jueves, 30 de enero de 2014

BLACK SUPERMAN / JOHNNY WAKELIN AND THE KINSHASA BAND



El 30 de Octubre de 1974, en Kinshasa, Zaire (actual República Democrática Del Congo) se vivió un  momento histórico para la historia del boxeo. En esa ocasión  se enfrentaron en el ring, el por entonces campeón del mundo de los pesos pesados, George Foreman contra el anterior campeón, Muhammad Ali. Esta pelea, que pasó a la historia bajo el titulo de "The Rumble in the Jungle", tenía tintes de que sería eterna (pero a la vez inolvidable), pero tras ocho asaltos Foreman se vió debilitado fisicamente ante un Alí que estaba como un animal, ansioso por ganar, e insultando en cada descanzo a su contrincante.
Y fue en el octavo asalto cuando el autodenominado "The Greatest" encontró el punto debil de su rival, y tras una serie de golpes imparables, la pelea tomaría su punto final con una izquierda y una derecha recta inapelable que dejaron a "Big George" Foreman en la lona. Tras ese final al mas puro estilo cinematográfico, la multitud que llenó el estadio Nacional de Kinshasa, y que durante toda la pelea gritaba "Alí, matalo!!", estalló en alegría por el triunfo de su ídolo y de paso, celebraban que el reinado de Foreman llegaba a su fin...
Con este histórico triunfo, Ali se consagraría como el segundo boxeador de la historia en proclamarse campeón mundial indiscutido de la categoría peso pesado por segunda ocasión (el primero fue el maestro Floyd Patterson en 1960).

Los ecos de esta pelea fueron eternos, y no sólo marcó la cancha en ser uno de los primeros eventos deportivos que marcaron la globalización de las telecomunicaciones, sino que también fue de inspiración para muchos músicos, que encontraron que la actitud y la fortaleza de Alí, que a ratos caía en la extrema soberbia y poca autocrítica, era un ejemplo de un hombre que al parecer era de otro planeta. Algo así como un superheroe.
Tras esa pelea, y como homenaje a este mítico boxeador, en Septiembre del año 1975 aparecía en la casilla #21 del Billboard una canción llamada "Black Superman", que era interpretada por los ingleses Johnny Wakelin & the Kinshasa Band y que de inmediato fue repudiada por Alí, ya que él no se consideraba un super hombre. Pero ya era tarde... La canción ya era todo un éxito tanto en el Reino Unido (donde alcanzó la casilla #7) como en los Estados Unidos.

Antes de tocar la fama, Wakelin pasaba su tiempo tocando en locales de su natal Brighton. Pese a que en sus tierras era muy aplaudido, y tocatas no le faltaban, por alguna extraña razón nunca conseguía un contrato con una disquera. Pero todo cambió en el año 1974, cuando en una de sus tantas actuaciones junto a su banda de amigos fue contactado por el productor Robin Blanchflower , el mismo que descubrió a Carl Douglas  y lo envió a la cima de las listas con la canción "Kung Fu Fighting". Ese año firmó con Pye Records, y de manera inmediata se puso a escribir canciones que "llamaran la atención de la gente", siguiendo los consejos de su productor.
En esas jornadas de composición, Wakelin se dió tiempo para seguir esa mítica pelea de Boxeo, y tras disfrutarla y a la vez celebrarla, decidió hacer un homenaje al campeón Muhammad Ali. La tarea, obviamente, no era tan fácil.
Para Wakelin, Alí era  el "Superman negro" ya que en ese entonces llevaba 40 peleas ganadas y 37 de ellas por K.O. y además por hacer otras peleas históricas como las que tuvo con Joe Frazier y Ken Norton , donde Alí dejó en claro que pese a ser tildado, por algunos comentaristas, de "veterano" sacaba fuerzas casi de la nada para hacerse de victorias y aplausos eternos.

Pero a este músico no sólo le llamaba la atención la actuación de este crack en el ring, ya que fuera de los estadios y gimnasios este boxeador era todo un personaje. Hacía declaraciones en contra de los "blancos", cultivaba una arrogancia que dejaba a muchos periodistas con los pelos de punta de tanto asombro, y sin querer se convirtió en un ejemplo para la juventud, sin importar el color de piel ni los ideales, y fue muy influenciada con actos como aquél que hizo en el año 1966 cuando rechazó hacer el servicio Militar (aló Elvis?) e ir a luchar a Vietnam por el ejércitos estadounidense debido a su adherencia a los principios del Islam. De esa ocasión se recuerda una frase memorable: "Pregunten todo lo quieran sobre la guerra de Vietnam, siempre les tendré esta canción: “No tengo problemas con los Viet Cong…porque ningún Viet Cong me ha llamado un nigger”".

Cuando "Black Superman" empezó a sonar en las radios, mucha gente pensó que el interprete era de raza negra debido a la tonalidad de la voz y al estar ligada con el reggae. Pero tras el éxito de la canción, y la promoción en los medios de comunicación mucha gente pudo darse cuenta que se trataba de un artista blanco y que además era inglés, dejando en claro que el boxeo puede ser mas popular, aunque sea por un rato, que el fútbol en esas tierras.
La canción fue tan popular, que incluso sirvió de inspiración para la DC Comics, quienes en el año 1978 publicaron un número especial del famoso "Superman" donde se enfrentaba a Muhammad Ali. Esta edición, que contaba con 72 páginas, fue reeditada en el año 2009 y fue un furor en ventas nuevamente.

Para Johnny Wakelin esta canción fue su trampolín a la fama, y gracias a este éxitazo pudo tener su "primavera musical" y poner en las listas otro par de canciones para luego publicar en 1976 su aclamado disco "Reggae, Soul  and Rock 'n' Roll", el cual fue promocionado con la, también famosa, canción "In Zaire", que al igual que su primer hit estaba inspirada en este histórico boxeador...

Que la disfruten!!

Pd: Este post va dedicado a "Baroli", mi abuelo. Que en toda su vida fue un fanático del boxeo, las juntas con amigos y los tangos...

Pd2: Hoy en día Wakelin sigue en actividad musical, componiendo canciones para otros artistas y sacando nuevas versiones de sus dos hits dedicados a Alí.




martes, 28 de enero de 2014

TILL THERE WAS YOU / THE BEATLES


El 9 de Febrero de 1964 fue una fecha de mucha importancia para The Beatles, y también para todo el Pop y Rock Británico. Fue en esa fecha en que este cuarteto de Liverpool tuvo su primera aparición en el show de Ed Sullivan, donde logró batir records de audiencia y dejó en claro a la prensa que la Beatlemanía cruzaba el charco y que Estados Unidos se rendía a sus pies. Y fue en esa mítica actuación cuando la banda aparte de interpretar sus famosos hits, también se dió el lujo de tocar una pieza musical que estaba en su segundo disco, el aclamado "With The Beatles" que fue publicado en Noviembre de 1963, pero que venían tocando desde su época en los clubes nocturnos de Hamburgo e incluso formó parte de esa mítica sesión con Decca, el 1 de Enero de 1962, donde fueron rechazados, ya que según esos productores la banda no tenía futuro en la escena musical británica. La canción de la cuál hablaremos hoy es la balada "Till There Was You".

Esta canción fue escrita por el compositor estadounidense  Meredith Willson en 1957 para su famoso musical "The Music Man", que fue todo un éxito y rescató muy buenas críticas por parte de la prensa especializada.
Para promocionar de manera efectiva este musical, que se estrenó el 19 de Diciembre de 1957, la producción decidió lanzar un single con ""Till There Was You" el cuál fue publicado el 26 de noviembre y que contó con la producción de Nelson Riddle y con la voz principal de una jovencita de tan sólo 17 años de edad, llamada Sue Raney (que después alcanzaría mucha fama en el circuito del jazz).
En el musical esta canción fue interpretada por la actriz y cantante Barbara Cook, mientras que en la película (que fue estrenada en el año 1962 debido al rotundo éxito en las tablas) esta pieza musical está a cargo de Shirley Jones.

¿Pero cómo llegó esta canción esta a los oídos de los Beatles?... La culpa (?) es de Elizabeth Danher, que en 1961, y en una de las visitas a la casa de su primo, Paul McCartney, le llevó un disco de la famosa cantante Peggy Lee, donde interpretaba de manera magistral y renovada la pieza "Till There Was You". "Macca" quedó loco con esa canción, y en especial por esa versión...
"Yo no tenía ni idea que esa canción formaba parte del musical "The Music man", tiempo después lo supe. De esa forma, gracias a mi prima,  llegué a canciones como "A Taste Of Honey" y cosas por el estilo que estaban un poco alejadas del rock 'n' roll" comentaría Paul años después.

Si hay un detalle musical que marcó a The Beatles, y que los separa de tantas estrellas del rock de ese entonces, era su amplio conocimiento sobre estilos musicales. Desde sus inicios, y pese a no ser músicos de nivel elevado en teoría, esta banda se dedicó a no sólo encasillarse en los acordes del rock and roll sini que  ir mas allá, y depurar esas viejas baladas de los 40's y 50's y volver a recatarlas con aires renovados y uno que otro arreglo para hacerla mas llamativa.
Tal como dice Paul en el "Anthology", estos muchachos de Liverpool nunca le hicieron el quite a las melodías hermosas, e incluso se atreve a decir que ni siquiera veían la diferencia entre esas canciones y el rock and roll. Esa mezcla hacía que la banda fuera variada en sus actuaciones y dejara de ser vista como una simple banda de rock and roll desenfrenado. En ese documental, McCartney declara: "Aprendí a amar todas esas baladas gracias a mi padre y parientes- Till There Was You, My Funny Valentine - Porque eran muy buenas canciones. Nunca sentimos vergüenza por incluirlas en nuestros repertorios, ya que eso hacía que fuéramos mas variados. Además siempre hubo esa necesidad de tocar algo asi, ya que tocamos en algunos cabarets y canciones como "Till There Was You" o "Ain't She Sweet" eran buen material para esas noches de cabaret".

