudad de origen, ya que esta exitosa banda también era representada por Brian Epstein y además contaba con la ayuda en producción de George Martin.
Lamentablemente, y con el paso de los años, esta banda no tuvo un momento musical de evolución, ya que mientras ellos seguían en la onda "Yeah, Yeah", muchos de sus acompañantes de carretera empezaban a explorar nuevos conceptos, y además aparecían en escena nuevas bandas y nuevos estilos que los fueron dejando casi en el olvido. Por eso, y en el ecuador de la década de los 60's, Gerry and the Pacemakers llegó a un punto muy bajo en su carrera y eso los llevó a separarse, aunque con el paso de los años su leyenda sigue viva gracias a sus clásicos eternos.

La canción que hoy traemos al ruedo viene condecorada con algo más., ya que fue el primer número uno de la banda en tierras estadounidense, y fue su primer gran paso a la fama mundial. Es que esta canción´n que fue escritca por Gerry Marsden a su novia de ese entonces, traía tras sus acordes una historia muy particular.
Por alguna extraña razón, de esas que siempre aparecen en la historia del Pop y el Rock, los productores de la banda no le tenían mucha fe a esta delicada balada, y decidieron cederla en primera instancia ala cantante Louise Cordet, quien era muy amiga de la banda e incluso había participado junto a ellos en más de una gira por tierras británicas. La versión de "Don't Let the Sun Catch You Crying" en voz de Cordet fue publicada en febrero del año 1964 bajo el sello Decca y con la producción de Tony Meehan.
En pocas semanas la canción y estaba en el Top Ten del UK Singles charts y la crítica alababa el trabajo de producción dentro de esa pieza musical. Fue en ese momento cuando Gerry y su banda tomaron la rienda suelta y decidieron grabar su propia versión...

Para hacer su propia versión, le pidieron asu manager que en la producción estuviera George Martin, y la idea fue mas que efectiva. Martin propuso crear una linea instrumental que hasta el día de hoy saca aplausos entre los expertos. Un arreglo fino y majestuoso fue el que logró el famoso productor de The Beatles para esta banda de Liverpool. Arreglos de cuerda tan melancólicos (y hasta dramáticos!!) como la letra de la canción, donde también añadió ciertos toques de piano que llamaron mucho la atención para ese entonces.
La parte vocal de Gerry Marsden es excelente, con aires melancólicos y suaves, donde a cada palabra le entrega el estado de ánimo necesario para que enganche con todo el entorno, y acompañado de un delicado rasgueo de guitarra que apenas se escucha en la versión original.

La canción llegó al sexto puesto del UK Singles charts, y además llegó a la cuarta posición en las listas estadOunidenses, donde la banda logró llegar a tocar en el famoso Show de Ed Sullivan, y fue una de las tantas bandas que junto a The Beatles empezaron con la invasión británica que tantas canas verdes le sacaron a esos añejos artistas de terno y humita.

Y para finalizar, debemos señalar que si bien esta canción tiene cierto parecido sonoro con aquella pieza de Ray Charles, las letras son totalmente  diferentes y debido a eso no hubo ningn problema legal, ni paseos a tribunales ni demandas. Eso si, no se lo cuenten a George Harrison (?).

Que la disfruten!!


sábado, 2 de noviembre de 2013

ISN'T IT A PITY / GEORGE HARRISON


"Isn't It a Pity" es una canción del músico británico George Harrison, y que fue publicada en el aclamado álbum All Things Must Pass, y que vio la luz publica como single un 23 de Noviembre del año 1970 como cara B de la famosa, y también polémica, "My Sweet Lord".
No hay dudas en mencionar que "All Things Must Pass" fue el trabajo que destapó ante la crítica toda la genialidad de Harrison como compositor de buenas canciones, la cuál siempre se vió eclipsada por la dupla Lennon-McCartney cuando formaba parte de The Beatles. En este disco, George deja un amplio listado de hermosas canciones que viajan sobre temáticas tan simples como el amor, la paz, lo espiritual y lo místico, que además iban relacionadas con su llamativa forma de ver y sentir la vida.

