sábado, 31 de octubre de 2009
BLACK IS BLACK / LOS BRAVOS
"Black is Black" es una canción de la banda española Los Bravos. Esta canción es el primer single que lanzó este grupo "soft rock" en 1966 para Decca Records bajo la producción de Ivor Raymonde.
La canción fue el primer paso de la agrupación para conquistar el mercado europeo con un track cantado completamente en ingles para lograr mas difusión, especialmente en Inglaterra, donde estaba la cuna del pop sesentero por aquella época. Para ello cuatro ex-Sonors, el bajista Miguel Vicens Danus, el guitarrista Tony Martínez, el tecladista Manuel Fernández y el baterista Pablo Sanllehí decidierón reclutar a sus filas a un cantante de orígen alemán, que tenía una tonalidad vocal muy parecida al fenomenal cantante Gene Pitney, cuyo nombre era Michael Kögel y que luego en su carrera solista se hizo llamar Mike Kennedy.
Luego de tener lista la formación y firmar un contrato con la discográfica Decca Records, la banda tomó sus maletas y partió a trabajar sus canciones a Inglaterra donde se dieron el lujo de contar con la ayuda del productor Ivor Raymonde que ademas hacía de, arreglador, director y compositor de varias canciones que fueron éxito en el Reino Unido por artistas como Marty Wilde, Billy Fury y Dave Berry.
De esta estadía en tierras británicas, surgió la grabación de Black is Black, una canción sencilla, basada en los ritmos "pop" que comunmente sacaban las bandas europeas, pero que tuvo ese ingrediente especial por ser cantada e interpretada por una banda española y muchas personas no lo sabían creyendo que esta melodía pertenecía a otra banda britanica que apareció por ahí.
Pero esta canción tambien tiene su polemica ya que, según parece, solo la voz de Mike Kogel y los coros son originales de la banda. De acuerdo con lo que se menciona en los libros de Ángel Casas (45 revoluciones en España) y José Ramón Pardo (Historia del pop español), ademas de algunas declaraciones de los miembros de la banda, Los Bravos no tocaron esta canción en el estudio cuando fue grabada, siendo reemplazados por músicos contratados por el sello y los únicos que participaron fueron Mike en voz y los coros hechos por Toni y Miguel. La razón del por qué se tomó esa decisión en los estudios de grabación se debió que debían acatar las condiciones impuestas por todos los Sindicatos de Músicos de aquella época en Londres, cuyo fin era generar empleos seguros a todo aquel ingles que tomara como trabajo hacer y crear música.
Incluso, el periodista español Ángel Casas dió mas detalles sobre esa situación, añadiendo que entre los músicos contratados por el sello para tocar en la canción se encontraba un joven guitarrista de sesión llamado Jimmy Page, que despues saltaría a la fama tocando su guitarra y escribiendo temones en Led Zeppelin. Aunque esto no ha sido confirmado ni desmentido por ningun miembro de Los Bravos.
Sobre este acontecimiento, y al ser consultado en un entrevista con el diario El Pais, Jimmy Page mencionó algo disgustado por recordarle su trabajo como músico de estudio: "¿Que si toqué en el Black is Black, de Los Bravos? No me suena. De todas formas, yo no quisiera que se me recordara por un trabajo tan poco estimulante como ese. Tocar en el estudio era como fichar en una oficina. De las nueve a las doce, con una cantante. De la una a las tres, con un grupo. Por la tarde, con una orquesta. Muchas veces, ni sabíamos el nombre de la canción... ¡o del artista!". Con lo cual queda mucha duda si Jimmy participó en esta famosa canción dejandose solo como una leyenda urbana qe gira en torno a la canción.
Al ser lanzado el single, en agosto de 1966, la canción debutó en el puesto número 100 del Billboard Hot 100 Singles Chart en EE.UU. y en octubre ya estaba ubicada en el cuarto puesto de dicha lista para luego caer al casillero #12. En Canadá la canción fue todo un éxito liderando el famoso Canadian Singles Chart y llegó a colocarse ne el segundo puesto en el Reino Unido. Mientras que en su país, la banda llegó a vender cerca de dos millones de copias, siendo un todo clasico del rock español y de la frenética decada de los 60's . Además, Los Bravos tienen el honor de ser la primera banda española en lograr fama y tener un éxito musical fuera de su país.
Asi que suban el volumen, saquen sus parlantes y disfruten de esta extraordinaria "rola"...
jueves, 29 de octubre de 2009
PHOTOGRAPH / RINGO STARR
"Photograph" es una canción del que fuera baterista de The Beatles, el famoso Ringo Starr.
Esta canción, además contó con la participación de George Harrison, que ayudó en la composición y en la grabación de coros y guitarras en esta aclamada canción.
Starr decidió lanzar el single un 5 de octubre 1973, alcanzando rapidamente el octavo puesto en los rankings británicos hasta alcanzar el número uno en el Reino Unido y EE.UU. con lo cual este baterista y actor britanico (?) volvía a acariciar la fama tal como ya lo habia hecho en su época Beatle.
La canción tambien forma parte del repertorio del famoso disco "Ringo" (para muchos el mejor disco que ha hecho este baterista en su etapa solista y que fue publicado en 1973) que tuvo, ademas de la ayuda de Harrison, a Paul McCartney y John Lennon colaborando en algunas canciones (aunque en ninguna trabajaron juntos) y debido a esto muchos pensaron que los fab-four se volvían a juntar para hacer de las suyas.
En "Photograph", Ringo Starr hace la voz principal y se hace cargo de tocar la batería, mientras que Harrison se encarga de tocar las guitarras acústicas (de 12 cuerdas) y cantar en los coros. Además cuenta con Jim Keltner ( en batería), Klaus Voormann (en el bajo), Nicky Hopkins (en el piano), Vini Poncia (en guitarra acústica ), Jimmy Calvert (guitarra acústica), Lon y Derek Van Eaton (en la percusión) y Bobby Keyes (que interpreta un solo de saxofón tenor). Los delicados arreglos orquestales que se pueden escuchar en la grabación fueron hechos por Jack Nitzsche.
Existe un videoclip, que fue hecho para promocionar el single, y que muestra a Ringo caminando alrededor de su nueva casa que se habia comprado en esos días, que estaba ubicada en Tittenhurst Park, la que antes había sido el hogar de John Lennon y Yoko Ono.
Un 29 de noviembre del año 2002, Starr interpretó "Photograph" en el Concert for George, que fue un espectaculo hecho en el Royal Albert Hall de Londres para homenajear a Harrison a un año de su muerte. Sobre esta interpretación, la pagina web oficial de George Harrison mencionó: "Ringo Starr nos sacó a todos unas lágrimas de los ojos con esa canción que compuso junto a George, la que parecía resumir todo ese extraño sentimiento que rodeaba el máginifico espectaculo".
En este concierto, Starr dijo que esta cancipon tuvo un nuevo significado tras la muerte de George, ya que la letra calzaba justo con todo ese dolor que dejó su partida para todos los que vivieron cerca de él. Especialmente en la parte donde dice: Every time I see your face/ It reminds me of the places we used to go/ But all I've got is a photograph,/And I realise you're not coming back anymore (en español: Todo el tiempo tiempo veo su cara/recuerdo esos lugares donde íbamos/Pero lo unico que tengo es una fotografía/ y me doy cuenta de que nunca volveras).
