domingo, 27 de mayo de 2012

EAGLE / ABBA

 

"Eagle" es una canción del grupo sueco ABBA, que fue lanzada como single en Mayo del año 1978 y que fue incluída en "The Album", la quinta placa musical de esta famosa agrupación formada por Benny Andersson, Anni-Frid Lyngstad, Björn Ulvaeus y Agnetha Fältskog.
Era Mayo del año 1977 cuando la banda y sus productores decidieron emprender vuelo a Los Angeles, con el fin de empezar a idear el nuevo disco de ABBA, que en ese entonces eran conocidos por todo el mundo. La idea de Andersson y Ulvaeus era hacer un trabajo con un sello distinto en las canciones, quizás conceptual con una puesta en escena llamativa o con una nueva línea musical, con más usos de guitarras y un Pop mas potente que el que habían hecho hasta ese momento.
El resultado fue "The Album", un disco sólido en su repertorio, y que fue lanzado en Diciembre de 1977 en Suecia y que vió la luz oficial en todo el mundo en Febrero de 1978. Si bien no tuvo las grandes y comentadas ventas de sus trabajos anteriores, este disco pasó con éxito en los charts y marcó un nuevo rumbo para la banda.


Una de las canciones que llamó de inmediato la atención de la crítica fue "Eagle", una de las tantas piezas escritas por Benny Andersson y Björn Ulvaeus, pero que esta vez contenía una letra muy metafórica sobre la libertad y el deseo de vivir la vida de esa manera, sin barreras, y con el plano visual de todo lo que está ocurriendo alrededor nuestro.
La historia cuenta que el encargado de la letra fue Björn, quien tomó de inspiración la novela de 1970  "Juan Salvador Gaviota"  de Richard Bach. El músico había quedado encantado y muy inspirado tras leer esa llamativa novela, que en tono de fábula relata la historia de una gaviota y su aprendizaje sobre la vida a través del vuelo. "Intenté captar el sentido de la libertad, tras leer varias veces ese libro " mencionaría Bjorn en una entrevista años después.
 En la novela se hace una crítica reflexiva sobre la sociedad y los duros estilos de vida donde, a pesar, de que la libertad es vigilada, el ser humano no debe perder la brújula sobre sus metas, sus sueños, sus planes a futuro, las cuáles tienen que llevar una importante dirección en comun: Estar feliz contigo mismo.

"Eagle" empezó a ser trabajada el 1 de Junio de 1977 en los Marcus Studios, en Estocolmo. El demo instrumental fue grabado bajo el nombre de "High, High" y según palabras de Benny Anderson, estaba hecha y sellada para ser un éxito.
En esass esiones de grabación se cambió el nombre de la rola por "Eagle" y la voz principal estuvo a cargo de Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngsta.

La versión original de la canción tenía como duración 5 minutos con 51 segundos, pero en los singles se lanzaron tres versiones diferentes en cuanto a su duración (esto se debía a decisiones de marketing de las discográficas). Por ejemplo, en Japón la canción tenía como duracióna 4 minutos y 25 segundos, y sólo llegó al puesto # 62 en los charts. Mientras que en españa, la versión single fue de 3 minutos y 36 segundos, y lamentablemente ni logró entrar en los charts. En Holanda, donde "Eagle" llegó a la casilla #4 de los charts y su duración era de  4 minutos con 26 segundos, al igual que en Alemania Occidental, Suiza, Austria y Australia.

Mas allá de los resultados en los charts, la prensa especializada quedó muy a gusto con esta nueva propuesta de ABBA, donde esta vez la letra erala que se llevaba los aplausos demostrando que no eran una simple banda de Pop.
Que la disfruten!


sábado, 26 de mayo de 2012

DEAR BOY / PAUL & LINDA McCARTNEY

 

"Dear Boy" es una canción del músico británico Paul McCartney, que fue publicada en el comentado disco Ram, el 17 de Mayo de 1971.
"Ram" fue el segundo disco de Paul, tras la separación de The Beatles, y traía un repertorio muy variado y también muy interesante en cuanto a la experimentación de nuevos sonidos ligados al blues de antaño, la psicodelia del presente, el country y lo barroco. Hecho de manera maratónica en medio de las colinas y los prados de su granja en Escocia, "Ram" es considerado por la prensa especializada como uno de los trabajos mas interesantes de Macca en calidad de solista y solo es igualado por otra de sus joyas: El LP "Band On The Run".
Recientemente, hace tan solo una semana, el "Ram" fue re-editado bajo una nueva calidad de sonido y un material sonoro y audiovisual inédito  y de culto para los fans de Paul. En esa ocasión, el ex-Beatle dejó el siguente mensaje en su página web para su fanaticada: “Damas y caballeros. Este es un álbum de hace mucho, mucho tiempo atrás, cuando el mundo era diferente. Este es un álbum que es parte de mi historia – me lleva de vuelta a las colinas de Escocia donde fue conformado. Es un álbum llamado RAM. Me recuerda mis días hippies y la actitud de libertad con que fue creado. ¡Espero que les guste, porque a mí sí!