Para muchos esta canción que traemos al ruedo hoy es una de las obras cumbres del apodado "Beatle tímido" y para otros es un fiel lamento de cómo terminó la historia de una de las bandas mas importantes para la historia de la música del Siglo XX.
La historia de esta canción empieza en el año 1966, cuando Harrison tenía en sus manos un papel con acordes y una letra que hablaba sobre el amor y la madurez, pero un tono más espiritual. No se sabe si llevaba ese titulo, pero lo que si se tiene certeza es que ya la ensayaba en las sesiones de grabación pero no se le daba tanta importancia y simplemente quedó en un buen proyecto de canción (para esa época George dejó grabada la canción "Within You Without You", que también contenía una letra muy cargada a lo espiritual).

Pero en el periodo final de las míticas sesiones Get Back, esas que tuvieron fechas entre el 25 y el 26 de enero de 1969,  George intentó convencer a sus compañeros de grabar y trabajar esta canción, pero fue en vano. Y ante eso, Harrison decidió pescar su canción  y guardarla para algun nuevo proyecto, y ojalá fuera en calidad de solista. De hecho, se cuenta que, en medio de esas sesiones, Harrison le confesó a John Lennon estar muy triste por no llegar a grabar "Isn't It a Pity" junto a la banda, y que incluso estaba analizando la opción de cederle esa balada nada mas ni nada menos que al señor Frank Sinatra.

Finalmente, Harrison decidió guardar esta canción para que sea grabada en su primer disco formal como solista, y empezó su aventura musical post-Beatle el 2 de Junio de 1970 en los estudios Abbey Road. En aquella ocasión grabaron dos versiones, y de inmediato se pensó en grabar ambas para que sean incluidas en un disco que terminaría siendo triple.
En la grabación de la primera versión de la canción, acompañaron a George los guitarristas Pete Ham, Tom Evans y Joey Molland, además de  Klaus Voormann en bajo, Billy Preston en teclados, Gary Wright en teclados, Ringo Starr en batería y  Mike Gibbins al pandero. Mientras que en la segunda versión de la canción aparecieron en la escena Eric Clapton a la guitarra, Carl Radle en el bajo, Tony Ashton en el piano, Billy Preston en los teclados y Bobby Whitlock al órgano.

La primera versión contiene una parte musical muy emotiva, donde el piano y la guitarra slide crean un manto sonoro increíble con unos notables crescendos , acompañados de secciones orquestales y corales que son de primera línea. Muchos dicen que esta canción tiene ciertos acordes parecidos con "Hey Jude", la famosa canción de The Beatles (y al parecer los tiene en algunos pasajes), pero  hay que recalcar que los acordes utilizados en el piano son mas complejos y creativos y que además cuenta con el famoso "Muro de Sonido", implementado por el productor Phil Spector, que deja un sello de calidad muy llamativo y que la aleja de inmediato de toda comparación con alguna canción de su antigua banda.
Mientras tanto, en la segunda versión, se puede escuchar la canción en un envase sonoro mas simplificado, donde Spector tuvo que rendirse y dejar de lado sus excesos de producción, lo que quizás le quita cierto sentido emocional a la canción, pero no cabe duda de que habían logrado era una joya musical de alto calibre.

Existe varias anécdotas que rodean a esta canción. Una de ellas dice que el 17 de Agosto, cuando Harrison se disponía a grabar las voces, apareció en su buzón una carta firmada por Phil Spector. En ella, el famoso productor (a quien Harrison acusaría de usar pistolas durante la grabación de su disco) le daba algunos guiños de cómo tenía que terminar, mezclar y arreglar cada una de las 14 canciones que iban a ser incluidas en el disco.
Debido a problemas de agenda, la parte instrumental de "Isn't It a Pity" no contaría con la dirección de Spector, y por esa razón en la carta le pide al ex-Beatle que  la "Versión Uno" aún necesita otra pasada de cuerdas y bronces, pero que eso no tenía que desconcentrar su tarea a la hora de cantar. Mientras que en la "Versión Dos", el productor le pedía a Harrison que si o sí utilizara una parte orquestas ya que la encontraba aún vacía en su parte musical, aunque no estaba nada de mal. Al parecer, Harrison no le hizo mucho caso a estos últimos detalles pedidos por el productor y trabajó a su manera en las ultimas tomas de la canción.

