jueves, 31 de marzo de 2011

THE DIARY OF HORACE WIMP / ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA



"The Diary of Horace Wimp" es una canción de la mítica banda británica Electric Light Orchestra, que fue lanzada como single en Agosto de 1979 promocionando su exitoso disco "Discovery", considerado por la prensa especializada como el punto final de la grandiosa carrera de esta agrupación liderada por el talentoso Jeff Lynne.
Electric Light Orchestra es una de las bandas mas famosa dentro de la historia del rock, ya que mezclaron de manera eficiente y llamativa diversos sonidos ligados al Rock con lo sinfónico, logrando una música llena de detalles maravillosos.

Esta canción fue escrita por Jeff Lynne, quien se inspiró una vez más en una de sus bandas favoritas: The Beatles.
Lynne siempre se declaró un fanático del cuarteto de Liverpool. De hecho, en su juventud en los barrios de Birmingham formó varias bandas tributos, y de vez en cuando se dedicaba a sacar sonidos y acordes parecidos a los que usaban Paul, John, Ringo y George. Años despues, la mente creativa de ELO se haría muy amigo de sus ídolos especialmente con Harrison, con quien llegó a compartir escenarios y producción de discos.

Una de esa canciones con aires "beatlemaniacos" es "The Diary of Horace Wimp", en donde Lynne logra viajar por acordes notables bajo una producción musical memorable y de gran calidad. En cuánto a la temática, esta canción es una crítica a esas manoseadas baladas que abusaban con la temática del hombre feo y lleno de mala suerte que siempre se enamora de la mujer equivocada y decide vivir por siempre solo, y además deprimido.

Aquí, Jeff nos relata una semana crucial en la vida de un hombre que anda en busca de esa mujer especial. Fue en esos días en donde ese personaje llamado Horace Wimp, ayudado por una voz del mas allá, encuentra a una chica que con el paso del tiempo se convierte en su amada esposa. Pero hay un error!!!!... En realidad no es una semana en la vida del señor Wimp, ya que en la canción no se menciona el día sábado. La razón de ese extraño detalle fue explicado brevemente por el autor de la canción en una entrevista: "El día sábado se omite porque es el día del fútbol". Recordemos que Lynne es un amante del fútbol, y es hincha del Birmingham City Football Club a tal punto que ni en sus canciones se olvida de ir al estadio...

Esta "rola" fue grabada en los Musicland Studios ubicados en la hermosa Munich, Alemania. En esa sesión de grabación, Lynne se las dió de productor y además de cantar la voz principal, tocó la guitarra, el piano y los sintetizadores.

"The Diary of Horace Wimp" llegó al puesto 8 del UK Singles charts. Además fue todo un éxito en Irlanda, donde llegó al puesto 10 de los charts, quedando como una de las canciones mas aplaudidas de la banda en el territorio británico, y con el paso de los años en una de las piezas clásicas del repertorio de esta maravillosa banda que marcó la cancha dentro del Pop/Rock.

domingo, 27 de marzo de 2011

THE PUSHER / STEPPENWOLF



"The Pusher" es una canción de la banda norteamericana Steppenwolf, que fue lanzada como single en el año 1968, y que además formó parte de la banda sonora de la clásica cinta "Easy Rider", protagonizada por Peter Fonda, Dennis Hopper y Jack Nicholson, y que quedó para siempre como una de las obras mas importantes de la contracultura norteamericana.
Es que esta banda, que tenía integrantes oriundos de Canadá y otros de USA, se caracterizó por experimentar sonidos psicodélicos con lo mas típico del Hard-Rock sin dejar de lado los acordes más ácidos del Blues.

En Enero del año 1968, los Steppenwolf sacaban a la luz publica su primer disco, de caracter homónimo, y en donde cada pieza musical hacía un directo homenaje a grandes pioneros del Rock, como : Chuck Berry, Wilie Dixon y Muddy Waters.
Rápidamente este disco empezó a escalar en los charts y la prensa se dió cuenta que esta banda traía algo nuevo en sus canciones, como si fuera un mensaje la futuro con esos crueles riffs y oscuras letras que se mezclaban de manera perfecta con el contexto cultural de esa época.

Entre las 11 canciones que componen este prestigioso álbum, aparece una llamativa pieza musical de título "The Pusher" cuyo crédito pertenecía al famoso cantautor estadounidense Hoyt Axton. La historia cuenta que Axton escribió esta canción a mediados del año 1967 tras enterarse que uno de sus mejores amigos había muerto a causa de una sobredosis de drogas. Es por ello que en la letra de la canción se critica al tráfico de drogas, en especial al que la distribuye. Para Axton ese señor que vende la marihuana como "una máquina para soñar despierto" y que empuja a los jóvenes a consumir drogas duras como la heroína es un "monstruo" que no le importa si ese consumidor morirá o tendrá secuelas mentales. Sólo le importa el dinero...

Con su fuerte crítica al traficante de drogas, "The Pusher" fue de las primeras canciones que no le hizo un regate al fuerte consumo de drogas por parte de la juventud y le dá duro a ese "botón" que vende y promociona sus productos para ganar dinero con la vida de los demás...

Los primeros en grabar y hacer popular la canción fue la banda de Canadá "The Sparrow", quienes despues se harían conocidos por todo el mundo como Steepenwolf.
En Mayo de 1967, esa mítica banda liderada por John Kay grabaron una extendida versión de esta canción en vivo, la cuál fue modificada años despues con Steppenwolf para hacerla mas cercana a la promoción radial. Ambas versiones son increíbles...

Pero la potente versión de Steppenwolf tambien tuvo su polémica, ya que muchos grupos religiosos y conservadores empezaron a censurar esta canción en las radios y a boicotear los espectaculos de la banda tras escuchar dentro de la letra la frase "God Damn" (Dios Maldiga), la cual siempre era coreada a viva voz por la fanáticada de la banda.
El problema llegó a su punto más alto cuando en un concierto que iban a dar en una ciudad de Carolina del Norte llegaron a sus camarines un grupo de policías amenazando a los integrantes de la banda a que cambien esa "maldita frase". Tras ese incidente, John Kay decidió cambiar esa frase por "Gosh Darn", pero el público no estaba ni ahí con repetir esa frase y se quedó con la original causando más polémica...

La canción formó parte de la banda sonora de la exitosa película "Easy Rider", donde además la banda se inscribió con su clásica "Born to be Wild". Este hecho fue fundamental para la popularidad de la banda, ya que esa banda sonora se convirtió en pieza clásica de finales de los 60's.

Recien en el año 1971 el autor de la canción, el señor Axton, decidió grabar su versión de "The Pusher". Esta versión aparece en su disco titulado Joy to the World y es muy recomendable...
Una canción fenomenal, llena de psicodelia y acid- Rock mezclada con una temática polémica para esos años,...Buenom hoy en día la cosa no es tan distinta, aun existen esos "Pusher" que juegan con la vida de los jóvenes por su sucio dinero...
Que la disfruten!!

sábado, 26 de marzo de 2011

I'M LOSING YOU / JOHN LENNON


"I'm Losing You" es una canción del célebre músico inglés John Lennon. Está incluída en su aplaudido disco "Double Fantasy", editado en Noviembre de 1980 y que se conviertió en el último disco oficial de John Lennon, ya que semanas después un supuesto fanático, de nombre Mark Chapman, le disparó a sus espaldas dándole la muerte al ex-Beatle, que quedó para siempre como uno de los músicos mas emblemáticos del Rock.

Tras casi 6 años alejado de la música, con el fin de ver crecer a su hijo Sean y pasar mas tiempo en familia, John Lennon volvía a las pistas mas recargado que nunca con un discazo bajo el brazo. Este se llamada "Double Fantasy" y contó con la producción de Jack Douglas, quien venía de trabajar con Miles Davis, Alice Cooper y los Cheap Trick, entre otros artistas y grupos de renombre mundial. Cabe señalar que Douglas ya había trabajado con lennon, eso sí en calidad de ayudante de productor en el disco "Imagine", pero desde ese momento Lennon se dió cuenta que este jóven iba a llegar muy lejos. Así fue como años después se lo encontró en un restorán y lo felicitó por su asombrosa carrera vigilando los discos de grandes bandas, y de paso le dijo que lo queria trabajando e su próximo disco. Y así se hizo...