Una canción soberbia, de arreglos muy llamativos y con Starr mostrando otra vez sus dotes de cantante (en The Beatles tambien cantó por lo menos una canción por disco), que pese a no tener una gran voz, se la cree y saca canciones alegres con una simpleza majestuosa.
Que la disfruten!!!
Esta canción, además contó con la participación de George Harrison, que ayudó en la composición y en la grabación de coros y guitarras en esta aclamada canción.
Starr decidió lanzar el single un 5 de octubre 1973, alcanzando rapidamente el octavo puesto en los rankings británicos hasta alcanzar el número uno en el Reino Unido y EE.UU. con lo cual este baterista y actor britanico (?) volvía a acariciar la fama tal como ya lo habia hecho en su época Beatle.
La canción tambien forma parte del repertorio del famoso disco "Ringo" (para muchos el mejor disco que ha hecho este baterista en su etapa solista y que fue publicado en 1973) que tuvo, ademas de la ayuda de Harrison, a Paul McCartney y John Lennon colaborando en algunas canciones (aunque en ninguna trabajaron juntos) y debido a esto muchos pensaron que los fab-four se volvían a juntar para hacer de las suyas.
En "Photograph", Ringo Starr hace la voz principal y se hace cargo de tocar la batería, mientras que Harrison se encarga de tocar las guitarras acústicas (de 12 cuerdas) y cantar en los coros. Además cuenta con Jim Keltner ( en batería), Klaus Voormann (en el bajo), Nicky Hopkins (en el piano), Vini Poncia (en guitarra acústica ), Jimmy Calvert (guitarra acústica), Lon y Derek Van Eaton (en la percusión) y Bobby Keyes (que interpreta un solo de saxofón tenor). Los delicados arreglos orquestales que se pueden escuchar en la grabación fueron hechos por Jack Nitzsche.
Existe un videoclip, que fue hecho para promocionar el single, y que muestra a Ringo caminando alrededor de su nueva casa que se habia comprado en esos días, que estaba ubicada en Tittenhurst Park, la que antes había sido el hogar de John Lennon y Yoko Ono.
Un 29 de noviembre del año 2002, Starr interpretó "Photograph" en el Concert for George, que fue un espectaculo hecho en el Royal Albert Hall de Londres para homenajear a Harrison a un año de su muerte. Sobre esta interpretación, la pagina web oficial de George Harrison mencionó: "Ringo Starr nos sacó a todos unas lágrimas de los ojos con esa canción que compuso junto a George, la que parecía resumir todo ese extraño sentimiento que rodeaba el máginifico espectaculo".
En este concierto, Starr dijo que esta cancipon tuvo un nuevo significado tras la muerte de George, ya que la letra calzaba justo con todo ese dolor que dejó su partida para todos los que vivieron cerca de él. Especialmente en la parte donde dice: Every time I see your face/ It reminds me of the places we used to go/ But all I've got is a photograph,/And I realise you're not coming back anymore (en español: Todo el tiempo tiempo veo su cara/recuerdo esos lugares donde íbamos/Pero lo unico que tengo es una fotografía/ y me doy cuenta de que nunca volveras).
Una canción soberbia, de arreglos muy llamativos y con Starr mostrando otra vez sus dotes de cantante (en The Beatles tambien cantó por lo menos una canción por disco), que pese a no tener una gran voz, se la cree y saca canciones alegres con una simpleza majestuosa.
Que la disfruten!!!
martes, 27 de octubre de 2009
SHINY HAPPY PEOPLE / R.E.M.
"Shiny Happy People" es una canción de la banda estadounidense R.E.M. Fue publicada en el séptimo disco de la banda, el premiado Out of Time que fue publicado en 1991 y en el mismo año la canción fue lanzada como single promocional.
Fue grabada durante el otoño de 1990, pero fue publicada recien en mayo de 1991 en el Reino Unido, mientras que 4 meses despues fue presentada en los EE.UU.
La voz femenina que se puede oír en la canción pertenece a Kate Pierson (la cantante del famoso grupo New Wave B-52) que fue invitada a participar del disco. Ademas es ella la que aparece en el video- clip de esta canción bailando y jugueteando junto a los integrantes de esta mítica banda.
Esta canción, que fue repudiada por la banda en el año 2003 al no colocarla en el álbum recopilatorio In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003, fue bien aceptada por la crítica especializada por sus guiños al pop y la íronia que muy pocos han logrado traducir dentro de la letra . Algunos creen que fue su lider y vocalista, el señor Michael Stipe, quien escribió esta canción en respuesta a la horrible masacre en la Plaza Tiananmen de Beijing en 1989, sintonizandola con todo el contexto "falso" y el "aquí no ha pasado nada" con que rondeaban el tema los medios de comunicación. Es por ello que esta canción no es de aquellas donde un cantante se viste de heroe entonando al viento una "usada y lastimera" declaración politica sobre los derechos humanos con la cual vende hartas entradas, llena estadios y sus bolsillos, mientras se codea con todos los supuestos líderes mundiales vendiendo un mensaje que le ayuda a su fama. De esto se puede despejar el por qué puede sonar irónica esta canción y a quienes va dirigida realmente.
Sin embargo esta canción fue todo un éxito, llegando al puesto #10 en el Billboard Hot 100, siendo la unica canción de R.E.M en llegar a entrar en el Top Ten norteamericano hasta la fecha.
También alcanzó el lugar # 6 en el UK Singles Chart, convirtiéndose en su primera canción que llegó a entrar entre los 10 primeros puestos en el Reino Unido.
Aunque fue todo un éxito para la banda, les ayudó a alcanzar mas popularidad entre la gente y vendió por todo el mundo, la desición de dejarla fuera del In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003 en el año 2003 fue una decisión tomabda exclusivamente por Michael Stipe, que una vez mencionó su odio por esta canción en un episodio del cultural (tomenta de (?)!!) programa de conversación (?) Space Ghost Coast to Coast.
Una de las versiones mas llamativas de esta canción es aquella que la banda interpretó en el famoso programa infantil Sesame Street (si señores!!!... esa de Elmo y Big Bird) bajo el título de "Furry Happy Monsters" la que fue adaptada por Christopher Cerf, cambiando muchas partes de la letra para ajustarla al contexto de la escena donde fue utilizada.
lunes, 26 de octubre de 2009
PRETTY FLY (FOR A WHITE GUY) / THE OFFSPRING
"Pretty Fly (for a White Guy)" es una canción de la banda norteamericana de rock The Offspring. Fue escrita por el vocalista Dexter Holland y tuvo su aparición en el famoso disco super-ventas Americana en 1998.
Esta canción es una de las mas populares, a nivel comercial, de The Offspring, ya que tuvo gran aceptación en distintas partes del mundo. Las radios no paraban de tocarla y el popero canal MTV (en sus buenas épocas) bombardeó muchas tardes y noches con su aclamado videoclip.
El single de esta canción llegó a ocupar los primeros puestos de Estados Unidos, Reino Unido y Australia y según varias revistas y páginas web, "Pretty Fly (for a White Guy)" fue la canción más descargada en internet de toda la historia con más de 22 millones de descargas en tan solo 10 semanas despues de ser publicada el 9 de Noviembre de 1998.
La canción empieza con una frase en alemán que no tiene un sentido claro: Gunter glieben glauchen globen”, la cual es sacada de una exitosa canción de Def Leppard llamada "Rock of Ages". Luego de eso viene el 1,2,3,4,5,5,6 (cantado en español) para dar inicio a la aventura de esta divertida canción junto a esas pegajosas voces femeninas que fueron realizadas por la actriz y locutora Nika Frost.