Otra historia que rodea a esta canción tiene que ver con uno de los integrantes de los Bee Gees. Si, tal como usted lee, se trata del cantante y compositor Maurice Gibb quien en varias ocasiones ha declarado que tocó el piano en una de las versiones de esta canción. Pese a que Harrison se fue a la tumba sin  nunca mencionar ayuda alguna de este aclamado músico, sería el cantante y baterista  Phil Collins (quien participó en la canción "The Art Of Dying")  , quien declaró haber visto a Gibb en la grabación de esa canción. Y esto puede ser cierto, ya que Maurice era vecino de Ringo Starr, y en mas de una ocasión el baterista lo invitaba a beber en algun garito a tocar en alguna Jam o ensayo de algún colega que anduviera en busca de deas. Si bien no hay ningun documento que acredite la participación de Maurice en esta cacnión, también hay que dejar en claro que ni Eric Clapton aparecía en los créditos por motivos de contrato con otra compañía disquera.
Que la disfruten!!!!





jueves, 31 de octubre de 2013

HOOCHIE COOCHIE MAN / MUDDY WATERS


"Hoochie Coochie Man" es una canción interpretada por el famoso blusero estadounidense Muddy Waters, y que fue publicada en el año 1954.
Considerado como el maestro del blues por sus pares, este famoso personaje (cuyo verdadero nombre es McKinley Morganfield), oriundo de Rolling Fork, ciudad del Delta del Mississippi se hizo un camino en la música cuando empezó a mostrar un estilo muy particular mezclando su rotunda y envolvente voz con llamativos toques de guitarra, dándole al Blues un nuevo pergamino. Es que Muddy hizo su cartel con su pose de conquistador profesional, con canciones rebeldes que hablaban de sexo, de amores clandestinos, de infidelidades y una que otra aventura a escondidas, dejando de lado todas esas metáforas cursis de las canciones de amor de ese entonces. En materia musical ni hablar, este músico marcó la cancha de inmediato, y le dejó al rock un toque eterno: El protagonismo de la guitarra, no como un instrumento ás sino como una acompañante fiel dentro del canto.
De esa manera, este heredero de los Robert Johnson y los Son House, se convirtió en uno de los músicos más importantes del siglo XX y su influencia fue tan potente, que no sólo el Rock le debe una mano.

Esta canción, que también aparece en algunos discos como "(I'm Your) Hoochie Coochie Man", fue grabada por Muddy Waters en Enero del año 1954 en Chicago, donde horas antes la había ensayado junto a su banda en un club nocturno llamado Zanzibar. Es que la historia de esta emblemática canción empieza en el año 1952, cuando otro de los pesos pesados del Blues, el señor Willie Dixon decidió cederle esta canción para que la grabara su amigo y compañero de carretera.
Asi fue como en esa mítica e invernal sesión de grabación, Dixon tocó el bajo y Muddy  se ocupó de la guitarra y la voz, y ambos fueron acompañados por Little Walter Jacobs (en armónica), Otis Spann (al piano), Jimmy Rodgers (en la guitarra) y Elgin Evens (a la batería).  Esa banda fue la encargada de dejar para la eternidad a la aclamada "Hoochie Coochie Man", uno de los primeros Delta blues que causó popularidad mundial.

La historia cuenta que en esa sesión, Dixon fue el encargado de dirigir a la orquesta, y antes de grabarla, este famoso productor, cantautor y músico se dirigió donde Muddy y le dijo: " Bueno ,acabas de obtener un pequeño patrón de ritmo, y hay que hacerlo una y otra vez, y tú solo debes decir lo primero que se te venga a la mente". De esa manera nace una letra que está muy influenciada en los duros episodios que tuvo que vivir Waters durante su vida antes de acariciar la fama con su guitarra y su vos. Pese a ello, mucha gente tomó la letra con cierto sentido esotérico, y que estaba ligada a  ciertos colores y episodios misticos.
Sobre esta temática. en el año 1988 en una entrevista con el cantautor y periodista estadounidense Paul Zollo, Willie Dixon comentó: " La gente siempre cree en cosas místicas. Hoy la gente cree en la astrología, y eso pasa de generación en generación, desde los tiempos bíblicos. Hay gente que cree en el nacimiento de Jesús... Y bueno, de acuerdo a la Biblia los sabios miraban las estrellas del Este  podían predecir ciertas cosas. Todo eso tiene tintes místicos. La gente cree muchas cosas sobre " Hoochie coochie Man", algunos creen que tiene que ver con el vudú, y otros simplemente dicen que habla sobre personas que tienen dos cabezas. En realidad la han nombrado de muchas maneras"
Y tiene mucha razón Dixon en sus palabras, ya que algunos aficionados al blues han dicho que en la tradición de este estilo musical, la frase  " Hoockie Coochie " no tiene nada que ver con religiones ni cosas por el estilo, sino que simplemente habla de algo sexual y que sería un eufemismo para " vagina"...