"Era un intento de hacer una canción con tintes autobiográficos, y donde hablara de lo afortunado que me sentía por tener a Linda a mi lado. No me había dado cuenta de lo afortunado que era al tener a Linda hasta el día en que escribí esta canción" comentaba Paul en una entrevista del año 1971 tras ser consultado por "Dear Boy", una de las piezas que pertenecen a Ram y que fue escrita bajo el paisaje de su granja, donde estaba ubicado su búnker creativo tras la caída de The Beatles.
Bajo una sinceridad brutal, Paul cuenta todo su amor que siente por Linda, su compañera, su amante, su hombro parallorar y su manto creativo. Es que tras la ruptura de los Beatles, Paul se llevó la peor parte: Ser declarado como culpable de que la banda terminará por los suelos y se separaran. Fue en ese momento en que Linda lo ayudó, lo cuidó y lo vigiló en su etapa mas oscura, donde escondido de la prensa y sus mentirosos titulares decidió recaer en las drogas y el alcohol y esconder la guitarra por unos cuantos meses. Ante todo esos sucesos, "Dear Boy" fue la canción mas sincera de Paul hasta ese momento...

Pero Paul era un letrista muy particular y en la escuela "Beatle" aprendió muchas mañas sobre esconder mensajes en sus canciones abrazadas a metáforas ácidas y simbólicas. En esta ocasión había cierto mensaje oculto hacía el antropólogo Joseph Melvin See Jr,  ex-pareja de Linda, con quien se había casado un de 18 de junio de 1962 y prducto de esa relación nace Heather Louise. El matrimonio de Linda y Joseph terminó en Junio de 1965 cuando decidieron poner la firma al divorcio. Si bien Paul ya le había mandado algunos mensajes a este personaje dentro de la etapa Beatle, donde lo trata bajo el seudónimo de "Jojo" en la canción "Get Back", en esta canción le deja un mensaje muy claro: "Perdiste a una gran mujer".
 En marzo del año 2000 los medio informaban que Joseph M. See había sido encontrado muerto en su casa ubicada en Tucson, Arizona. Junto a él había una pistola, y el caso terminó en que fue un suicidio. Fue justo en esos días en que Paul reveló este secreto de la canción en una entrevista con la Mojo: "Creo que él nunca supo lo que había perdido.  Nunca tuve la oportunidad de decirle esto personalmente, y lamentablemente falleció. Pero la canción también iba dedicada a él, porque no podía creer como pudo perder o dejó ir a esta maravillosa mujer".

Pero el mensaje de la canción también fue muy discutido por un paranoico John Lennon, que tras escuchar el disco indicó que este trabajo contenía varios mensajes duros hacía su persona y hacía su mujer Yoko Ono.
Lennon fundamentaba sus declaraciones explicando que  "Dear Boy" era un mensaje  egocéntrico de Paul, donde le declaraba su odio y le enrrostraba su etiqueta de "Beatle lindo" ya que en la etapa Beatle era Paul el que tenía mayor cantidad de fanáticas. Lametablemente, Lennon estaba muy equivocado y distorcionado...

Esta canción, que tenía ciertos acordes y arreglos vocales muy inspirados en las piezas de Brian Wilson de los Beach Boys, quedó para la eternidad como una de las piezas mas sinceras de Paul, y como una de las canciones que fueron seleccionadas para el homenaje póstumo a Linda McCartney, hecho el 8 de Junio en la capilla de St Martin-in-the-Fields donde el famoso The Brodsky Quartet fue la encargada de interpretarla.
Que la disfruten!

domingo, 20 de mayo de 2012

NIGHTS ON BROADWAY / BEE GEES

 

"Nights on Broadway" es una canción del grupo musical inglés Bee Gees, que fue lanzada como single en Septiembre del año 1975.
Además, esta pieza musical está incluída en el undécimo disco oficial de esta banda, formada por los hermanos Gibb, nos referimos al aplaudido  "Main Course", lanzado en Mayo del año 1975 y que traía a la mesa y al tocadisco una imagen renovada de la banda. Esta nueva imagen incluía  tintes poperos en sus melodías, mucho uso del sintetizador y acordes muy ligados a la música Disco, que en esos años hacía de las suyas en los charts.
 
Los trabajos de composición y arreglos de "Nights on Broadway" empezaron el 20 de Enero de 1975 en los Criteria Studios, en Miami. En esas sesiones, el trio fue comandado por el famoso productor y también economista, de origen turco,  Arif Mardin,  que sería un pilar fundamental para el éxito de la banda en los 70's.
La historia cuenta que una vez que la banda le presentó esta canción a Mardin, este no quedó muy a gusto con la pieza musical, especialmente por su base musical, y por ello la catalogó de "aburrida".
Por ese motivo, fue que Arif Martín le sugirió a los Bee Gees crear un nuevo estribillo para su canción, pero con una condición: Que logre emocionar al oyente.

La respuesta de los Bee Gees llegó de manera inmediata y el encargado de hacerla efectiva fue  
Barry Gibb, quien empezó a cantar en tonos mas altos configurando su voz y a la vez la estructura musical de sus canciones. Día a día, ensayo tras ensayo, canción a canción, Barry estrenaba tonos altos con su voz llegando casi a la perfección del falsette que a la postre se convertiría en una de las  caracteristicas esenciales de la banda a partir de ese momento.
En el año 2001 el mayor de los hermanos Gibb recordaba ese episodio histórico en la Revista Mojo: "Arif , que era como un tío para nosotros, me decía siempre en esas sesiones '¿Puedes gritar?" Obviamente sus palabras iban  bajo ciertas circunstancias y objetivos. Luego me decía, '¿Puedes gritar a tono de falsete? Yo le respondía: Bueno, voy a intentarlo'. De esa manera fui depurando la técnica vocal y llegamos a lo que hoy en día somos como grupo. El culpable de todo fue Arif ".

