domingo, 31 de enero de 2010

BAND ON THE RUN / WINGS



"Band On The Run" es una canción del supergrupo inglés, liderado por Paul McCartney, Wings. Fue publicada como single un 28 de Junio de 1974 promocionando el disco que tenía el mismo titulo que la canción. Dicho disco es uno de los mas aplaudidos de la fructifera carrera musical en solitario del ex-Beatle y es considerado como un disco escencial para la historia del Pop-Rock.

Esta canción, al igual que la mayoria de las otras piezas del disco, fue escrita por Paul McCartney y su esposa Linda.
Fue grabada en Lagos (Nigeria), ya que Paul y el resto de la banda estaban algo aburridos de la monotonía de los estudios de grabación del Reino Unido y querian un cambio radical de aire.
Con maletas e intsrumentos en mano, se fueron en una "safari" musical por pueblos africanos hasta que un musico y pacifista nigeriano llamado Fela Kuti fue al lugar donde estaban grabado los Wings y los amenazó violentamente con un cuchillo del porte de un cuello de Jirafa (?), ya que creía que estaban plagiando y robando la musica típica Africana. Luego de ese "atentado", Paul, que tuvo un ataque de pánico, y la banda tomaron el primer avión a Inglaterra y no volvieron nunca mas...
En ese escape, la banda perdió varios demos junto a maletas llenas de ropas y recuerdos de su estadía en el continente africano.

Pero no nos vayamos del tema...
Esta canción, fue ideada por McCartney con el viejo truco que usaba desde la época de los Beatles, especialmente en los años de Sgt. Peppers... y Abbey Road. Dicho truco consistene tomar distintas canciones y combinarlas en una sola, dando ese efecto de que las canciones no terminan. Un buen ejemplo sobre esta técnica es la canción "A Day in the Life" , donde claramente se escuchan dos canciones mezcladas.

En Band On the Run, Paul mezcló tres canciones en una, bajo la historia de una banda de malechores que para pudrirse en la cárcel pero que huyen, buscando su libertad.
Es por esto que la canción tiene tres partes: Una suave y delicada primera parte, donde el cantante cuenta lo humillado que se siente al estar encarcelado y sin poder ver su pueblo ni su gente. Luego de eso pasa a una sección mas rockera, donde la guitarra, el bajo y la batería son los actores principales. La letra cuenta que el preso quiere hacer todo lo posible por escapar de esa cárcel y para ello Paul usa una frase que su amigo George Harrison le dijo a los ejecutivos de Apple en su epoca de Beatle, esa es "If I ever get out of this house." (en español: Si alguna vez saliera de aqui).
En la tercera y ultima parte, trata sobre el escape de la banda de malechores najo un sonido de rock puro.

Band On the Run fue la respuesta de McCartney hacia los periodistas que miraban en menos su carrera ne solitario junto a los Wings. Con esta canción dejó en claro que su calidad como compositor estaba aún intacto y todas las criticas simplemente eran para generar polemica donde no había.
La canción llegó al primer lugar del Billboard Hot 100 y al tercer puesto del UK Singles charts, dejando a la canción como una de las mas reconocidas de esta superbanda.

Que la disfruten!!!



sábado, 30 de enero de 2010

SAMBA PA TI / SANTANA



"Samba Pa Ti" es una canción de la banda norteamericana Santana. Publicada en 1970 como parte del repertorio del disco Abraxas, que es uno de los LP's historicos de esta banda y de la larga vida del rock debido a su fusión entre el blues, el jazz y la musica afrocubana que dejó a muchas personas sorprendidas ante tanta mezcla de sonidos y la belleza de canciones como esta que hoy comentamos.

Esta pieza instrumental es considerada como uno de los puntos mas altos en la carrera del guitarrista mexicano Carlos Santana, ya que él fue quien escribió e ideó la estructura musical de esta delicada y romantica "Samba Pa tí".
La guitarra se toma la voz principal de la canción. Ella es la que nos habla con sus acordes mágicos y relajantes que nos dejan con esa sensación que solo los buenos "Blues" pueden hacer con sus delicados detalles.

Para Carlos Santana esta fue la primera canción que le dió el mensaje de que podía expresar sus emociones y sentimientos personales.
En una entrevista para la revista "Mojo" el músico comentó sobre esta gran canción: "Recuerdo que estaba solo una noche y empezé a pensar que mi carrera musical era muy parecida a la de otros guitarristas como BB (King), George Benson o Peter Green. Esa noche escuché "Samba Pa' Ti" en la radio y sentí que me miraba en un espejo, porque ea mi cara, mi voz, mis dedos, mi identidad, mi singularidad. Todo se debe a que cuando la grabé no pensé en nada solo me dejé llevar por los sentimientos puros. Sospecho que esta canción trae embotellada muchas cosas personales, que no sabía como expresar o articular en una letra. Muchas veces me enfado porque no puedo decir el verdadero significado de esta canción y es debido a que simplemente salió de mí. Eso si que el mundo lo entiende".

La canción fue todo un éxito para el disco Abraxas pese a no ser lanzada como single promocional ya que las elegidas fueron "Black Magic Woman", "Oye Como Va" y "Hope You're Feeling Better".
Pero la banda se soprendió cuando gente de la discografica Columbia le contaron que en el Reino Unido "Samba Pa Ti" habia entrado al UK Singles Charts en el puesto #27.
Debido a eso, la banda decidió ir a promocionar su música a Inglaterra en 1974 y para ello idearon un compilado con sus canciones mas exitosas y usaron a esta pieza instrumental como el single promocional de su disco en tierra británicas.

Esta maravillosa canción se convirtió en una de las canciones mas conocidas de esta agrupación musical que le puso al Rock de los setentas ese toque afro-latino que impactó mucho en la escena musical estadounidense.

En 1982, el cantante oriundo de Puerto Rico, José Feliciano (que de joven se dió el lujo de tocar guitarra en el disco Rock'n'roll de John Lennon) lanzó una versión de esta canción y le incluyó una emotiva letra. Nuevamente fue un éxito...




viernes, 29 de enero de 2010

BONUS TRACK: LA CANTARON EN VIÑA DEL MAR

"La gaviotaaammm..."

Ya estamos a puertas de entrar al segundo mes de este sorpesivo año 2010 y en los ultimos días de Febrero en Chile se celebra el famoso Festival de Viña del Mar.
Este espectaculo televisivo musical que se celebra año a año en la ciudad jardín es uno de los eventos mas esperados por los opinologos, noticieros rosas, periodistas en celo y las modelos con cuerpos artificiales que ya se entrenan para colgarse de la fama de algun artista que venga a cantar sus canciones.

Sobre este escenario han pasado diversos grupos de rock, bandas clásicas del rock (en pleno éxito como Faith No More y otras con varios años en el cuerpo y sin la fama de antes como la ELO y Creedence Clearwater Revisited ), cantantes de peso musical (Tom Jones, Peter Frampton por ejemplo), rockeros latinoamericanos (Los Prisioneros, Soda Stereo, Charly Garcia entre otros), baladistas poperos, musicos de pachanga y otros seudo artistas que con solo una canción famosa han logrado cantar en ese mítico y criticado escenario.

Para este 2010, el festival supuestamente celebrará el Bicentenario de Chile con una parrilla de artistas de "renombre" internacional y jamas vistos en Chile (?). Por ejemplo podran ver artistas que seran todo un lujo escucharlos ya que nunca han pisado ese escenario, como Paul Anka y Los Fabulosos Cadillacs. Tambien traen artistas que ya tienen como seis presentaciones en el cuerpo como Ricardo Arjona y una "manga" de artistas taquilleros y aburridos como Miranda, Don Omar, Tito el bambino y Reik.

Pero nosotros, sin caer en tantas criticas y darle tanta propaganda a la farandula, queremos dedicarle un espacio a este Festival que cada año nos trae una que otra sorpresa musical.
Para ello dejaremos los videos de las canciones que hasta ahora han sido publicadas en el Blog y que han sido interpretadas sobre el escenario de la Quinta Vergara como una forma de mostrarle a todos los visitantes del blog que algo de buena musica ha pasado por este largo y flaco país.

Estan invitados!!!