Pero mas allá del significado d ela letra, esta canción logró romper barreras hasta posicionarse entre las piezas mas populares del Blues, y que ha sido interrpetada pr numerosos artistas: Por esa razón en el año 1984 fue elegida para entrar al Blues Hall of Fame y 14 años después ganó un Grammy en los Hall of Fame Award. Ademas, la revista Rolling Stone (que le debe su nombre a otra canción de Muddy) incluyó a esta canción en su famosa lista de las "500 Greatest Songs of All Time" donde fue colocada en la casilla  #225, por su gran influencia dentro de la industria musical.

Que la disfruten!!




sábado, 26 de octubre de 2013

ROCK' N 'ROLL STAR / OASIS


"Rock 'n' Roll Star" es una canción de la banda inglesa Oasis, que fue publicada dentro del "Definitely Maybe", el aplaudido disco debut de esta emblemática banda.
Dicen que tras el lanzamiento de este disco, la prensa inglesa empezó a hablar del nacimiento del Brit-Pop, ya que en cada una de las piezas musicales se encuentran diversas influencias que iban de la manoseada psicodelia sesentera hasta los acordes mas cercanos a The Beatles. Pero también las canciones de este disco debut de Oasis tienen un tinte muy marcado a sus colegas de los Stone Roses, T. Rex y el glam de Bowie. Es que en todo su conjunto, estas canciones (escritas por Noel)  contienen un inteligente manto de guitarras y unas líricas que dejaron muy representado a la juventud que ya estaba algo aburrida de los acordes del grunge y sus lamentos.

"Creo que resumí casi todo lo que quería decir en tan sólo tres canciones: " Rock 'n' Roll Star ', ' Live Forever "y" Cigarettes & Alcohol ". Lo demás, simplemente ha sido repetir lo mismo pero de diferentes maneras"  comentaba Noel Gallagher el año 2008 en una entrevista con la revista Q.
Es que esta canción que abre el primer disco de Oasis puede sonar sencilla en cuanto a su calidad musical, pero lo que le dá mas potencia es la temática que trata la letra y que debe ser el himno de toda banda de rock cuando recién inicia su camino por la carretera.

La infancia de Noel y Liam no fue de las mejores. Oriundos de Manchester, criados en el nido de una familia de clase obrera donde el padre era un alcohólico y que cada vez que llegaba pasado de copas maltrataba a sus hijos, hicieron de estos chicos unos rebeldes que pasaban metidos en problemas.
No era de extrañar, que los Gallagher fueran considerados por sus pares como "rufianes". El propio Noel ha declarado que durante su adolescencia estuvo 6 meses con libertad condicional tras robar una tienda y que además se dedicaba a robar  autos y bicicletas porque simplemente no tenía nada que hacer.
La escuela fue otro de sus fracasos, y simplemente iba a sentarse en los pupitres por cumplir.
Pero en esa época Noel descubre que una guitarra puede hacer cosas mágicas, y mas cuando empezó a escuchar radio en sus ratos libre y alucinaba con escribir y tocar en grandes escenarios. Fue así como empezó a escribir canciones, depurar acordes y empezar a ver desde otra perspectiva la vida. había algo que hacer.
De hecho, muchos estudiosos de Oasis dicen que el momento en que Noel decidió ser músico fue tras ir a un concierto de The Smiths, mítica banda de Manchester, y quedar alucinado con todo el show y la potencia del buen rock.