A la hora de grabar, Paul McCartney fue el primero en decirle al resto de sus compañeros que esta canción tenía que estar en cada audición. La idea de Paul, que era un amante de los buenos arreglos, era no sólo presentarse como una banda de rock and roll sino que demostrarle a los productores que su estilo iba mas allá y que tenían tiempo para hacer arreglos a esas viejas pero adorables baladas de antaño. Además, en ese entonces, a principios de los 60's, ningun otro artista, a excepción de Peggy Lee, había interpretado en tierras británicas a  "Till There Was You" y Paul la quería hacer cueste lo que cueste...

Tal como ya mencionamos, esta canción formó parte del repertorio de la banda a partir del año 1961, y ademas de ser grabada en la dura sesión con Decca, también fue grabada el 1 de Junio de 1963 en la BBC Radio, para el programa "From Us To You", el cuál fue puesto al aire el 28 de febrero de 1964. Esta grabación se puede escuchar en el disco "Live At BBC", publicado en el año 1994.
Pero la versión oficial de esta rola, la que aparece en el disco "With The Beatles",  fue grabada el 18 de Julio de 1963 en una sesión donde además grabaron "You Really Got A Hold On Me", "Money (That's What I Want)" y "Devil In Her Heart".
Pese a que la banda tenía bien ensayada esta pieza musical, sólo lograron grabar tres tomas, donde dos de ellas fueron de manera completa pero no dejaron muy conforme a la banda ni mucho menos a George Martin. Finalmente, la canción fue grabada durante una segunda sesión, que se llevó a cabo el 30 de Julio, y donde tras grabar 4 tomas más, lograron dar con el resultado que tanto anhelaban.

Esta sería una de las cuatro canciones interpretadas en la actuación del Royal Variety Show en el Prince of Wales Theatre, el 4 de noviembre de 1963. También la interpretaron en los históricos conciertos del Washington Coliseum y Carnegie Hall, en febrero de 1964.

Que la disfruten!!

domingo, 26 de enero de 2014

THE POWER OF LOVE / HUEY LEWIS AND THE NEWS


"The Power of Love" es una canción de la banda estadounidense Huey Lewis and the News, que fue lanzada como single en Junio del año 1985 y que además forma parte de la banda sonora de la famosa película "Back to the Future".
Esta banda californiana, que no sólo debe ser reconocida por formar parte de esa gran cinta, empezó su camino por el año 1979, cuando lanzando uno que otro Ep de escasa popularidad y poca promoción en los medios. Pero con la llegada de la nueva década las cosas empezaron a cambiar, y su mezcla de Rock, Pop y algo de Jazz empezó a tomar fuerza fuerza hasta que llegaron a la cresta de la ola gracias al disco "Sports", considerado como su "joya" musical allá en el año 1983. Con ese disco la fama empezó a estar de su lado y dejaron los bares y la ncomodidad de andar siempre en autobus para pasar a tocar en escenarios gigantes, recorrer el país y sonar en las radios. "Sports" llega a la casilla #6 del Billboard, y canciones como "Heart and Soul", "I Want a New Drug"  y "If this is it" quedan en la retina musical de los 80's tanto por su calidad musical como por sus divertidos videoclips que pasaban constantemente en la cadena MTV.

Eran esos días en que la anda disfrutaba de gran popularidad, y los medios de comunicación se rendían a sus pies ante cada single y actuación en vivo. Todo eso llevó a que apareciera en escena Bones Howes, quien estaba trabajando como supervisor musical para una nueva cinta, y donde estaba compartiendo créditos junto a Stephen Spielberg, Robert Zemeckis y Bob Gale. La película en cuestión era "Back to the Future", y en esos días ya estaba en la etapa final de producción.
Howe llegó a la casa de Lewis con el fin de proponerle participar en la banda sonora y hacer, incluso, un cameo en alguna escena que aún estaban sin grabar. Tras una larga conversación, Lewis aceptó la oferta  y le enseñó una canción que tenía lista y que podría ser útil para la cinta: Se trataba de "Nick Of Time".

La canción dejó muy satisfechos a Howes y a Zemeckis, y cuando ya estaban a punto de incluirla en la cinta, aparecieron unas trabas legales que tenía Lewis con otra productora, a la cuál también había cedido esta canción y tuvieron que dejarla de lado. Finalmente la canción fue usada en los créditos finales de la cinta Brewsters Millions y con la brillante interpretación de Patti LaBelle. Todo este enredo provocó el enojo de los productores de "BTTF", quienes se quejaron personalmente con Lewis. Pero el músico y cantante, que no quería perder esta oportunidad,  les aseguró que tenía otra canción en carpeta, y que incluso era mucho mejor que esa que ya les había enseñado: Se llamaba "The Power Of Love".

La historia de esta canción empieza en el año 1984, cuando Lewis viajó a Los Ángeles a visitar a su amigo Alex Call, con quien había participado en la banda Clover. Durante esa visita, Lewis le comentó a su amigo que estaba escribiendo una especie de balada llamada "Power of Love" pero cuya parte musical aún estaba inconclusa, y por ello ambos músicos empezaron a trabajarla por unas cuantas horas logrando un resultado más que decente.  Años después Call comentaría que la canción tenía cierto parecido con una pieza que estaba escribiendo en ese entonces y que se la había enseñado a Lewis y que llevaba. Si bien no lo acusa de plagio, si se ríe al recordar que por ultimo lo hubiesen incluido en la tajada monetaria de los créditos, aunque recibe un 10% de ganancia por ser, supuestamente, el creador de título (aunque no aparece en los créditos en el single ni mucho menos en el album). "Meses después me di cuenta que estaba fuera del trato. Era muy parecida a una canción que tenía escrita. Huey y yo habíamos tocado esa pieza juntos, siempre la interpretábamos en mi estudio. Esa canción realmente podría ser mia, aunque parezca una locura, ya que la música la escribieron dos brillantes compositores como Johnny Colla y Chris Hayes quienes realmente hicieron la música, según los créditos" comentaría Call en el año 2010.
Además, Call agregaría que " en las bandas de rock, en su mayoría, se decide por no colocar a todos dentro de los derechos de autor. En este caso, ellos no colocaron mi nombre debido a que yo estaba afuera de ese círculo. Creo que ellos sabían que esta canción iba  a ser un gran éxito y por esa razón no querían que alguien externo al grupo apareciera en los créditos. Si bien estuve muy molesto en los primeros meses, con el paso de los años ya me resigné a recibir solo ese pago. Eso si, si hubiera aparecido en los créditos probablemente seguiría viviendo en Los Angeles, y yo odio esa ciudad".

El 30 de Mayo del año 1985, cuando la cinta ya estaba en la etapa final en cuanto a producción, la canción fue grabada. Para asegurar las escenas donde esta canción iba a aparecer y darle confianza a los productores de que esta vez la canción iba a salir perfecta y sin ningún lío externo con otras empresas, la banda les cedió la canción  "I Want a New Drug " como una pista temporal (algo asi como un "seguro"). Finalmente esta canción también convencería a los productores y tendría su lugar en la película...

Esta canción cuenta con la participación especial de los Tower of Power, una banda de funk y Soul que tras su declive en cuanto a fama y éxitos a mediados de los setentas empezaron a trabajar como músicos de sesión y acompañamiento en vientos, donde destacan en trabajos con artistas de la talla de Santana, Heart, America, Elton John entre tanto otros.
Pero a mediados de los ochentas, esta banda liderada por Emilio Castillo pasaba por su peor momento. El trabajo se hacía escaso y los contratos les hacían mas de algun regate hasta que apareció en escena Lewis, quien no sólo los invitó a participar en el disco Sport, sino que además los llevó de gira y además  les cedía cierto espacio entre los conciertos para que mostraran sus canciones y así le hicieran honor a la nostalgia.


"The Power of Love" llegó a la cima del Billboard Hot 100 el 29 de Junio del año 1985, siendo el primer "number one" de la banda. Mientras que en el Reino Unido esta canción llegó al puesto #9 del UK Singles Charts, y además fue incluida dentro del tracklist del cuarto disco de la banda, Fore!, en 1986. Por si fuera poco, y tras el rotundo éxito de la cinta, la canción se ganó a una nominación al Oscar como mejor canción original.


Que la disfruteeeeeennnnnnn!!




jueves, 23 de enero de 2014

SURFIN' / THE BEACH BOYS


"Surfin'" es una canción de la banda estadounidense The Beach Boys que fue publicada como single en Noviembre del año 1961 y que además fue incluída en el disco Surfin' Safari, en 1962.
Surfin' Safari fue el debut oficial de esta banda liderada por los hermanos Wilson, y contiene un puñado de canciones que serían esenciales para la extensa carrera que harían con el paso de los años. Aquí nos encontramos con las señales básicas de lo que sería esta banda, donde cabe destacar las llamativas melodías vocales que mezcladas con el rock and roll con aroma a playa, arena y sol dan vida a esas historias ligadas al surf, autos, chicas y pasarla bien con los amigos.