La canción es una parodia sobre esas personas que siguen la moda "gangsta"( que es unsub-género de la música rap en el que las letras dan más importancia a las historias de gangster y drogas) y creen ser todo un sabio de la cultura hip-hop, a pesar de que realmente no le guste y simplemente lo usen como una apariencia falsa que tapa su poca personalidad.
En la letra nos relata sobre uno de estos individuos que se siente rebelde por seguir ese estilo musical ("friends say he's tryin' too hard, and he's not quite hip/but in his own mind, he's the - he's the dopest trip") y que puede conseguir la atención de todas las chicas ("and all the girlies say I'm pretty fly - for a white guy") .
Por eso, la idea principal de esta canción es burlarse abiertamente de los jóvenes de clase media suburbana que escuchan música rap por esta razón.
La canción también menciona algunos personajes del contexto norteamericano como el "talk show" de Ricki Lake ("So if you don't rate, just overcompensate, at least you'll know you can always go on Ricki Lake") y a los raperos estadounidenses Ice Cube y Vanilla Ice ("He needs some cool tunes, not just any will suffice/But they didn't have Ice Cube, so he bought Vanilla Ice/Now cruising in his Pinto, he sees homies as he pass").
Esta canción marca fielmente el mensaje del álbum donde todas las canciones critican el estilo "plastico" de la vida americana. En este caso, se acusa al consumismo que mezclado con el conformismo, hacen que muchas personas pretendan ser lo que realmente no son y viven una fantasía constante que no dura toda una vida. También ataca la hipocresía de esas personas que se "rebelan" porque quieren ser aceptados o admirados por los demás llamando la atención solamente por cosas superficiales que tienen menos valor que un kilo de humo (?).
Que la disfruten amigos!!!
domingo, 25 de octubre de 2009
BONUS TRACK: UNOS BREVES "SABIAS QUE..." DE PINK FLOYD
Navengando por ahí encontramos unos datos bien entretenidos sobre esta banda que le puso otro sonido al rock y nos regaló muchos megaeventos llenos de luces y experimentaciones varias, nos referimos a Pink Floyd.
Especial para leer un rato con un café o cerveza (no en exceso eso si), saber algo mas de esta gran banda de rock y preparar las próximas historias de canciones que vendrán en el blog:
Sabias que... el nombre definitivo de "Pink Floyd", fue fruto de la imaginación de Syd Barret y que no es mas que la unión de los nombres de dos bluseros norteamericanos (Pink Anderson y Floyd Council) de los que Barrett tenia varios discos en su casa.
Sabias que... el título de su famoso disco "Atom Heart Mother", se refiere a una curiosa experiencia médica real, relacionada con la intervención de un corazón artificial –gracias a una pequeña pila atómica- en la recuperación de una mujer embarazada.
Sabias que... el famoso científico inglés Stephen Hawking colaboró en el disco The Dividión Bell, específicamente en la canción Keep Talking, donde es la voz robótica que se escucha al principio y durante el tema. Es por ello, que cuando el famoso físico que escribió el libro Agujeros negros y pequeños universos y otros ensayos, llegó a Chile lo recibieron con música de Pink Floyd ya que es un gran aficionado a la música de Gilmour, Mason, Wright y Waters.
Sabias que... cuando Pink Floyd, ya sin Waters en sus filas, lanzó en 1987 el llamativo disco A Momentary Lapse Of Reason tuvieron una demanda por usar el famoso cerdo "volador" en sus conciertos de promoción del disco. El artífice de esa demanda fue su ex-compañero Roger Waters, quien era dueño de la idea de ese "cerdito". La respuesta de Gilmour y CIA., fue "implantarle" unos genitales tan grandes como el Everest (?) al famoso puerco inflable. Con eso, la demanda de Waters solo quedó archivada en el juzgado hasta estos días.
Sabias que... si escuchas al revés la canción Empty Spaces del disco The Wall podrás escuchar un mensaje secreto en la voz de Roger Waters que dice lo siguiente: "Congratulations,You have just discovered the secret message. Please send your answer to 'Old Pink', Care of the funny farm, Chalfont... Roger, Caroline's on the phone". (Nota DDLC: Antes de escribir este post escuchamos dicha canción al reves y... algo se pudo escuchar)
Sabias que... en un principio la banda pensó en contactarse con Los Beach Boys para que tocaran y grabaran la armonía de la canción "Waiting For The Worms". (Nota DDLC: eso si que hubiera sido freak!!).
Nos vemos!!!
Lee mas de esto en: http://www.taringa.net/posts/noticias/69840/Curiosidades-y-An%C3%A9cdotas-de-Pink-Floyd.htm
RIDERS ON THE STORM / THE DOORS
"Riders on the Storm" es una canción del grupo estadounidense The Doors. Esta experimentación musical, compuesta por los cuatro integrantes, de la banda fue publicada como single en diciembre de 1970 para promocionar el disco L.A. Woman de 1971.
Esta gran canción, que segun el guitarrista Robby Krieger está inspirada en el clásico de la música country "(Ghost) Riders in the Sky: A Cowboy Legend", fue grabada en el estudio Doors Workshop en diciembre de 1970 con la ayuda del ingeniero Bruce Botnick, que durante mucho tiempo fue el co-producción de sesiones de grabación de estos cuatro chicos de Los Angeles, California.
La pista incorpora efectos de sonido reales de truenos y lluvia hechos con el piano electronico Fender Rhodes de Ray Manzarek. Por otra parte, Jim Morrison grabó la voz principal y luego agregó algunos susurrós sobre la letra para crear ese efecto inquietante que da un tono misterioso a la canciòn, que ademas seria la ultima grabacion que haria el denominado The Lizard King con The Doors.
Existen tres teorias sobre la inspiración de la temática lírica de esta canción. Algunos dicen que está basada en el sádico Billy Cook que fue condenado a la camra de gas, quien mató a una familia en Illinois, luego de ese trágico acto, en la carretera hizo parar a un auto y mató a la familia que le recogió (muchos dicen que esto se debe por la frase There's a killer on the road...).
Además hay un dato que le dá mas peso a esta teoria y es que Morrison escribió un guión teatral llamado "The Hitchhiker", donde el personaje principal, de nombre Billy, mientras camina por una autopista asesina a un hombre, un alguacil, y una familia completa .
La segunda tesís es que, según una leyenda urbana, esta canción tiene relación con un trágico accidente causado por un vehículo que conducia a alta velocidad y que, al chocar con un camion, mató a varios indios de la tribu Navajos (la tribu mas numerosa de E.E.U.U) que venian en el interior.
La ultima idea sobre la temática de esta canción, es aquella que dice que la bada quería hacer una versión alternativa de un famoso poema surrealista francés de 1930, titulado Chevaliers de l'Ouragan (en español "Jinetes del huracán") escrito por Louis Aragon.
La canción fue un gran éxito para esta famosa banda de rock, ya que alcanzó el puesto #14 en el Billboard Hot 100 estadounidense, el #22 en las listas de singles del Reino Unido, y el número séptimo puesto en Holanda.
Que disfruten este temazo!!
sábado, 24 de octubre de 2009
FAST CAR / TRACY CHAPMAN
"Fast Car" es una canción de la cantautora estadounidense Tracy Chapman. Esta preciosa "rola" aparece en su exitoso álbum de debut de 1988 titulado simplemente Tracy Chapman.
Una canción delicada, de melodía relajante y con una voz bastante especial como es la de Tracy Chapman.