Entre tantos demos que Lennon le pasó a Douglas, se encontraba una pieza muy íntima llamada "Stranger's room". Según el propio Lenon, esta canción fue escrita a mediados del año 1978 bajo el miedo de perder a su amada Yoko Ono, con quien no pasaba buenos momentos como pareja, y nació en una ocasión en que ella no le contestaba el telefono.

Con un sonido más rockero, menos cuidado y con excelentes riff's de guitarra, esta canción no pasa deapercibida dentro de este extraordinario LP, a pesar de que no fue lanzada como single promocional.
La fanáticada siempre a dado vistos positivos a esta pieza musical, e incluso la mismísima Yoko Ono a declarado que "I'm Losing You" es una de sus canciones favoritas. De hecho en una entrevista con la revista Q en el año 2010, mencionó que ""I'm Losing You" es una canción increíble. Creo que como compositor, él logró superar a muchas canciones parecidas. Para mí esta canción refleja lo mismo que si Picasso dibujara a su esposa, tras sentir mucha nostalgia al sentirse separado de ella... Tuve mucha suerte de ser su esposa", declaró la mujer de Lennon.

Según Douglas, cuando Lennon lo llamó desde la Bermudas para afinar detalles del proceso de grabación de este disco, este le sugirió que se dedicara a buscar a los mejores músicos que sesión que conociera, para que cada canción sonara perfecta, al igual que una orquesta bien afiatada.
En primera instancia, Douglas invitó a Rick Nielsen y Bun E. Carlos, ambos miembros de Cheap Trick, para que participaran en la grabación de "I'm Losing you" en Septiembre de 1980. Finalmente Lennon decidió re-grabar la canción con sus músicos de confianza, dejando de lado esta extraordinaria versión que finalmente vió la luz publica en el año 1998 en la John Lennon Anthology.

Un temazo de alto vuelo escrito por mr. Lennon, que merecía hace rato un espacio en este humilde blog, y que pertence al disco que traía nuevamente a este ex-Beatle al panorama musical pero que se vió truncado por su inesperada muerte...
Que la disfruten!

viernes, 25 de marzo de 2011

RUNNING SCARED / ROY ORBISON



"Running Scared" es una canción del músico estadounidense Roy Orbison, que fue lanzada como single en Marzo del año 1961.
Esta canción quedó para siempre dentro del repertorio clásico de este artista que conquistó los charts a inicios de los 60's con su voz tan particular, la cuál contenía una emoción que dejó juella dentro del Pop y el Rock. Además de eso, Orbison tenía ese gran talento de mezclar las baladas mas tristes con la delicadeza de lo sinfónico, ocupando matices dignos de una obra clásica juto a una vocalización perfecta.

Con la ayuda del compositor Joe Melson, Roy Orbison escribió una pieza clásica que raya la cancha con lo melodramático bajo una tensa parte musical que va guiada por una guitarra que rasguea notas típicas del bolero.
Orbison, un experto en crear baladas memorables, en "Running Scared" explora el lado mas salvaje del ser humano, el cuál es irse a duelo para obtener el sí de una mujer.
Bajo una historia que mezcla traición, celos, orgullo y ansiedad este músico oriundo de Vernon, navega por los mares de una situación problematica mientras una orquesta poc a poco va sumando sus notas para da esa sensación en el aire de un suspenso que va creciendo con le paso de los minutos.

Lo otro que hace más llamativo a esta pieza de Orbison es el juego con el miedo, con esa atmósfera de peligro que genera una pelea entre pareja, más cuando se mete un ex-novio en medio de la conversación. De esa guerra de egos, mentiras y traición empieza un tema que quizás muchas baladas ya lo han tratado aunque sea de manera poco riesgosa, pero como lo vé Orbison nadie lo hizo jamás. Lo mismo ocurre sobre la idea de incluír en plena época del rock and roll una guitarra a ritmo de bolero, esa experimentación sonora se le acredita fielmente a Roy, y hasta hoy en día saca aplausos...

Con un climax magistral, donde el canante ni se despeina cantando bajo unos coros celestiales que de seguro dejaran los pelos de punta, esta canción quedaba lista para ser un hit. Lo que finalmente fue, ya que Orbison llegó gracias a "Running Scared", al primer lugar del Billboard, y al noveno lugar en el reino Unido, quedando como pieza clásica dentro de su repertorio...

Debido a su gran éxito, "Running Scared" fue versionada por grandes artistas, que se quisieron ganar algun saco de dólares cantando esta maravillosa y triste canción. Entre esos "maestros" destacan Del Shannon, Glen Campbell y, el actor y músico australiano, Nick Cave, quienes realizaron nuevas versiones a la "rola", aunque nunca pudieron igualar la interpretación de la original...
Que la disfruten!

jueves, 24 de marzo de 2011

TIE YOUR MOTHER DOWN / QUEEN



"Tie Your Mother Down" es una canción de la banda británica Queen, que fue lanzada como single el 4 de Marzo de 1977 promocionando su quinto trabajo musical: el asombroso disco "A Day at The Races".
Muchos críticos musicales subestiman a este quinto disco de Queen, y lo tildan de un disco pobre en cuanto a material musical y lo dejan como un simple LP de relleno. Pero si vamos al fondo de cada pieza musical que compone este trabajo, nos damos cuenta que "A Day At The Races" es un trabajo extraordinario y que sobresale por su impecable repertorio donde Queen sigue demostrando su talento para crear canciones memorables.

Una de esas canciones memorables es aquella que abre el disco, la roquera y potente "Tie Your Mother Down".
Esta pieza musical fue escrita por el guitarrista Brian May en 1976 durante su estadía en Tenerife, España, por motivos de sus estudios para obtener el título de Doctorado en Astrofísica (que obtuvo en el año 2007), y nació simplemente de una broma basada por un juego con harta ironía. Una vez que la terminó, decidió incluírla dentro del repertorio que estaba preparando la banda para su quinto trabajo musical. Fue en esas sesiones de grabación en donde el vocalista Freddie Mercury quedó impactado con esta pieza rockera y decidió agregar ciertos detalles a la letra para hacerla más oscura en cuanto a humor...

Sobre la temática de la lírica de esta canción cabe señalar que en una entrevista con Capital Radio, en 1976, Mercury mencionó lo siguiente: "Bueno, en realidad la escribió Brian (May) y no tengo muy claro en qué se inspiró. Tal vez fue hecha en uno de sus cambios en el estado de ánimo..." En esa frase, queda muy claro que la canción es una simple humorad adornada con una simple letra picante con metáforas que juegan simplemente como relleno.

Musicalmente la canción es otra cosa. Con un furioso riff de guitarra que suena divino, y que nos dá la bienvenida al disco con un cartel rockero y rebelde, esta canción quedó como una de las mas coreadas y aplaudidas dentro del repertorio que la banda hacía en vivo.
La fanáticada quedó muy a gusto con esta canción, rápidamente se la aprendió y la empezó a corear en los conciertos. Por esos motivos, la banda decidió lanzarla como single y de paso grabar un videoclip al estilo "Bohemian Rhapsody", pero por problemas de dinero y de tiempo, puesto que la banda andaba de gira por Estados Unidos, ese proyecto quedó simplemente en nada.

Finalmente Queen grabó un videoclip promocional para "Tie Your Mother Down" en Febrero del año 1977 en el Nassau Coliseum de Nueva York.
Uno que no tiene buenos recuerdos de ese videoclip es el baterista Roger Taylor, ya que fue victima de un accidente en pleno proceso de grabación. Resulta que Queen durante su gira por Estados Unidos decidió usar fuegos de artificio y varios juegos de luces, con el fin de hacer el show mas impactante para los asistentes. Pero en plena grabación del videoclip, uno de esos fuegos de artificio fue a parar en la espalda del rubio baterista, quien del impacto se tiró al suelo con batería y todo, parando por varias horas el trabajo del director encargado de ese asunto. "Ese día casi perdimos a Roger", diría años despues un risueño Brian May al recordar ese momento.

Tras ser lanzada como single, "Tie Your Mother Down" logró llegar al puesto #13 del UK Singles charts y a la casilla #49 del Billboard Hot 100, y fue el prmer paso para que Queen empezara su conquista musical en tierras norteamericanas, una de sus tareas mas complicadas.