Los integrantes de la banda eran oriundos de Hawthorne, una localidad costera y permanente soleada de Los Angeles donde uno de los deportes preferidos era la práctica del surf.  Cabe señalar que de los hermanos Wilson, el único fanático de esta actividad marina (?) era Dennis, quien siempre fue un fanático de las olas y las tablas.
La historia cuenta que una tarde, mientras Brian Wilson le daba duro al piano sacando canciones y escribiendo una que otra letra, llegó a casa su hermano Dennis, quien había pasado horas y horas en la playa. Y este al ver que su hermano estaba concentrado tocando el piano, fue corriendo a su lado y le dijo con cierta energía: "Hey, el surf realmente la está llevando. Podrían escribir una canción sobre esto." Era el pitazo inicial para comenzar a crear el primer single de la banda que estaban formando...

Por esos años el surf, las playas y las chicas eran la temática esencial para algunos cantantes y grupos veraniegos. Fue así como aparecieron en escena grandes artistas de la talla de Dick Dale y The Ventures que vieron esto como una buena temática para empezar a hacer carrera musical y pasar a ser leyendas de lo que después la prensa catalogaría como el surf-rock . Además no sólo habían músicos en esta carretera, ya que peliculas como Gidget fueron también de  fuerte influencia para la juventud de ese entonces y también marcaría la carrera musical de esta banda de los Hermanos Wilson. Pero volvamos a la canción...

"Empecé  a improvisar con el piano  mientras iba cantando ' surfin ' , surfin ' , surfin '' . Sonaba bien estúpido pero todo cambió cuando llegó Mike (Love) y empezó a seguirme en la canción con unos " ba-ba - Dippity - Dippity - ba-ba " . Él estaba intentando colocar su parte, tratando de provocar algo con esa idea de hacer sonidos graves, y siempre lo hacía cuando cantábamos" comentaba Brian Wilson en el año 1978. Además, el compositor y cerebro de la banda declaraba que "tras ese momento,y  en cuestión de segundos, logré dar con con la parte inicial de lo que sería el primer éxito de los Beach Boys".
En esos días Brian era un fanático a rabiar de los Four Freshmen, y les tenía un especial aprecio ya que usaban muchos arreglos ligados al Jazz y además porque hacían juegos de voces muy llamativos. Obviamente, en "Surfin'" Brian dejaría en claro tal influencia al crear y dirigir una canción donde la voz principal, a cargo de Mike Love, fuera acompañada por los juegos vocales hechos por Carl y Dennis Wilson, mientras que Al Jardine se hizo de los tonos graves.
Para la parte musical, Brian decidió utilizar uno que otro acorde de la pieza instrumental "Underwater" de los Frogmen y así la pieza musical ya tomaba forma...

Una de las primeras personas que escuchó y que quedó muy impresionada con esta canción fue Audree Wilson, madre de los gestores de esta banda, que tuvo la suerte de escuchar esta canción cuando aún no estaba planificada para ser single ni mucho menos para empezar a sonar en las radios. Ella la escuchó junto a su marido, el también músico y posterior manager de la banda,  Murry Wilson, en una de las vacaciones de verano por Nuevo México de verano cuando sus hijos  le tenían como sorpresa esta canción. "Apenas abrimos la puerta, nos dijeron "tenemos algo para que escuchen". Bueno, vimos todo esto... Y en ese acto nació "Surfin'", la cuál cantaron todos juntos... Fue muy divertido, pero ellos aun se mostraban serios al interpretarla, aunque también se notaba que se divertian pero aun no sabían que otra cosa más agragarle, pero se notaban emocionados con su nueva creación" recordaba Aundree en el libro "The Beach Boys and the California Myth" de David Leaf (1978).

Durante esos días, y mientras la banda arreglaba sus nuevas canciones, el padre de los Wilson decidió contactar a Hite Morgan, quien era propietario de una pequeña discográfica y que contaba con un estudio de grabación, el famoso Candix Records.
Asi fue como en 1960 la banda, que se hacía llamar Pendletones, fue a las oficinas del sello de Morgan, y se presentó cantando una versión de  la tradicional "Sloop John B", pero que fue de inmediato rechazada por el productor, ya que él uería escuchar algo mas original, algo que fuera mas llamativo para la gente. Tras ese comentario, Dennis se levantó de su asiento y le dijo "Tenemos una nuestra, se llama "Surfin'""
Así fue como Morgan escuchó esta pieza musical, la cuál le llamó la atención de manera inmediata e incluso se atrevió a decirles a los chicos que este sería un buen single y que la versión demo ya podría empezar a sonar en algunas radios locales. Esa misma semana la grabaron...

En esa sesión, el ambiente igual tuvo momentos tensos, en especial por el mal genio del padre de los Wilson, quien quería que la canción sonara perfecta y que ningún detalle se perdiera en la cinta. Eso provocó mas de algún encontrón con Morgan, quien estaba a cargo de la producción. Sobre eso, Brian recordaría años después: "Pasamos casi todo el día con Morgan, grabamos mas de doce tomas de la canción. Nuestra mezcla no era tan buena, si la comparamos con las de hoy, ya que no estaba tan equilibrada, y se perdía las partes de guitarra... No se escuchaban las notas graves y cosas por ese estilo... Además algunas partes vocales aun no sonaban bien, y mi padre siempre era un crítico de primera clase, y a la primera le dijo: "Bueno, mire, usted no oye la guitarra, ¿qué está pasando aquí ? Escucha, voy a tener que tomar el control como productor » , cosa que hizo. Al rato asumió el cargo de productor".

Una vez que la canción se logró grabar de manera efectiva, a la semana ya estaba listo el single, peor tenía un cambio muy particular, ya que en la etiqueta no figuraban los Pedletones, sino que aparecían bautizados como The Beach Boys. Ante esto, y para calmar las aguas, el encargado de la promoción, el señor Russ Regan le dijo a Murry Wilson que este cambio se debe a que ese nombre tiene mas asociación con el estilo de la banda, en especial con el surf... La banda se lo tomó con Andina y aceptó.

"Y entre las tres canciones de hoy, la mas votada con sus llamadas telefónicas fue la de este grupo oriundo de Hawthorne , California, Los Beach Boys, con su canción , ' Surfin '' fue lo que escucharon por una radio local Brian, Mike, Dennis y David Marks mientras compartían unas hamburguesas en un Boulevard en ese verano de 1960. Los cuatro chicos se pararon de sus puestos y se abrazaron, gritaron y corrieron por el local. La alegría no era sólo porque le lograron ganar ese concurso a otras bandas de la localidad, sino que por fin habían cumplido un sueño, y era lograr ser reconocidos por su música. Ahora tenían que dar el gran paso...

Tras el buen éxito en tierras locales y alrededores, los gerentes de Candix decidieron que la banda volviera a grabar la canción con el fin de lanzar un single de mejor claidad y ya ir por metas mayores en el debut de la banda.
Así fue como el 3 de Octubre de 1961, la banda vuelve a grabar parte de la canción en los World Pacific Studios y un mes después ya era publicado en todo Estados Unidos llegando a vender en tan sólo cuatro semanas cerca de 40 mil copias. Eso ya era todo un éxito para una banda que estaba recién empezando y que además se atrevía con una canción propia.

Asi fue como gracias a esta canción, que realmente fue producida por Murry Wilson, la banda obtuvo un notable éxito en las listas (llegó al puesto #75 del Billboard) y eso hizo que su padre ya empezara a promocionarlos en distintas partes del pais y medios comunicación. Y fue gracias a esta canción, además, que la banda logró firmar un contrato con Capitol Records, un sello importante y que los impulsaría a ser leyendas...

Que la disfruten!!

domingo, 19 de enero de 2014

WE GOTTA GET OUT OF THIS PLACE / THE ANIMALS


"We Gotta Get out of This Place" es una canción de la banda británica The Animals que fue lanzada como single en Julio de 1965 en el Reino Unido y en Septiembre de ese mismo año en Norteamérica.
Oriundos de Newcastle y amantes de la música negra norteamericana, esta banda liderada por Eric Burdon y Alan Price llegó a ser uno de los pilares fundamentales para el rock británico en los 60's.
Es que con el paso de los años los Animals fueron buscando y experimentando nuevos sonidos, hasta llegar a discos de autentica psicodelia y varias fusiones que fueron muy aplaudidos por la crítica y que marcaron su historia.

La historia de esta canción empieza meses antes de que fuera publicada por la banda. Resulta que "We Gotta Get out of This Place" fue escrita por la pareja de compositores Barry Mann y Cynthia Weil, quienes trabajaban en el famoso Brill Building en Nueva York. La idea original era ceder esta canción a los  The Righteous Brothers , con quienes ya habían trabajado cuando les propusieron grabar "You've Lost That Lovin' Feelin'", que fue un éxito en los medios a principios de 1965. Pero tras presentarle una versión "demo" de la canción, en un formato bastante simple donde Mann tocaba el piano y cantaba, el famoso dúo decidió esperar mas ofertas y de ahí darle una respuesta definitiva a estos dos compositores.
No había pasado ni una semana cuando Mann, que le tenía una fe enorme a esta canción, decidió firmar un contrato con Redbird Records, y decidió  intentar publicarla como single.

Mientras Mann grababa su canción en Nueva York, al otro lado del charco (?) el productor Mickie Most buscaba una canción que llevara a los Animals al éxito rotundo en tierras estadounidenses, en la época en que la invasión británica estaba en su punto más alto. Fue en ese momento en que Most recibió un milagroso llamado telefónico del empresario musical Allen Klein (sí!! el señor que estafó a los Beatles y a los Rolling Stones!!) quien le hizo escuchar una canción que había grabado el famoso compositor Barry Mann... Obviamente se trataba de "We Gotta Get out of This Place".


Most no lo pensó dos veces y tras escuchar la canción decidió que le envien de inmediato la cinta. Además, le pidió a Klein que hiciera todo lo posible para que Mann no  publicara su single con esta canción en Estados Unidos ya que los Animals tenían que tener la carretera limpia y qué mejor que hacerlo con una canción nueva y bastante original.