Si bien el nuevo catalogo musical que traían los Bee Gees era muy extenso y además hay que agregar que traía bajo la manga un cambio musical rotundo (sin peder la magia de la experimentación de antaño), dandole espacio a canciones de tintes Pop y muy basadas en el uso del sintetizador, que era una orquesta portatil que fue de gran ayuda para las nuevas bandas.
También hay que decir que fue con esta canción en que el famoso "falsette" de Barry empezó a tomar forma e identidad para la banda.

"Nights on Broadway" en su estructura musical es una joya, con cambios de ritmos notables y con un juego vocal maravilloso. Esos detalles, y sumados a la buena crítica de los especialistas, hicieron que la "rola" fue todo un éxito en tierras estadounidenses, entrando al Top Ten del Billboard Hot 100, esta vez en la casilla #7.
La canción también entro al top Ten de los charts de Canadá, Francia Belgica, Holanda y Australia dejando en claro que los 70's eran de los Bee Gees.
Este es un homenaje del Blog a Robin Gibb,  quien hoy a los 62 años de edad dejó este mundo a causa de un cáncer del cuál venía luchando hace años. Un abrazo Robin...
 Que la disfruten!

sábado, 19 de mayo de 2012

THE WORD / THE BEATLES

 

"The Word" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue publicada en el año 1965 dentro de su aclamado y aplaudido LP Rubber Soul.
Para la fanaticada de los Fab Four y para la prensa especializada, el "Rubber Soul" es considerado como uno de los trabajos musicales mas extraordinarios dentro del catálogo de la banda. Pese a que fue grabado entre Octubre y Diciembre de 1965, con giras y otras programaciones en el medio, el resultado final fue un LP sólido, inteligente, variado, con canciones que marcaron un cambio dentro del repertorio de la banda con sonidos experimentales, con mezclas de otros estilos y con una lírica que ya no era tan facil de entender debido a extraordinarias metáforas influenciadas por la madurez musical de Lennon y McCartney, quienes en tan sólo cuatro semanas cambiaron el rumbo musical de su banda y de la escena rockera británica a pleno.

En Rubber Soul, una de sus piezas mas representativas, dentro del concepto del album, debe ser, sin lugar a dudas, "The Word". Escrita por John Lennon, pero acreditada junto a su partner Paul, esta pieza musical nos habla sobre el cocepto del amor pero un sentido mas amplio y metafórico.
"Escribimos 'The Word' juntos, pero es sobre todo mía. La letra habla de... volverse inteligente. Es la época de la marihuana. Es el amor, todo aquello de amor y paz. La palabra ('The Word') es 'amor' ¿no?" comentaría en 1980 Lennon a la revista Playboy.
 Mas claro no puede estar, el autor no se queda solo en el amor de pareja, como en las canciones de antaño, sino que ahora entrega un mensaje ligado a una expresión y señal para cambiar el mundo. Este sería el primer mensaje de paz y amor de Lennon, un mensaje que años después se convertiría en su lema y en su discurso mundial para sus canciones.
 "Con "The Word" me di cuenta de que el amor era la respuesta para todo; y eso que era joven y que estabamos trabajando a full en el álbum Rubber Soul. Siempre tuve en cuenta esa expresión, y quería titular a esta canción de esa manera. La palabra es 'amor', tanto en los buenos y los malos libros que he leído, lo que sea, donde sea, la palabra siempre es 'amor'. En fin, parece que el tema de fondo es universal" señalaría John Lennon años después.

La canción, en su parte musical, fue ideada por John y Paul en Noviembre de 1965 y bajo la idea de experimentar una melodía bajo una sola nota. "Escribir una buena canción con una sola nota —como 'Long Tall Sally'— es realmente muy difícil. Es algo que queríamos hacer desde hacía tiempo. Casi lo logramos con 'The Word' " recordaría en 1981 Sir Paul
En una entrevista con Barry Miles, el mismísimo Paul recordó sobre las sesiones y los factores que derivaron en la creación de esta canción: "Fumamos un porro, y luego escribimos varias palabras y acordes en una  hoja multicolor. Era la primera vez que habíamos hecho eso en una sesión de ensayo puesto que por lo general no fumabamos cuando estábamos trabajando. Cuando nos pusimos  en camino a la composición, llegó un monentos en que se nos nubló la mente  y gritabamos al techo cosas como 'Oh, mierda, ¿qué estamos haciendo? Pero finalmente hicimos esta cosa muy multicolor"

El 10 de Noviembre de 1965 a las 9 de la ncohe fue la fecha exacta en que Paul, John, George y Ringo grabaron "The Word" en los estudios Abbey Road. En una sesión que terminó a las 4 de la madrugada, Los Beatles dieron rienda suelta a esta canción y la grabaron en solo tres tomas, por culpa de McCartney que a ultima hora se le ocurrió incluír una parte de armonio, la cuál fue interrpetada en manos de George Martin.
Lennon estuvo a cargo de la voz solista y las guitarras, acompañado de Paul en coros, bajo y  el piano. Mientras que Harrison estuvo en la guitarra solista y Starr en la batería y las maracas.

