domingo, 31 de marzo de 2013

GOOD DAY SUNSHINE / THE BEATLES

"Good Day Sunshine" es una canción de la banda inglesa The Beatles que fue incluida en el álbum Revolver que fue publicado en Agosto de 1966.
No cabe duda en que este disco marcó un antes y un después en la trayectoria de estos muchachos de Liverpool. Con canciones renovadas, con estilos experimentales y variados, y a eso hay que sumarle las nuevas aventuras sonoras de las mesas se sonidos (loops, secciones de metales, influencia Hindú,cortes de cinta y guitarras en retroceso), hacen de este LP un material esencial para el rock universal. Si en algo se caracterizaban Los Beatles, era en el no temer a la renovación musical ni a los parámetros impuestos por las demás discográficas. Ellos iban en contra de la ola, en una época donde los "moldes" estaban hechos y la imitación estaba a la vuelta de la esquina. Por eso hay que destacar que con "Revolver" y bajo la decisión de no volver a hacer giras promocionales ni conciertos la banda igual logró llegar a los primeros puestos de los charts. El disco lideró en ventas según las listas del "New Musical Express" y "Melody Maker". Incluso, sólo en pedidos por adelantado alcanzaron los 300.000 discos. Finalmente, las cifras dicen que sólo en territorio británico vendieron 500.000 copias y alrededor de 2.000.000 en todo el mundo.

Esta canción escrita por Paul McCartney ( aunque Lennon mencionaría en el año 1974 que quizás ayudó en algunos detalles de la letra a su compañero) fue grabada entre el 8 y el 9 de Junio de 1966 y estaba influenciada por la canción "Daydream" de la banda Lovin' Spoonful, que por ese entonces lideraba los charts en el Reino Unido.  Es que Paul había quedado impactado con esta canción que contenía un aire despreocupado y un estilo muy ligado al jazz, pero en un empaque mas tradicional y ligero. Por lo tanto, tomó esa base musical para escribir una canción, y aprovechando los calurosos días de verano en que trabajaban sin parar en el nuevo material de la banda en casa de Lennon.
"La canción fue, en gran medida, un guiño a "Daydream" de los Lovin' Spoonful. En esos días ese era nuestro disco favorito. Pero en "Good Day Sunshine" intenté escribir algo parecido a soñar despierto. John y yo ya le escribimos en  Kenwood, pero básicamente es mía, y él me ayudó en algunos detalles nada más" comentaría Paul McCartney en el libro "Many Years From Now", de Barry Miles.

En "Good Day Sunshine" la parte musical y la parte lírica convergen en la misión de subir el ánimo, de tener un optimismo atlético y tirar buena onda de principio a fin. Eso era lo que buscaba Paul en esos días de verano, hacer una canción alegre que sea la banda sonora a la vida cotidiana y de los nuevos tiempos.
Tal como dijimos mas arriba, esta canción fue grabada en tan sólo dos días y fue bautizada en primera instancia como "A Good Day's Sunshine". Cabe señalar que a pesar de que fueron pocos días los que se le dedicaron a la grabación de esta canción, el trabajo de producción es brillante y aquí es donde la mano y la creatividad de George Martin en colocar los detalles precisos y en estado perfecto saca mas que una millonada de aplausos (en una época donde no había todo este menjunje tecnologico (?) donde cualquiera puede cantar y producir).

Para Martin, era más fácil trabajar con las ideas de Paul que con las locuras de Lennon (que por ese entonces estaba experimentando duro con el LSD). Y obviamente ese feeling se nota en esta canción, donde el productor logró captar de manera inmediata la idea principal del autor, y que era hacer una canción Beatle optimista y para todas las edades.
En el primer día de grabación se enfocaron en grabar el bajo (en manos de Paul), el piano (al estilo honky-tonk en manos de Martin) y la batería (con Ringo en un momento inspirado). Ese proceso fue finalizado en tan sólo tres tomas para luego pasar a la grabación de los coros (donde aparecen en escena Paul, George y John) y voz principal (Paul).  Al otro día Ringo volvió a grabar su parte de batería (agregando mas redobles en el coro) y George Martin aprovechó de grabar un solo de piano, escrito por él para la situación, en una cinta que iba a una velocidad mas lenta que la parte instrumental hecha un día antes. Esta forma de grabar era ya una costumbre de Martin, quien aprovechaba ese efecto para luego empezar a jugar con la velocidad de las cintas hasta llegar al resultado final y depurar así varios detalles. Tras esos procesos, los cuatro integantes de la banda grabaron palmas y dejaron lista la canción para que fuera incluída en su disco que haría historia (otra vez!!).