La letra nos cuenta una historia basada en una etapa adolescente con la pobreza y las ganas de cumplir sueños. En esta canción, la narradora nos cuenta sobre su vida y los dificil que ha sido superar diversos problemas como dejar la escuela para cuidar a su padre alcoholico y tener que ver como su madre, al quedar cesante, decide separarse de su familia por todo lo que ocurre ahí.
Finalmente esta persona decide abandonar su ciudad e irse con su novio, con la fiel esperanza de tener una vida mejor. En esa etapa empiezan mas problemas, ya que pese a conseguir un empleo como cajera en una tienda, las cosas no iban bien en lo economico y caen en la pobreza. Mas encima la vida le muestra una gran coincidencia con lo que le pasó a su madre: su novio, que además está cesante, se vuelve alcoholico. Esto produce su quiebre familiar, se queda con sus hijos ya que el marido decide beber por siempre con sus amigos.
Luego de conseguir otro trabajo, ella decide retomar sus ideas sobre tener una mejor vida para su familia y decide aconsejar a su novio a que deje la juerga si es que no quiere morir o vivir de esa manera, sin nada para hacer y sin sueños que lograr.
Esta canción se convirtió en un gran exito para Chapman, a tal punto que aun no logra sobrepasar la ola de premios, buenas criticas y comercialización que tuvo gracias a esta canción y el disco.
Tras su actuación en el concierto homenaje a los 70 años del estadista Nelson Mandela, la canción Fast Car comenzó a subir en las listas norteamericanas hasta alcanzar el Top 10 llegando al sexto puesto. En el Reino Unido ocupó el quinto casillero de los charts.
La canción fue nominada a los famosos premios Grammy en las categorias "Canción del Año" y "Grabación Del Año" y ganó uno en la categoría "Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina".
jueves, 22 de octubre de 2009
WE CAN WORK IT OUT / THE BEATLES
"We Can Work It Out" es una canción del del famoso grupo de rock The Beatles. Fue grabada en las intensas sesiones del disco Rubber Soul en 1965 pero con la idea de que fuera un sencillo promocional junto a la canción "Day Tripper".
Esta canción es un ejemplo del trabajo de John Lennon y Paul McCartney colaborando de igual a igual, lo cual no hacían desde sus primeros hits en 1963, ya que debido a las giras y los pedidos de la discografica de sacar cada mes nuevas canciones habían decidido trabajar cada uno por su lado las canciones para luego en el estudio poner los ultimos arreglos.
McCartney escribió la letra y la música de la estrofa/estribillo de ocho compases. Según ha mencionado, esta letra la habia escrito inspirandose en su problematica relación amorosa con la actriz Jane Asher .
Luego de escribir esa parte, Paul corrió al estudio donde se la enseñó a su compañero John Lennon quien le agregó la letra y música a la parte intermedia de 16 compases, que puede ser señalada como el coro.
La historia de la canción empieza en Octubre de 1965 cuando la joven Jane Asher toma la desición de incorporarse a la compañía de teatro Old Vic Company en Bristol, lo que significaba que se iría de Londres y de McCartney por lograr su sueño de hacer carrera como actriz. Obviamente a McCartney no le gustó la idea que había tomado su novia, ya que él quería que se quedara a su lado y solo se dedique a cuidar el hogar (que machista eh!!). De esa llamativa desición de Asher nace la idea principal de esta canción.
La parte que agrega Lennon es mas metafórica y oscura, ya que hace insinuaciones sobre la muerte. Esta idea le gustó a Paul quien le agradeció ese contraste en la letra con muchos elogios hacía su amigo.
Lennon mecionaria en una entrevista con la revista Playboy en 1980 que esta canción marca la mezcla entre el óptimismo de las letras de McCartney con la visión realista de sus composiciones. Además señalaba que muchos críticos musiales en esa época no se dieron cuenta que mas allá de las letras optimistas de Paul habia mucha poesía y filosofía en sus palabras que eran muy duras y las pueden escuchar despues de esa llamativa sección en tiempo de vals que fue propuesta por George Harrison, donde la letra nos habla de insistir en esa lucha agotadora por solucionar ese problema amoroso.
Los Beatles terminaron de grabar "We Can Work It Out" un 20 de octubre de 1965 despues de casi 11 horas de trabajo. Lennon se encargó de las armonía vocales, el armonio y la guitarra acústica, mientras que Paul grabó la voz y el bajo. La pandereta las demas armonias vocales fueron hechas por George Harrison mientras que en los tambores estaba el simpático Ringo Starr.
Luego de eso vino la discusión por el lanzamiento del sencillo, donde el señor John Lennon "gritó todo el rato" por la roquera "Day Tripper", mientras que Harrison, McCartney y Starr pensaban en que "We Can Work It Out" podría ser más comercial. Debido a que se armó un alegato muy sonoro y con el fín de terminar con la polémica entre los cuatro jovenes se decidió lanzar el primer sencillo de doble cara A de la banda con ambas canciones que fue publicado en Diciembre de 1965.
Pero fue "We Can Work It Out" el gran éxito de la banda ya que llegó al primer puesto de los rankings en ambos lados del Atlántico marcó un record en ventas en esos años.
We Can Work It Out dejó claro que Lennon no era el dueño del dominio musical del grupo, que McCartney tambien podia hacer letras realistas al igual que las que él hacía. De ahi en adelante seria Paul el lider musical de la banda gracias a sus canciones, composiciones, manejo de diversos instrumentos musicales y arreglos en el estudio.
miércoles, 21 de octubre de 2009
OH L'AMOUR / ERASURE
"Oh L'amour" es una canción del damoso dúo britanico de synth-pop Erasure. Fue publicada el 21 de abril d 1986 como tercer single promocional de su disco debut titulado Wonderland.
Si bien ni el single ni el disco fueron éxito en ventas, lograron marcar una diferencia entre los músicos de su genero a traves de sus presentaciones en vivo y su sonido experimental.
Para este disco debut, el ex-Depeche Mode, Vince Clarke había planeado utilizar diferentes vocalistas para cada pista del álbum (incluida esta canción que analizamos). Sin embargo, debido a la química musical con Andy Bell, ambos colaboraron en todo el álbum convirtiéndolo en una sociedad permanente que cambió el sonido del pop.
Escrita por los dos miembros de Erasure, Vince Clarke y Andy Bell, "Oh L'amour" nos habla sobre una persona que se lamenta por un amor no correspondido ("broke my heart / now I'm aching for you").
La música viene influenciada del Synthpop dance que era grito, saltos y plata en Europa a tal punto de que el single fue muy popular en los clubes de baile donde el disco de 12 pulgadas fue pegando entre la gente. En Estados Unidos tambien tuvo harta difusión al ser integrado como bonus track en la edición estadounidense del disco Wonderland el cual tuvo mucha fama en las discotecas. De hecho, la canción llegó al tercer puesto del Hot Dance Music/Club Play.
Esta canción fue muy bien aceptada por la crítica, que la dejó como una de las canciones mas importantes de este dúo y logró ser una de las canciones mas coreadas en sus presentaciones en vivo.
Todo esto a pesar de que en 1986, "Oh L'amour" solo llegó al puesto #85 en las listas de singles del Reino Unido siendo un total fracaso para la discografica que los emitia. Pero se convirtió en un gran éxito para Erasure en paises como Sudáfrica (número dos), en Alemania (número dieciséis), Australia (número trece) y en Francia (número catorce).