Dust in The Wind / Kansas

Era el año 2006, y a falta de Journey los encargados del festival traen a la agrupación norteamericana Kansas que deleitó al publico con sus temas de rock progresivo. pero lo que realmente todos los espectadores esperaban era que canten su canción mas conocida...



Para leer la historia de esta canción tan solo hace clik aqui.

Carrie / Europe

5 de Febrero de 1990 y cinco jovenes de melenas rubias hacian llorar a todas sus fanaticas que le dedicaban todos los piropos existentes. Era la banda sueca Europe, que llegaba al festival de Viña con gran cantidad de canciones exitosas y entre esas la romantica balada Carrie.


Para leer la historia de esta canción, solo pone click aqui.

Mamma mia / A*Teens

Eran el revival de la agrupación sueca Abba y habian sacado un disco con remixes de esta famosa agrupación. Eran los "Abba Teens", una banda que tomo esas clasicas canciones y lucró hasta reventar la fama y leyenda de una de las bandas mas importantes en la historia del Pop. Sea como sea... les dejamos su versión de Mamma Mia!:


para leer la historia de la versión original (la buena) solo apuntate aquí.


Epic / Faith No More

Una de las presentaciones mas aplaudidas en la historia de este humilde festival courrió un 6 de Febrero de 1991 cuando los Faith No More dieron una clase de Rock a todo el pais. Dicen que ese día era tan potente el sonido que volaron los gorros y la galeria se movia como si la azotara un terremoto. "Epic" fue una de las tantas canciones que cantaron esa inolvidable noche...


mas datos sobre este temazo, aqui.

El Baile de los que Sobran / Los Prisioneros

La primera presentación de esta gran banda chilena sobre el escenariod e Viña del Mar data del festival del año 1991. En esa época la banda, sin su guitarrista Claudio Narea y con un discazo llamado Corazones bajo el brazo, lograba llegar al escenario que durante 7 años les fue ingrato, ya que por miedo a que dijeran discursos contra la dictadura militar optaron por censurarlos y cerrarles las puertas a este evento veraniego. En esa ocasión cantaron esta canción...
Pero en el año 203, luego de reunirse para tocar sus viejos temas, la formación original de la banda dió un show completo y polémico que pasó a la historia por su alto contenido politico y social, que era la banera de esta banda. Por eso les dejamos la versión de esa noche de un dia de febrero en el año 2003:


La historia de este himno... aqui!!!


CONTINUARÁ...

SPEEDY GONZALES / PAT BOONE



"Speedy Gonzales" es una canción del cantante estadounidense Pat Boone que fue publicada como single en 1962. Esta canción, que fue escrita por Buddy Kaye, Ethel Lee y David Hess, originalmente fue grabada por el cantante David Dante en 1961, pero no tuvo mucho éxito (solo fue conocida en Filipinas donde llego al #3 de los rankings!!!) y rapidamente pasó al olvido.

Pero Pat Boone, cuyo verdadero nombre era Charles Eugene Boone, traia sobre sus hombros una batería llena de éxitos radiales sumado a una gran popularidad, por ello decidió grabar y publicar esta desconocida canción dedicada al "ratón mas rápido de todo México", nos referimos al personaje de la Warner Bros. Speedy Gonzales.

Para esto, el cantante se trasladó a Londres, donde grabó la canción, que fue todo un éxito en 1962 puesto que legó a los primeros lugares de las listas. Tanto fue la fama que obtuvo con esta canción, que una copia de la partitura de esta canción quedó en la Biblioteca de Londres.
Boone mencionó en la contratapa de su disco de Grandes Exitos publicado en 1995 sobre esta canción:"Escuche esta canción en un bar de Filipinas. Me gustó tanto que decidí comprar una copia del disco de ese artista que la interpretaba y la lleve a casa para que la escuchara Randy Woods (propietario de Dot Records) quien quedó impactado con el ritmo y me dijo: "Pat esto sera una bomba" y yo le dije que habia que grabarla porque sería todo un exito. Pero Woods no quedó muy conforme y decidimos dejarla en carpeta. Pero cuando estabamos grabando nuevo material para algun disco, nos dimos cuenta que solo teniamos dos canciones y en eso junto a Woods decidimos grabar "Speedy Gonzales", luego de converncerlo. Para eso, fuimos a buscar el disco que había comprado y demoramos harto en encontrarlo ya que tenia muchos discos en mi armario. Al final lo encontramos y a la noche siguente la grabamos..."

En el proceso de grabación, Boone y sus aliados decidieron invitar al hombre de las mil voces, el señor Mel Blanc, que era el encargado de la voz original del ratoncito mexicano en la T.V. hasta 1989. Además de ese invitado, el cantante llamó a su estudio a Robin Ward, una joven cantante de Hawaii que años despues tendría gran exito con la canción Wonderful Summer. Ward fue la encargada de los "La-la-la" que luego tendrian controversia con una canción de Elton John llamada Crocodile Rock, donde Boone demandó al cantante ingles pero no llegaron a ningun acuerdo judicial.

Esta canción fue el ultimo gran éxito en la carrera de Boone, ya que llegó a sexto lugar en el Billboard Hot 100 en 1962, y estuvo dentro del ranking cerca de 13 semanas. Con el paso de los años, esta canción es una de las piezas clásicas en la musica de los años 60's.

Asi que levanten sus sombreros, tomen tequila y diviertanse con esta canción que les presentamos hoy...
que la disfruten...


jueves, 28 de enero de 2010

IN YOUR ROOM / THE BANGLES



"In your Room" es una canción de la banda estadounidense The Bangles. Fue publicada dentro del exitoso disco "Everything" en 1988, que logró vender millones de copias y colocar a esta banda integrada por cuatro lindas chicas dentro de las leyendas musicales de la decada de los 80's.

Esta gran canción fue escrita por la guitarrista Susanna Hoffs junto a un grupo de compositores liderados por Tom Kelly, Billy Steinberg y el "Depeche Mode" Martin Gore. La dupla Kelly-Steinberg era muy famosa dentro del circuito de bandas y artistas ochenteros, ya que habian compuesto cacniones como "Like A Virgin" para Madonna, "True Colors" para la "chascona" Cindy Lauper and "I Touch Myself" para Divinyls.

En una entrevista con "Songfacts", el propio Steinberg mencionó acerca de la canción: " Lo interesante de haber conseguido componer una canción para The Bangles en esos moentos, era que ellas parecian una banda de los 60's. Las chicas gustaban mucho de la musica sesentera, especialmente canciones de bandas muy poco conocidas como The Merry Go Round. Había una canción de esa banda llamado 'Live' que fue muy utilizada por The Bangles en la idea musical de esta pieza musical. A ellas les gustaban canciones de Petula Clark hasta The Beatles, así que cuando nos juntamos a escribir con Susana, que era el puente con la banda, decidimos hacer algo así porque Tom y yo crecímos con la música de los años 60".

Sin lugar a dudas, In your Room es una canción memorable, llena de un alegre rock and roll puro y con un riff de guitarra, interpretado magistralmente por Vicki Peterson, que simula un sitar psicodélico típico de las canciones de finales de los 60's. Ese delicado efecto le da un toque muy particular a la canción.
Contiene un coro digno de una canción del Hard Rock, de tonalidad pesada que deja un gusto a esas canciones que eran furor en bandas de "machos rubios" vestidos de mujer que eran grito y plata a principios de los ochentas.

En la parte lírica, esta canción nos trae toda la sensualidad de Susanna Hoffs, que con su aspecto felino dejaba a muchos hombres atontados ante tanta pasión roquera mezclada con aires de diva pop.

La canción, lanzada como single en Octubre de 1988, llegó a la quinta posición de los rankings Billboard Hot 100 y Modern Rock Tracks, ambos de Estados Unidos. Mientras que en el Reino Unido, la canción llegó a la casilla #35 del UK Singles Chart.

Les dejamos esta famosa canción que debe estar en cualquier compilado que se haga sobre la musica de la plástica decada de los ochentas.

Que la disfruten!!



miércoles, 27 de enero de 2010

DON'T BOTHER ME / THE BEATLES



"Don't Bother Me" es una canción de la banda británica The Beatles. Aparece dentro del disco With The Beatles que fue publicado en en Reino Unido en 1963, mientras que en Estados Unidos esta canción forma parte del disco Meet the Beatles! que los "fab four" lanzaron a la venta en 1964.