Una vez que la cinta llegó en manos de Most, este le enseñó la canción a la banda, y empezaron a trabajarla de manera inmediata. En cuestión de horas, la banda había decidido que la canción tenía que llevar un sello distintivo en el bajo, y Chas Chandler no defraudó. Tras eso, la banda decidió hacer algnos cambios en la letra, con el fin de hacerla mas cercana a su contexto, en especial a su pasado en los suburbios de Newcastle y en la clase obrera.
Además, en esos días los Animals no estaban de tan buen ánimo para laburar ya que habían sufrido la salida del tecladista  Alan Price y tenían que enchufar de manera inmediata al nuevo integrante y dueño de las teclas: Dave Rowberry . Este sería su single debut...

Si había algo que le daba un caché especial a esta canción era la interpretación vocal de Eric Burdon, la cuál fue catalogada por la Rolling Stones años después como un " potente blues blanco de los Animals".
Incluso esa misma revista se dió el lujo de mencionar que la voz de Burdon en esta canción sería uno de los primeros momentos de influencia para el Punk, declarando que en esta canción el cantante se muestra con rabia y con una energía vocal que sería de vital importancia para bandas de ese género musical.
Sobre ese tema , Burdon declararía: "Siempre me he considerado como un punk mas. Incluso The Animals podrían haber evolucionado hacía ese género, ya que teníamos la energía y la rabia, pero lamentablemente ya no estábamos juntos. Cuando apareció en escena el Punk y se hizo mas comercial, yo ya entendía toda la política de ese movimiento, pero realmente la música no me ponía muy bien, ya que la encontraba algo autodestructiva" .

Otro detalle que viste a esta canción es el hehco de que existen dos versiones. Una fue lanzada en Estados Unidos y otra en el Reino Unido. Estas dos versiones simplemente se diferencian por algunos cambios en la letra, por ejemplo en la versión norteamericana, y al inicio de la segunda estrofa, se puede escuchar a Burdon cantar la frase "see my daddy in bed a-dyin'," mientras que en la edición británica, y en esa misma parte, se escucha la frase, "watch my daddy in bed a-dyin'."
Esto de que la canción tenga dos versiones se debe a un error interno entre las dos discográficas que manejaban a los Animals. En tierras británicas la banda trabajaba con EMI, y en suelo estadounidense los derechos correspondían a MGM records y cuando se decidió publicar el single en Norteaméricam en septiembre de 1965, los productores britpanicos enviaron una de las versiones alternativas que hab´pia grabado la banda. Hasta ahí nadie se había eprcatado el error, y recién se percataron cuando la canción ya estaba sonando en las radios. Esa versión llegó al puesto #13 del Billboard Hot 100 y se convirtió en uno de los éxitos mundiales de esta banda. Mientras que en el Reino Unido, donde se lanzó la canción dos meses antes, esta canción llegó al puesto #2 del UK Singles charts y obviamente fue un éxito rotundo y esta sería la versión mas popular del tema, la que aparece en los compilados y la que comúnmente cantaba la banda en vivo.

Pero el éxito de esta canción fue más allá de las radios y los bailes, ya que el contneido de su letra hizo que esta canción fuera utlizada en graduaciones y fiestas de despedidas como un himno casi obligatorio por parte de la juventud. "La canción se convirtió en un himno para muchas personas. Es que en todo el mundo hay gente que quiere salir de situaciones difíciles" declaraba Burdon años después.
Y si habían personas que querían salir de situaciones difíciles en ese tiempo en que la canción era todo un suceso en estados Unidos, tenemos que mencionar a los soldados que combatían en Vietnam del Sur. Para ellos esta canción era un himno a la esperanza de volver a casa y dejar de lado las armas. De hecho, y para darle crediblidad a este dato, en el año 2006  la Universidad de Wisconsin realizó un profundo estudio sobre las canciones que mas escuchaban los veteranos de Vietnam, quedando en primer lugar "We Gotta Get out of This Place" como la canción que tuvo una fuerte resonancia en ellos entre toda la música Pop de ese entonces.

Que la disfruten!!!


jueves, 16 de enero de 2014

DESPERADO / EAGLES



"Desperado"es una canción de la banda estadounidense Eagles, que fue publicada en el disco del mismo nombre el 17 de Abril de 1973.
Este segundo trabajo musical de esta famosa banda, titulado al igual que su famosa balada como "Desperado", fue grabado en Londres y tenía cierto aroma conceptual, ya que estaba inspirado en una de las leyendas del viejo Oeste; los famosos Hermanos Dalton. Además, este sería el único disco de la banda en donde los integrantes aparecen en la portada.
Este disco, donde la banda vuelve a entregarnos sobre la mesa todo su fanatismo por el south-rock (comandandos nuevamente por el texano Don Henley), puede parecer a  la vez un collage sonoro. Es que mas allá de la temática vaquera, esta mas que claro que contiene un paseo por diversos estilos musicales, y eso lo hace muy interesante y a ratos ligero pero está demás decir que es mas ambicioso que su disco debut.

Resulta extraño, y a veces incluso muy sorprendente, que una canción que no fue lanzada como single tenga un éxito tan notable. Es que las canciones elegidas para promocionar este disco tuvieron una tibia recepción en los charts norteamericanos, hablamos de las rolas "Tequila Sunrise" y "Outlaw Man", pero esta balada al parecer era el anzuelo perfecto, y lamentablemente no fue utilizado.
Esta balada tiene su origen a finales de los 60's, cuando Don Henley empezó a construirla a base de improvisaciones. Todo ese juego de palabras y metáforas no llevaron buen camino hasta que apareció en escena Glenn Frey, quien tomó los acordes, parte de la letra y empezó a arreglarla. Sería una de las primeras canciones que escribirían juntos. "Glenn (Frey) llegó un día para escribir algo, y de paso le mostré esta melodía que tenía algo inconclusa durante años. Entonces le dije que cuando la cantaba pensaba en Ray Charles... y en Stephen Foster... Es realmente una cosa algo extraña, pero fácilmente se podía hacer que sonara más occidental . . Entonces Glenn saltó directamente a la canción, llenó los espacios en blanco y modificó algo de la estructura musical. Ese fue el comienzo de nuestra asociación para escribir canciones... Asi nos convertimos en un equipo" mencionaría Henley años después.

El resultado final fue una balada majestuosa, con un toque de piano muy delicado y brillante, y que a medida que pasan los minutos se vuelve mas intensa y muy ostálgica. Si nos metemos en el contexto del disco, esta balada vendría siendo las historia de un rebelde vaquero que se niega al amor, pero que poco a poco quiere cambiar el rumbo de su vida y dejar de delinquir. Pero muchos críticos y fanáticos de la banda detacan que esta canción es una metáfora sobre la vida de las estrellas del rock an roll. recordemos que si hay otra de las caracteristicas de esta banda que hay que destacar es su fuerte crítica (a ratos escondida en dulces metáforas) hacía el ambiente del rock, y a eso que todos llamaban "excesos de fama". En este caso, la canción sería una critica a todo eso que rodea el sexo y las drogas, y sus consecuencias negativas para estar siempre en la cresta de la ola. En fin, el oyente debe sacar sus conclusiones...

Uno de los que quedó algo "picado" con esta canción fue el bajista Randy Meisner, quien ha declarado en muchas entrevistas que el intro de guitarra es de su autoría, pese a que los créditos pertenecen oficialmente a Frey y Henley. Recordemos que el hecho de no estar dentro de la autoría y los créditos de una canción no permite generar ganancias para le músico. De hecho, este tema de las regalías fue muy delicado para el seno de la banda y muchas veces se ha mencionado como causa de los disturbios dentro de la banda,

Tal como ya mencionamos, "Desperado" no forma parte de los singles de la banda, y eso causó mucha sorpresa en especial porque en cada compilado que se hace de la banda esta canción aparece casi por obligación. pese a que se desconoce la razón por la cuál no fue elegida como single, eso no fue una barrera para que esta balada apareciera en la aclama lista de la Rolling Stones  "The 500 Greatest Songs of All Time", donde ocupó el puesto #494.

Antes de irnos, les queremos dejar una perlita que tiene como protagonista a la canción, pero no a los Eagles eso sí.
Resulta que en el año 2004, la cantante estadounidense Linda Ronstadt se presentaba en el Casino Aladdin, en las Vegas. Cuando disponía a cantar su versión de esta canción, le señaló al publico que queria dedicarle esta canción al cineasta Michael Moore, famoso por su cinta Fahrenheit 9/11, y en donde dejaba casi en ridículo, al entonces presidente de EE.UU., George Bush e incluso lo vincula con la familia Bin Laden. Entre las pifias y reclamos del publico, Ronstadt mencionaba que Moore "ama profundamente a su país, y que está tratando de obtener la verdad." Obviamente si esto no le caía bien al público, imagínese al dueño del casino, quien estaba indignado y casi manda a la calle a la cantante. Desde ese suceso es que ya no ha tocado en ese escenario...