"Oh L'amour" fue remezclada en 2003 y lanzado como un nuevo single para promover un disco recopilatorio de sus mejores canciones llamado Hits! The Very Best Of Erasure. Esta nueva versión fue todo un éxito llegando al puesto 13 en el Top 20 del Reino Unido en el año 2003, lo cual indica que la canción con los años fue tomando mas fama entre los fans de este duo inglés.
Que la disfruten!!!
martes, 20 de octubre de 2009
THE KKK TOOK MY BABY AWAY / THE RAMONES
"The KKK Took My Baby Away" es una canción de la banda punk The Ramones. Fue escrita por su vocalista Joey Ramone para el disco Pleasant Dreams lanzado en 1981.
Este disco es el que más odia el guitarrista Johnny Ramone ya que el sonido de las canciones era mas lento de lo habitual y porque experimentaron un estilo "popero" y mas comercial.
La historia de esta canción viene por un sorprendente triangulo amoroso protagonizado por dos Ramones (Joey y Johnny) y Linda Danielle.
Esta chica fue el gran amor del timido y obsesivo-compulsivo lider y voz de la banda: Joey Ramone. Muchos dicen que era la musa de sus canciones, la mujer que le sacaba mas sonrisas y con la cual él queria tener un amor de película. Pero cuando todo iba bien en su relación aparece en la escena su compañero de banda, el dueño de las seis cuerdas que hicieron furor en la escena del punk, el serio Johnny Ramone, quien, pese a que estaba con una chica en esa época, se enamoró obsesivamente de Linda y logró que dejara a Joey .
El guitarrista y Danielle acabarian casandose mientras la voz de los Ramones solo podía masticar su rabia en varias de sus canciones.
Entre esas canciones inspiradas por ese sentimiento nace la roquera "The KKK Took my Baby Away". Aunque Joey Ramone en alguna ocasión llegó a decir que la escribió mucho antes que pasara ese sorprendente acto digno de una teleserie venezolana.
La sigla KKK (usada por el Ku Klux Klan) es solo una metáfora algo exagerada sobre Johnny Ramone que politicamente era conservador, adoraba al nazismo y a Hitler y venía de una familia acomodada.
Despues de ese grave problema amoroso, Joey y Johnny nunca más se volvieron a decir una palabra (y si se tiraban una palabra era para pelear o insultarse) pese a que ambos compartian los camarines y escenarios con la banda hasta 1996. Johnny no volvió a llamarle hasta el día en que Joey falleció (15 de abril de 2001). En un documental posterior a la muerte del cantante, dijo que la semana después de la muerte de su compañero de banda fue la peor de toda su vida.
A pesar de la dramatica historia romantica que hay detrás, esta canción es una de las mas famosas de esta banda que fue pionera en el punk, con un sonido lleno de guitarras y unos redobles de bateria que le dan un toque muy especial a la canción.
Que la disfruten!!!
GIMME! GIMME! GIMME! (A MAN AFTER MIDNIGHT) / ABBA
"Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)" es una canción del grupo sueco ABBA.
Esta canción, escrita por Benny Andersson y Björn Ulvaeus, trae en voz principal a la "rubia" Agnetha Fältskog que la interpreta magistralmente.
Fue incluida en el disco Voulez-Vous (1979) pero como Bonus Track, y en el recopilatorio Greatest Hits Vol. 2 del cual fue single.
El 30 de agosto de 1979 fue el día en que la banda grabó esta canción en los estudios de Polar Music. Aquella versión fue titulada en principio como "Been And Gone And Done It".
Pero ni la banda ni tampoco los productores tuvieron la idea de que esta canción fuera un single e incluso habian grabado una canción llamada "Rubber Ball Man", la cual si tenia el acuerdo de ABBA y su discrográfica para ser publicada como single. Esta canción que tenia a Fältskog y Anni-Frid Lyngstad en la voz principal mantenía la linea clásica de la banda que por ese entonces pasaba por su mejor momento. Sin embargo, al arreglar "Been And Gone And Done It", cambiandole el titulo por "Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)" y dandole un toque musical estilo "onda disco" quedó como resultado un producto mas vendible y con otra faceta para la banda sueca. Luego de otra reunión entre la banda y sus asistentes decidieron que este seria el single que querian lanzar dejando de lado a "Rubber Ball Man" que hasta el día de hoy es un simple demo que quedó en algun rincon de los estudios de este cuarteto que revolucionó el mundo con sus mágicas canciones y que años despues apareció en el disco ABBA Undeleted.
La canción quedó lista para ser lanzada en octubre de ese año, dias antes que la banda se embarcara en un avión hacía América del Norte y Europa donde harían exitosas giras.
La letra de la canción habla acerca de una mujer solitaria, que lo único que quiere en la vida es alguien a quien entregarle todo el amor que ella tiene en su corazón. Incluso hace comparaciones entre la realidad y la ficción basandose en los finales felices de algunas peliculas que jamas se ven en el contexto de la vida real y que esta mujer reclama al mundo. Ademas menciona que aunque la tachen de loca lo intentará todo por conseguir algún amante aunque se pase toda la noche esperando.
El single, lanzado un 2 de Octubre de 1979, fue todo un éxito a nivel mundial llegando a liderar los rankings en Bélgica, Suiza, Finlandia, Francia, Irlanda, Austria, Noruega, Holanda, Reino Unido, Alemania y Australia. En Estados Unidos y Canadá se lanzó una versión editada (se cortó una de las partes instrumentales)y a pesar de tener un exito algo escaso no logró empañar la fama de estos cuatro suecos.
La canción es todo un clásico de ABBA, considerada por muchos como una de las canciones mas conocidas de del grupo. Incluso a estos suecos se les ocurrió grabar una versión en español llamada "Dame, dame, dame" que al ser publicada en febrero de 1980 fue todo un éxito en Venezuela, España y Japón (?) y que la pueden encontrar en el disco que recopila las versiones en castellano de sus grandes temas llamado "Gracias por la música" (1980) y luego en "ABBA Oro" (1993).
La "cantante" Madonna en el año 2005 decidió utilizar el famoso intro de esta canción para su canción "Hung Up". Para ello se tuvo que contactar con los integrantes de ABBA para que le dieran el permiso, lo cual no fue facil ya que estos no aceptaban la idea de la "diva". Luego de muchas cartas, E-mails y un productor de la cantante (?) que viajó a Estocolmo para hablar personalmente con los músicos, la banda aceptó ceder esa parte de la canción en el éxito de Madonna con la condición que Benny Andersson y Björn Ulvaeus aparecieran como co-autores de esa canción... y asi fue!!!
Que la disfruten!!!
lunes, 19 de octubre de 2009
SWEET TALKIN' WOMAN / ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA
"Sweet Talkin' Woman" es una canción de la banda británica Electric Light Orchestra (tambien se le conoce como ELO, para ahorrar tiempo y palabras). Fue escrita por Jeff Lynne y aparece en el disco publicado en noviembre de 1977 llamado Jeff Lynne Out of the Blue.
Esta canción fue grabada por la banda en los estudios Musicland ubicados en Munich, Alemania en el verano de 1977. Originalmente fue titulada como "Dead End Street", pero Lynne y compañia decidieron cambiar ese nombre ya que se podía confundir con una famosa canción que los Kinks publicaron en 1966. Aquella versión tenía otra letra y distintos arreglos musicales que fueron cambiando hasta llegar a la original.