Por esa razón "Rock' n' roll star" es el mejor inicio para una banda en pleno un disco debut, ya que contiene en su mensaje ciertos aires quijotescos y a la vez transmite una arrogante confianza para dejar en claro al oyente que a partir de ese momento Oasis mandaba en el ruedo. Además, la canción era un buen camino para dejar en claro que ellos querían otra vida, fuera de los suburbios de Manchester, ellos querían surgir, salir de gira, conocer gente, ser superiores.
En materia musical la canción contiene una alta energía, donde el bajo, mantos de guitarra y la batería dan vida a una canción que puede ser escuchada en alto volumen en la casa o en un bar, e incluso en la previa de un partido de futbol, como cántico de estadio.

Cabe señalar que en varias entrevistas Noel Gallagher ha declarado que "Rock' n' roll star" es una de sus canciones favoritas del catalogo de Oasis. " Las palabras y el sentimiento que transmite esta canción, me lleva de inmediato a recordar cuando se la presenté a los chicos en el estudio de grabación y también a la primera vez que la tocamos en vivo. Recuerdo que tras tocarla por primera vez en vivo, sentí un silencio muy incómodo, pero después comprendí que no era un silencio de gente desconcertada sino que era de temor y quizás preguntandose "¿Qué fue todo eso ?" Es que tienes a seis personas allá arriba, y en ese momento no eramos estrellas de rock, pero en tu cabeza está la idea de serlo. Por eso, cuando escucho la canción en la radio o en lo que sea, aún me pone feliz y me deja asombrada" comentaría Noel a la Q Magazine en el 2008.

Esta canción fue lanzada como single sólo para Estados Unidos en el año 1995 y además contó con un llamativo videoclip donde se pueden ver extractos de la banda tocando esta canción para su documental Live by the Sea y también se les puede ver paseando por el famoso Southend Pier, reconocido como el muelle mas largo del mundo y divirtiendose como cabros chicos en un parque de juegos llamado 'Peter Pan's Playground'.

Que la disfruten!!!


sábado, 19 de octubre de 2013

SHE SAID SHE SAID / THE BEATLES


"She Said She Said" es una canción de la banda británica The Beatles, que forma parte del famoso álbum Revolver, publicado en 1966.
Este aclamado disco, lanzado al mercado un 5 de Agosto del año 1966, es considerado por la prensa especializada como uno de los mejores trabajos de la banda por la calidad musical de cada canción que lo compone y líricas mas elaboradas, con metáforas interesantes y llamativas polémicas. Es que por esa época los Beatles ya no hacían giras y se enfocaban sólo a trabajar en el estudio, donde fueron indagando, aprendiendo técnicas y llevando a cabo esa idea de experimentar acordes, efectos, loops con todo lo que los rodeaba. Es por esa razón que en este disco podemos ver a Harrison con una pieza que deja lo eléctrico por la tabla y el sitar, mientras que Lennon colocaba canciones que incluían increíbles loops de cinta e instrumentos reproducidos hacia atrás (idea original de su compañero de créditos en las canciones), y a un Paul interesado a full en el sonido Motown, incluyendo secciones de metales y efectos especiales caseros en esa mítica canción cantada por el simpático Ringo. "Revolver" fue un éxitazo en todo el mundo, llegó a vender casi dos millones de copias y lideró los charts de Europa y Norteamerica, dejando en claro que esta banda no necesitaba ya de las giras ni de tanta publicidad en los medios, sólo bastaba talento, buenas ideas, retocar lo clásico con aires nuevos y ser un Beatle.


La historia "Beatle" cuenta que el 21 de Junio del año 1966, en los estudios Abbey Road, los cuatro de Liverpool grabaron "She Said She Said", una extraña y corta canción que Lennon sacó desde su sombrero mágico.
Por esas fechas la producción ya estaba trabajando  en las mezclas del disco y quedaba poco tiempo para entrar a la etapa final, asi que si John quería incluir esta canción tenía que hacerlo de manera rápida y eficaz junto a sus compañeros.
Tras ensayarla por casi 25 veces, y hacer tan sólo tres tomas, la canción empezó a tomar forma y a la vez a tejer y  hacer historia. Una de las tantas historias que trae sobre sus hombros esta "rola" es que debe ser de las pocas piezas Beatles donde el frenético de Paul McCartney no tocó ningún instrumento ni participó en la jornada de grabación final. Según "Macca", esto se debió a que tuvo una discusión con John por la idea de grabar una pieza musical cuando el disco estaba prácticamente cocinado. La respuesta del autor de "She Said She Said" fue "Vete a la mierda!" y George Harrison tocó el bajo.