Esta canción fue la primera que George Harrison compuso, sin ayuda de sus demás compañeros, para un disco de The Beatles.
Cuenta la leyenda que el guitarrista compuso esta canción en 1963 dentro de una habitación del Hotel Bornemouth mientras estaba en cama, a causa de una gripe que lo tenía bastante mal de salud.
Por esos días, la banda se encontraba en una gira por toda Inglaterra y ya se sentian vientos de la Beatlemanía que en pocos años se apoderó del planeta.
Esta fama, que para muchos artistas es soñada y laureada, a los Beatles los ahogaba poco a poco, ya que vivian presos en los hoteles, en el escenario las fans solo gritaban sin percatarse de la magia musical que estos cuatro pelucones podian reproducir y, ademas no podían hacer una vida normal, porque los flashes y los autografos eran un alimento sin sabor para el ego.

Algo de ese aburrimiento, de quejas y depresiones quedron plasmados en la letra de esta canción que Harrison escribió sin el apuro ni la ayuda de John y Paul.
Harrison en su debut como compositor se dió el lujo de hacer una canción con cierto aroma a resentimiento, donde deja muy claro que él rechaza esos amores falsos de las fans y que le aburre la prensa con sus criticas musicales baratas que decian que él solo era un musico sin participación dentro de la banda.
Don't Bother Me es la primera canción con tono personal y no hecha para las fans ni pensada en generar dinero, y la hizo Harrison aunque muchos caen en la idea de que ese honor es de John Lennon... Pero ese debate lo dejamos para otro post.

Lo cierto es que Harrison entregó una canción extraña, con un sonido muy tirado hacia la musica latina y un tono de voz bastante diferente a lo que se venía escuchando en las anteriores canciones de la banda.
Quince días despues de haber escrito la canción, la banda decide grabarla un 11 de Septiembre de 1963 en los Estudios Abbey Road. En esa sesión Lennon se encargó de la guitarra acustica y la pandereta, McCartney del bajo (se manda unos tresillos de bajo bastante interesantes), Ringo no demuestra todo su talento en la batería y bongos y el autor, George Harrison, que canta y toca la guitarra eléctrica con la cual nos regala un pegajoso riff.

Esta canción no tuvo mucha promoción, para muchos es una de esas que solo fueron puestas de "relleno" para acompañar a los hits, pero en este caso estan equivocados. "Don't Bother me" trae otro sonido, es una experimentación con otros estilos musicales del cual Harrison se hizo cargo y a mas de alguno deja sorprendido con su forma de ver la fama y la música en los inicios de la década de los 60's.

Años despues, George diría en una entrevista que esta canción solo fue un "ejercicio" para analizar que tal le salían las canciones... y el resultado fue el track que comentamos hoy.

Que disfruten este temazo!!!!

SWEET LITTLE SIXTEEN / CHUCK BERRY



"Sweet Little Sixteen" es una canción del músico estadounidense Chuck Berry que fue publicada como single en Enero de 1958.
Es una de las canciones mas famosas de este "procer" del rock and roll, que junto a su guitarra y buena voz le dió otro condimento a este género musical que cambió al mundo.

Escrita por Berry, esta canción tuvo su inspiración en un "humilde" autografo que el cantante le regaló a una joven fanática que bordeaba los 16 años de edad.
El músico, al ver a esa joven adolescente, empezó a tirar "ideas" en un cuaderno sobre el llamativo comportamiento de los jovenes al escuchar rock and roll y el sueño de conocer a sus idolos y ser como estos: llenos de fama, figurar en las portadas de las revista y grabar Lp's.
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La letra de esta alegre canción nos relata la historia de una niña, que celebra su cumpleaños número 16, que es una fanática a rabiar del rock and roll y le pide a sus padres que le regalen una entrada para un concierto de su artista favorito (será Chuck Berry????).
Esta adolescente, con motivo de ir al concierto, viste ropa ajustada, se pinta los labios y usa tacos. Todo sea por ir a gritar y gozar de buenas melodias.

Este brillante rock'n'roll fue todo un éxito para Chuck Berry, siendo considerada entre sus piezas musicales escenciales para todo aquel que quiera inculcarse en los origenes de este exitoso género musical.
"Sweet Little Sixteen" llegó al primer lugar de los rankings de R & B en Norteamerica y en el año 2004 la revista Rolling Stone colocó a esta canción en el puesto #272 en su ranking de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Existe una gran similitud musical entre esta canción y "Surfin' U.S.A" que los Beach Boys publicaron en 1963, a tal punto que al escucharla cuidadosamente, Berry demandó a los hermanos Wilson por plagio. Luego de idas y vueltas a tribunales llegaron a un acuerdo para que Berry aparesca en los créditos de ese clásico veraniego.

En fin, una canción con una historia simple pero clásica. Esperamos que la disfruten y bailen mientras que nosotros hemos vuelto de las vacaciones... asi que desde hoy nos ponemos al día!!!!

sábado, 16 de enero de 2010

BARRACUDA / HEART


"Barracuda" es una canción de la exitosa banda de Hard-Rock canadiense Heart. Fue seleccionada como el segundo single promocional del segundo disco de la banda que fue titulado como Little Queen y publicado en 1977.
Esta canción, compuesta por las hermanas Ann Wilson y Nancy Lamoureux Wilson junto al resto de la banda, es considerada como una de las canciones escenciales en la historia del Heavy Metal y comunmente es puesta en diversos rankings sobre este popular género musical que hizo cambiar el sonido de las guitarras y mover las melenas hasta el suelo.

El origen de esta canción viene de un "chantaje" publicitario que hizo mucho daño dentro de la banda oriunda de Vancouver. Se enteraron, por medio de un fans que estaba algo perdido y le preguntó Ann sobre su "amante", que la discográfica Mushroom Records, que les habia grabado su primer LP, inventó el rumor de que las hermanas Ann y Nancy Wilson mantenian una relación amorosa o sea, que ambas bellezas del rock eran lesbianas. Todo esto con el fin de captar a los medios de comunicación y lograr que la banda sea grito y plata sin importar los acordes de guitarra ni las canciones ni sus discos. La parte oscura de los negocios musicales dicen por ahí...
Luego de eso la banda tiró a la basura su contrato con Mushroom Records y encontró una buena oferta de la discográfica Portrait Record, con la cual grabaron el disco Little Queen. Pero en señal de venganza (?) su antiguo sello sacó al mercado un disco titulado "Magazine" que contenía material que la banda había desechado del primer disco, o sea inédito. Este disco fue lanzado sin la autorización de la banda...

En la parte musical esta canción contiene unos potentes y rabiosos riffs de guitarra a ritmo de galope, muy similar al riff de la canción "Achilles Last Stand" de Led Zeppelin, que era una de las bandas favoritas de las hermanas Wilson.

Al ser lanzada como single en 1977, la canción llegó al casillero #11 del Billboard Hot 100 en Estados Unidos, ayudando a la popularidad mundial de los Heart.
Una canción historica y que no puede faltar en los clásicos compilados musicales sobre el Hard Rock y Heavy Metal.

Que la disfruten!!


viernes, 15 de enero de 2010

IF I HAD A HAMMER / PETER, PAUL & MARY



"If I a Hammer" es una canción del famoso trio de musica folk estadounidense Peter, Paul & Mary. Esta canción pertenece al disco homónimo que el trio compuesto por Peter Yarrow, Noel Stookey y Mary Travers lanzó a la venta en Agosto del año 1962.
Esta canción fue escrita originalmente en 1949 por Pete Seeger y Lee Hays, que eran parte de la banda The Weavers quienes grabaron la canción en una de sus placas discográficas sin mayor éxito.

La canción fue escrita en apoyo al movimiento progresista que tomaba fuerza en esa época en tierras norteamericanas. Debido al momento politico que se vivia en esos años, la canción no tuvo la promoción que el cuarteto de Seeger quería y pasaron desapercibidos de la escena musical. Pero en 1962, a casi una decada del lanzamiento de la versión original, el trio Peter, Paul & Mary sacó su versión de esta canción logrando un éxito rotundo, llegando al Top Ten de los Rankings.