Que la disfruten!!

lunes, 13 de enero de 2014

WE ARE THE CLASH / THE CLASH


"We Are The Clash" es un a canción de la famosa banda británica The Clash, que fue publicada el 4 de Noviembre de 1984 en el Lp "Cut The Crap".
Para hablar de este disco, que puede ser catalogado como uno de los trabajos mas flojos de esta emblemática agrupación, debemos situarnos en el contexto en que se publica.
Tras la publicación de Combat Rock, en el año 1982, la banda logró un éxito rotundo, y llegó a la cresta de la ola de la fama mundial. Es que fue uno de sus discos mejor recibidos por el público, y eso llevó a que decidieran recorrer gran parte de los Estados Unidos en una serie de conciertos junto a los Who.
Todo ese entorno, lleno de fama, de entrevistas, de premios y de sonoros aplausos por parte de la crítica dejaron algo débil la interna de la banda. La vida "Rock-star" siempre ha de ser dura, y mas si estas dentro de una banda, donde cada uno debe tirar para el mismo lado si no quieren nuevamente morder el polvo. Lamentablemente, todo este contexto positivo le jugó en contra a la banda y no tardaron en aparecer en camarines y en ensayos las divergencias entre los diferentes miembros  de la banda, y que llevó a que uno de sus fundadores y piezas fundamentales decidiera hacer las maletas: Se iba el guitarrista Mick Jones, uno de los cerebros creativos de la banda y cuya huella no sería tan fácil de borrar para la banda.
Bajo ese ambiente sale a la venta este disco "Cut the crap", el cuál fue un fracaso total y hasta humillante, y que llevó a la banda en 1986 a la disolución.

La interna de los Clash nunca fue un ambiente fácil. A diferencias de otras bandas que habían hehco su camino siempre juntos, como amigos de infancia que disfrutaban de tocar el éxito con las manos, en esta tropa las cosas eran mas difíciles ya que siempre terminaban despidiendo a uno de los músicos que los acompañaban en la carretera, aunque la columna vertebral siempre fue intocable, y la dupla Strummer/ Jones era esa.
Pero entre ambos músicos siempre hubo momentos de amor y odio. Un buen ejemplo es aquella ocasión, en Enero de 1980 en Sheffield, Inglaterra, cuando en uno de los camarines, Strummer le dio un puñetazo en plena cara a Jones,después que este le repudiara la idea de tocar "White Riot", como bis ya que se encontraba aburrido de hacer siempre lo mismo. En esa ocasión, según varios testigos, Mick lloró y se abrazó a su amigo, y después salieron juntos a tocar esa canción, pero en cuestión de minutos la guitarra quedó tirada y Strummer simplemente siguió cantando con algo de sorpresa.
 “Mick fue mi mejor amigo durante una época”, mencionaría Strummer al periodista musical Robert Hilburn años después.

Pero tras la gira como teloneros de The Who, la banda se encontraba en uno de sus peores momentos dentro de su interna y esa sería una carga muy pesada que se llevarían al momento de regresar al estudio de grabación.
Tras el regreso a los ensayos, el ambiente dentro de la banda ya era muy tenso, y ante cualquier critica o uno que otro comentario afloraban las peleas verbales con insultos varios y portazos en la cara. Y uno de los momentos mas tensos, y que según varios biógrafos de la banda sería el detonante inicial del despido de Mick Jones, fue cunado llevó un sintetizador al estudio de grabación. Ese detalle indignó a Joe, quien le reprochó en la cara a su compañero que ya no estaba en el estilo de los Clash, y que quizás era hora de que se fuera. Es que la idea de Joe era que el próximo disco de la banda fuera mas cercano a las bases del punk que al funk  y toda esa onda de música electrónica con la cuál habían experimentado en sus últimos trabajos. Pero Mick quería todo lo contrario, y por esa razón llevó su sintetizador. Él quería un sonido mas ligado a lo que se escuchaba y trabajaba en Nueva York, y Joe simplemente quería hacer un disco Punk, y botar toda la basura rebelde contra el poder.

De ahí en adelante, los ensayos se tornaron muy tensos. Mick a veces llegaba al estudio ("Cuando llegaba implemente se comportaba como Elizabeth Taylor de mal humor" comentaría Strummer a la Rolling Stone meses después)  y otras veces simplemente desaparecía. Joe le dejaba las letras en una mesa y unos acordes, con el fin de que su compañero escribiera algo o arreglara alguna de las nuevas canciones pero todo fue en vano. La leche ya estaba derramada, sólo faltaba darle un toque final.
Pero vendría otra escena de aquellas, ya que a mediados de 1983 el manager de la banda, Bernie Rhodes, le presentó un nuevo cintrato discográfico, al cuál Jones se negó a firmar rotundamente, provocando nuevamente la ira de Strummer. Muchos fanáticos de la banda comentan que este sería el detonante definitivo para que fuera despedido de la banda, y que fue Rhodes quien le dejó en la mesa al resto de la banda la propuesta de que el guitarrista ya no formara parte de The Clash. Pero tendrían que pasar unos meses para dar el toque final a esto...

De vuelta a los ensayos, los primero que hizo Joe fue sentarse a conversar con Mick. De entrada, el cantante y compositor de corte mohicano (?)  le preguntó a su compañero si había disfrutado esos siete años con la banda. Posteriormente, le informó que él y Bernie habían tomado la decisión de despedirlo de manera oficial de la banda, y que podían seguir sin él. Mick, todavía algo sorprendido y lleno de rabia, decidió ir a consultarle al resto dela banda, pero todos ya tenían la información en sus manos: Los Clash seguirían sin Mick Jones. “El grupo dijo que preferían a Bernie, e inmediatamente bajaron las cabezas. No podía creer lo que estaba oyendo. Me quedé ahí quieto durante 10 segundos, aturdido. Luego cogí la guitarra y me marché” recordaba el guitarrista y compositor en una entrevista con la RS.

Pero Jones no fue tan así, ya que tras coger un cheque que le había dejado el manager, amenazó a sus ahora ex-compañeros, con formar una nueva banda junto al baterista Topper Headon, quien también había sido despedido de la banda años antes, y utilizar el nombre de The Clash. Eso enfureció a Strummer, e hizo también que tuviera miedo a perder el nombre de la banda, ya que Mick podía empezar su juego con abogados y tenía posibilidades de ganar ya que siempre compartían créditos en la composición y producción. Por esa razón y para ponerle algun parche a este asunto, Joe escribió  "We Are The Clash", donde dejaba en claro quienes eran los verdaderos "Clash" y asi no dejarle tan fácil el camino a su ex-amigo.
En el fondo, la canción es un himno anti- Mick Jones, y buscaba que la fiel fanaticada de la banda no se cambiara de bando, ni le hiciera caso a dos integrantes de la banda que por diversos motivos ya estaban afuera y que se mantuvieran fieles a las ideologías y la rebeldía de esta banda, aunque el fuego poco a poco se estuviera apagando.

Y junto a esta canción, la banda empezó a trabajar a toda máquina su nuevo disco, con el fin de tapar la polémica y demostrar que todo estaba igual de bien que antes, aunque fuera un puro maquillaje.
Asi fue como el baterista Pete Howard empezó a enviar anuncios anónimos a los periódicos ingleses en busca de un nuevo guitarrista. De esa manera, y tras un cansador casting los seleccionados fueron Nick Sheppard y Greg White , pero este ultimo tuvo que cambiar su nombre por Vince, ya que Paul Simonon, bajista de la banda, no quería tocar por nada del mundo con un tipo que llevara como primer nombre Greg. 
La idea del nuevo era la que había propuesto Strummer meses atrás y que tenía que ver con volver a las raíces de la banda. Para ello todas las canciones eran de tres o cuatro acordes, y además se decidió no tocar reggae. Semanas después la prensa informaba que The Clash recorrería la costa Oeste de los Estados Unidos presentando sus nuevas canciones y nuevos integrantes.

Aquella gira empezó muy bien pero terminó en un desastre. Las nuevas canciones no enganchaban con el público, y cuando entonaban los clásicos de la banda,  Strummer le cambiaba la letra y le enviaba mensajes nada amigables a Mick Jones, quien ya en ese entonces estaba formando una nueva banda. Todo iba de mal en peor.
"Cut The Crap" fue todo un fracaso en ventas, y simplemente fue catalogado cmo un trabajo en solitario de Strummer, ya que no tenía la energía ni el toque que la banda había mostrado en sus trabajos anteriores. Es que faltaban otros dos Clash de excelencia y eso se les hizo saber, aunque le pusiera la piel de gallina a Joe y Paul.

Finalmente Mick Jones formó Big Audio Dynamite, y sus amenazas de salir de gira con el nombre de The Clash sólo fue una inocente amenaza que le hizo daño a Strummer. El nuevo disco mas que volver a lo básico fue un retroceso dentro de la exitosa carrera de la banda y la fanaticada se los hizo saber en cada show. Por esa razón ante cada reedición del catalogo de la banda este disco ni aparece en las pinturas... Pero dejó algo para la historia: Que esta banda, a pesar de ese triste final, quedó para la eternidad...

Que la disfruten!!!




sábado, 11 de enero de 2014

ONE AFTER 909 / THE BEATLES


"One After 909" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue publicado dentro del disco "Let it Be" el 8 de Mayo del año 1970.
"Let it Be" es un disco que nos trae a unos distanciados y cansados Beatles, que tras las sesiones de grabación del "Album Blanco" empezaron a sentir que la fama, los malos negocios y la poca libertad para crear los estaba simplemente enviando a los suelos. Comenzaron su nueva ruta musical bajo el casi irónico cartel "Get Back" y cuyo lema esencial era "volver a lo básico" o sea, que la banda volviera a los brazos del Blues, el rock and roll y de esa manera hacer renacer toda esa magia de antaño, y también dejar de lado  las experimentaciones que adornaban sus trabajos anteriores tras dejar de tocar en vivo en 1966. Lamentablemente las cosas fueron de mal a peor para la banda en el proceso de ensayo, ya que ahora las peleas verbales entre los integrantes se habían vuelto casi diarias y mas encima los negocios en vez de generar ganancias para The Beatles traían sólo más y más problemas para sus bolsillos y egos. Por ello es que tras grabar una que otra canción, ninguno de los cuatro Beatles se sentía con gusto para trabajar la producción o seleccionar que toma colocar en el tracklist definitivo. La tarea se le puso muy díficil para el productor Glyn Johns (George Martin no soportó el ambiente en que se hizo ese disco y decidió dar un paso al costado) y finalmente decidió bajar los brazos y dejar de lado las cintas. Finalmente fue John Lennon quien pescó esas cintas olvidadas y se las entregó al productor Phil Spector para que este, con su personalidad de perfeccionista compulsivo, terminara ese trabajo de alguna manera. El álbum se editó finalmente un año después de toda la pelea, bajo el nombre Let It Be y fue todo un éxito en ventas a pesar de que The Beatles ya estaban disueltos.