Si bien esta canción puede sonar simple o quizás apurada en su grabación debido a los contratos y los eventos que los Fab Four tenían entre medio de las sesiones de grabación del disco, no se puede ser tan extremista y dejarla al lado d elos clásicos que nos dejó esta maravillosa agrupación. Con "The Word" empieza, lentamente, el Lennon mas metafórico, el de la lengua mas mordaz, ese que buscaba la solución de todo mediante el amor y la paz. Y en "Rubber Soul" está el inicio de la historia aunque con un efecto stereo muy abusado.
Que la Disfruten!!

domingo, 13 de mayo de 2012

BLUE MOON / THE MARCELS

 

"Blue Moon" es una canción del grupo estadounidense de Doo Woop The Marcels, que fue publicada en Febrero del año 1961y que cosechó un éxito rotundo a nivel planetario.
Formados en el año 1959 en Pittsburgh, Pennsylvania, por Lead Cornelius, quien era la voz principal, y compartía escenario junto a Fred Johnson, Gene Bricker, Ron Mundy y Richard Knauss
Si había una característica musical importante y notable de este grupo vocal era su extraordinario talento de convertir viejas canciones o baladas de los años 30's y 40's en piezas ligadas al rock and roll y a los juegos de voces tan llamativos a inicios de los 60's.

La historia de esta canción empieza en Enero de 1961 cuando Los Marcels se encontraban en los estudios de grabación de Colpix Records,ubicados en Nueva York, depurando y arreglando su nuevo repertorio musical junto al productor Stu Phillips. 
En esa ocasión la banda tenía que grabar, por contrato,  cuatro canciones, pero sólo traian tres en carpeta debido a que por problemas de viajes y actuaciones varias no les quedaba mucho tiempo para pensar en el futuro. Por lo tanto, la cuarta pieza quedaba a elección del productor, que además de ser un director en el estudio era un perfeccionista obsesivo a la hora de buscar nuevo material para sus bandas.

De tanto buscar entre sus cintas, Phillips llegó al estudio con una canción bajo el brazo y lista para ser "cocinada". Esta se llamaba "Blue Moon" , una famosa balada del año 1934 que pertenecía a la famosa dupla de compositores formada por  Richard Rodgers y Lorenz Hart.
Esta pieza musical pasó a ser eterna tras formar parte de la banda sonora de la pelicula Manhattan Melodrama, que fue dirigida por "Woody" Van Dyke y que contaba con la participación de Clark Gable, William Powell, y Myrna Loy.
A partir de esa mítica aparición en ese clásico del séptimo arte, la canción empezó a tomar fama, forma y por ello cantantes como Mel Tormé (quien la grabó en 1949 con gran exito en las radios)  o Elvis Presley (quien la lanzó como single en 1956, en plena "Elvismanía") no dudaron en grabarla para capturar aplausos, fama y buenas críticas. Eso sí, ambos la habían grabado en formato balada...

Phillips, con su característico perfeccionismo,  no quería volver a repetir la canción en formato de balada, ya que esa fórmula sería poco original y no iría de la mano con lo que quería la banda. Por ello, una vez que se las enseñó a sus pupilos, el productor les dijo que tenían que hacer algo original y que fuera llamativo para capturar la fama necesaria para ser reconocidos en todo el mundo.
Fue en ese preciso momento, cuando la banda aun se miraba las caras buscando alguna respuesta ante la petición de su productor, en que Phillips se acordó de una serie de improvisaciones vocales que la banda hacía en sus actuaciones en vivo. Esos raros sonidos que hacían los barítonos de los Marcels, como "bomp bomp-baba-" y "dip da dip", eran un gancho muy llamativo para la nueva versión que estaban tejiendo de "Blue Moon". Phillips no dudó en hacerle arreglos y adaptar una nueva melodía a un ritmo mas acelerado con el fin de lograr un resultado exitoso.

En tan sólo dos tomas, la banda ya tenía grabada su llamativa versión de "Blue Moon", la cuál fue lanzada como single en Febrero de 1961 y además seria el título de su disco debut, que vería la luz pública en Julio de ese año.
El single que incluía a "Blue Moon" fue un éxito rotundo, ya que estuvo 3 semanas liderando el Billboard Hot 100, y además fue número uno en el Reino Unido, donde fue premiada con disco de Oro. De esa manera The Marcels conseguía la fama definitiva y se instalaba en el podio de los charts mundiales y quedaba para siempre como uno de los grupos vocales que marcó la cancha en los 60's.
Pero mientras la canción sonaba en todas las radios del mundo en voz de los Marcels, Richard Rodgers declaraba su odio hacia esta versión enviando recados en varios diarios estadounidenses para que la gente no compre esa "basura" de disco.

Pero la canción (y la versión de los Marcels) tendría su revival gracias al futbol, y en especial en los estadios ingleses donde la hinchada del modesto club Crewe Alexandra  la interpretaba a viva voz, durante la década de los 80's, previo a que los "Ferroviarios" entraran a la cancha. Pero hoy en día esta canción ha sido retocada, y coreada en el Etihad Stadium y en cualquier estadio donde se presente el elenco del Manchester City, que hoy Domingo se proclamó campeón de la Liga Premier (en un partidazo!) gracias a un gol agónico del "Kun" Aguero en los descuentos. Tuvieron que pasar 44 años para que los Cityzen estuvieran nuevamente de fiesta!
Que la disfruten!


sábado, 12 de mayo de 2012

ROCKET MAN / ELTON JOHN

 

"Rocket Man (I Think It's Going to Be a Long, Long Time)" es una canción del cantante y pianista británico Elton John que fue lanzada como single un 17 de Abril del año 1972 cosechando gran éxito en los charts de todo el mundo.
Esta pieza musical,además,  está incluída en el disco Honky Château, exitosa quinta placa comercial de este cantante inglés que contiene una amplia gama de melodías eternas apoyadas por la delicada lírica de su partner, colega y poeta, Bernie Taupin y que estuvo bajo la producción del emblemático Gus Dudgeon, quien ya había trabajado con grandes artistas como Los Rolling Stones, Tom Jones, The Zombies, Eric Clapton y David Bowie.