La canción tiene un origen basado en el ambiente politico que se vivía en Estados Unidos y el mundo a causa de los primeros años de la Guerra fria. En esa época Pete Seeger y Lee Hays fundaron un sello musical llamado People's Song, cuya misión era difundir a todos los artistas que apoyaban las ideologías del comunismo.
En una de las primeras sesiones de trabajo, Seeger y Hayes se aburrieron de tanta plática con los empresarios y empezaron a escribir unos versos sobre una servilleta. Esos versos eran la primera parte de "If I Had a Hammer", que ya tenía su "maqueta" casi hecha.
Luego de eso, Peter Seeger entonó esta canción en un acto del Día del Trabajador, donde fue aplaudido y felicitado por muchos de los asistentes que vieron en la canción un himno a la libertad y a la labor del obrero tantas veces reprimida y mal pagada. De ese momento, decidió grabarla con su banda The Weavers pero no logró el éxito que tanto esperaban. la canción se quedó guardada en los estantes de las dicotecas.
Pero en 1962, Peter, Paul & Mary reescribieron algunas partes de la canción y la lanzaron como single para promocionar su primer LP. esta versión es la más reconocida y coreada por muchas de las personas que tomaron esta hermosa canción como un himno de lucha social.

El éxito de la canción fue rotundo, a tal punto que Pete Seeger decidió tocar la versión de los Peter, Paul & Mary en sus conciertos. "Suelo cantarla con la versión original o simplemente en la de los Peter, Paul & Mary, quienes le escribieron nuevos versos y armonías vocales que van dela mano con el espiritu de libertad de mundo entero. Es por ello que creo que los músicos tenemos una papel mas que importante al cantar una canción y muy poca gente lo cree. Los músicos pueden enseñarle muchas cosas a los políticos, como por ejemplo "que no todo el mundo tiene que cantar ciertas melodías"" señaló Seeger en una entrevista con el periodista Paul Zollo en 1988.

Tanto fue el éxito de esta canción gracias a ese trio norteamericano, que varios artistas decidieron sacar sus versiones de esta hermosa prosa.
Entre las versiones mas recordadas estan la versión de pop sesentero del cantante oriundo de Texas, Trini Lopez que la llevó al puesto #3 en los rankings de E.E.U.U.
El famoso cantautor chileno Victor Jara, hizo una versión en español para su disco "Pongo en tus Manos abiertas" la cual tituló simplemente como "El martillo".

Una canción con sentido social... una canción valiente que es canción para siempre!!!
Que la disfruten!!!

BONUS TRACK: DATE CUENTA QUE ESTAS VIVO!!! (O UN PASEO POR LA VOZ DE LOS 80'S)


Los Prisioneros fueron una banda distinta en el rock chileno y sudamericano en los 80's. Ellos no eran virtuosos en sus intrumentos, no tenian la "facha" de las estrellas de rock ni eran parte de la elite musical que luchaba contra la dictadura de Augusto "Dictablanda" Pinochet.
Estos tres chicos de la comuna de San Miguel soñaban con ser famosos con su rebeldía adolescente. Ellos retrataban lo malo de su sociedad, miraban como su continente sufría el desprecio de los paises europeos y dedicaban furiosos versos a esos cantantes que con sus peinados y letras "mamonas" tenian mas fanáticas que canciones de calidad.

El 14 de Diciembre de 1984, Gonzalez, Tapia y Narea, lanzaron su primer disco titulado, como si fueran unos amigos de Nostradamus, "La Voz de los 80's". Un disco marcado de buenas canciones con ritmos de ska, reggea, punk y rock and roll.
Por eso, y a modo de presentarles este disco, los invito a un breve pero entetenido analisís de este album que marcó a muchas generaciones, al estilo de "Historias de una canción":



La primera canción de este disco se llama "La Voz de los 80's", una bomba rockera que contiene un discurso de tirar a la basura toda la mentalidad "hippie" que dejaron los jovenes de los 70's, argumentando que este mundo necesita "sangre latina" y que en "plena edad del plástico seremos fuerza y seremos cambio" dandole la tarea a los jóvenes en creer que todo puede ser distinto, acpesar de la dictadura y los muros mentales.
La segunda pista es una canción que tiene un sonido marcado por los Clash, su titulo es "Brigada de Negro" y contiene una critica ácida a esa juventud de chaqueta de cuero que solo vive en la burbuja de las fiestas, beber en exceso, fumar sus cigarros y "pescarse una chiquilla". Ese discurso iba directamente a esa juventud falsa, algo perdida y sin ideales propios cuyo unico fin era (y es) pasarla bien y lo que ocurra a su alrededor simplemente no les importaba.
Pero Gonzalez, Tapia y Narea en la tercera canción del disco nos traen un discurso en defensa del continente Sudamericano. Una introducción de batería (con sonido a "cumbia") nos avisa que esta empezando una canción que mezcla música de Jamaica con una letra al estilo "Florcita Motuda" cuyo titulo es "Latinoamerica es un pueblo al sur de Estados Unidos". La letra es una critica a esos paises del "Primer Mundo" que solo miran al pueblo latinoamericano como el patio trasero de Estados Unidos. Jorge Gozalez fue quien escribió esta mitica letra que hizo de Los Prisioneros una banda que ya no hablaba solo de los problemas en Chile, sino que tambien se daban cuenta que viviamos aislados como continente y que en el norte de America nos trataban como delincuentes, nos metian a la fuerza sus modas, sus falsas culturas y se reian de "nuestros imbeciles dictadores".
Luego de ese ataque de buenas letras con sentido social, aparece una canción de amor pero al estilo Prisioneros. Segun cuentan en varias entrevistas, en su barrio habia una niña que tenia "babosos" a todos los jovenes que habitaban ahí. Esa niña, cuyo nombre era Evelyn, tambien tocó el corazón del rebelde Jorge Gonzalez. Es por ello que le escribió esta canción llamada "Eve-Evelyn", donde saca todo su "Camilo Sesto" y "Salvatore Adamo" que lleva dentro y se sincera ante la belleza de esa niña. Para muchos, esta es una de las canciones mas bajas del disco pero contiene el detalle en que es una de las primera canciones de la banda en usar teclados y sintetizadores en su grabación, lo que posteriormente marcaria el estilo musical de estos tres jovenes de San Miguel.
La última canción del lado A del disco tiene como titulo la palabra que por ese entonces era "tabú": "Sexo". Una canción con sonido a Ska, que tiene una critica burlona a esas personas que cuando le hablaban sobre sexo se escondian tras sus deberes conservadores y Opus Dei, pero que a escondidas eran clientes faciles de comprar pornografía y comportarse como un animal. Gonzalez grita que "la virginidad es una cosa medieval" y que se rie en su cara de todas sus estupideces mentales de algunas personas sobre este tema. Sin lugar a dudas, una de las canciones clásicas de esta banda... y el fin de un lado A lleno de sorpresas. Ahora abres la casetera y cambia de lado para conocer que otras canciones nos dejan con los pelos de punta.