Les dejamos este clásico de Queen, que de manera impresionante y bastante gambeteada no aparece en ninguno de los Greatest Hits, lo cuál llama bastante la atención...
A mover las melenas hasta el suelo... Que la disfruten!

lunes, 21 de marzo de 2011

RED RED WINE / UB40



"Red Red Wine" es una canción de la banda británica UB40, que fue publicada como single un 23 de Agosto de 1983 e inlcuída en su disco "Labour Of Love", cuarto trabajo musical de esta banda oriunda de Birmingham, que incluía versiones "reggae" de algunas obras musicales de sus artistas favoritos.
Hacer un disco de "covers" al parecer es un buen caballito de batalla para toda banda que quiera generar recursos monetarios mayores, pero cuando el músico pesca sus canciones favoritas y las adapta a un nuevo estilo y las hace suyas, la cosa es distinta, y aparte de generar grandes cifras monetarias tambien demustran la calidad, y eso merece un gran aplauso. "Labour Of Love" es uno de eso trabajos, donde las canciones quedan disfrazadas de manera magistral con el sonido de UB40.

"Red Red Wine" pertenece al famoso cantautor norteamericano Neil Diamond, quien la grabó a inicios del año 1968, y la publicó en Abril de ese mismo año bajo la producción de Jeff Barry y Ellie Greenwich, dos pesos pesados de la música Pop en Estados Unidos.
Esta canción, que es una alabanza al vino y su capacidad generosa de hacer olvidar de manera rápida (o temporal??) las penas de amor, sólo llegó al puesto #63 del Bllboard Hot 100 (estuvo tres semanas en esa posición), y se convirtió en una canción de Diamond que tomaría más fuerza y popularidad con el paso de los años, gracias a nuevas versiones que vendrían en camino.

Ese mismo año, pero meses desúés del lanzamiento como single de esta canción, apareció una nueva versión pero en voz del cantante de Soul, oriundo de Jamaica, Jimmy James junto a su banda The Vagabonds, quienes la promocionaron en el Reino Unido, logrando gran popularidad tras llegar al puesto #36 del UK Singles Charts.

Un año despues, apareció otra versión de "Red Red Wine" en tierras británicas. Se trataba de una llamativa versión Reggae adaptada por el cantante Tony Tribe, que logró entrar en la casilla #46 del UK Singles charts.
Fue esta versión, según los integrantes de UB40, la que habían escuchado en su infancia, y por la cúal decidieron incluír su versión en este disco. De hecho, los chicos de UB40 no sabían que esta canción era de Diamond, y recién se dieron cuenta al momento de revisar y pedir los derechos de autor de cada canción que iba a ser incluída en el Lp.
Sobre esto el vocalista de la banda, el señor Ali Campbell, mencionó en el libro 1000 UK #1 Hits: "Lo más gracioso de esta canción es que sólo la conocíamos como un reggae No teníamos idea de que Neil Diamond la había escrito" . En el mismo texto, el otro integrante de la banda, Terence "Astro" Wilson, dijo que "incluso cuando vimos los créditos vimos que decía N. Diamond, por lo tanto pensamos que era un artista jamaiquino llamado Negus Diamond o algo así."

Es por ello, que la versión de UB40 está mas cercana a la versión de Tony Tribe que de la oscura y triste versión de Diamond. Gracias a esa formula musical, "Red Red Wine" en voz de esta banda britpanica llegó al primer lugar en el Reino Unido, Alemania y Nueva Zelanda en Agosto del año 1983. Mientras tanto, en Estados Unidos la canción llegaba a la casilla #34 del Billboard Hot 100 en Marzo de 1984, pero tendría su revancha en una re-edición hecha en 1988, en donde llegó al puesto #1.

La canción causó furor en todas las radios, e incluso hasta el día de hoy muchas personas creen que la canción es original de UB40 y se sorprenden cuando se enteran que es un "cover".
Un clásico de los 80's, una canción inolvidable y apta para cualquier fiesta...
Que la disfruten!

domingo, 20 de marzo de 2011

TWO SUNS IN THE SUNSET / PINK FLOYD



"Two Suns in the Sunset" es una canción de la banda británica Pink Floyd, que está incluída en "The Final Cut" (Marzo de 1983), el duodécimo trabajo musical de esta emblemática banda que se caracterizó por su estilo innovador y experimental, con el cúal fueron los arquitectos de la cultura pscidélica en el Reino Unido y una agrupación escencial para la historia del Rock.
Este regular disco, publicado en medio de los conflictos internos entre Waters y sus demás compañeros, es considerado la sombra de su antecesor, el aplaudido "The Wall", y destaca por contener canciones de alto calibré crítico hacía los políticos británico y variadas reflexiones sobre lo inutil de apoyar las guerras.

Tras casi 14 años de carrera musical, era casi predecible que la banda pasara por un momento de tensión. Los egos musicales entre Waters y Gilmour llevaron a que la banda empezara a perder peso, y tras el éxito mundial de la obra musical The Wall, la cosa se puso mas seria.
Con varios problemas internos, la banda empezó a trabajar en su siguiente disco de Opera-Rock, el cúal tenía un concepto anti-bélico, idea muy practicada por Roger Waters, y en donde le tiraba sus "buenos palos" a los políticos británicos que creían que la única solución ante tantos problemas era armar guerras con otros países para acariciar medallas, y terminar en un desastre nuclear, como el final mas épico.

Entre el repertorio que andaban ensayando, Waters le presentó al resto de la banda una emotiva canción apocalíptica llamada "Two Suns in the Sunset". Esta canción hablaba sobre un holocausto nuclear en Inglaterra, el cual era visto por el sorprendido narrador dentro de su auto. Sobre esta trágica temática, Waters señalaba en una entrevista que esa sería la solución final de cualquier país que está obsecionado con las guerras y el gusto de controlarlo todo, y meter sus dientes en terenos ajenos.

En esta canción, la frase "Dos soles en el ocaso" es la metáfora perfecta para visualizar el fin, donde uno es el sol, nuestra luz natural y el otro es una luz originada por la explosión nuclear, que en vez de ayudarnos nos eliminará por completos lentamente.
Esta letra, que muchos fanáticos mencionan como de las mejores en la pluma de Waters, está muy marcada por el miedo a la muerte, po el mido a que alguien aprete el botón que haga explotar este planeta. En ella, el narrador nos sorprende con un relato escalofriante de como el ser humano muere lentamente ante un enemigo invisible.
Con geniales y notables metáforas en medio de frases para el bronce, Waters despide el disco con una frase que dá mucho que hablar: "Enemigos y amigos, somos todos iguales". Esta frase tambien tiene un doble significado, ya que está muy ligada al fin de la banda.

Si antes de entrar a grabar este disco Pink Floyd ya pasaba por problemas internos, en medio de las grabaciones la cosa se puso mas tensa. La bipolaridad de Gilmour y Waters ocasionaba mucho daño en la parte interna de la banda. Mientras que Mason ya era un músico a "Part-Time", el tecladista Richard Wright ya había abandonado la banda, tras chocar en una pelea con el bajista.

La mejor solución en pleno apocalípsis de la banda, era que cada músico trabaje por separado, y así no caer en discusiones ni peleas que empeoran la grabación del disco.
Pero en plena grabación de "Two Suns in the Sunset", Waters metió sus colmillos en el trabajo del baterista Nick Mason y al ver que este no encajaba con la parte rítmica de la canción le pidió que dejara su puesto a Andy Newmark, quien fuera el encargado, por un tiempo, de la batería en la banda Sly & The Family Stone y además era amigo de los integrantes de Pink Floyd. En entrevistas posteriores, Mason menciona relajadamente que esta elección otro baterísta" no es tan importante".

Otro detalle notable es el maravillosa parte final adornada con un potente solo de saxofón, interpretada por el famoso músico Raphael Ravenscroft, quien trabajó en todas las pistas de este disco y además es famoso por su participación en la canción de Gerry Rafferty, "Baker Street."