1972 fue un año muy importante para la exploración espacial. A medida que pasaban los años, la tecnología se volvía mas avanzada y esto apoyaba a la carrera espacial con el fin de buscar respuestas certeras sobre nuestro pasado y futuro en medio del espacio exterior. Obviamente, todo este proceso de experimentación espacial tambien le llamaba la atención a los poetas y a los músicos y obviamente Bernie Taupin no fue la excepción.
El escritor siempre tuvo en mente hacer una canción que tuviera como contexto la vida de un solitario astronauta que trae a la mesa sus recuerdos de juventud y del presente mientras forma parte de un experimento científico.

Pero encontrar la frases perfecta no era tan fácil, y Bernie tuvo que esperar varias semanas hasta encontrar la inspiración definitiva. Y esta llegó un fin de semana de ese frio Enero de 1972, mientras iba en su carro rumbo a cenar a casa de sus padres en el condado de  Lincolnshire. Mientras conducía iba pensando en frases que calzaban perfectamente con la idea principal, y por ello apretó el acelerador, pescó una carretera secundaria, adelantó cuantos vehiculos aparecían e su ruta con el fin de llegar a casa de sus padres y escribir todas esas frases antes que su mala memoria hiciera su trabajo de barrer con todo.

Un par de días despés, Bernie pescó sus maletas y viajó al Château d'Hérouville, ubicado en Francias y que además era el búnker donde estaba Elton John y sus músicos preparando su nuevo disco. Cabe señalar que la banda de apoyo de tenía Elton John en esas sesiones francesas estaba formada por: Davey Johnstone en guitarras, Dee Murray en bajo y Nigel Olsson en batería y percusiones varias. Una vez que tenían la formación lista, y liderados por Elton, empezaron a trabajar con un nuevo objetivo en mente: Ponerle música al nuevo escrito de Taupin.

El resultado final es una obra maestra con ciertos toques teatrales que le dan una caracerística muy especial a la rola.
Empieza simplemente con Elton John a solas con su piano  entonando unos desgarradores versos informando sobre su soledad. Luego, un toque de bajo da el inicio a la segunda parte, donde además aparecen  la batería de Nigel Olsson y una guitarra acústica a cargo de Davey Johnstone.
A partir de ese momento aparece la mano del productor Dudgeon, quien ya tenía experiencia en canciones que trataran sobre el espacio exterior y astronautas: Había trabajado con David Bowie  en 1969 en la aclamada pieza "Space Oddity". Obviamente, este detalle hizo que varios fanáticos y críticos musicales reclamaran cierto plagio de Elton John hacia la emblemática pieza del maestro David. pero eso sólo quedó en escritos y nunca pasó a mayores.

Deciamos que la mano de Dudgeon aparecía en en el momento en que labanda en pleno empezaba a entrar a la canción, y donde puso unos extraordinarios toques vocales que son el manto esencial a la hora de entrar al inolvidable y metafórico coro. Además tuvo la idea de incluír una parte de sintetizador, que estuvo a cargo de David Hentschel, la cuál le agregó mas firmeza a esa parte de la canción.

 Si bien la canción fue lanzada como single un día después del comentado lanzamiento del Apolo 16, esta pieza también contiene ciertas metáforas que comparan el sentir de ese astronauta con el estilo de vida de los rockeros famosos de ese tiempo. Los críticos pusieron mucha oreja en la letra y se dieron el tiempo de comentar que era una metáfora sobre la fama, el éxito, el dinero pero que también traía a la mano el perder el contacto con la familia, los amigos, y del mundo real en completo. La industria de la música era así, la fama te regalaba cosas pero te quitaba a veces las mas importantes y ese aislamiento era tan parecido al de ese astronaut que miraba con gesto nostálgico a su querido planeta tierra.

La razón de colocar un título anexo entre paréntesis vino días antes de publicar la canción. Resulta que una vez que Taupin y Elton habían elegido titular a la canción como "Rocket man", les llegó la información que en el año 1970 una banda psicodélica  estadounidense llamada Pearls Before Swine ya había lanzado un single cuya canción se titulaba de esa misma manera. Por ello, y para que la fanaticada no las confundieran , y marcaran de inmediato la cancha, es que ambos músicos decidieron poner un título anexado.
Años después, Taupin reconocería que "Rocket Man" tuvo cierta inspiración, en cuanto a la letra, de la canción del mismo nombre interpretada por la banda liderada por  Tom Rapp. A la vez, Rapp había mencionado años atrás que su lírica de esta canción estaba muy influenciada en los escritos  del famoso escritor de ciencia ficción Ray Bradbury.