Comienza el lado B y la dupla Tapia-Gonzalez nos entrega una canción llamada ¿Quien Mató a Marilyn? Una canción dedicada a la figura de Marilyn Monroe y su enigmatica muerte que fue tema para una de las canciones mas recordadas de Los Prisioneros. Miguel Tapia sentado en su bateria nos señala varias pistas de quien fue el culpable de la muerte de esa bella mujer. Le echa la culpa al Ratón Mickey, a los Sadinistas, a un alpinista, a la televisión y a uno de sus amigos de barrio llamado Rodrigo Beltrán. El lado B empezó a todo ritmo!!!.
Una introducción rabiosa de guitarra electrica nos trae una de las canciones mas bellas de este disco. Nos referimos a "Paramar", que es una balada roquera que hasta hoy en día muchos solitarios cantan a viva voz en sus frias habitaciones.El tema trata sobre un jove que sueña con tener una pareja pero siempre cae en los mismo juegos de amor, donde es poco honesto ante las mujeres y siempre termina perdiendo. Por eso la letra nos dice que hay que evitar soñar, que no debemos ser estupidos para ser felices y que no debemos crear una falsa identidad. Una canción memorable, donde Jorge Gonzalez deja claro que lo suyo no es solo rebedía y que el amor es algo en que todos caemos aunque levantemos un cartel con falsas identidades.
La canción termina con un rotundo "yo no sirvo para amar" para dar paso a un solo de bajo que nos trae otra joya de este disco y una de las canciones mas potentes de esta banda. Aparece en escena un reggea al mas puro estilo The Clash llamada "No Necesitamos Banderas". Una canción dedicada a Latinoamerica y todos los abusos que le han hecho sus "dictadores" y los colonizadores de antaño. La canción en su furiosa letra nos pide que no necesitamos ni banderas ni fronteras, sino que todos podemos ser un solo pueblo para vivir en paz y sin miedo a lo que venga de los paises que mandan el mundo. Con canciones como esta, Los Prisioneros dejaban en claro que eran una banda valiente y sin miedo a nada, ya que pocos se atrevian a cantar un discurso como este en época de Dictadura, ya que estaba prohibido hacer pensar. No habian metáforas poeticas, no estaban cantando desde el éxilio ni eran parte de los apellidos de la Elite de izquierda. Los Prisioneros cantaron este "temazo" donde verdaderamente estaba la "escoba" siendo considerado como la voz de los que no podian hablar y eso lo hacen pocas bandas.
Despues de escuchar ese fantástico discurso a ritmo de Reggea, aparece en la cinta una canción cuya temática es muy llamativa. La televisión y sus estereotipos hacían estragos entre las mujeres, que querian tener a su lado un "macho" musculoso, bien peinado y ojalá rubio. Para esas niñas que tenian en su mente un video-tape, Los Prisioneros le dedicaban la pegajosa letra de "Mentalidad Televisiva". Una canción cuyo coro se parece a esas viejas canciones de The Beatles, pero dedicada a todos esos "bichos raros" que no eran del gusto de esas niñas que vivian pegada a los programas de televisión y soñaban con que un principe azul "Made in Disney" la fueran a buscar a las puertas de su hogar. La canción le hace honor a esa estúpida realidad ochentera. Ojo con el solo de guitarra de Claudio Narea...
Llegamos a la ultima cancion del lado B y de este excelente disco, altamente recomendable para quien quiera escuchar buena musica con sentido. Un desafinado solo de guitarra hace que empieze a sonar "Nunca Quedas Mal con Nadie", y que final nos tenian preparado estos tres chicos de San Miguel!!!. Una critica abierta a todos esos artistas de "quena y charango" que se las daban de rebeldes con canciones llenas de poesia y mensajes en metáforas que solo los intelectuales podrian entender. Generalmente esos rebeldes eran de apellidos Piñera, Gatti o Scaramelli que hablaban y actuaban como pobres cuando habian nacido en una cuna de oro y eran hippies con dinero que siempre estaban bien con todos y en sus mágicas canciones de protesta no se atrevian a decir a quien iba dedicada.
Termina la canción y quedamos con gusto a poco, a pesar de que la ultima pieza musical fue una bomba de racimo que le cayó pesado a muchos de esos cantautotes que se sintieron ofendidos con la letra cruel de Jorge Gonzalez.

Se apagó La Voz de los 80's, un disco digno de ser escuchado sin caer en la tipica pelea "Soda Stereo es mejor o peor que Los Prisioneros" o "Igual no más estos chicos se vendieron". Lo mejor es escucharlo y sentir el mensaje de esa época, escuchar esas letras que hasta ahora, en pleno 2010, siguen estando vigentes en las acciones populares.
Un album que es cosiderado como de los mejores en la historia de la música popular chilena, lleno de rebedía, de retratos de una generación marcada por la época mas gris de la Dictadira Militar y repleto de canciones clásicas...
Sintoniza el sonido y date cuenta que estás vivo!!!...

jueves, 14 de enero de 2010

LEARNING TO FLY / PINK FLOYD



"Learning to Fly" es una canción de la banda británica Pink Floyd. Forma parte del tracklist del disco del 1987 A Momentary Lapse of Reason, que marcó el regreso de Pink Floyd a la escena musical luego del retiro voluntario del bajista y lider creativo Roger Waters.
Esta canción fue lanzada como single un 15 de Septiembre de 1987, demostrado que Pink Floyd, a pesar de no contar en sus filas con Waters, aun estaba vigente a pesar de los años, de los cambios musicales y todas esas nuevas bandas que andaban por ahí. Además fue el guitarrista David Gilmour quien tomó las riendas de la banda y le sacó el máximo provecho experimentando nuevos estilos musicales.

La historia cuenta que Gilmour y el baterista Nick Mason eran unos fanáticos de todo lo que tenga que ver con la aviación pero ambos rockeros eran temerosos ante la idea de volar por los aires. Para sacarse ese miedo a volar, Mason y Gilmour decidieron sacar sus licencias de pilotos para manejar cuanto avión tengan a mano y obviamente lo lograron, asi que ya estaban listos para surcar los cielos.
De esa "loca" experiencia y de su fanatismo por los aviones, David Gilmour compone esta canción y de paso en el año 1990 de puro hobbie funda un museo llamado Intrepid Aviation donde le muestra al público todas sus joyitas aereas.

Pero no nos vayamos del tema... En "Learning To Fly", Gilmour nos describe el acto de aprender a volar (con alas eh!) y la mágica sensación de libertad absoluta que se siente al pasear por el cielo.
En una entrevista para la revista Only Music en 1987, Gilmour señala que la canción "trata sobre la libertad y toda la mecánica que hay que aprender para amnejar un avión".
Musicalmente esta canción cuenta con unos magnificos solos de guitarra interpretados por Gilmour, quien tambien se encargo del canto. Mientras que Richard Wright y John Carin se hicieron cargo de los teclados y sintetizadores. El baterista Nick Mason, aparte de encargarce de todo lo que tenga que ver con tambores, tambien participó dentro de la canción en la llamativa conversación por radio con su instructor de vuelo que sirvió como un efecto de sonido que se puede escuchar en la mitad de este temón.

Hasta ahí todo va bien. Pero los fans de Pink Floyd no se quedaron sentados en su pieza escuchando esta canción tranquilamente y se dieron cuenta de algunos "significados ocultos" que puede tener esta canción debido a que la letra está plagada de metáforas.
Algunos fans y críticos musicales han dicho que todas esas metaforas sobre la libertad y de un cambio radical en la vida se debian a la nueva etapa de Pink Floyd, donde Gilmour era quien tomaba las riendas de la banda luego del retiro de Waters y sus escandalosas peleas por los derechos de autor de algunas de las canciones mas famosas en la carrera de esta mítica banda (1).
Otra hipótesis, basada en fragmentos concretos de la canción y sobretodo en el vídeoclip que fue dirigido por el diseñador gráfico inglés Storm Thorgerson , se inclina por la relación de los viajes astrales que los chamanes de ciertas tribus nativoamericanas decían poder realizar bajo la forma de ciertos animales, es este caso en forma de águilas (2).

"Learning To Fly" es considerada por muchos fans y criticos musicales como una de las mejores canciones de Pink Floyd en su etapa Post-Waters (?).
Alisten sus motores, corran por la pista de aterrizaje porque aqui les dejamos una canción mítica, hermosa y llena de detalles magicos. Basta de palabras y que música hable por si sola...

Que la disfruten!!!


(1) y (2) del Blog Metaverb (http://metaverb.blogspot.com/2009/12/pink-floyd-learning-to-fly.html#)

THE LADY IN RED / CHRIS DE BURGH


"The Lady in Red" es una canción del cantante y compositor irlandés Chris de Burgh. Esta famosa balada forma parte del disco Into The Light, que el cantante publicó en 1986. Gracias a esta hermosa canción de De Burgh ,que nació en la provincia de Santa Fé (Argentina) y fue guitarrista invitado de Supertramp en 1975, logró conquistar los rankings de 25 paises con esta balada que es una de las canciones mas reconocidas de la decada de los 80's.

La historia cuenta que Chris De Burgh se encontraba trabajando en una canción llamada "The Way You Look Tonight" pero un amigo le avisó que ya existia una cancion con ese titulo. Esto provocó un breve enojo en el cantautor irlandés que decidió tirar a la basura esa canción y componer otra, basandose en la misma idea.
Entonces buscó la inspiración en su amada esposa Diane, con la cual había discutido y estaban peleados por cosas típicas de los quehaceres hogareños. En la letra de la canción De Burgh hace una critica a todos los hombres que se olvidan de sus mujeres luego de conquistarlas, a tal punto llega su amnesia temporal, que muchos se olvidan hasta del color de ropa que llevaban sus esposas en el momento de la conquista.