A pesar de las duras críticas al disco, esta canción resulta asombrosa, enigmática, con un aire a despedida y tal vez hasta profética. Esos detales la hacen una de las piezas musicales más aplaudidas de Roger Waters, quien dominado por sus ganas de tenerlo todo, logrró despedirse de la banda con honores, y con esta canción de fondo.
Que la disfruten!

sábado, 19 de marzo de 2011

COME MONDAY / JIMMY BUFFETT



"Come Monday" es una canción del cantautor estadounidense Jimmy Buffett, que fue lanzada como single en Abril del año 1974 y que además estaba incluída en su cuarto LP, titulado Living & Dying in ¾ Time, que tuvo buenos resultados en cuanto a ventas y popularidad.
Buffet no sólo destaca por su intensa carrera como músico, donde experimentaba sonidos desde el folk hasta el surf rock, sino que tambien es un reconocido empresario, donde se dá el lujo de mantener una exclusiva cadena de bares y un dirigente dentro de las ligas menores del Baseball (deporte del cuál es muy fanático). Aparte de esos llamativos gustos, tambien es un productor cinematográfico (desconocemos el nivel) y es un fanático de participar en todas las obras de caridad donde se encuentre invitado.

Pero no nos salgamos del tema, y empezemos yendo al año 1973, época en la cuál Buffett aún buscaba con pinzas esa canción que lo catapultara a la fama...
Una de esas noches del año 1973, cuando Buffett promocionaba sus canciones y sus ideales en diversos escenarios de Estados Unidos y se paseaba en una furgoneta por todas esas carreteras junto con sus equipos y músicos de apoyo, este se puso a pensar en su amada esposa.
Iban rumbo a California con el fin de participar en un show dedicado al "Labor Day", pero el cansancio y el aburrimiento ya hacía de las suyas en esa larga noche, y en ese momento Buffett se puso a escribir una canción pensando en su mujer y en las ganas que tenía de volver a casa y abrazarla tan fuerte, hasta sentir sus corazones. Buffett sabía que quedaban pocos días para regresar a su hogar, asi que la única forma de botar toda esa pena era escribiendo una canción, cosa que hizo dando como resultado final una hermosa canción, a tono de balada, llamada "Come Monday".

"Come Monday" es una canción brutalmente sincera, donde la suave y serena voz de Buffett que mezcla con un trabajo de producción notable en manos de Don Gant, que le dá un tono brilante y lujoso a toda la armonía(?).
Con una introducción donde la guitarra ya nos avisa que se viene algo serio, Buffett tiene el pase para hablarnos que extraña a su chica, y que le gustaría tenerla presente en sus viajes por tantas carreteras. Pero el cantante tambien se dió le lujo de agregar un poco de ironía a la letra, nombran un día Lunes, como el mejor día para reencontrarse con su amada y sentir que es el mejor de todala semana, cosa que resulta chocante para todos los "mundanos" que odían ese día donde hay que volver al laburo, a la rutina y que invita a dejar en cenizas el buen fin de semana.

Una rareza sobre esta canción es que la versión del disco y la versión del single se diferencian por una simpática frase. Resulta que en la versión lanzada como single se reemplaza la frase: "I've got my Hush Puppies on", por "I've got my hiking shoes on", para evitar problemas legales con las marcas comerciales, como ya había pasado con los Kinks en su canción "Lola."

"Come Monday" logró llegar al puesto #30 del Billboard Hot 100 y al puesto #23 del Canadian RPM Top Singles. Debido a su éxito mundial, Buffett decidió incluírla desde el año 2003 en su "Big 8", en el cuál reúne sus mejores clásicos para deleitar a sus fanáticada y sacar aplausos multiplicandolos por mil.

Asi que suban el volúmen a las radios, apague la tele,y disfrute esta canción de carretera, un clásico de clásicos dentro de la década de los 70's...
Queeee laaaa disfruteeen!

viernes, 18 de marzo de 2011

WAR / EDWIN STARR



"War" es una canción del cantante estadounidense Edwin Starr, que fue lanzada como single el 10 de Junio de 1970 y que lo catapultó a la fama mundial, especialmente por la temática y el contexto en que fue elaborada esta canción.
Por si no conocen al señor Edwin Starr (1942-2003), cabe señalar que es considerado como una de las voces mas importantes y respetadas del Soul. Su extensa y aplaudida carrera musical lo llevó a ser un influencia para otros cantantes que gustan del agresivo estilo vocal con que daba vida a sus canciones provocando un efecto sonor impecable.

Era el año 1969, y la juventud de Estados Unidos se tomaba las calles, las plazas y los campos para manifestar su oposición a la Guerra de Vietnam bajo protestas populares y discursos anti-militares y otros que iban en directa acusación a los agentes de gobierno, que ya excedían sus ganas de ir a matar gente inocente, en ambos lados de las trinccheras, con el fin de ganar medallas y honores. Todo este tenso ambiente de protestas y violencia empezó a repercutir en varios puntos de la sociedad, e incluso en las canciones.

Hasta ese momento ningún artista perteneciente al sello Motown había grabado una canción que tuviera cierta relación con ese conflicto bélico, y mucho menos en señal de protesta.
Pero cuando todo parecía normal, apareció una canción escrita por dos de los genios musicales del sello, Norman Whitfield y Barrett Strong, y cuya letra iba en repudio a la guerrras, y fomentaba que la únia solución era la paz, y el vivir como hermanos. Esa canción se llamaba "War".

Esta canción se convertía en la primera que, bajo el sello Motown, contenía una fuerte declaración política, y de inmediato fue grabada por la banda The Temptations para que formara parte de su disco Psychedelic Shack, una de las obras musicales mas aplaudidas de esos chicos de Detroit.
Desde que el disco fue puesto en venta, los gerentes del sello empezaron a poner ciertas condiciones para que "War" no fuera selecionada como single promocional. La razón de esta determinación radicaba en el miedo a la censura por parte de algunas radios y canales de televisión, lo cuál afectaría las ventas del disco y la fama de esa empresa de música negra.
Finalmente esta canción no fue lanzada como single, pero igual tuvo su promoción dentro de la gente que apoyaba la causa anti-Vietnam, en especial los estudiantes universitarios que empezaron a entonar esta canción en medio de las enormes protestas.
Cuando la gente se empezó a preguntar el por qué los Temptations no sacaban el single con esta famosa canción apareció el jefe de Motown, el señor Berry Gordy, diciendo que ellos no querían "politizar" la carrera de esta banda ya que tenían varios proyectos a futuro, y además no querían perder fanáticos, aunque eso tambien se puede entender como: No querer perder dólares.

Tras esa drástica decisión, el compositor Norman Whitfield no se quedó de brazos cruzados y de inmediato decidió buscar a otro artista que grabara esta canción y la sacara al mercado.
Por eso mismos días, un joven llamado Edwin Starr ingresaba a la base de datos del sello Motown, gracias a que su sello Ric-Tic Records, otro de los rivales musicales en Detroit, cayera en una fuerte quiebra financiera y decidieran agruparse, todo esto en 1968.
Gracias a ese duro momento de la empresa en la cuál trabajaba, el único que pudo sonreír fue Starr porque tuvo la oportunidad de trabajar con todos los genios que eran parte de este mítico sello musical, que además era un semillero de grandes estrellas de la música negra.

De inmediato, Whitfield contactó a Starr, y le propuso la ídea de re-grabar "War" para que esta vez sí o sí sea lanzada como single.
Así fue como Starr y Norman Whitfield grabaron nuevamente esta canción manteniendo la estructura musical de la original en voces de los Temptations, pero agregando y depurando ciertos detalles que lograron dar más potencia a la melodía. Todo esto gracias al ingenio de Whitfield, quien en su estado de productor creó una base musical donde hizo una interesante mezcla sonde aparecen asombrosas guitarras distorsionadas, mucha percusión y bastante elementos ligados a la psicodelia mas fina y recatada de esos años. Punto aparte la voz de Starr, quien demostró toda su energía al cantar, siendo una de las interpretaciones que de seguro deja los pelos de punta con un sonido potente y devastador.

Tal como se predecía en su primera versión, "War" arrasó en el Billboard, y en pocos meses ya estaba en la cima, específicamente entre Agosto y Septiembre de 1970.
Pero esta canción anti-Vietnam tambien fue un hit en Inglaterra, en donde conquistó el tercer lugar de los charts y se convirtió en una pieza de culto para los fanáticos del Soul.
Pero esto no quedaba ahí, ya que en el año 1986 "War" volvió a las listas de éxitos pero en una nueva versión hecha por Bruce Springsteen and the E Street Band y que aparece en su disco Live/1975–85.