Pero Jeff Lynne en esos días no estaba muy conforme con la canción y se dió el trabajo de volver a grabarla varias veces, modificando la letra, cambiando algunos tonos y los coros. Luego de llegar a un buen resultado llamó al resto de la banda para que le dieran los ultimos toques y empezaran a grabar la versión final que entraría en el disco.
Ese delicado intro de violín fue tocado por Mik Kaminski y es una de las partes mas importantes de la canción. Otro detalle, es que para la grabación de Sweet Talki'n Woman se utilizó una orquesta completa, la cual fue dirigida por Louis Clark. Esta idea tuvo varios problemas, especialmente para los integrantes Hugh McDowell y Melvyn Gale que mientras tocaban sus violoncelos se confundían debido a la potencia de la orquesta contratada para esa sesión.
Otra particularidad de esta canción es el uso de los efectos de sonido hechos por un Vocoder 2000 (al igual que en todo el Out Of The Blue). Su uso en Sweet Talkin 'Woman solo se limitó a repetir la frase: "Sweet Talkin' Woman" en la introducción y entre las estrofas de esta (especificamente en [0:08], [1:04], [1:54] y [2:43]).
Otra curiosidad, es aquella que se menciona en un excelente sitio web dedicado a las canciones de Lynne. En dicha página se menciona que la versión que sacó la banda para Sweet Talkin' Woman en Estados Unidos fue inexplicamemente acelerada en su ritmo, a tal punto que dura 10 segundos menos que la versión original de LP. La explicación que se dá es que la ELO tenia como costumbre modificar las canciones que eran singles con el propósito de acortarle minutos para que sean tocadas en las radios y quzás lo que se hizo en esta canción iba en dirección a esa misión. Sin embargo, la versión mas simple es que todo fue por un error de la maquina que editaba la cinta con la grabación que fue cambiada de velocidad y ningun productor lo notó. Cualquiera que sea la razón, sigue siendo un misterio el por qué la versión norteamericana esta mas acelerada.
El single, lanzado en 1978 y en un vinilo trasparente de color púrpura, llegó al sexto puesto en los Top Ten del el Reino Unido siendo todo un éxito para la banda. Mientras que la "curiosa" versión publicada en Estados Unidos alcanzó el # 17 en la lista del Billboard lo que ayudó a que la banda tuviera mas fanaticos en tierras del "pacifico" Obama.
Que disfruten este temazooooo!!!
domingo, 18 de octubre de 2009
SEA OF LOVE / PHIL PHILLIPS
"Sea of Love" es una canción del cantautor estadounidense Phil Phillips. Esta hermosa balada fue publicada en 1959 y fue el propio Phillips junto a George Khoury quienes la escribieron.
Esta balada resultó ser todo un éxito en ventas ya que rapidamente alcanzó el primer lugar en el Billboard de R & B norteamericano por casi 14 semanas y el segundo puesto del famoso Billboard Hot 100. Distinta suerte tuvo la canción en el Reino Unido, donde en voz de la cantautora inglesa Marty Wilde, no pudo entrar en los rankings británicos y fue un rotundo fracaso.
Pero la canción tiene detras una historia de esfuerzo y constancia, ya que meses antes que John Phillip Baptiste se convirtiera artisticamente en Phill Phillips y tuviera el éxito con esta maravillosa canción, este trabajaba de portero en un hotel ubicado en Lake Charles, Luisiana, EE.UU. Minetras trabajaba e inpirado por las ganas de escribir una canción sobre amor llegó a componer "Sea of Love". En tres meses la arregló, le puso nuevos acordes y un coro estilo "gospel" para luego presentarsela al productor George Khoury, quien al darle el visto bueno invitó a Baptiste a grabarla en el estudio. Luego de la grabación y al ver que tenian en sus cintas un éxito seguro , Khoury le pidió a Baptiste que se cambiara a un nombre artistico mas comercial como Phil Phillips.
En 1959 lanzan la canción por medio de un pequeño sello discográfico que era propiedad de Khoury. Pero cuando se dieron cuenta que el éxito de la canción era a niveles altos decidieron vender los derechos de esta a Mercury Records.
A pesar del éxito de la canción (llegó a vender dos millones de copias en 1959), Phillips afirma que sólo ha recibido 6.800 dólares por las ventas de "Sea of Love", debido a que las condiciones del contrato que firmó con la discográfica no le favorecieron en nada. El músico tambien ha dicho que nunca recibió regalías por la canción o por las ventas del single hasta estos días.
Es por ello que en señal de protesta con esa discográfica, Phillips no quizo grabar un disco para capitalizar todo ese éxito en 1959, el cual hubiera sido un huracán de billetes para esa empresa que lo engañó. "Decidí pelear por lo que era legal, asi que no puse mi firma para lanzar el album. No me estan pagado, ni creo que lo hagan como un artista que escribió " Sea of Love '. Ellos no creen en la justicia y hasta la fecha lo hacen " mencionó algo furioso en una entrevista Phil Phillips.
Pero muchos artistan han rendido tributo a Phillips interpretando "Sea Of Love" tratando de imitar la magia y la simpleza de esta balada.
Quizás la versión mas famosa de esta canción es la que grabó la banda inglesa The Honeydrippers en 1984 para su único disco que se titulaba The Honeydrippers: Volume One. Con Robert Plant (Led Zeppelin) en voz, Jeff Beck en guitarra y un maginifico solo interrpretado por Jimmy Page (Led Zeppelin) hicieron una preciosa versión, mas lenta y con unos arreglos que la hacen una pieza de culto que alcanzó el # 3 en el Billboard Hot 100 en 1984.
Que la disfruten!!
Pd: Este Post va dedicado a mi Silvana!!!! quien anoche jugando "UNO" pidió este temazo!!!.
jueves, 15 de octubre de 2009
BONUS TRACK: NUEVO DISCO "GREATEST HITS" DE QUEEN
Cuando muchos fanáticos esperaban algun DVD de un concierto setentero de Queen (esos donde la banda británica sonada muy "Zeppelin") la compañia discografica EMI sacará a la venta el próximo 17 de noviembre otro recopilatorio de Queen, que se unirá a los populares "Greatest Hits I (1980) ,Greates Hits II(1991) y al rarísimo (porque solo trae reversiones de otros artistas y canciones de lado B) "Greatest Hits III"(1999). Este nuevo disco se llama “Absolute Greatest” y contiene varias canciones que fueron y son éxitos de una de las bandas de rock mas importantes de la historia.
Salvo la no inclusión de la canción "Innuendo" el resto del disco es una mezcla entre sus dos primeros Grandes Exitos sin ninguna sopresa anexa e los musical.
La lista y el orden de las canciones de este disco es la siguiente:
Lo más novedoso de este disco es que viene con varias sorpresas anexas, las cuales le dan valor a este producto digno para regalar en la próxima Navidad o algun cumpleaños de un fanático de Queen.
Absolute Greatest estará disponible en cuatro versiones físicas y dos digitales:
Una Edición estándar (El típico CD que se compra en las tiendas con las 20 canciones ya señaladas), una edición especial que incluye dos discos, el que contiene las canciones y otro que contiene comentarios de Brian May y Roger Taylor (recordemos que John Deacon ya se retiró de la música y se dedica a disfrutar de la familia) sobre cada una de las canciones. Tambien se lanzará una edición limitada, la cual contiene la edición especial ya señalada más un libro de 52 páginas, con fotografías de Johnny Dewe Matthews y un acceso online a veinte canciones grabadas en vivo (interesante eso eh!!). Ademas sacarán 3 vinilos de 180 gramos junto con un libro de 16 páginas de fotografías. Ademas los fanáticos podran descargar digitalmente de la edición estándar y la edición especial.