Pero la historia de "One After 909" empieza cuando esta banda empezaba  su ruta hacia el éxito rotundo, a principios de la década de los 60's,  cuando se hacían llamar "The Quarrymen" pasaban en banda  toda la noche tocando en diversos locales nocturnos de Liverpool. La historia de esta rola se remonta a mediados de 1959, cuando Lennon fue de visita a casa de sus abuelos, en Newcastle Road, Liverpool. Fue en la terraza de esa casa donde sacó los primeros acordes y los primeros versos de esta canción.

Si bien la autoría principal de esta canción corresponde a John Lennon (quien en 1980 declararía que esta era una de las primeras canciones que escribió en su vida), Paul McCartney también ha mencionado que contribuyó en parte de la estructura musical y la letra. De hecho en su biografía, titulada Many Years From Now, Macca comenta que esta canción era un buen intento de imitar esas viejas canciones estadounidenses sobre ferrocarriles, al mas puro estilo de sus héroes musicales de antaño. "Me trae grandes recuerdos de esos días en que John y yo tratábamos de escribir algunos blues sobre trenes de carga. En esos días sonaban en las radios varias canciones que trataban este tema, como Midnight Special, Freight Train, Rock Island Line"


Pero sobre si hubo o no aporte de Paul queda bastante nublado si revisamos  una entrevista que le hicieron a Lennon la revista Rolling Stones, en 1970, donde declara que en esta canción (su versión original) no hubo ningún aporte de su compañero de banda. De hecho, en esa entrevista John declara que la escribió cuando tenía 18 años, y la hizo pensando (fantaseando!!) en una supuesta carrera en solitario. Nunca se le pasó por la mente tocarla con la banda, hasta que McCartney lo impulsó a grabarla de manera casera y tocarla en las actuaciones en el Cavern Club a mediados de los 1960 hasta 1962.


Pero la banda le tenía cierto cariño a esta pieza de rock and roll, e intentaron grabarla en una sesión de grabación llevada a cabo en los estudios Abbey Road  el 5 de marzo de 1963. En esa ocasión, y tras grabar  "From Me To You" (la que sería todo un éxito) y "Thank you Girl", los Beatles grabaron cuatro tomas de esta canción que tenían ya entrenada ante tantas tocatas. La idea era probar suerte con esta canción, y demostrar que también estaban para tocar un buen rock and roll, como en tiempos de amateurismo (?).
Lamentablemente la interpretación de "One After 909" no dejaba conforme ni a los cuatro Beatles ni tampoco a su productor, George Martin. Intentaron hacerle uno que otro arreglo, pero la cosa a ratos iba de mal en peor. Al parecer en esa sesión los músicos andaban o muy cansado o simplemente muy distraídos. Se cuenta que en la primera toma Lennon se olvidó parte de la letra, en la segunda toma el mismo John siguió cantando mientras era el momento del solo de guitarra. Mientras que en la tercera toma fue Paul quien se equivocó en las notas de bajo y en la cuarta toma George se mandó un solo de guitarra tan malo que dejó a Lennon muy sorprendido y en plena interpretación gritó al micrófono: ¿Eso fue un solo?   Finalmente, la pieza fue desechada de todo plan "Beatle", y tendrían que pasar 32 años para que los fans tuvieran acceso sonoro a este "demo", y fue gracias al compilado Anthology I, publicado en el año 1995 y que mezcla la toma cuatro con una versión anexa, que fue grabada como un ensayo previo a las tomas oficiales.

A pesar de que su grabación fue todo un fracaso, la banda siempre le tuvo ese cariño tan especial a esa vieja canción. "Siempre nos gustaba tocarla en vivo, y por esa razón la queríamos grabar. No es una gran canción, pero está dentro de mis favoritas" declararía años después Paul McCartney al ser consultado sobre el por qué esta canción fue incluída en la etapa final, cuando la banda estaba pasando por un quiebre interno.

Y asi fue, la banda no olvidaba de esta canción, uno de sus primeras piezas de rock and roll, y el 28 de Enero de 1969 decidieron grabarla durante esas míticas sesiones Get Back. En esta ocasión la versión grabada tenía un ritmo mas acelerado y contaba con los teclados de Billy Preston (quien ayudó mucho a la banda en momentos muy complicados en esos días) , y además contaba con un solo de guitarra muy potente bajo los dedos de George Harrison. Al parecer, habían encontrado la manera y el momento perfecto para poder grabarla de manera efectiva.
Además, esta canción formaría parte del repertorio de ese mítico concierto en la Azotea de Apple, el 30 de Enero de 1969, y que tiene como ingrediente anexo una improvisada interpretación de la balada "Danny Boy" en voz de Lennon ya en la parte final de la canción. Al parecer, los cuatro Beatles la estaban pasando d elo lindo en ese momento... Y se notaba!

Finalmente se grabaron dos versiones de "One After 909", las cuales fueron producidas por Glyn Johns. Lamentablemente, este productor/ingeniero no se las pudo con tantas cintas y canciones que dejaron estas sesiones, y finalmente fue Phil Spector quien decidió incluir en el disco una versión masterizada de la interpretación en el concierto en la azotea. De esa manera, aunque fuera una versión en vivo, la canción logró aparecer en un trabajo de The Beatles, y pasaría a la historia como una de sus canciones mas alegres y por qué no decirlo, más irónincas en cuanto a su letra.

Que la disfruten!!!


miércoles, 8 de enero de 2014

SUMMER OF '69 / BRYAN ADAMS


"Summer of '69" es una canción del cantante y compositor canadiense Bryan Adams, que fue lanzada como single en Junio del año 1985 y también estaba incluida en el exitoso disco Reckless.
Para este músico, y también fotógrafo, ese cuarto trabajo musical marcó una de las mejores etapas dentro de su carrera artísticas. Es que pasó de un éxito moderado a la fama mundial, ya que single como "Run to You," "Somebody," "Heaven," "Summer of '69," "One Night Love Affair," e "It's Only Love" se dieron el lujo de instalarse dentro del Top 15 del prestigioso Billboard Hot 100, rompiendo el récord que lograron los singles del disco "Thriller" de Michael Jackson en tierras estadounidenses. Pero eso fue una de las tantas sorpresas que aparecieron en el camino artistico de este artista que dejaría una huella eterna en lo musical y que hasta el día de hoy nos sigue sorprendiendo con uno que otro single.

Era un 25 de Enero del año 1984, y Bryan volvía a los estudios de grabación tras las giras promocionales de su anterior disco, "Cuts Like a Knife".
Si bien el disco tuvo unas ventas que pueden ser consideradas como exitosas en Norteamérica, el artistas canadiense aún quería mas, ya que quería salir fuera de su continene y conquistar nuevos charts. Para ello, volvió de inmediato al trabajo junto a su compañero Jim Vallance, quien era productor y había trabajado como compositor para varias canciones de la banda Aerosmith y además venía de hacer una buena dupla junto a Adams. a la hora de escribir buenas "rolas".
Durante esas sesiones de trabajo musical, la dupla logró dar con una canción muy simpática, que tenía ciertos toques de nostalgia y otros de una vida que quizás nunca tuvieron, pero que encajaban en una lírica y una base instrumental muy llamativa. Se trataba de una canción que titularon casi a regañadientes como "Best Days Of My Life".

 Pero esto de hacer una canción sobre recuerdos de verano, de tiempos juveniles no era una tarea fácil para estos dos grandes compositores. Como tampoco les ha sido fácil decidirse por la influencia principal, ya que mientras Vallance ha declarado que encontró la idea en la canción  "Running On Empty "de Jackson Browne (que contiene la  frase "In '69 I was 21"), Adams ha mencionado que la influencia principal estuvo en la famosa película Summer Of '42. Hasta el día de hoy no se sabe a ciencia cierta cuál de las dos es la que mas porcentaje tuvo a la hora de elaborar letra y música.

Pero llegar a la letra definitiva fue un problema, el cuál ambos músicos tuvieron que llevar hartos días sobre sus hombros. Es que ni Adams ni Vallance le tenían fé a este experimento rockero, y era casi pan de cada día cambiar ciertas frases de la canción, como por ejemplo en la parte que decía "Jimmy quit and Jody got married", Vallance llego a un momento en que la cambió por, "Woody quit and Gordy got married", lo cuál provocó as de algún roce entre los compositores. Finalmente, y para llegar a un consenso entre ambos, se decidió utilizar nombres de amigos de infancia, especialmente de aquellos que formaron parte de esas bandas de rock que formaron en la época de secundaria, la cuáles aún estaban en los recuerdos mas importantes de Bryan y Jim. De hecho, tiempo después se supo que el tal Jimmy era el nombre de un baterísta que formó una de las tantas bandas que armó Adams en su adolescencia, mientras que Jody, fue usado en homenaje al sonidista que trabajaba en el staff del cantante, el señor Jody Perpik, quien justo en los días que estaban creando la canción había contraído matrimonio con su novia de años (incluso la pareja aparece en el videoclip!!).