Una canción valiente, que habla sobre un momento duro para el pueblo estadounidense y de Vietnam, una canción que crítica a la guerra, una solución pactada por cobardes, animales y de mente bruta.
Asi que suba el volúmen de su reproductor de audio y simplemente... Que la disfruten!

miércoles, 16 de marzo de 2011

CRAZY / PATSY CLINE



"Crazy" es una canción de la cantante estadounidense Patsy Cline, que fue lanzada como single un 16 de Octubre de 1961 con el fin de promocionar su LP titulado Patsy Cline Showcase, que fue publicado dos meses antes.
Para aquellos que no conocen a Patsy Cline, le podemos mencionar que es considerada una de las cantantes mas emblemáticas dentro de la música Country, y que tuvo todo para alcanzar una fama planetaria pero un muerte temprana, causada en un accidente aéreo cuando tenía apenas 31 años, la dejó de manera adelantada como una leyenda de la música de ese país de America del Norte.

Era Julio del año 1961, y los productores que trabajan junto a Patsy Cline andaban en busca de nuevas canciones para ser grabadas en el nuevo trabajo musical de esta influyente cantante estadounidense. Hay que señalar que por esos días la fama de Cline estaba por las nubes, todo eso gracias a los buenos resultados en los charts de canciones como "Walkin' After Midnight" o "I Fall to Pieces", que hasta el día de hoy son parte del repertorio clásico de la música Country.
Por esa mismas fechas, un jóven compositor llamado Willie Nelson ,que tambien buscaba una oportinidad para mostrar su talento en el Country, promocionaba en varios sellos una canción que hablaba sobre la soledad y el desconcierto de un amor lejano, mezclándose de manera perfecta bajo un manto de acordes Pop con cierto guiño al Jazz. Esa canción se llamaba "Stupid", pero al ver que muchos productores miraban feo el título, decidió rebautizarla como "Crazy".

En un principio, Nelson había escrito esta canción para que la grabara el famoso cantante Billy Walker, pero este a última hora decidió no grabarla, ya que sus productores la encontraron con poco "aroma" a hit.
Pasaron las semanas y Nelson volvía a la carga con "Crazy" y esta vez tenía la oportunidad de vender esta pieza musical al famoso productor musical Larry Butler por la módica suma de 10 dólares. Pero al parecer el destino de la canción era circular, ya que a pocas horas de cerrar el trato, Butler decidió bajarse de la idea y dejó a Nelson con las manos vacías. Pero en cuestión de días Nelson era visitado por los produtores de la super-estrella Patsy Cline y volvía a sonreír....

Finalmente Owen Bradley, productor musical de Cline, le dió el visto bueno a "Crazy" y decidió incluírla en el repertorio de su pupila, y de paso incitar a que la grabe. Esa tarea era la complicada...
Las sesiones de grabación de "Crazy" empezaron a mitad de Agosto de 1961 en los estudios del sello Decca. Desde el primer momento que empezó a cantar la canción, Cline se fue sintiendo extraña, y su perfeccionismo habitual la llevaba a regañar e incluso a dejar de lado esta canción.
Nelson solo cruzaba los dedos...

Pero las quejas de Cline tambien eran con santa razón. Resulta que semanas antes de entrar ale studio de grabación, la cantante estuvo en reposo absoluto a causa de un accidente automovilistico, donde, por no llevar el cinturón de seguridad, pasó con ventana y todo tras una repentina frenada y posterior choque. Resultado final de esa tragedia: Una costilla Rota.
Fue ese dolor en las costillas el protagonista de esas primeras sesiones dedicadas a la grabación de este hit. Gente que trabajó en esas mencionadas sesiones de grabación dicen que Cline no podía llegar a las partes altas debido al intenso dolor y decidió abandonar la sala para ir a reposar. Mientras ella iba rumbo al hogar, los músicos de sesión grababan la música bajo los arreglos de Bradley. Dos días despues, la cantante apareció por el estudio de grabación caminando con muletas, y decidió grabar su parte vocal en una sola toma, para evitar cualquier problema. Dicha sesión se hizo el 21 de Agosto del año 1961...

"Crazy" llegó al puesto #9 del Billboard Hot 100, al #2 del Country Singles, a la casilla #14 del UK Singles Charts y a la posición #56 en Australia.
Con esos números, "Crazy" se convirtió en la canción mas reconocida de esta gran cantante (a pesar que la odiaba con toda su alma), y es hasta el día de hoy una de sus canciones mas interpretadas. Ni hablar sobre la labor de Nelson, ya que gracias a su trabajo como compositor logró ganar fama y empezar una carrera musical que lo dejó como uno de los grandes personajes del Country.

Les dejamos este clásico de clásicos del Pop tradicional, que de seguro los hará pasear por las alamedas de la nostalgia...
Que la disfruten!!

lunes, 14 de marzo de 2011

LITTLE SISTER / ELVIS PRESLEY



"Little Sister" es una canción del famoso cantante estadounidense Elvis Presley, que fue lanzada como single un 8 de Agosto del año 1961 (donde en el lado B incluía la clásica (Marie's the Name Of) His Latest Flame").
Hablar de Elvis es hablar de calidad natural, es hablar de esfuerzo y es hablar de historia. Con sus sensuales movimientos de pelvis, el peinado perfecto y una voz potente, este jóven oriundo de Tupelo logró tener por varios años el mundo a sus pies.
Considerado como uno de los personajes mas emblemáticos del siglo XX, Elvis logró conquistar todos los charts con su música que mezclaba de manera perfecta la música Negra (R&B, Soul y Gospel) con la que comúnmente hacían los blancos (Country, Folk, Western), obteniendo un resultado espectacular, que pegó mucho en las radios y que lo llevó a las puertas de la gloria musical.

Tras volver de su promocionado servicio Militar en una base de Alemania, Elvis se encontró con un panorama musical más complicado, y más competente. Obviamente este nuevo contexto lo dejó muy preocupado, ya que la "Invasión Británica" liderada por The Beatles tenía a gran parte del mundo gritando a viva voz los frenéticos "yeah, yeah" y a la vez mostrando que los artistas podían cantar sus propias canciones, y así ganar por presentaciones y además por derechos de autor. Eso ultimo jamás lo hizo Elvis... Por lo tanto se sintió algo deprimido.

Con el fin de que su "pupilo" volviera a retomar la fama, su manager, el Colonel Tom Parker, decidió contactar a una famosa dupla de compositores, que venían de la vieja escuela del Brill Building. Estos compositores eran Doc Pomus y Mort Shuman, quienes ya tenían un extenso curriculum lleno de elogios gracias al éxito de grandes canciones sacadas de su bolsita mágica (?).
En esta ocación Pomus y Shuman decidieron cederle una canción titulada "Little Sister", que buscaba explotar el perfil mas rockero, más duro y a la vez sensible del "Rey".
Es que en esta canción, Elvis nos canta disfrazado de un hombre malherido por causas sentimentales, en especial por una mujer de la cuál estaba locamente enganchado. Pero esta dama le jugó "chueco" al cantante y finalmente se fue con otro. Pero Elvis (o el disfrazado) no tenía ningún pelo de tonto, y se epezó a fijar a en la hermana menor de esa chica que lo había traicionado. Tras ser su paño de lágrimas, esta muchacha empieza a sentir cosas por Elvis y viceversa. Pero Elvis aún tiene desconfianza y teme a que lo manden nuevamente a "segunda división"....

Con toda esa energía típica del rock and roll mas ese telento vocal de Presley, "Little Sister" se convirtió en un hit de alto calibre. Tras llegar al quinto puesto del Billboard Hot 100 y al primer lugar en el Reino Unido, el mensaje ya estaba claro: Aún había Elvis para rato...
Que la disfruten!!

domingo, 13 de marzo de 2011

YOU'RE THE FIRST, THE LAST, MY EVERYTHING / BARRY WHITE



"You're the First, the Last, My Everything" es una canción del artista estadounidense Barry White, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1974 promocionando "Can't get enought", el tercer disco de este cantante que es famoso por todo el planeta por su impactante voz sensual, que es apta para cualquier momento romántico.
Mas allá de ese famoso detalle, White tambien quedó como uno de los artistas mas exitosos del fenómeno de la música disco, donde dejaba en claro sus influencias del Blues, el Soul y algo del Funk, con canciones que quedaron para siempre en un lugar privilegiado dentro de la historia de la música Pop.