Un disco más para esta banda que ya es una leyenda en el rock y a pesar que May y Taylor han hechos cosas buenas (Queen Rocks y negociar un posible Rock Band por ejemplo) y algunas cosas malas (tocar con los desechables Five es un buen dato) con la marca de Queen tras la muerte de Mercury, siguen sus himnos musicales sonando en todo el mundo y esta unión de Grandes Éxitos con varios regalos ciberneticos y retros pueden hacer que las futuras generacones sigan escuchando en sus ratos libres esta mágicas canciones que nos regalaron en su larga trayectoria musical.
Salvo la no inclusión de la canción "Innuendo" el resto del disco es una mezcla entre sus dos primeros Grandes Exitos sin ninguna sopresa anexa e los musical.
La lista y el orden de las canciones de este disco es la siguiente:
01. ‘We Will Rock You’
02. ‘We Are The Champions’
03. ‘Radio Ga Ga’
04. ‘Another One Bites The Dust’
05. ‘I Want It All’
06. ‘Crazy Little Thing Called Love’
07. ‘A Kind Of Magic’
08. ‘Under Pressure’
09. ‘One Vision’
10. ‘You’re My Best Friend’
11. ‘Don’t Stop Me Now’
12. ‘Killer Queen’
13. ‘These Are The Days Of Our Lives’
14. ‘Who Wants To Live Forever’
15. ‘Seven Seas Of Rhye’
16. ‘Heaven For Everyone’
17. ‘Somebody To Love’
18. ‘I Want To Break Free’
19. ‘The Show Must Go On’
20. ‘Bohemian Rhapsody’
02. ‘We Are The Champions’
03. ‘Radio Ga Ga’
04. ‘Another One Bites The Dust’
05. ‘I Want It All’
06. ‘Crazy Little Thing Called Love’
07. ‘A Kind Of Magic’
08. ‘Under Pressure’
09. ‘One Vision’
10. ‘You’re My Best Friend’
11. ‘Don’t Stop Me Now’
12. ‘Killer Queen’
13. ‘These Are The Days Of Our Lives’
14. ‘Who Wants To Live Forever’
15. ‘Seven Seas Of Rhye’
16. ‘Heaven For Everyone’
17. ‘Somebody To Love’
18. ‘I Want To Break Free’
19. ‘The Show Must Go On’
20. ‘Bohemian Rhapsody’
Lo más novedoso de este disco es que viene con varias sorpresas anexas, las cuales le dan valor a este producto digno para regalar en la próxima Navidad o algun cumpleaños de un fanático de Queen.
Absolute Greatest estará disponible en cuatro versiones físicas y dos digitales:
Una Edición estándar (El típico CD que se compra en las tiendas con las 20 canciones ya señaladas), una edición especial que incluye dos discos, el que contiene las canciones y otro que contiene comentarios de Brian May y Roger Taylor (recordemos que John Deacon ya se retiró de la música y se dedica a disfrutar de la familia) sobre cada una de las canciones. Tambien se lanzará una edición limitada, la cual contiene la edición especial ya señalada más un libro de 52 páginas, con fotografías de Johnny Dewe Matthews y un acceso online a veinte canciones grabadas en vivo (interesante eso eh!!). Ademas sacarán 3 vinilos de 180 gramos junto con un libro de 16 páginas de fotografías. Ademas los fanáticos podran descargar digitalmente de la edición estándar y la edición especial.
Un disco más para esta banda que ya es una leyenda en el rock y a pesar que May y Taylor han hechos cosas buenas (Queen Rocks y negociar un posible Rock Band por ejemplo) y algunas cosas malas (tocar con los desechables Five es un buen dato) con la marca de Queen tras la muerte de Mercury, siguen sus himnos musicales sonando en todo el mundo y esta unión de Grandes Éxitos con varios regalos ciberneticos y retros pueden hacer que las futuras generacones sigan escuchando en sus ratos libres esta mágicas canciones que nos regalaron en su larga trayectoria musical.
PIANO MAN / BILLY JOEL
"Piano Man" es una canción del cantante estadounidense Billy Joel. Es, sin lugar a dudas, la canción mas conocida y mas coreada en todo el mundo de este cantante que antes de ser un excelente pianista fue boxeador de ligas amateurs en Nueva York y que se retiró de esa actividad luego de una lesión a su nariz .
Esta canción aparece en el disco "Piano Man" editado en Noviembre 1973 y el single de esta canción fue todo un éxito, llegando a alcanzar el puesto #25 en la lista de sencillos Pop "Billboard", y el #4 en la lista de sencillos "Adulto Contemporáneo".
La letra de la canción es un relato ficticio inspirado en los días de Joel como cantante de salón en Los Angeles luego del fracaso de su primer álbum titulado Cold Spring Harbor.
Billy Joel plasmó sus sentimientos personales sobre este fracaso en los sueños frustrados de los personajes de su canción. Por aquella época, debido a las malas ventas del disco, el cantante estaba intentando solucionar una mala negociación de contrato con la casa discográfica Family Productions que lo tenía endeudado. Entonces tuvo que pasar varias noches "escondido" en un bar y actuando bajo el nombre de Bill Martin hasta que Columbia Records se le acercó para que firmara un contrato y lograra el éxito que lo llevó a los mas grandes escenarios del mundo
El personaje principal de la canción es un pianista de un desolado bar que nos describe las vivencias de un camarero de nombre John, la camarera, un anciano y los clientes frecuentes del bar que son Paul (un novelista "solterón") y Davy (que es marinero). Lo central de la historia es que todos estos personajes tienen en comun "sus sueños no realizados" y el pianista les ayuda a que se olviden de la vida por un rato con sus canciones para que pasen un momento grato.
La parte del coro viene inspirada en esas tipicas canciones de bar, donde todos los clientes con sus cervezas y Gin Tonics empiezan a entonar unas palabras para el pianista: "Sing us a song. / You're the piano man. / Sing us a song, tonight. / Well, we're all in the mood for a melody, / and you've got us feeling alright."
En varias entrevistas, Joel ha admitido que todos los personajes de la canción, salvo el marinero Davy, fieron inspirados por personas reales que pasaban por el bar donde trabajaba.
Ademas "Piano Man" fue ubicada en el puesto #421 en la lista que hizo el año 2004 la revista Rolling Stone sobre las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
Esperamos que disfruten esta grandiosa canción, llena de melancolía, de poesía nocturna y de historias reales de gente comun y corriente que pasa a un bar para que el sabor de un licor y un sonido de un piano los lleve, aunque sea por 6 minutos, a un mundo soñado que quizás nunca les será eterno.
Nos vemos!!
miércoles, 14 de octubre de 2009
BARCELONA / FREDDIE MERCURY & MONTSERRAT CABALLÉ
"Barcelona" es una famosa canción interpretada por el cantante del grupo britanico Queen, Freddie Mercury y la famosa cantante española de ópera Montserrat Caballé.
Escrita por Mercury y el productor musical Mike Moran (que ademas toca el piano) y pertenece al disco homónimo que fue el segundo en lanzar en su carrera solista "la voz de Queen" esta vez junto a la cantante oriunda de Barcelona que ha sido considerada como una de las grandes cantantes de opera en el mundo.
El single fue lanzado el 10 de octubre de 1988 llegando al puesto #8 en el Reino Unido, y fue relanzada en 1992 como himno de los Juegos Olimpicos en Barcelona, donde subió al puesto #2.