Pero esta canción venía en la mente de Lennon desde el verano del año 1965, cuando andaba de gira con la banda por los Estados Unidos y en uno de sus ratos libres decidieron alquilar una casa en Los Angeles. Fue en esos días donde Paul, George, Ringo y John asistieron a una fiesta donde los anfitriones eran nada mas ni nada menos que Roger McGuinn y David Crosby de The Byrds. En esa mágica fiesta (?) llegó a las manos el LSD.
En Septiembre de 1980, y en una entrevista con "Playboy", Lennon recordaría el origen de "She Said She Said": "La escribí después de un viaje de ácido en Los Angeles, durante un descanso en la gira de los Beatles, donde nos estábamos divirtiendo con los Byrds y muchas chicas... Peter Fonda llegó cuando estábamos "viajando" y constantemente se acercaba a mí, se sentaba a mi lado y susurraba 'I know what it's like to be dead' (Sé lo que es estar muerto)",

Quizás la pregunta que se hacen ahora los lectores es: "¿Quien es ese tal Peter Fonda? La respuesta, amigos mios está en el viento (?) y le podemos mencionar que este señor es un destacado actor, productor y director de cine, y que lleva en la sangre esto de las tablas ya que es hijo de Henry Fonda, hermano de Jane Fonda y padre de Bridget Fonda.
La historia cuenta que en esa fiesta el último invitado en llegar fue Peter Fonda, y llegó "pasado" en ácido, lo cuál llamó de inmediato la atención de un inocente George Harrison, quien tras consumir esa sustancia sintió que estaba al borde de la muerte, a lo que Fonde le respondó "Yo sé lo que es estar muerto".
Años después, este famoso actor y protagonista esencial de esa juerga comentaría sobre tal episodio donde los integrantes de la banda descubre los efectos del LSD: "Les dije que no había nada que temer, y que lo único que tenían que hacer era relajarse. Les dije que yo sabía lo que era estar muerto, porque cuando yo tenía 10 años de edad me dispararon, accidentalmente, en el estómago  y mi corazón dejó de latir tres veces mientras yo estaba en la clínica, ya que había perdido mucha sangre . John estaba escuchando mi relato y quedó impactado cuando dije eso de "Yo sé lo que es estar muerto". Él me miró y me dijo: 'Tú me haces sentir como si nunca hubiese nacido. ¿Quién te puso esa mierda en la cabeza?"

John Lennon siempre admitió que la frase "yo sé lo que es estar muerto" fue lo que inspiró a que escribiera esta canción, ya que era el resumen perfecto para describir un viaje en ácido en medio de una fiesta donde habían muchas chicas bailando mientras todos los invitados se encontraban en mundos distintos. Un detalle mas que importante fue el haber tomado la decisión de cambiar el "he" por el "She" ya que logró incluir algo de mística para darle otra sensación al oyente.

Además, en materia musical, Lennon siempre dejó en claro que era una pista interesante y que las guitarras suenan de manera maravillosa.
Según George Harrison, esta canción le llevó varias semanas a Lennon poder escribirla, ya que peleaba día tras día con la música y con las ideas que se le venían a la mente.  "Tenía un montón de bits, y  tres canciones que estaban sin terminar. En una ocasión  me pidió alguna sugerencia y le  ayudé a terminar una de esas canciones, era She Said She Said. La parte central  es una canción canción totalmente diferente" comentaría el guitarrista de Los Beatles.