La historia de esta canción empieza en 1953, cuando un compositor y productor estadounidense de nombre Peter Radcliffe escribió una canción con melodía Country titulada "You're My First, You're My Last, My In-Between". A partir de esos días, el motivado compositor esperó y esperó por algun artista que se mostrara interesada esta canción. Lamentablemente, el pobre Peter tuvo que esperar unos duros 21 años para que recien apareciera un cantante pidiendo esa cinta, con el fín de rabarla. Se trataba nada más ni nada menos que del cantautor Barry White, que además era amigo de Radcliffe y que quería cederle una mano utilizando una de sus canciones dentro de su repertorio musical.

White y Radcliffe se conocieron gracias al compositor Gene Page, quien los presentó con el fin de que ambos conversaran sobre música y viera algunos proyectos juntos. Dentro de esos días y tras varias reuniones, Radcliffe le presentó a Barry esa tan promocionada cinta que incluía a "You're My First, You're My Last, My In-Between", y fue en ese momento cuando al fín alguien se mostraba interesado en esta canción.

Con la cinta en mano, Barry White y el productor Tony Sepe empezaron a trabajar en algo muy díficil: Pasar del monótono sonido Country de la versión original a un sonido mas moderno, que vaya ligado al Disco. Dicha tarea no resultó tán fácil como pensaron en un inicio e incluso ambos músicos pensaron dejarla de lado del repoertorio del disco cuando vieron que la tarea se hacía cada vez más cansadora y sin resultados positivos.
En algunas entrevistas Barry White declaraba que la sesión de grabación se tornaron mágicas con el paso de los días, especialmente despues de encontrar el gancho musical que la podía fabricar en un hit.

Finalmente Barry y su tropa de músicos bautizaron a su versión como "You're the First, the Last, My Everything", y además pasó de la voz gangosa de la versión original (White y Sepe declararon años después que ese detalle les causó mucha risa) a la sensual, megaprofunda y original voz de White. Si!.. Esa misma que dejaba (y aún deja) loca a cualquier dama desde que empieza uno de sus discos.

Así nace "You're the First, The Last, My Everything" que a pocas semanas de haber sido lanzada como single logró convertirse en la cuarta canción de White que entraba al Top Ten del Billboard Hot 100, en esta ocasión llegó a la casilla #2 en Enero de 1975 y se mantuvo ahí por dos semanas. Tambien llegó al primer lugar del Billboard Hot Soul Singles chart y del UK Singles Charts.

Todos estos datos sólo hacen reflejar el brutal impacto de la voz de White dentro de la industria musical, en donde es considerado un personaje legendario dentro de la Onda Disco y dentro de la canciones de amor, donde dejó hecha un cpatedra que muy pocos pueden igualar.
Les dejamos este temazo que quedó para siempre dentro del soundtrack de muchas vidas, y que es usado muchas veces para adornar el ambiente con romanticismo, sensualidad y calidad de una de las voces mas potentes del Pop setentero.
Que la disfruten!

sábado, 12 de marzo de 2011

I'VE GOTTA GET A MESSAGE TO YOU / BEE GEES



"I've Gotta Get a Message to You" es una canción del grupo Pop británico Bee Gees que fue lanzada como single en Julio de 1968, y además esta incluída en la versión norteamericana de "Idea", su tercer disco bajo el sello Atco Records y que llegó a vender mas de 1 millón de copias en todo el planeta.
Gracias a este disco, el mundo empezó a tomar en serio las composiciones de estos tres hermanos Gibbs, quienes derrochaban talento a mares con canciones que podían ir desde la balada mas dramática hasta una pieza ultrapscodélica. Con el paso del tiempo, este talento musical los llevó a ser considerados una de las agrupaciones musicales mas aplaudidas a nivel mundial y de paso muy influyente paralas nuevas generaciones.

Tras lanzar dos discos, y varios singles, muchos críticos musicales no podían clasificar de manera exacta el estilo musical de este trio musical. A ratos aparecían con baladas muy tristonas y al rato aparecían con canciones que apostaban a lo arriesgado, a la experimentación de sonidos extraños y que los ligaban a la manoseada psicodelía, que tenía a varios musicos en la cresta de la Ola.
Todos esos detalles hacían que la prensa no mirara con buenos ojos la "performance" de estos tres chicos que habían empezado su carrera musical en el año 1958 durante una breve estadía por Australia.

Tras esos fracasos comerciales, el año 1968 comenzaba como una nueva oportunidad para encontrar su estilo musical definitivo, el cual tenía que llevarlos a la cumbre de la popularidad.
A partir de ese momento Barry, Maurice y Robin empezaron su viaje por la creación de canciones que estuvieran mas cercanas a su contexto musical y que además, era lo que vendía más por esos años en cuanto a discos, nos referimos a La Balada romática.
Las sesiones de grabación y composición de nuevo materia se hizo de manera relajada, pero taabien ocupando ciertos márgenes propuesos por su sello. Asi fue como los tres hermanos Gibbs se reunían por varias horas en su casa, con un cuarderno donde anotaban cada acordes y frase que aparecía de la nada, miles de cajetillas de cigarrillos y rodeados de varias guitarras.
"Junto a Barry siempre escribiamos una que otra canción. A veces pasabamos tres horas tocando la guitarra hasta que en los ultimos diez minutos salía una idea interesante" señaló sobre estas sesiones de composición el señor Robin Gibb al Mail On Sunday en Noviembre del 2001.

Una de esas tardes, Robin y Barry, impulsados por buscar una canción con aroma a single, decidieron empezar la búsqueda, con guitarra en mano, de nuevo material. Para esa ocasión, Robin había llegado con una idea lírica en un papel, que fue inspirada luego de discutir con su mujer por algún problema típico de la relación entre parejas.
El resultado final ( o el casi final) fue una canción que tenía un sonido influenciado por el R&B y algo del soul, todo esto bajo un molde de buen Folk, que hacía de la melodía algo pegadiza y con un coro donde podían mostrar toda su destreza y energía en los juegos de voces.
Robin Gibb fue el encargado de terminar la letra y bajo la tristeza de haber peleado con su mujer escribió una prosa muy, pero muy dramática donde el protagonista se despide de su mujer tras recibir la pena capital con el fin de aplicarle la Silla Electrica.
En el año 2009, Robin Gibb comentó a un medio inglés que la melodramática "I've Gotta Get a Message to You" trata sobre "un preso condenado a muerte y que sólo le quedan pocas horas de vida. Por ello, él quiere que el capellán de la prisión le transmita un mensaje final a su mujer". Este hombre, del cual habla la canción, fue condenando a la pena de muerte por asesinar al amante de su esposa. Esto si que es drama...

Era impactante escuchar a los Bee Gees hablando desde la perspectiva de un condenado a muerte, y más aun si le suplicaba a un sacerdote para que le entregue su ultimo mensaje en vida a su mujer, esa misma por la cuál estaba en la cárcel.
Musicalmente la canción contiene todo ese talento que tanto explotaban los hermanos Gibb, donde el coro era lo más importante, ya que ahí sus voces se unían bajo una armonía hermosa y finamente cuidada al más mínimo detalle.
Con unos impactantes arreglos de orquesta, que era uno de los detalles más usado entre los baladistas británicos, esta canción se pasea por una historia dramática que de pronto se vuelve emotiva, bajo las magníficas voces de Barry y Robin.

"I've Gotta Get a Message to You" se convirtió en el hit que la banda necesitaba para empezar a escalar hacía la fama mundial.
Tras entrar a la casilla #8 del Billboard Hot 100 y llegar a la cima del UK Singles Charts, los Bee Gees lograron ser tan populares que a los pocos meses algunos artistas de renombre tomaron la canción y la empezaron a cantar dentro de su repertorio.

Un clásico de finales de los 60's, una balada enorme, magistral, hecha bajo una idea simple pero original que de inmediato llamó la atención.
Simplemente es un gusto escucharla...
Que la disfrute!

viernes, 11 de marzo de 2011

I CAN'T STOP LOVING YOU / RAY CHARLES



"I Can't Stop Loving You" es una canción del músico estadounidense Ray Charles que fue lanzada como single en Mayo del año 1962 y además estaba incluída en su aclamado disco Modern Sounds in Country and Western Music, un interesante trabajo musical ideado por este gran artista y donde nos deleitaba con finas versiones de canciones clásicas dentro del country, folk y western pero a ritmo de Jazz y el R&B, que eran sus estilos favoritos.