Pero los origenes de este tema vienen desde la primera vez que Freddie Mercury fue a ver una ópera (de la cual era fanático y en muchas de sus canciones con Queen dejaba plasmado ese gusto), donde quedó maravillado con la voz de Montserrat Caballé. De ese momento se le ocurrió la idea de escribir algo dedicado a "La Superba" y de ello nace esta canción con tintes clásicos. Luego, en marzo de 1987, Freddie tomó un avión a Barcelona para conocer en persona a Montserrat Caballé. Al encontrarse con ella, Mercury le regala una cinta de cassette donde estaba el "demo" de "Barcelona" y otros temas. Al escuchar la cinta, Montserrat quedó impresionada con la bella melodía de esta canción y decide regrabarla a dueto con el vocalista de Queen. Tan fuerte fue su amistad, que ambos terminaron grabando un disco con temas cantados a dúo.
Sobre esta experiencia, Mercury mencionaria en una entrevista con la prensa inglesa: "Este último par de semanas he estado trabajando con esta increíble mujer, ella es una gran estrella de la Ópera, su nombre es Montserrat Caballe, ella viene de Barcelona y me llamó y me dijo que le gustaría cantar conmigo , yo me caí de espaldas y pense 'Oh, Dios Mio', pero la adoro desde hace años, y creo que se dio cuando viaje recientemente a Barcelona y en un programa de televisión me preguntaron..y yo dije bueno ella es la mejor cantante del mundo y me encantaría poder cantar con ella, así que ella lo debe haber visto. Llamó a la oficina y dijo que le gustaría hacer cosas".
Cuando todos esperaban el resultado de esta mezcla entre una de las divas de la ópera con una de las mejores voces del rock, un 8 de octubre de 1988 Freddie y Montserrat aparecieron en un concierto al aire libre en Barcelona el cual es muy conocido como La Nit (La noche). En esa ocasión, ambos cantantes acompañados con Mike Moran al piano juntaron sus voces para entonar Barcelona junto con otras dos canciones del álbum que todavía no habían sido editadas en singles, How Can I Go On y The Golden Boy.Posteriormente, dado el éxito de la canción , el Comité Olimpico Español (COE), decidió que esta sería la canción de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92. Para lo cual se habian hecho los contactos para que en la ceremonia de apertura fuese interpretada por ambos, pero debido al fallecimiento de Mercury a causa del SIDA el 24 de Noviembre de 1991, la canción fue cantada por Caballé y José Carreras.
En fín, una canción hemrosa, potente que nos muestra los dotes musicales extraordinarios de Freddie Mercury que no tenia limites en sus creaciones musicales.
Que la disfruten!!
martes, 13 de octubre de 2009
BLACK NIGHT / DEEP PURPLE
"Black Night" es una canción de la banda británica Deep Purple. Compuesta por Gillan, Blackmore, Glover, Paice y Lord, fue publicada como single en junio de 1970 y siendo la primera canción propia de la banda en ser usada para promocionar su carrera musical ya que antes de eso habían utilizado solo covers de otros artistas.
La canción tuvo un gran exito en el Reino Unido donde llegó a segundo puesto de las listas de ventas y popularidad. De ahí en adelante la canción pasó a ser un clásico del repertorio de la banda mas "ruidosa" del mundo.
La historia cuenta que al terminar las grabaciones del disco In Rock, la EMI le solicitó a la banda un single apto para que promocione toda la energia que tenía el disco.
Los integrantes de la banda estuvieron cerca de seis horas tratando de buscar la inspiración de para esa canción que le pedian sus "jefes". Fue tanto la problematica de buscar una melodia que decidieron ir a un bar cercano a beber y despejarse de las tardes de grabación. Ahí disfrutaron, rieron y se emborracharon con diversos tragos. En ese estado etílico el guitarrista Ritchie Blackmore pescó su guitarra y se puso a tocar un riff muy parecido al de la canción "Summertime" que Ricky Nelson grabó en 1962. A esa idea le agregó una parte de guitarra de una canción de la banda psicodélica The Blues Magoos llamada "We Ain't Got Nothing Yet". Al escuchar esta clase de guitarra que les dió el "simpatico" Blackmore el resto de la banda se dió cuenta que ahí estaba el single que le pedian los del sello discográfico... a pesar de las copas de más.
Ian Gillan y Roger Glover se hicieron cargo de la letra de la canción tomando como referencia una vieja canción Arthur Alexander para le título y le dieron ese toque musical muy parecido a la banda Canned Heat.
Cuando se cumplieron 25 años de su poderoso disco In Rock, la canción fue incluida en el tracklist en su versión original y en una versión remixada por Roger Glover.
Asi que preparen a mover sus melenas, sus guitarras de aire y una buena cerveza porque este temazo es imperdible!!!
Que la disfruten!!!
lunes, 12 de octubre de 2009
FUN, FUN, FUN / THE BEACH BOYS
"Fun, Fun, Fun" es una canción del grupo estadouniense The Beach Boys. Esta "pegajosa" canción escrita por Brian Wilson y Mike Love fue lanzada como single en febrero de 1964 y tuvo su aparición en el álbum Shut Down Volume 2.
La canción empieza con un riff sacado del clasico de Chuck Berry llamado Johny B. Goode que la rompió en 1958 y fue el pilar para la historia del rock.
La letra fue inspirada de una historia real, donde la protagonista fue la hija del dueño de la radio KNAK (de Salt Lake City) llamada Shirley England y que trabajaba por aquella epoca en la emisora de su padre. Un día esta adolescente pidió prestado el Ford Thunderbird de su familia porque tenia que ir a estudiar a la biblioteca. Pero la "vivaracha" se avivó y en vez de ir a la biblioteca terminó en un restoran de comida rápida pasandolo bastante bien con sus amigos. Pero su padre, al saber lo que había hecho su hija, la retó al otro día en la radio. Justo en ese instante los Beach Boys visitaban la emisora para dar unas entrevistas y presentar sus canciones. Al escuchar esta historia Wilson y Love decidieron escribir la canción.
Hasta ahí las cosas iban bien para la banda (mientras que Shirley estaba castigada). Ensayaban un futuro éxito, las ventas de sus discos le favorecían y estaban bien posicionados entre las bandas sesenteras que no estaban aferradas a lo que venía de Inglaterra. Hasta que apareció su productor y padre de los Wilson, nos referimos a Murry Wilson, muy famoso por su envidia, regaños y bueno para castigar a sus hijos. Con su mirada conservadora y crítica mencionó ante sus hijos y sobrinos que esa canción no seria un exito porque era inmoral (?) a tal punto que intentó prevenir la grabación de este rock and roll.
Luego de varias peleas, frases para la historia y gritos al cielo, el 1 de enero de 1964 la banda grabó "Fun, fun, fun" en las salas del Western Recorders. En febrero ya lanzan el single (con la canción "Why Do Fools Fall In Love" en el lado B) y rápidamente obtiene el éxito que hace caer de espaldas a Murry Wilson ya que llegó al quinto puesto del Billboard. Sin embargo este mismo single en Inglaterra fue un fracaso y en Australia llegó al puesto #6 de los rankings.
Luego de lograr gran éxito en los Estados Unidos, la banda tuvo todo a su lado para echar a su manager Murry Wilson y fue su hijo Brian quien le dijo que ya no contaban con sus servicios como productor ni menos como manager. No sabemos como habrá sido esa reunión...
Que disfruten y bailen este temazo!!!
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