"Lady in Red" está inspirado en el momento en que el cantautor conoce a su actual esposa Diane. Esto ocurrió en un famoso club nocturno de Irlanda y Diane llevaba un precioso vestido rojo que dejó "loco" a De Burgh. En una entrevista, Chris De Burgh comentó acerca de esta hermosa balada que lo hizo famoso en todo el mundo: "Me dí cuenta que no somos conscientes de que las personas mas importante de nuestras vidas pueden estar sentadas a nuestro lado y con el paso del tiempo recien nos damos cuenta de esos pequeños detalles que los juntaron y conquistaron. Esa es la base de la canción".

Según De Burgh, la canción le tomó 20 minutos en escribirla pero demoró casi seis meses en arreglarla. " Como cualquier obra de arte, sea pintura o escultura, siempre hay que depurar cada detalle y eso lleva tiempo. Sé que al cantarla, la canción tiene un impacto de la vida de muchas personas. Incluso la tocan en funerales" comentó el cantante en una entrevista radial.

La canción fue un exito rotundo en la radios de todo el mundo y logró llegar al primer puesto en las listas del Reino Unido en julio de 1986. Mientras que en Mayo de 1987, la canción logró el tercer puesto en el Billboard.

Esta balada es considerada como una de las canciones escenciales en cualquer compilado que se haga sobre la música que acompañó a la decada de los 80's. Una romantica canción que hizo bailar a muchos a media luz, que ayudó a encontrar a esa "media naranja" o esa "palomita" que te hacía suspirar cuando pasaba fuera de tu casa o del colegio.

Para todas esas señorita de rojo... les dejamos esta hermosa canción!!!

miércoles, 13 de enero de 2010

CRAZY TRAIN / OZZY OSBOURNE


"Crazy Train" es una canción del cantante y compositor británico Ozzy Osbourne. Fue lanzada como single un 20 de Septiembre de 1980 para promocionar el disco debut de Ozzy como solista, nos referimos al aplaudido y aclamado album Blizzard of Ozz.
Este disco esta muy marcado por las penas y depresiones que tuvo este famoso cantante del Heavy Metal luego de ser expulsado de su banda, Black Sabbath, debido a su dependencia excesiva con las drogas.
Pero este disco tambien le dió una gran sorpresa a muchos productores y músicos que creian que Ozzy no lograría sacar adelante algun proyecto musical en forma solitaria, demostrando en sus canciones que es un talentoso director de orquesta de la vieja escuela del Heavy Metal.

La letra de esta majestuosa canción (que empieza con el energético grito "All Aboard!!") nos habla acerca del amor. Si, señora y señores, Ozzy con su pluma mágica escribió una poesía rockanrolera acerca de como poder amar en un mundo lleno de locos, lleno de solitarios y envidia. La letra es un retrato sobre el estado anímico del interprete de "Iron Man", ya que sentia mucha rabia y pena por la forma en que se fue de los "Sabbath".
Para la parte musical, Ozzy le pidió ayuda a dos músicos que serian parte de su banda para los recitales de su gira como solista: el guitarrista Randy Rhoads (un talentoso guitarrista que en 1982 moriria en un accidente) y el bajista Bob Daisley (uno de los bajistas principales en la escena histórica del metal, ya que ha participado en diversas bandas).

En la grabación de la canción, Ozzy "me como palomas cuando me emborracho" Osbourne le pidió a Rhoads que todas las partes de la guitarra electrica fueran grabadas dos veces, para que los riffs y rasgueos se escuchen mas potentes. El guitarrista acató la orden y se dió el duro trabajo de grabar cada nota dos veces. Es por ello que en la grabación original del disco, el solo de guitarra se puede escuchar algo separado del resto de la musica, ya que fue grabado posteriormente por Rhoads, que era un guitarrista que con solo 25 años en el cuerpo marcó un estilo en ese instrumento.

Si escuchan bien la versión original de esta canción, podran oir en la parte final la frase "An Egg" la cual fue dicha por uno de los ingenieros que participaron en la grabación del tema. La razón de esa frase es que mientras mezclaban la cinta, Ozzy le preguntó a ese ingeniero: ¿y tú que desayunaste? y el otro le respondió, en el buen sentido de la palabra, "un huevo...". Al final, ambos se dieron cuenta que habia quedado esa conversación dentro de la canción... pero decidieron dejarla para darle un toque especial al segundo single que sacaba Ozzy en calidad de solista.

"Crazy Train" rápidamente se convirtió en una canción épica para el Heavy Metal, que ayudó a que la figura alocada y de adicto a sustancias prohibidas de Ozzy Osbourne sea mirada mas seriamente por los críticos y productores, ya que dejaba demostrado en la cancha todo el potencial de su talento musical regalandonos una melodia llena de riffs, psicodelia sesentera, potencia vocal y una canción para la historia.

Asi que todos a bordo en este post y a mover las melenas con esta gran canción...

martes, 12 de enero de 2010

NIKITA / ELTON JOHN



"Nikita" es una canción del cantante británico Elton John. Publicada en el disco Ice On Fire de 1985, rapidamente se convirtió en una de los hits mas recordados de este exitoso cantante inglés.
Esta canción, cuya temática es la Guerra Fria, fue lanzada como single el 29 de Octubre de 1985 y el 2 de Febrero de 1986 en el Reino Unido y Estados Unidos respectivamente.

Tal como ya mencionamos, esta balada tiene como contexto la Guerra Fria, que por esos años dividía al mundo entre un bloque Capitalista y un bloque Comunista, siendo una guerra que iba mas allá de las armas y los campos de batalla.
Basado en eso, Elton John escribe esta canción que cuenta la historia sobre un ciudadado de Alemania Oriental (RDA), que se enamora de Nikita y que sueña con la caída del Muro de Berlin que los divide de muchas realidades y no deja que su amor sea libre.

Fue considerada como una de las canciones mas revolucionarias en plena época de la Guerra Fria, ya que Elton John lograba describir el lado humano de una guerra que solo dejaba penas, soledad y gente presa de su libertad.
Tanto fue el éxito de esta canción, que muchas personas que vivian en Alemania Occidental luego de escuchar "Nikita" se dieron cuenta del mensaje sobre la libertad y el deseo de que su pais fuera uno solo. Fue un "Simbolo de Paz" para lograr que Alemania botara ese muro que solo les traía verguenzas, desigualdades y represiones.

Pero la canción tambien tiene algo de polémica, ya que al parecer en la canción, "Nikita" sería una mujer, pero en diversos países de Europa del Este (especialmente en Rusia) el nombre "Nikita" tambien es usado en los hombres.
Pero en el video clip de la canción, el director Ken Russell, personificó a Nikita como una mujer que pertenecía al ejercito de la Alemania Comunista y que conuistaba el corazón de Elton John (?). El papel de Nikita fue hecho por la atleta, modelo y actriz británica Anya Major, que un año antes había actuado en el famoso spot publicitario "1984" usado en el lanzamiento para Norteamerica de la computadora Macintosh 128K de la empresa Apple.
Para este video, Elton John aceptó la idea de Russell, que era hacer una historia de amor etre él y la chica rubia que era guardia en el ejercito alemán. Con ello retrató los sueños que ambos tenian de derribar muros y vivir en libertad, paz y juntos por siempre.

Pero Elton John nos tenía una sorpresa guardada sobre esta canción. Luego de su separación matrimonial, en 1988, con la ingeniera en sonido de nacionalidad alemán Renate Bluel, el músico declaró que la canción era sobre su homosexualidad, que la había admitido mientras estaba casado con Bluel y fue la causa principal de su divorcio.
Por ello, Nikita en realidad era un hombre y todas las metaforas sobre libertad, paz y respeto eran para que la gente respete las relaciones homosexuales.

Sea como sea, la canción (que tiene en los coros a George Michael) fue todo un éxito en la carrera de John, convirtiendose en un hit dentro de los top ten de varios rankings alrededor del mundo. La canción llegó al casillero # 3 en el UK Singles Chart y también llegó a entrar en el top 10 en los EE.UU., posicionándose en el puesto # 7.