Además, y para abaratar costos en la composición (?), se decidió utilizar ciertas frases de algunas de las canciones favoritas de ambos compositores. Así lo revelaría Vallance años después, cuando mencionó que la frase "I got my first real six string" fue tomada de la canción "Juke Box Hero" de Foreigner  y que "Standin' on your mama's porch, you told me that you'd wait forever" pertenecía a una pieza de Bruce Springsteen llamada "Thunder Road". Y por si fuera poco, el compositor declaró que la frase "When you held my hand, I knew that it was now or never" era en referencia al éxito de The Beatles "I Want To Hold Your Hand."

Y menos se nos puede escapar sobre la teoría del verano de 1969, época en que Bryan tenía tan sólo 9 años, pero quizás algo marcó ese verano para él. El que si vivió mas a concho ese renombrado verano fue Jim, quien por ese entonces tenía 17 años. Pero al parecer, la canción usa el año 69 para otras artimañas y con el fin de que llamara la atención de manera inmediata en el oyente.
Tras ser consultado por la temática de esta canción y en especial sobre ese mítico verano (?), Bryan simplemente contestó, con algo de sorpresa y buen humor, que "es una canción muy sencilla, y habla de buscar un amor de verano. Para mí, el '69 de una buena metáfora para hacer el amor", aludiendo a la mítica postura sexual asociada a ese número impar (?).
Pero en otras ocasiones el cantante y compositor oriundo de la localidad de Kingston, se aburre de responder siempre lo mismo y se manda un regate a lo CR7 para responder con cosas como estas: "Una vez, alguien de España me preguntó el por qué escribí la frase 'I had my first real sex dream'. Simplemente me puse a reir..." 

El 28 de Enero de 1984, sería la fecha exacta en que Jim y Bryan terminarpn la canción. Tras sus espaldas traían días eternos de composición y grabaciones, donde la picarona (?) "Summer of '69" traía muchos cambios pero a la vez se le notaba mas potente. Aun así, ninguno de los autores declaraba poner las manos al fuego a que esta canción sería un hit. Se les notaba algo inseguros hasta ese entonces... Pero la historia cambiaría y les daría una sorpresa del porte de un buque. Aunque eso también trajo cierto temor...

El single que incluía a esta canción fue lanzado en Junio de 1985, época en que el disco Reckless ya era todo un éxito en ventas a nivel planetario. Pero con la irrupción de "Summer of '69" en los medios de comunicación, la fama del cantante y compositor se disparó a la nubes.
La canción llegó al puesto #5 del Billboard, y a la casilla #42 en el UK Singles charts. Si bien toda su fama en Norteamérica se veía muy contrastada con su promoción en Europa, esta canción logró abrirle varias puertas en el viejo mundo. Por ejemplo en Bélgica, Austria, Suecia y Noruega, esta canción llegó a entrar dentro del top 20 de sus listas, y eso ya era un gran paso para su carrera artística.

Por esa razón esta canción resiste sin despeinarse (?) al paso de los años, ya que constantemente aparece en  varios rankings que le hacen honor  a la nostalgia a esos años dorados ochenteros. Por ejemplo, en el año 1990 el famoso periodista Chuck Eddy, quien se especializa en Rock y Pop (y que escribe para prestigiosas revistas del género), incluyó a "Summer of '69" en la casilla #50 de su lista "The 100 Best Singles of the 80s". En el 2005 la revista Blender publicó un especial titulado "Top 500 Songs of the 80s-00s", donde esta canción de Bryan Adams quedó en el puesto #70.
En su tierra natal, la canción también tiene numerosos elogios, y uno de los más significativos fue el que le hizo la revista digital ChartAttack, que dejó a esta canción en el puesto #4 en su lista "The 50 Best Canadian Singles of All Time", publicada en el 2000.

Pero en ese año 1985, donde Bryan por fin lograba su fama mundial, y ser reconocido con varios premios y liderar los charts, algo también se perdió. Y es que la fama, el éxito, la buena vida, también traen algunos problemas, y tras esta canción muchas cosas cambiaron.
Es que antes de lanzar esta canción, Bryan y Vallance trabajaban de manera libre, sin tantas exigencias por parte de las disqueras, y simplemente por darse un gusto y de vez en cuando probar suerte con canciones que salían en un plan de entretenimiento. Lamentablemente, la fama y el deseo de mantenerla y seguir en crecimeinto hicieron que la dupla ya no disfrutara tanto el hacer canciones, ya que ahora tenían que cumplir ciertas obligaciones.  "Mirando hacia atrás , creo que 'Summer Of '69 ' era Bryan y yo en nuestro mejor momento. No habíamos tenido ningún " éxito "  hasta ese entonces ... Pero todo cambió cuando Reckless llegó al # 1 en las listas y logró  vender casi 12 millones de copias ... Pero eso fue a un año de distancia . En enero de 1984, Bryan y yo todavía escribíamos canciones casi por amor al arte y por la alegría de ir avanzando en este camino. Es que no le teníamos que demostrar nada a nadie, y no teníamos mucho que perder. Sólo escribiamos canciones para agradarnos a nosotros mismos . Creo que todo comenzó a desmoronarse después de Reckless " comentaría Vallance años después...

Que la disfruten!!



sábado, 4 de enero de 2014

HEROES / DAVID BOWIE


"Heroes" es una canción del músico británico David Bowie, que fue publicada como single un 23 de Septiembre del año 1977 y que además le dio el título a ese gran Lp que lanzaría ese mismo año y que traería una nueva faceta musical junto a la gran colaboración del productor Brian Eno (ex- Roxy Music).
El disco "Heroes", que contiene seis canciones y cuatro piezas instrumentales, forma parte de esa trilogía que grabó Bowie con el fin de profundizar y experimentar con la naciente música electrónica, y qué mejor elección que ir a trabajar a Alemania y trabajar con el señor Eno.
El resultado fue un disco donde las letras a ratos suenan absurdas, repetitivas o sin profundidad pero donde se le dió mayor vigilancia a la textura sonora, y al uso de las nuevas tecnologías. Es que por ese entonces Bowie ya quería arrancar de su facha Glam, ya quería dejar de lado su lado plástico y quería sorprender a sus fans y al mundo con una nueva tendencia. Y vaya que lo hizo.

La historia empieza así. Era el año 1977, y Bowie ya estaba algo agotado luego de tantas giras, una vida muy ligada a excesos y un rotundo aburrimiento de la fama. Además, por ese entonces aparecía en escena un nuevo estilo musical, y era el pop electrónico y que venía liderado por los trabajos musicales de la banda alemana  Kraftwerk (quienes, a la vez, eran fans de Bowie). La puerta de salida al cambio estaba más que marcada: Irse a vivir a Berlín del Oeste, donde todo estaba pasando en cuanto a este nuevo estilo musical y ahí encontrar las nuevas energías.
Y asi fue, David alquiló un departamento barato, sin tantas comodidades y que estaba sobre un taller mecánico, y ahí empezó a escribir canciones y grabar demos. De hecho, fue en ese departamento donde el músico escribiría todas las canciones del disco Heroes, que fue el segundo de la famosa trilogía de Berlín y además el único de los tres discos que se hizo ciento por ciento en tierras alemanas.

En ese entonces, Bowie ya estaba trabajando algunas canciones con Brian Eno (quien no fue el productor del disco, sino uno más en la composición de canciones) y tenían muy en cuenta toda la influencia de una banda alemana llamada Neu! y en especial un single que lanzaron en el año 1975 donde aparecía una canción llamada "Hero". Tras escuchar ese single y el disco, Brian y David se hicieron fanáticos de esta banda y fue bajo esa influencia en que empezaron a trabajar este nuevo disco y una nueva canción, que si bien aún no tenía título, ya tenían hecha una base instrumental muy llamativa y que sacaría varios aplausos.

"Es una canción hermosa, pero muy triste a la vez. Es que podemos ser héroes y todo, pero siempre sabremos que nos falta algo, que algo hemos perdido..." declaraba Brian Eno a la Q Magazine en Abril del 2007. Es que la letra de esta canción relata la historia de dos amantes que se unen a la sombra del Muro de Berlín y se juran amor y compañía eterna, aunque los tiempos fueran difíciles.
Pero la letra de la canción tuvo una inspiración muy particular, y tiene que ver con el productor que estaba trabajando junto a los músicos en ese disco, nos referimos a Tony Visconti, quien durante su estadía en los Hansa Studios tuvo un amorío con la corista Antonia Maaß. De hecho, fue el mismo Bowie quien los pilló besándose y apoyados en una de las paredes del estudio. De hecho, la pareja no tenía miedo a disimular, y frente a los demás músicos, se tiraban besos por las paredes del estudio, como si fueran unos chavales de secundaria. Ellos fueron los héroes...

El problema estaba en que Visconti en ese entonces estaba casado con la cantante galesa Mary Hopkin.
Como buenos amigos que eran, Bowie guardó ese secreto bajo siete llaves, con el fin de que el pillo de Tony no la pasara mal. Pero el secreto no fue eterno, ya que en el año 2003 en una entrevista con la revista Performing Songwriter, David se atrevió a contar esta historia que había detrás de una de sus canciones mas famosas: "Ahora estoy autorizado para hablar de esto. Si bien, siempre dije que la canción fue inspirada por una pareja de enamorados que vi en el Muro de Berlín, ahora puedo declarar que esa pareja era Tony Visconti y su novia. Tony estaba casado en ese momento. y por esa razón nunca pude decir esto. (risas). Pero ahora puedo decirles que los amantes eran Tony y una chica alemana que conoció mientras estábamos en Berlín. Obviamente que le pedí su permiso para poder decir esto. Creo que, posiblemente, en esos días el matrimonio estaba en sus últimos meses, y fue muy conmovedor porque me di cuenta de que Tony estaba muy enamorado de esa chica, y fue esa relación la que motivó crear  esa canción ".