 "Rocket Man" sería parte del éxito de Elton John en los setentas, ya que llegpo a la segunda casilla del UK Singles charts, y a la sexta posición del Billboard Hot 100, quedando como una de las piezas mas aplaudidas de este famoso músico inglés hincha a rabiar y presidente honorario del Watford F.C.
Debido al gran éxito de esta canción, Elton John decidió bautizar en 1973 a su empresa discografica como Rocket Records, la cuál tuvo entre sus primeros aliados a Neil Sedaka y su comentado regreso a las tablas con nuevos clásicos.


domingo, 6 de mayo de 2012

EARLY 1970 / RINGO STARR

 

"Early 1970" es una canción del cantante, compositor y baterista Ringo Starr, que fue lanzada como single un 9 de Abril del año 1971 acompañando como cara B a la famosa y exitosa canción "It Don't Come Easy", la cuál contaba con la autoría de su ex-compañero en The Beatles, el señor George Harrison.
Esta canción, que posteriormente, en el año 1991, seria incluída en una nueva edición  del disco "Ringo" (1973) , va dedicada con mucho respeto a cada uno de los Fab- Four, que tras la ruptura de la banda y el proyecto musical de por medio, terminaron enojados, peleados y demandandose mutuamente en tribunales por problemas de dinero y ego. Lo curioso, es que en este tercer disco del baterísta, hay varias canciones donde aparecen acreditados Paul, George y John. Eso sí, en ninguna "rola" coincidieron los cuatro, pero ya era un buen mensaje para los llamativos 70's: Los Beatles, por lo menos, ya se podían ver las caras y disfrutar de una sesión de grabación a cargo de su simpático batería. Obviamente muchos medios especularon sobre la teoría de que la banda retomaría los planes para conquistar el mundo y seguir con la magia. Pero la historia y esta canción dijeron otra cosa...

La historia cuenta que la canción empezó a tomar forma mientras Ringo participaba como músico invitado en la grabación del disco "Plastic Ono Band" de su amigo John Lennon en Septiembre de 1970. En medio de esas largas sesiones de grabación enlos estudios Abbey Road, Ringo aprovechó los músicos de la sesión para trabajar una nueva pieza musical llamada  "When Four Knights Come To Town".

Días después, y aprovechando que había llegado George Harrison a los estudios de grabación, Ringo decidió grabar dos canciones para lanzar un single previo al lanzamiento de su próximo disco que estaba aún en carpeta.
Con George en el timón de la producción, Ringo grabó dos canciones: La ya mencionada"It Don´t Come Easy" y la rola de su propia autoría que venía ensayando, y que ahora tomaba como título "Early 1970". Para la grabación de esta ultima canción solamente trabajaron los dos ex-Beatles. Ringo se hizo a cargo de la guitarra acústica, del piano, la batería y la voz principal, mientras que George puso su guitarra slide (de la cuál ya daba clases), el bajo y los coros.

Dos protagonistas principales de una banda que marcó a la escena musical  del Siglo XX interpretaban una canción que hablaba sobre sus historias, sobre sus detalles actuales y sus vidas posteriores a ese "sueño" tan bien logrado. Es que "Early 1970" tenía en cada estrofa un mensaje a sus compañeros de banda que ahora estaban separados y con otros proyectos en solitario, pero que Ringo los invitaba a que un día aparecieran en su hogar para compartir, charlar, tocar viejas melodías y recordar los momentos que los hicieron grandes y reconocidos a nivel mundial.

La primera parte está dedicada a Paul McCartney. En ella Ringo relata la nueva vida de su amigo, en el campo, con sus ovejas y acompañado de su esposa e hijos.  Lo cierto es que en esos días Paul estaba mas proecupado en disolver en tribunales la historia oscura de The Beatles, que bajo la mano de Allen Klein como manager perdían mas que ganaban con los derechos de sus discos y canciones . Demanda tras demanda, insultos a sus compañeros, portazos en la cara a Ringo cuando este fue enviado por los demás a casa de Paul para proponerle que no lanzara su disco solista junto a "Let it Be", hacían que la estrofa de esta canción terminara con un triste verso: "And when he comes to town, I wonder if he'll play with me".

La segunda estrofa va en homenaje a Lennon, con quien tenía una relación mas cálida en ese entonces. En ella se refiere al periodo de la "Terapia Primal", de la cuál Lennon y Yoko se mostraron interesados y fueron a Estados Unidos donde el mismo creador, el psicoanalista Arthur Janov,  para lograr curar las heridas del pasado y dejar atrás todas esas marcas de una vez (Ringo dice en su canción "They scream and they cried, now they're free").
Pero en ese verso también hay un pasaje muy notable, y era el fanatismo de Lennon por Cookie, el famoso monstruo de las Galletas del programa infantil  Plaza Sésamo, el cuál era su favorito mientras estaba en medio de la terapia Primal, y que era usado dentro del tratamiento con el fin de el paciente se conectara con el niño que llevaba por dentro.  Es por esta razón que Ringo en su canción grita con voz ronca "cookie".

En la parte que le hace un gesto a Harrison, Ringo habla sobre su paciencia que tenía su amigo para tocar la guitarra ante cada detalle o canción que se le apareciera por delante. También habla de la nueva vida del músico junto Pattie Boyd en su nueva finca. Lo que nadie sabía era qe en ese entonces la pareja no lae staba pasando muy bien debido a problemas de infidelidades y fanatismo reliogioso que hicieron que la pareja se separara en 1974 y que posteriormente la modelo se marchara con Clapton (el mejor amigo de George), dando vida a uno de los episodios mas singulares y comentados dentro de la historia del Rock.