Que la disfruten!!


domingo, 6 de octubre de 2013

TANGLED UP IN BLUE / BOB DYLAN


"Tangled Up in Blue"  es una canción del cantautor estadounidense Bob Dylan, que fue publicada en el famoso disco Blood on the Tracks, que fue lanzado en Enero del año 1975.
Dylan es considerado uno de los iconos musicales del Siglo XX, ya que logró mezclar el blues, el folk, el rock con letras llenas de poesía, bajo un manto de introspección personal y una mirada muy particular sobre la sociedad. Obviamente, este personaje ha influenciado a muchas generaciones de músicos ya que sus trabajos musicales fueron esenciales para entender el paso de la música moderna entre la época mas plástica ( epoca de los "yeah, yeah") hasta una etapa mas reflexiva y de llamativa madurez.
Uno de sus discos mas comentados y que ha recibido una tonelada de buenas críticas es Blood on the Tracks, uno de los discos mas íntimos y de alto calibre de este artista oriundo de Minnesotta. La historia cuenta que fue escrito tras el traumático divorcio con su esposa Sara Lowndes, y de ahí es que las canciones contengan aires melancólicos y amargos, como una catarsis emocional , y que van de la mano con el sello y los acordes del  folk, country y del blues.

Una de las canciones que mas destaca, y que a la vez saca mas aplausos entre la fanaticada, es "Tangled Up in Blue", pieza que fue escrita en el verano del año 1974, en una finca que tenía Bob en Minnesota.
Esta canción contiene una mensaje muy díficil de descifrar, debido a que el modo en que cuenta la historia es algo enredado y hace prácticamente imposible establecer la exacta sucesión cronológica de los hechos, al igual que la identidad de de la mujer de la cuál habla el narrador. Eso si, todos los estudiosos de la lírica de Dylan establecen que la canción tiene cierta relación con los trámites de divorcio que tenían al músico en un estado mental por los suelos.

En una entrevista con la Rolling Stone, en Noviembre de 1978, Dylan comentó que esta canción tiene cierta influencia de las clases de pintura que estaba tomando, en ese entonces, con el pintor Norman Raeben. De hecho, el músico menciona en esa entrevista que la decisión de componer algo así viene de la idea de escribir una historia como si estuviera pintando un cuadro, en el que todas las partes aparecen de manera simultanea y el tiempo narrativo es abolido.
Raeben, que había nacido en Ucrania, fue uno de los personajes mas influyentes dentro de la vida de Dylan. Fue en esas míticas clases de pintura donde Dylan encontró la inspiración para escribir nuevas y elegantes canciones con un tono mas renovado y buscando nuevas líneas de composición. Además, Dylan buscó en las enseñanzas de Raeben una forma de canalizar toda esa tristeza y preocupaciones que había dejado su separación con Sara Lowndes.
Eso si, al parecer las cosas entre el músico y el pintor no terminaron muy bien a finales d elos 70's, ya que por alguna extraña razón, Dylan no comenta nada (pero nada!!) de Raeben en su biografía publicada en el año 1980. De hecho, en ese año, y en una entrevista con el  Morning News, y tras ser consultado por la influencia de esas clases de pintura con Raeben, Dylan sorprendió a la fanaticada al decir: "Prefiero no hablar ni decir su nombre. Él fue muy especial, y no quiero crear ninguna polémica". Meses mas tarde el músico sería mas grave en sus palabras, al decir en la revista Playboy, que el pinto "sólo era un hombre viejo. Su nombre no significa nada" .

Si ponemos ojo en la letra, nos podemos percatar de varios detalles que son a la vez muy llamativos. Por ejemplo,existen menciones a dos canciones de los Beatles ("Pouring off of every page like it was written in my soul, From Me to You," y cuando dice "There was music in the cafes at night and Revolution in the air."). Además de ese detalle, también podemos mencionar que la frase "But me, I'm still on the road" es tomada de la canción "Train To Anaheim" de David Blue. Mientras que la frase "keep on keepin" tiene su influencia en el lema del famoso jazzista, director de orquesta y pianista Count Basie, aunque otros estudiosos mencionan que esa frase viene de la canción "Keep on Keeping on" , de Curtis Mayfield (1971).

La primera versión de esta canción fue grabada el 16 de Septiembre de 1974 con un texto muy distinto al original, en especial la sexta estrofa, la cuál se puede escuchar en el recomendado disco "The Bootleg Series Vols. 1-3" (1991). La versión oficial se grabaría el 30 de Diciembre de ese mismo año en los estudios Sound 80 en Minneapolis, Minnesota.

En fin, "Tangled Up in Blue" es y será una de las canciones mas famosas de este cantautor (artesano de canciones) que hizo (y aun puede hacer) historia en la música popular con canciones eternas, que hablan de lo humano, lo divino y lo que siempre debimos saber.
Que la disfruten!!