Que la disfruten!!

lunes, 11 de enero de 2010

UNSKINNY BOP / POISON



"Unskinny Bop" es una canción de la banda estadounidense de glam metal, Poison. Forma parte del repertorio del album Flesh and Blood, que la banda publicó en 1990 y fue lanzada como single el 27 de Junio de 1990, logrando mucho éxito en las radios y rankings de todo el mundo.

Esta canción, considerada como una de las grandes composiciones del Hard Rock de principios de los 90's, fue escrita por el guitarrista C.C. DeVille. Se cuenta que está inspirada en una prostituta que el mítico guitarrista conoció en una de esas tantas giras con la banda para descargar su "stress" (?). De esas aventuras nace la temática de esta canción, la cual tiene algo que ver con la temática del videoclip que grabaron para promocionar su exitosa "rola".

Pero la pregunta que se han hecho todos los fans de esta banda, luego de bailar y gozar la canción, es: ¿Que significa Unskinny Bop?.
Sobre esto, el guitarrista C.C. DeVille ha confesado que la frase "unskinny bop" no tiene ningun significado en particular y que fue inventada simplemente con el proposito de que calzaba con la música y era muy pegajosa para ser cantada por el publico.

En una entrevista con Cindy Harper en el año 2000, DeVille declaró sobre el titulo de la canción: "No sé que significa "Unskinny Bop". Cuando estábamos en el estudio, ya me dedicaba a escribir la música, mientras que Bret (Michaels) solo escribía las letras de las canciones, sin embargo, al ver que no estaba muy conforme con sus escritos le dí la idea de usar esa frase sólo porque cabía fonéticamente. Y supongo que "Unskinny Bop" es solo eso... No iba a ser una canción. Eran sólo letras de canciones de relleno para algun disco. Pero despues, cuando la tocamos frente al productor Bruce Fairbairn, nos dijo "Esto es maravilloso. No sé qué es un" Unskinny Bop", pero sea lo que sea, es perfecto ".

Pero los fans han ido mas allá y han dado diversas hipotesis del significado de esa frase que dá titulo a la canción. Han tratado de descifrar, con pinzas literarias, cada una de las palabras y han llegado a la conclusión de que trata sobre una posición sexual, la cual esconden con una frase con el típico doble sentido estadounidense.

La canción fue lanzada como single en EE.UU. y el Reino Unido en 1990. En ambos países la canción fue todo un éxito, alcanzando el puesto # 3 en los EE.UU. y el # 15 en el Reino Unido.

Una de las canciones mas famosas y mas tocada en las radios de Poison, una de las bandas mas famosas e imitadas del glam rock y hard rock ochentero...
Que la disfruten!!!



sábado, 9 de enero de 2010

LAS PALABRAS DE AMOR (THE WORDS OF LOVE) / QUEEN



"Las Palabras de Amor (The Words of Love)" es una canción de la famosa banda inglesa Queen. Fue publicada dentro del "criticado" disco Hot Space y lanzada como single el 1 de Junio de 1982. La autoría de esta canción es del guitarrista y astronomo Brian May.

Para la gira del año 1981 llamada The Game Tour en su etapa South America Bites The Dust la banda había dado famosos y espectaculares conciertos en Argentina, Venezuela y Brasil. May, Taylor, Mercury y Deacon quedaron impresionados con la fama que sus canciones tenían por este lado del mundo, a veces tan olvidado por las grandes bandas de rock. Por lo tanto, a modo de homenaje a todos sus fans Iberoamericanos, Queen decide sacar una canción donde el (al menos) el coro este cantado en español.

La canción elegida para est eproposito fue "Las palabras de Amor", una balada que Brian May compuso en su piano, ya que siempre gustaba componer canciones en instrumentos que no eran muy manejables por él, en este caso ese piano.
" No estaba acostumbrado a tocar el piano y eso era muy estimulante para mí ya que permitía que me aventure en buscar la postura de los dedos, porque en la guitarra ya sé donde van los acordes y se hace todo facil... Entonces aqui podía sentarme solo en una habitación y pensar cada detalle de la canción" dijo May en una entrevista de 1982.

Para May, esta canción no era nada nuevo en la música de Queen ya que llevaba el sello caracteristico que la banda había implantado en toda su carrera.
"Es de esas canciones simples de Queen, esas que algunos fans adoraban y que otros odiaban. la idea de hacerla simple era para que tenga ese atractivo romantico. Yo toqué los teclados ya que a Freddie no le gustaba ese instrumento, asi que dejé de lado un rato la guitarra para hacerme cargo del teclado. Me gusta esta canción, ya que parece que fuera pintada ligeramente a pincel"
Pero claramente lo mas llamativo era que en el coro May, Taylor y Mercury cantan con voz "sensual" "Las palabras de Amor" y "despacito mi amor", en un español algo deficiente pero atractivo para los oídos latinoamericanos.

La banda interpretó y presentó la canción en su cuarta aparición en el Top of the Pops (la primera, segunda y tercera aparición tocaron "Seven Seas of Rhye", "Killer Queen" y "Good Old-Fashioned Lover Boy", respectivamente).

Les dejamos hoy esta canción de Queen que quizás no es muy conocida... pero puede ser encontrada en el "poco necesario" Greatest Hits III y obviamente en el disco Hot Space, que fue un fracaso comercial ya que pocos entendieron que Queen estaba experimentando con sonidos mas "poperos" para adaptarse a la plastica década de los 80's.

Que la dusfruten!!!


viernes, 8 de enero de 2010

SUSPICIOUS MINDS / ELVIS PRESLEY



"Suspicious Minds" es una canción del famoso cantante estadounidense Elvis Presley. El single de esta canción fue publicado un 26 de agosto de 1969, siendo el ultimo single del denominado "Rey del Rock" en llegar al numero uno de las listas de Estados Unidos conviertiendose rápidamente en una pieza clasica en el repertorio de Elvis en sus ultimos conciertos.

En 1968, esta canción fue escrita y grabada por el compositor Mark James (que también puso su pluma en la clásica "Always On My Mind", que Elvis grabaría más tarde) pero fue un rotundo fracaso comercial para el artista oriundo de Memphis, asi que decidió mostrarsela a Elvis Presley, quien al escucharla junto a su productor Chips Moman la encontró una canción fantastica y muy hermosa. Elvis le prometió a su autor que le haria una versión emotiva que llegaría a ser todo un éxito... y lo logró.

Rápidamente Elvis y sus musicos empezaron a hacer los arreglos de esta canción para luego grabarla en Enero de 1969. En esa sesión tambien grabaron dos futuros singles como "In the Ghetto" y "Kentucky Rain", los cuales ayudaron a que Elvis volviera en gloria y majestad a su trono como el Rey del Rock.
Al escuchar los demos que habia grabado Elvis, y saber que pronto sería un gran éxito en la carrera musical de su pupilo, el "satánico" Coronel Tom Parker (manager de Presley) intentó hacer su robo habitual sobre los derechos de autor de las canciones que le vendían a Elvis y al ver, que James no le tomaba en cuenta sus sucios dolares para que la canción pase a ser de la autoria de Presley, decidió detener la grabación de la canción. Pero Elvis no le hizo caso... la canción le encantaba y no quería perder la oportunidad de grabarla.

La canción nos relata sobre los problemas de una relación amorosa marcada por la inseguridad y los celos y contiene un llamativo fadeout en el minutos 3 con 52 segundos que tiene como duración aproximada unos 15 segundos y que, según los productores, fue hecho de manera intencional para transmitir la relación en la letra y la musica detro de la canción.
Otro dato bien curioso es que en los coros dentro de la grabación de este temazo participó Donna Jean Godcheaux, quien luego seria vocalista de la banda de rock Grateful Dead.

La primera vez que Elvis cantó esta canción fue en el Hilton de Las Vegas el 31 de julio de 1969, un mes antes de que sea lanzada como single.
La canción fue todo un éxito en ventas y le ayudó a rcuperar la popularidad que había perdido a causa de malas peliculas y canciones de baja calidad. Tal como esperaba y habia jurado Elvis en los estudios mientras grababa esta hermosa balada, conviertiendose en su ultimo número uno en Estados Unidos antes de su misteriosa muerte.

La versión en voz de Elvis Presley fue considerada entre las 500 canciones mas grandes de la historia, ocupando el puesto #91 de ese ranking hecho por la revista Rolling Stone.

Que la disfruten!!!