Ya en la parte final,  Ringo se hace una parodia a sí mismo y se burla de sus defectos como músico (su dificultad para tocar guitarra y piano) pero también con cierto aire irónico para aquellos que dudaban sobre sus aportes en la banda. Finalmente termina su parte mencionando que sea como sea la historia, siempre tendrá la puerta abierta de su casa y de su estudio de grabación para sus tres compañeros con quien logró llegar a la fama absoluta y a la eternidad.

Una canción al mas puro estilo Ringo y que buscaba sanar las heridas dejadas por la ruptura de The Beatles y que marca parte de la historia de una banda que lo hizo todo en la histria de la música Popular...
Que la Disfruten!


sábado, 5 de mayo de 2012

DREAM A LITTLE DREAM OF ME / THE MAMAS & THE PAPAS

 

Dream a Little Dream of Me" es una canción del grupo vocal estadounidense The Mamas & the Papas que fue lanzada como single en Junio del año 1968. Esta canción, además, forma parte del reprtorio del disco The Papas & The Mamas, que sería la ultima placa comercial que lanzaría la banda de manera oficial a finales de los 60's. Posteriormente se volverían a juntar, específicamente en el año 1971, para trabajar un disco simplemente hecho por cumplimiento de contrato pero con las relaciones personales entre la banda ya hecha pedazos.
"The Papas & The Mamas" es un disco interesante, con un repertorio muy notable pero lamentablemente estuvo marcado por una pobre venta y promoción en los medios. Una de las razones por las cuáles este disco casi pasó sin pena ni gloria en los charts fue que for ese entonces la banda ya no gozaba de la fama de antaño y simplemente hacían noticias por los problemas con las drogas, el alcohol y depresiones varias de sus integrantes.

Una de las canciones de este disco que sonó en las radios y que llamó la atención de la crítica fue la singular versión del clásico estadounidense  "Dream a Little Dream of Me", en voz de Mama Cass. Esta canción, que tuvo su orígen en el año 1931 y que fue una de las mas recordadas en la época de la Gran Depresión, fue escrita por Fabian Andre, Wilbur Schwandt (ambos creadores de la base musical), y Gus Kahn (letra).
Los primeros en grabar oficialmente "Dream a Little Dream of Me" fueron  Ozzie Nelson y su Orquestra un 16 de Abril del año 1931. Dos días después aparecería en escena otra versión de la canción, pero esta vez en manos de Wayne King and His Orchestra junto al apoyo vocal del cantante Ernie Birchill. Esta ultima versión fue grabada bajo el patocinio del sello Victor Records y se convirtió en el registro mas popular.A partir de ese momento la canción empezó a tomar variadas versiones, y tuvo un notable crecimiento en su fama en los 50's, en especial por la versión  interpretada por la famosa cantante y actriz estadounidense Doris Day, quien en 1957 la interpretó en formato balada y fue todo un suceso en los charts. Otras versiones destacadas están a cargo de las voces de Louis Armstrong y de Ella Fitzgerald.
Hasta ese entonces la canción ya se había transformado en eterna, y en especial por su letra que por su simpleza pero marcada por la efectividad es uno d elos detalles que la hace tan grande. Por ello, en una entrevista para la NPR Donald Kahn, hijo de Gus y que también se las dá de compositor, señaló que el detalle esencial de esta rola era la simpleza de su letra y seguró que ese era el truco de su padre: "Él siempre trató de mantener en sus canciones letras simples. Siempre tenía en cuenta que muchos hombres y mujeres no sabían cómo decir  "te amo" y a veces recorrían años sin saber su verdadero significado".

Ahora, a pregunta que sale altiro a flote es: ¿Cómo llegaron los Mamas & The Papas a grabar esta aclamada canción?
Para ello debemos remontarnos al año 1959 y viajar a México. En ese entonces, Michelle Phillips. de tan sólo tenía 15 años, por razones familiares estaba viviendo en la capital de ese hermoso pais de tacos, rancheras y buen futbol. Fue en esas tierras donde el padre de Michelle se encontró con Fabian Andre, dueño de la parte musical de esta canción y entablaron una amistad ligada a la música.
Desde ese momento, Michelle empezó a escuchar esta famosa canción en voz y manos de su propio autor y cada vez que pescaba una guitarra la interpretaba a viva voz para recordar su infancia en esas tierras aztecas. Fue así como llegó a la canción a la banda, quienes siempre la interpretaban en los ensayos o alguna tertulia pero que no la habían legado a grabar por razones de tiempo y material propio destacado.

Pero en 1967, cuando se encontraban preparando material para su nuevo disco en casa de John y Michelle Phillips, la banda decidió grabar una versión de "Dream a Little Dream of Me" y la primera en apuntarse con el protagonismo vocal fue "Mama" Cass Elliot, quien se tenia confianza para cantar a solas esta pieza musical. Segpun paabras de los demás integrantes de la banda, al momento de grabar esta pieza se le notaba muy feliz a Elliot, quien se sentía muy segura con esta canción y además la manejaba de manera espectacular a la hora de transmitir su sentimiento.
En una entrevista  con Melody Maker, horas después de grabar esta canción en 1967,  Cass Elliot declararía: " Traté de cantarla como si estuviera en el año 1943, como si alguien hubiese entrado al estudio y me dijera "mira, te traje una nueva canción". La canté como si fuera la primera vez".