Siempre que se habla de la figura de Ray Charles se menciona con mucha seguridad que es uno de los músicos mas influyentes dentro del Jazz y el R&B. Eso es completamente cierto, ya que dada su extensa discografía y un listado de megahits este artista, que perdió la vista a los 7 años, siempre estuvo al margen de lo desechable y lo usado, y a diferencia de muchos de sus "colegas", él siempre quizo dar un paso adelante y experimentar nuevas ideas musicales. Esto queda muy marcado en su disco "Modern Sounds in Country and Western Music", el cual es considerado por los fanáticos y especialistas en Rock, como uno de sus discos mas emblemáticos y tambien de los más raros para su época. Este ultimo detalle fue un acto de valentía artistica, ya que pocos se animaban a experimentar en un disco de "covers" pero modificando esas partituras hasta dejarlas como propias. En este caso, buscar un repertorio de canciones Country y Folk que comúnmente eran cantadas por artistas "blancos" mezcládolas y adaptandolas con arreglos ligados al Soul, el Blues y el Gospel, que estaban influenciados por músicos negros.

Desde los primeros días de Febrero del año 1962, Charles y el director de orquesta Sid Feller se dedicaron a seleccionar el material musical para este nuevo proyecto. Entre las 150 cintas que llegaron a su escritorio se encontraba una que llevaba el título de "I Can't Stop Loving You", que pertenecía al famoso cantante y compositor de música Country Don Gibson, y que había sido publicada el 30 de Diciembre de 1957 bajo el sello RCA Victor. Si bien la versión de Gibson tuvo un éxito moderado, quien la llevó al estado de clásico musical por todo Estados Unidos fue la cantante Kitty Wells, quien lanzó esta canción en el año 1958. De hecho, Ray Charles conocía esta canción gracias a la versión de esta famosa cantante tras quedar muy impactado cuando esta artista la interpretó en el famoso festival de música country The Grand Ole Opry.

Sobre la elección de esta canción el señor Ray Charles mencionó, a mediados de 1970 en una entrevista con el programa radial 'Pop! Goes the Country', que esta era una de las mejores canciones del Blues. Además dió cuenta sobre un detalle muy particualr en las frase que dice "I've can't stop loving you, I've made up my mind", puesto que encontraba que eran de las mas tristes que había escuchado dentro de una pieza musical.

Asi fue como un 15 de Febrero de ese mítico año 1962 en los United Recording Studios de California, Charles y compañia grabaron su propia versión "I Can't Stop Loving You". Pero esta vez decidió cambiar esos acordes de música Country para darle un sentido muy tirado al R&B y al Soul, con una interpretación vocal magistral, que deja los pelos de punta ante tanta sorpresa.

Tras grabarla, Charles conversó con sus productores y le planteó la idea de que esta "rola" fuera lanzada como single, debido a que quedó muy a gusto con el resultado final. Pero esos productores pensaban distinto, y no le tenían confianza a esta versión de "I Can't Stop Loving You", especialmente porque las versiones anteriores ya habían dejado la vara muy alta.
Mientras el cantante y su compañía disquera peleaban por los singles, el LP ya estaba a la venta en los estantes de las disqueras.

No pasó ni una semana del lanzamiento del disco, y ya algunos artistas se aprovechaban de esas versiones para promocionar sus carreras como cantantes. Uno de esos fue el actor e ídolo juvenil Tab Hunter, quien tras escuchar esta canción en voz de Ray Charles decidió grabarla y lanzarla como single... Total las fanáticas compraban todo lo que viniera de su "lolo bonito" y sólo bastaba con un autografo fotocopiado para chillar de alegría.
Esta versión en voz de este actor enfureció a Ray Charles, y a la vez motivó a que los productores de una vez por todas le hicieran caso. Finalmente, tras ver que ya algunos artistas desechables se estaban aprovechando de la fama de ese disco, los "genios" del sello ABC Records lanzaron como single esta canción y d epaso aprovecharon de promocionarlo comprando el espacio de una página completa de la revista Billboard. Esa estrategia trajo buenos resultados a las arcas de la disquera y del cantautor, ya que su interesante y valiente versión de "I Can't Stop Loving You" llegó al pirmer lugar en Estados Unidos y en Inglaterra, quedando como un clásico de este gran músico oriundo de California.
Además, a finales del año 1962, Charles celebraba junto a su equipo tras ganar un Grammy por esta canción en la categoría Best Rhythm and Blues Recording.

No hay dudas de que en cualquier compilado que se haga sobre la música de los 60's, esta canción del maestro Ray Charles debe estar entre medio de ese repertorio. Su magnífica voz, sus detalles musicales ligados al blues, y la valentía de no seguir la corriente de los demás artistas que sólo pensaban en los charts y que nunca se atrevían a mostrar algo de calidad, es algo que hay que valorar con 10 puntos y de paso sentarse para aprender a fabricar un hit...
Que la disfruten!

miércoles, 9 de marzo de 2011

I DON'T LIKE MONDAYS / BOOMTOWN RATS



"I Don't Like Mondays" es una canción de la banda irlandesa Boomtown Rats, que fue lanzada como single el 24 de Julio del año 1979 y que está incluída en su tercer LP titulado The Fine Art of Surfacing, trabajo musical con una visión crítica y a ratos burlona sobre el "sueño americano" y el estilo de vida que tenía la gente en Estados Unidos.
Cabe señalar, que los Boomtown Rats fueron una de las bandas mas respetadas en su tierra natal, ya que fueron los primeros en lograr un N°1 en el UK Singles Charts. Con sus sonidos que iban desde el punk hasta el más comercial New wave, esta banda tambien destacaba por la activa participación social de su líder y vocalista Bob Geldof, quien dejaba asombrado a su público con una impresionante "performance" sobre el escenario y por su trabajo social, donde siempre iba en ayuda de aquellos paises que no tenían nada a causa de alguna catástrofe o la estaban pasando mal por problemas políticos.

Para introducirnos de manera perfecta en la historia de "I Don't Like Mondays", tenemos que retroceder al Lunes 29 de Enero del año 1979, que fue un comienzo de semana impactante para todo el pueblo estadounidense y en especial para los que laburaban en la secundaria de San Diego. Es que ese día, una jóven llamada Brenda Spencer, que sólo tenía 16 años y que además era alumna regular de ese establecimiento educacional, decidió llevar en vez de sus libros y cuadernos un rifle. Sí tal como usted lee... Esta niña llevó un rifle, el cuál llegó a sus manos como un obsequio de navidad por parte de su padre,y no hayó mejor forma de probar su nuevo juguete (?) que disparando a sus profesores y compañeros de cursos desde la vereda del frente. Esta adolescente le diparó sin piedad a 11 personas, de las cuales dos murieron (el portero y el director), y tras escuchar las sirenas de la policía arrancó a su casa, donde se mantuvo escondida. Obviamente, esta tragedia fue "pan caliente" para los medios de comunicación, que transmitieron en vivo todo lo que sucedía en esos momentos. Fueron 7 horas las que tuvieron que esperar los policías y los medios de comunicación para que Brenda se entregara y empezara el interrogatorio sobe el caso.
Fue en ese momento, cuando ya salía de su casa con unas esposas en las manos, cuando un periodista le preguntó a Brenda sobre el por qué hizo tal acto, y ella paró su caminata y le respondió unas frases que dejaron sorprendidos a todos lo que estaban atentos a esa tragedia: "La estaba probando, eso es todo. Tenía ganas de hacerlo y además no me gustan los Lunes. Esto lo hice como una forma de alegrar el día. Es que a nadie le gusta el día Lunes". Luego añadió que "sólo fue por diversión, vi a los niños como unos patos que paseaban por una charca y un rebaño de vacas rodeándolos, blancos fáciles".
Finalmente, Brenda Spencer fue declarada culpable de dos asesinatos a mano armada y de asalto con arma mortal. Por ello fue condenada a cadena perpetua, la cual cumple en una cárcel de mujeres en California.