En la parte musical (ya que dejaremos de lado el momento SQP (?)), en "Heroes", David Bowie se hizo a cargo de la voz principal, las guitarras, el saxofón y los teclados. Mientras que Brian Eno se hizo de los sintetizadores. Además, trabajaron junto a ellos Carlos Alomar en guitarras,  George Murray al bajo, Dennis Davis en batería y como invitado especial a la sesión estuvo el señor Robert Fripp, famoso guitarrista inglés y miembro de la mítica banda King Crimson. 
Punto aparte merece la producción para capturar esa desgarradora voz de Bowie, la cuál se logró en su parcialidad por el uso de micrófonos en toda la sala, y que fue idea de Visconti, quien quería que todo saliera perfecto y nada se perdiera para lograr una actuación vocal que aún saca aplausos. Sobre este detalle, en el año 2001 el camaleónico cantante declaraba a la Q Magazine: "Es muy complicado cantarla en vivo, porque tengo que cambiar todo el ritmo que llevo en el show. Generalmente me coloco en el punto medio, donde puedo lograr llegar a las partes altas. Obviamente nunca voy a dejar de cantar "Heroes" en mis giras, aunque cada vez me da una buena patada".

Previo a que la canción fuera lanzada como single, Bowie decidió promocionarla en el capitulo final del programa de televisión "Marc", que era conducido por su amigo Marc Bolan  (líder de la banda T-Rex), y que se transmitía por Granada Television.
Esta participación fue grabada un 7 de Septiembre de 1977, y la versión de la canción difiere totalmente de la original. En esta versión, el encargado de la dirección musical fue Bolan, quien incluyó a Herbie Flowers en el bajo y Tony Newman en la batería ya  los demás componentes de T. Rex.
Nueve días después de esa grabación, el mundo del Rock pasaba al luto, ya que Bolan perdía la vida al estrellar su coche contra un auto.  El 20 de Septiembre, tras los funerales, se emitió el último Show de Marc, donde "'Heroes'" fue parte de la banda sonora.

A pesar de que la canción sólo pudo escalar hasta el puesto #24 del UK Singles charts, con el paso de los años fue tomando más fama, y a la vez fue interpretada por varios artistas y en muchos idiomas. Eso llevó a que la canción fuera una de las mas famosas dentro del extenso catálogo musical de este artista que fue influencia para muchos durante varias décadas.
Por esta razón, en Febrero del año 1999 la Q Magazine dejó a "Heroes" dentro de su lista de los 100 mejores singles, el cuál fue votado por sus lectores. En el año 2005, la misma revista dejaría a esta canción en el puesto #56 en su lista sobre las "100 Greatest Guitar Tracks". Un año antes, la Rolling Stone había dejado a la canción en el puesto #46 en su especial "The 500 Greatest Songs of All Time".

En fin, estamos frente a una canción magnífica, llena de historias tras sus letras y tras su entorno. Un clásico eterno que merece ser recordado toda una eternidad.
Que la disfruten!!



jueves, 2 de enero de 2014

PLAY WITH FIRE / THE ROLLING STONES


"Play with Fire" es una canción de la mítica banda británica The Rolling Stones, que fue publicada como single un 26 de febrero del año 1965 como cara B de la canción  "The Last Time". Además, esta canción aparecería incluída en la versión norteamericana del disco Out of Our Heads, que salió a la venta un 30 de Julio de 1965 ( en el Reino Unido seria lanzado recién en Septiembre de ese mismo año).
Si bien la edición de este Lp lanzada para Estados Unidos contenía varios clásicos de la banda, entre ellos la famosa "Satisfaction", la que fue publicada en el Reino Unido quedó para la historia de la banda como su disco mas flojo.
Es que la versión que sacó Decca simplemente contenía versiones de canciones de artistas como Chuck Berry, Marvin Gaye o Sam Cooke que no eran de tan alta calidad como se promocionaba meses antes del lanzamiento de este trabajo. Eso llevó a que la crítica simplemente fue lapidaria con la banda, y mas allá de elogiar estos homenajes a esos cracks (que en lo musical no eran nada de otro mundo) se dejó mas cancha para mencionar que simplemente era un disco hecho como "relleno".
Pese a esas quejas de la prensa, el disco llegó al segundo puesto del UK singles charts en ese año 1965 y sólo fue superado por Help!, de sus amigos de Liverpool, The Beatles.

Dentro de ese puñado de canciones que fueron catalogadas como "decentes" en este disco, no cabe duda que "Play with Fire" es una de las que mas aplausos saca. Es que esta pieza, cuyos créditos estaban a cargo de Nanker Phelge (que era el seudónimo utilizado cuando los cinco integrantes de la banda estaban presentes en la composición), se convertiría en todo un clásico dentro del repertorio de esta gran agrupación.
A pesar de que toda la banda esta acreditada como compositores, los únicos Stones que trabajaron en ella, en esas sesiones de Enero de 1965 en los RCA Studios, fueron el vocalista  Mick Jagger (quien también toca el pandero) y el guitarrista Keith Richards. Junto a ellos, participaron en la grabación el productor  Phil Spector, quien se hizo del bajo ( años después se supo que era simplemente una guitarra eléctrica) y el famoso compositor y arreglista  Jack Nitzsche, quien estuvo en el clavicordio.
Ahora, usted señor lector se preguntará sobre los demás Stones, y el por qué no estaban presentes en esa sesión nocturna. Bueno, la razón de la ausencia de los tres músicos era que estaban en sus departamentos durmiendo o preparando las maletas, ya que al otro día partían de gira a Australia. Por tal motivo, cuando los otros dos músicos estaban grabando en el estudio las voces, decidieron no molestar a sus compañeros y llamar a uno de los guardias del estudio para que participara en la grabación en los coros.

"Contiene un sonido muy particular y muy bien producido. Puedes escuchar claramente toda la parte vocal, y en ese momento yo estaba tocando el pandero. La letra es muy... ya sabes, fue escrita por Keith y yo. Queríamos hablar sobre las chicas de familias de clase alta... La sociedad y todo eso estaba muy marcado en estas canciones, en esa época casi nadie lo hacía, o simplemente no habían hecho este tipo de cosas" comentaba Mick Jagger en el año 1995 sobre esta canción y ademas daba  pistas sobre la temática de la letra.
Es que esta canción, que originalmente se titulada "A Mess Of Fire", hablaba sobre un chico que tiene una relación con una jóven de la alta sociedad, y todas las ataduras que traía las diferencias de clases y modos de vivir la vida.  Por ejemplo, en la canción se menciona a St. John’s Wood, una lujosa zona londinense donde se encuentran algunas de las propiedades mas caras del mundo y al distrito de Stepney, ubicado al Este de Londres y considerado en los 60's como uno de los sectores de la clase baja y donde sus habitantes eran conocidos como "Cockneys".

En la canción, se cuenta que la joven tiene ese estatus social debido a que su madre logró casarse con un hombre millonario, pero la buena vida, los excesos y el poco cuidado de los bienes habían llevado a su familia casi a la banda rota, y pasar de vivir en la clase alta a volver a los inicios, con los simples peatones de a ciudad. Por este motivo, y en voz de Jagger, el acompañante de esta jóven le dice que no la vaya a engañar, que no juegue con fuego ya que sino tendría que volver donde su madre, y volver a ser una ciudadana cualquiera, de la clase media baja.

Ahora, si nos ponemos a analizar la letra y relacionarla con la vida de los Stones, puede resultar bastante extraño y sorprendente que por ese entonces Mick pasaba por algo muy parecido ala temática. Es que el frontman de los Stones estaba emparejado en ese entonces con la cantante y compositora Marianne Faithful, y este sería uno de sus amoríos mas comentados por la prensa. Marianne pertenecía a una familia aristocrática, por parte de su madre, y juntos estuvieron muy ligados a problemas legales por portar drogas. Eso sí, el que jugó con fuego no fue la joven compositora, sino que Jagger que engañaría a su mujer con la tambié cantante y modelo Marsha Hunt (quien años después seria la madre del primera hija del vocalista de los Stones). Y tal como dice el dicho "como pecas, pagas", esta modelo sería un dolor de cabeza para el pobre Mick con el paso de los años debido a demandas sobre cargas económicas y otros asuntos legales que lo tuvieron nuevamente metido en tribunales.
Pero tal como dice esta canción, cuando habla de una mujer que lo tuvo todo pero tras jugar con fuego tiene que caer en el abismo de la realidad y terminar sin nada en las manos, a Hunt le pasó algo parecido: Cayó en la banca rota.

Y para paliar esa situación económica la modelo decidió subastar, en Febrero del año 2013, diez cartas qie le envió Mick Jagger desde Australia en el verano de 1969. En ellas el músico no deja nada sobre la mesa, y le cuenta, a su entonces amante, sobre sus planes para terminar con Marianne, habla de política y además declara que "John (Lennon) y Yoko (Ono) eran unos aburridos". Además de otras cartas ya de corte románticas donde Mick saca frases tan cachondas (?) como "Te besaría suavemente y comería tu boca". Lo cierto es que tras la subasta, se supo por distintos medios británicos que Mick estaba furioso y que pondría incluso acciones legales. Pero la "musa negra", simplemente se defendía mencionando ante los micrófonos:“Estoy en la ruina. Con el dinero podré pagar mis deudas y no ser una carga para mi hija”.  Sin querer la canción publicada en 1965 y que sólo alcanzo el puesto #96 del Billboard, tuvo cierto aroma a Nostradamus.

Que la disfruten!!!






FELIZ 2014!!!!