BONUS TRACK: CUANDO LOS BEATLES CONOCIERON AL REY...

Feliz Cumpleaños maestro!!

Un dia 8 de Enero pero de 1935, en un hospital de la ciudad de Tupelo nacía Elvis Aaron Presley y hoy todo el mundo le hace homenajes en su cumpleaños numero 75 a uno de los iconos musicales mas grandes de la historia del rock and roll . Por eso "Historias de una canción" se une al homenaje hacia el Rey del Rock con una historia interesante sobre el dia en que The Beatles, que por ese entonces vivian una gran fama, fueron a visitar a su idolo Elvis Presley, que por ese entonces pasaba por una mala racha en ventas de sus discos pero ya era una leyenda viviente para el rock and roll.

LOS BEATLES Y EL REY

"Lennon entrando a la mansión de Presley en Bel-Air"

Eran los días en que la "Beatlemania" había llegado a Estados Unidos por lo que John, Paul, George y Ringo habían logrado lo que todo artista extranjero soñaba para potenciar su carrera musical: Conquistar los rankings de Estados Unidos.
Por esos días de 1965 The Beatles habían finalizado una serie de exitosos conciertos en la tierra originaria del rock and roll que tanto gustaban y disfrutaban desde que eran unos "rebeldes" adolescentes que soñaban con ponerse una guitarra y hacer bailar a la gente con musica de sus idolos musicales como Buddy Holly, Carl Perkins y Elvis Presley.

El 30 de Agosto de 1965 la banda daría su ultimo concierto en Estados Unidos, antes de volver a Inglaterra para encerrarse a grabar su nuevo LP, por ello tomaron la carretera rumbo a Hollywood para presentarse en un concierto en el Hollywood Bowl. Pero antes de eso, tenian una actividad ya agendada por anterioridad por su manager. Esta era visitar a Elvis Presley en su mansión.
Esta noticia dejó felices a los cuatro chicos de Liverpool quienes no podian ocultar sus sonrisas que abarcaban varios metros de ancho (?).

Es que Elvis era su idolo y el sueño de cada uno (como el de todo adolescente de esa época) era ser tan famoso como "El Rey del Rock" que tenía talento musical de sobra, se lucía en los escenarios moviendo las caderas, tenia "buena pinta" y era un galán "sex simbol" para la mujeres. A tal punto era el fanatismo de Los Beatles por Presley que en una de las entrevistas para el disco "Anthology", Paul McCartney dijo que Elvis "fue el mesías que estaban esperando" luego de escuchar el single "Heartbreack Hotel" en 1956.

Un viernes 27 de agosto de 1965, The Beatles se subieron a un Cadillac que lo llevaría a la mansión de Elvis en Bel Air , lugar donde estaba preparando la filmación de una de sus tantas peliculas "taquilleras". Pero era tanto el nerviosismo y la ansiedad por conocer al interprete de "Hound dog" que el chofer se perdió en varias calles, ya que estaba confundido entre tantas mansiones que existen en ese laberinto llamado Bel Air. George Harrison, en el DVD Anthology, mencionó sobre ese momento "... en ese lugar las calle eran muy complicadas, creo que estábamos en la calle Mulholland Drive. Nos tomamos unas tasas de te en el coche y cuando llegamos a su casa no sabíamos por que estábamos allí, pero no nos importaba".
Finalmente llegaron en dos automóviles, uno para los 4 muchachos y otro para Brian Epstein, Neil Aspinall y otros acompañantes.

La visita supuestamente era secreta, pero en las puertas de la mansión se encontraron con un grupo de periodistas "salvajes" y faranduleros que se amontonaron violentamente en la entrada para saber las impresiones de los Beatles por conocer a Presley. Tanto era el griterío de las fanaticas y los periodistas que se colgaban de las cercas que muchos de los vecinos creian que algo le había pasado al Rey y se imaginaron lo peor...

El primeor en recibirlos fue el Coronel Parker (manager de Elvis), que habló brevemente con Brian Epstein y los condujo al interior de la mansión junto a John, Paul, Ringo, George y Neil Aspinall. Entraron en una sala redonda y se encontraron con Elvis, que estaba sentado en un sofá tocando un bajo Fender color blanco, con la televisión encendida a bajo volumen (Lennon diría posterioremente que él tambien tenia ese gusto... tocar guitarra y mirar tele). De entrada ya Presley, tiraba facha, ya que llevaba una camisa roja, pantalones negros y un chaleco sin mangas del mismo color.

El otro detalle del cual Los Beatles se dieron cuenta era que en una Rockola de la habitación se escuchaba el disco Mohair Sam de Charlie Rich, que era un hit en esos días y era de las canciones favoritas del cuarteto de Liverpool. Presley intenaba seguir la canción con su bajo, mientras miraba la TV en estado "mute".

Paul se sentó a un lado de Elvis y Ringo al otro, mientras que George lo hizo de piernas cruzadas en el piso y John se quedó de pie y medio mudo por culpa de los nervios . Cuando vió que los chicos se acercaron a él, Elvis pidió a uno de sus asitentes que le quitaran el bajo y los desconectaran de su amplificador, luego apagó su televisor y todos quedaron en silencio. Pero Elvis rompió el silencio y los nervios al decir "Si ustedes vinieron a sentarse y mirarme fijo sin decir siquiera una palabra, pues me iré a la cama a dormir". Luego de esta broma, Elvis sonrió, Los Beatles se miraron y se rieron también. Elvis los miró nuevamente y dijo: "Supongo que podemos conversar un poquito, no?. Quizás me entusiasme y cante un poquito para ustedes".

El personal de Elvis trajo algo para beber, Los Beatles tomaron algo de Whiskey escocés mientras que el Rey tomo una botella de Seven Up y no recibió ninguno de los cigarros que fueron repartidos. Luego de platicar, hacer bromas y comentar detalles musicales, Elvis le pidió a sus asistentes los intrumentos musicales para tocar un rato con los muchachos. En cuestión de segundos les facilitaron a Paul, George y John unas preciosas guitarras. Mientras que Paul se acercó para preguntarle sorprendido por el bajo que tenía en sus manos, ya que no sabia que le gustaba ese instrumento. Elvis le dijo: "Estoy recién aprendiendo.... (Mientras tocaba algunas notas) me falta mucho mas de practica". Quizás Paul le hubera enseñado uno que otro truco... pero Elvis se sentía en los cielos.
Luego de eso paul dejó la guitarra y se fue a sentar al piano de cola blanco que tenia Elvis y esbozó algunos acordes. La canción elegida fue "You're My World", éxito de la cantante Cilla Black. Elvis intentó acompañarlos con el bajo pero no le "achuntó" a ninguna nota, mientras que John y George se lucían tocando las guitarras.
Luego de ese entretenido momento musical, Elvis se dió cuenta que Ringo estaba algo triste y cabizbajo al no poder hacer nada mientras cantaban, y le dijo "Lo siento, pero los Tambores los dejamos en Memphis!" y le pidió a otro de sus asitentes un pandero para el joven baterista.

Al parecer The Beatles y Elvis tenían gustos musicales muy distintos ya que nunca se pusieron de acuerdo en que canción tocar con esos intrumentos que les habían facilitado. Asi que empezaron a contar esas tipicas anecdotas que ocurren en las giras y sobre la pelicula que que Elvis estaba pronto a filmar en ese sector. "Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero" le comentó a Lennon en esa ocasión.

Luego de eso, Elvis invitó a Ringo a jugar Futbol americano en su patio trasero mientras que Brian Esptein estaba en otra sala conversando sobre negocios con el Coronel Parker.
Pero a las 10:45 se abrió la puerta de la sala y apareció Priscilla, la novia del Rey y fue presentada al cuarteto como toda una princesa. Los Beatles, que no tenian mal ojo, quedaron impresionados con la belleza de esa joven mujer y la comparaban con una Barbie.
Se sentó junto a Elvis y empezaron a charlar otra vez sobre música, cine, rock and roll y muchas cosas mas hasta cerca de las 2 de la madruagada cuando los Beatles decidieron volver al Hotel, con sus sonrisas mas anchas y con el sueño cumplido de haber conocido en persona al Señor Elvis Presley.




Fuente: http://muzikalia.com/foro_leermensajes.php?ref_foro=1&ref_mensaje=7434