Esta impactante noticia dió la vuelta al mundo y dejó muy asustada a la sociedad estadounidense, quienes ya no confiaban ni en los compañeros de curso de sus hijos. Mientras todo eso ocurría, el vocalista de la banda, el señor Bob Geldof, se encontraba en Atlanta promocionando el nuevo trabajo musical que pronto saldría a la venta. Fue en esa ciudad, donde Geldof se enteró y vió en vivo y en directo el acto cruel de Brenda Spencer. Asi que inspirado por ese duro momento, por la falta de remordimiento de esa joven y por la inocente frase "No me gustan los Lunes", Geldof empezó a escribir una canción a ritmo de reggae con el fin de expresar su preocupación por los problemas que aquejan a esta sociedad globalizada, problemas que a veces llegan a este trágico resultado.

Al otro día pescó sus cosas y arrancó a Los Angeles a juntarse con el resto de la banda, con quienes empezaría una gira por todo ese país ubicado en America del Norte. Así fue como en una sesión "flash", y en un improvisado estudio de grabación, Geldof grabó la versión demo de su nueva canción a puro piano, y bajo el singular título "I Don't Like Mondays".
Tras volver a su Irlanda querida, los Boomtown Rats empezaron a grabar el nuevo material para su esperado tercer disco. Entre esas canciones estaba la que ya habíamos mencionado, pero que en estas nuevas sesiones la modificaron, en cuanto a lo musical y la dejaron mas cercana al New Wave que a la música de Jamaica.
En ella la frase dedicada al día Lunes toma un cartel fuerte y muy principal, acompañada de una maravillosa parte de piano interpretada por Johnny Fingers, que ayuda a darle otro enfoque a la melodía y no dejarla tan básica.

Tras terminar y grabar la canción, los Boomtown Rats se fueron nuevamente de gira de por estados Unidos, y decidieron incluírla dentro del repertorio, para analizar si era una buena idea lanzarla como single, ya que Geldof no se encontraba muy a gusto con el resultado final de esta "rola". Pero tras interpretarla en esa gira, los integrantes de la banda se dieron cuenta que la canción ya causaba furor entre su fanaticada, asi que estaba revotando la idea de lanzarla como single...

Finalmente fue publicada en Julio del año 1979, y desde que el disco pisó suelo estadounidense la familia de Brenda Spencer intentó hacer un boicot para que los medios de comunicación no promocionaran en sus parrillas programáticas a "I Don't Like Mondays", ya que pedían respeto por Brenda y además no querían que se burlaran de esa tragedia que les cambió la vida rotundamente. El resultado de esa protesta formal, hizo que la canción sólo llegara al puesto #73 del Billboard Hot 100, y estuvo marcada por varios discursos de agentes sociales que pedían no hacer burlas ni promocionar la violencia armada, ya que era (y aún lo es) uno de los grandes problemas en Estados Unidos.

Mientras tanto, en el Reino Unido "I Don't Like Mondays" llegaba al primer lugar de los charts en Julio de ese año, al igual que en otros territorios de Europa donde la canción ya era un hit que colapsaba todos los diales de radios. Uno de los motivos por los cuales la canción logró ser un éxito en esas tierras fue el significado básico que le dieron a la lírica de Geldof. Muchas radios y programas de televisión tocaban la canción con el fin de ironizar el comienzo de la semana de laburo, y dejar de pensar en el fin de semana. De hecho, hasta el día de hoy muchas radios colocan esta canción los días Lunes, para que el oyente saque su rabia y grite al mundo que odia desde lo profundo ese cansador primer día de la semana, olvidando su verdadero mensaje que eestaba marcado por una tragedia que aún es comentada en suelo norteamericano.
Que la dis...!

martes, 8 de marzo de 2011

LONELY TEARDROPS / JACKIE WILSON


"Lonely Teardrops" es una canción del cantante estadounidense Jackie Wilson, que fue publicada como single en Febrero del año 1958.
Este artista, que la crítica lo bautizó como "Mr. Excitement", marcó el cambio necesario para pasar de la pureza del R&B a la sensualidad del Soul. Además, Wilson se caracterizó por ser un emblemático "Showman", ya que dejaba hasta el alma en los escenarios cuando cantaba sus energéticas canciones, lo cual llamó la atención de muchos rockeros que se paseaban buscando un estilo y que de inmediato empezaron a imitar a este mítico cantante.

Viajemos en el tiempo y paremos a mediados del año 1957. En ese entonces, Jackie Wilson abandonaba el grupo vocal Billy Ward and His Dominoes para empezar una carrera en solitario. Con esta agrupación afroamericana, Wilson había logrado fama y harta promoción en las radios gracias a sus aclamados singles, pero decidió el adios cuando se empezó a percatar que el dinero iba a otras arcas, dejando de lado al resto del grupo.

Tras ese episodio, Wilson pescó sus maletas y empezó a buscar un productor que lo ayude a grabar algunas canciones, y de paso probar suerte en el mercado musical.
La cosa no le estaba resultando tan fácil. varios contratos cancelados, deudas por montón y productores "chantas" hicieron que este cantante casi pierda la fé. Pero recien a finales del año 1957 Jackie Wilson encontró una persona que por fin entendía sus ideas. Se trataba de Al Green, un músico estadounidense que se especializaba en fabricar magistrales canciones donde salía a flote el Gospel y el Soul. Gracías a este artista, Wilson logró firmar con el sello Brunswick y de paso logró tomar contacto con un equipo de talentosos compositores que ya hacía de las suyas por todo Detroit. Este equipo estaba formado por los hermanos Berry y Gwendolyn Gordy y Roquel "Billy" Davis, que siempre firmaba sus canciones con el seudonimo Tyran Carlo.

Estos tres talentosos compositores se dieron le lujo de escribir las canciones para Wilson en su primera etapa como solista, y entre esas melodías apareció una muy llamativa y que estaba titulada como "Lonely Teardrops".
Esta canción contenía una base melódica muy simple pero que a la vez sonaba impecable, donde sólo la guitarra se salva gracias a los cambios de acordes, mientras que el pandero y el bajo suenan tan repetitivos como los aplausos que acompañan la energía de esta canción. Pero la simpleza musical es sólo un adorno para acompañar la magistral voz de Wilson, que en esta pieza dá clases de canto.

"Lonely Teardrops" se convirtió en el tercer single que publicó este artista oriundo de Detroit, pero tuvo mejor suerte que sus antecesores tras llegar sorpresivamente al séptimo puesto de Billboard Hot 100 en Marzo de 1958 y se mantuvo dentro del Top Ten por varias semanas.
Gracias al éxito de esta canción, Wilson empezó a abrir la puerta a la fama, y pasó de ser un simple corista de un grupo vocal a cantar en varios escenarios de su pais y ser parte de prestigiosos programa de televisión, donde destaca su participación en American Bandstand y el famosísimo The Ed Sullivan Show, donde la interpretación de este hit causó furor entre la gente

De ahí en adelante, en cada show de Wilson esta canción ocupaba un lugar especial dentro de su repertorio. Es que fue su canción que lo elevó a la fama, es que fue la melodía que lo dejó como uno de los artistas mas importantes de finales de los 50's.
La interpretación mas impactante, que hizo Wilson de esta canción, fue en Septiembre del año 1975 en el Latin Casino de New Jersey. En medio de esa actuación y mientras interpretaba "Lonely Teardrops", Wilson cayó al suelo de manera sorpresiva y brusca, mientras tanto su fanaticada gritaba y aplaudía ese detalle. Pasaron unos minutos y los espectadores se percataron que no era un nuevo paso de baile, ni una sorpresa que tenía preparada para este show sino que el cantante había sufrido un ataque cardiaco. De la alegría de las canciones pasaron a la tristeza y el impacto de ver en cosa de minutos a su ídolo sin responder a ningun estímulo.
Asi fue como los productores del evento lo reanimaron y lo llevaron al hospital mas cercano, donde quedó hospitalizado por casi 3 meses en estado de coma. Tras presentar algunas mejorías, el artista nunca despertó de ese seuño profundo, y sus fans ya se mostraban inquietos. Pasaban las horas, los días y los meses, pero Wilson seguía en estado de coma postrado en una sala de hospital donde estuvo hasta el día de su muerte, un 21 de enero de 1984 cuando apenas tenía 49 años de edad.

Una canción que marcó la vida de este gran cantante estadounidense y que ha sido versionada por una gran cantidad de artistas, donde podemos destacar las que hicieron Jose Feliciano, Brian Hyland y un pre-adolescente Michael Jackson.
Que la disfruten!