La versión de la banda de "Dream a Little Dream of Me" fue todo un éxito en los estados Unidos. llegado a la casilla #12 del Billboard Hot 100 En Agosto de 1968 y fue como una pequeña calma (o inyección de calmante) ante la tormenta que vivía la banda en su interior con  peleas amorosas, infidelidades, adicciones a las drogas y otras locuras. Un mes después de triunfar en los Estados Unidos, "Dream a Little Dream of Me" llegó a la posición #11 del UK Singles charts y lideró los charts en Australia.
Meses después y aprovechando el éxito de la rola, Cass Elliot volvería a grabar esta canción pero con el fin de promocionar su disco solista "Dream a Little Dream", que fue publicado en Agosto del año 1968 y que recibió muy buenas críticas.

 Les dejamos una canción inmortal, cuya versión mas conocida hoy en día es la que dejaron los Mamas & The Papas, una agrupación que vió el cielo y el infierno en la carrertera del Pop, pero que dejaron un catalogo de canciones muy interesante.
Que la disfruten! 


martes, 1 de mayo de 2012

HELLO / LIONEL RICHIE

 

"Hello" es una canción del compositor, cantante y actor estadounidense Lionel Richie, que fue lanzada como single un 13 de Febrero del año 1984 promocionando su disco "Can't Slow Down", segundo trabajo en solitario de este artista tras dejar The Commodores.
Dueño de una voz privilegiada, y de un talento notable para crear joyas Pop, Lionel encontró la fama como solista gracias a este disco. Con este trabajo musical, publicado en Octubre de 1983, el músico logró entrar al Top 10 estadounidense por casi 59 semanas, siendo uno de los discos mas vendidos del año 1984, llegando a los 20 millones de copias según la prensa y además se hizo dueño de un Grammy.  Con esos pergaminos, la carrera en solitario de Richie empezaba de manera magistral y batiendo records demanera inmediata.

Pero el disco tuvo grandes singles dentro de su glorioso repertorio y una de las piezas más destacadas fue la balada "Hello", que fue escrita por Richie un par de años atrás cuando se le ocurrió la idea de escribir algo que tuviera como contexto el conquistar una mujer.
Si bien el músico declara que por esa época era muy tímido a la hora de conocer y hablar con mujeres, siempre tuvo la idea en mente de llegar frente a esa chica que lo tenía loco y confesarle sin tapujos que "Hola, aquí está lo que estás buscando... Ese soy yo". La frase estaba lista, pero el resto de la lírica aún le partía la cabeza para armarla de manera perfecta.

Su productor, James Carmichael, siempre le tuvo fé a esa nueva creación que estaba por pulir Lionel y lo alentaba a que siguiera buscando las frases indicadas. Finalmente tuvieron que pasar un par de años para que recién la canción tuviera forma definitiva, y llegó justo cuando su primer disco, de título homónimo, estaba a punto de entrar al horno. Tras interpretarla, fue el mismísimo cantante quien la desechó del repertorio por encontrarla algo aburrida y fuera de forma con respecto al resto del repertorio del disco.

Pero si había alguien que le tenía fé a esa rola, aparte del productor, era Brenda Harvey, esposa del músico, quien siempre manifestaba su fanatismo por esa balada y le dejó muy en claro a Richie que en el próximo disco tenía que aparecer sí o sí porque tenía aroma a éxito seguro en los charts.
Es que esta balada, de tonos simples pero efectivos para el mercado musical, retrataba emociones y heridas a la vez, y de una manera muy especial . Con una sinceridad que deja los pelos de punta en su lírica, Lionel nos deleita con una canción de arreglos delicados en cada detalle y con un coro que marcó la cancha de inmediato y que la dejaba lista para las pistas de baile.

Y Brenda tenía toda la razón, ya que "Hello" se convirtió en la canción mas reconocida de su marido puesto que llegó al primer lugar del Billboard Hot 100 en Mayo de 1984, donde estuvo 6 semanas liderandolo. En el Reino Unido la canción también llegó al primer puesto, al igual que en Suiza y Australia. No había dudas, esta balada hizo historia para la carrera musical de Lionel.
Al giual que muchos éxitos ochenteros, la canción fue apoyada en su promoción con un videoclip, y el de "Hello" también marcó terreno y para la crítica fue pasto de buen saco.
 En esta cinta, Lionel interpeta a un profesor que se enamora de una de sus alumnas, llamada Laura y que además era ciega. Ese papel fue interpretado por la actriz  Laura Carrington.
 Se cuenta que durante el rodaje de este videoclip Richie no paró de protestar de manera furiosa contra el director Bob Giraldi por incluír una mujer ciega que no tenía nada que ver con la canción y su temática. Ante todos los reclamos de parte del artista, Giraldi paró la grabación y le exclamó: "Tú no escribiste esta historia, Fui yo".

A pesar de que la canción es un éxito de aquello, su videoclip es considerado una joya ultra-cursi marcada por la polémica entre la relación amorosa profesor- alumno (que para el colegiado no era una buena imagen).
De hecho, recientemente, en el Reino Unido un programa de televisión llamado "The Box",  hizo una encuesta sobre el peor videclip de la historia de la música popular. El video ganador fue el de "Hello", con más de 8000 votos y ustedes ya deben saber cuáles fueron las justificaciones de los televidentes.

Les dejamos un clásico de clásicos. De esos para bailar a media luz, y de la época en que  los "lentos" eran parte importante de la fiesta.
Que la disfruten!