A casi un año de la publicación de Revolver, la cantante y actriz francesa Claudine Longet lanzó como single una versión de "Good Day Sunshine" con la cuál tuvo un éxito moderado, pero que ayudó a que tuviera pantalla en los Estado Unidos al lograr entrar al Top #30 del Adult Contemporary chart. En 1970, la escocesa Lulu también publicó una versión (bastante interesante!!) de esta canción dentro de su disco "Melody Fair". Pero eso no sería todo, ya que en el año 1984 fue el mismísimo Paul McCartney quien decidió re-grabar esta canción para incluírla en la banda sonora de su horrible pelicula "Give My Regards to Broad Street". Cabe señalar que, al igual que el resto de la BSO, esta canción contó con la producción de George Martin.
Que la disfruten!!

viernes, 29 de marzo de 2013

GET IT ON / T. REX



"Get It On" es una canción de la banda británica T. Rex, que fue publicada en el año 1971 en el disco Electric Warrior.
Liderados de manera extraordinaria por el compositor, guitarrista y cantante inglés Marc Bolan (cuyo apellido rinde homenaje a Bob Dylan), esta banda oriunda de Londres se convirtió en una de las pioneras en el género del Glam Rock, que fue muy popular en los setentas y al que se le unieron artistas y bandas de la talla de  David Bowie, The Sweet, Slade o Gary Glitter.
En el año 1971, y tras un cambio de nombre y varias idas y vueltas por varios escenarios y estudios de grabación, Bolan, junto a Steve Currie y Bill Legend como miembros activos de la banda, dieron con el clavo en 1971 cuando publicaron uno de los discos mas emblemáticos de su carrera musical y también para la historia del rock: El emblemático Electric Warrior. Este disco (el sexto Lp de la banda) fue uno de los ejemplos mas significativos sobre el poder del Glam, que iba mas allá de las vestimentas extrañas, los maquillajes multicolores y raros peinados, sino que también traía una dosis de rock and roll experimental con ciertos aires al pop que mezclados con una lírica muy particular, llena de metáforas y significados oscuros, lo dejaron como una obra muy influyente para muchas bandas que tomaron el legado musical de Bolan y sus secuaces para recrear nuevos sonidos bajo estas bases.

En una ocasión Bolan declaró en una entrevista con un medio inglés que "Get It On" estaba inspirada, en su parte instrumental (en especial el riff), en "Little Queenie" de Chuck Berry, ya que siempre tuvo el deseo de grabar ese clásico del rock and roll peor por derechos de autor y licencias varias nunca se puso llevar a cabo esa idea. Por lo tanto, Bolan dejó de lado la espera y los papeleos, para dar paso a una de sus canciones mas emblemáticas.
Grabada en junio de 1971 en los Trident Studios, esta canción contó con la colaboración de varios personajes emblemáticos del circulo rockero del Reino Unido en esos años.

Uno de los primeros en colaborar con la banda para la grabación de esta pieza musical fue el tecladista Rick Wakeman, quien por ese entonces pasaba por problemas económicos y ya experimentaba las presiones externas para pagar la renta y otras deudas. Wakeman, que por ese entonces sólo se dedicaba a trabajar de músico de sesión (posteriormente sería uno de los pilares de la banda Yes), no lo pensó dos veces cuando en se encontró en Londres con Bolan, y este le ofreció participar dentro de una de las canciones del disco que estaban trabajando en esos días de Junio de 1971.
La historia cuenta que tras escuchar el demo de la canción, Wakeman le comentó a Bolan que la canción no estaba a su altura (?) y que realmente no sabia por donde incluir una parte de piano en la rola. Es que tras varios intentos por hacer algo interesante el tecladista simplemente se había rendido e incluso le señaló al productor Tony Visconti, que trabajaba en esos días junto a los T.Rex, que la canción sonaría bien con o sin piano y que su participación no era tan importante. Cuando Bolan se enteró de que el tecladista ya quería dejar el proyecto, fue a su casa y le dijo en la cara: "¿Quieres pagar la renta, no? Entonces trabaje tranquilo no más". Finalmente Wakeman se puso manos a la obra y grabó la parte de piano, y de pago recibió 9 libras por su aporte y se fue bastante feliz (y aliviado).

El piano estuvo en manos de Blue Weaver, otro músico de sesión de alta calidad y que contaba con un curriculum muy respetable, donde figuraban aportes en canciones de los Bee Gees (en especial su participación en el soundtrack de la película Saturday Night Fever) y ser músico de apoyo en las giras de la banda Mott the Hoople. Esto rompe el mito de que al piano estuvo Elton John, quien simplemente tuvo una aparición en el programa de televisión Top Of the Pops donde la banda hizo el playback de la canción en pleno proceso de promoción y Elton aprovechó la ocasión de hacer "chamullo" en las teclas.

Otro de los músicos invitados por Bolan para esta sesión fue el saxofonista Ian McDonald, integrante de la  mítica banda King Crimson. Este músico se dio el lujo de grabar partes de saxo barítono y se saxo alto con el fin de lograr un efecto sonoro interesante y bastante depurado (y muy aplaudido por Visconti con el paso de los años), más cuando en esos años había que aprovechar las ventajas de grabar en stereo y experimentar hasta no dar más.
El famoso coro cuenta con las voces de Mark Volman y Howard Kaylan, quienes fueron fundadores de la banda de pop psicodélico The Turtles), y posteriormente tomarían fama  como el dúo Flo & Eddie, tras un breve  paso por la banda The Mothers of Invention (sí, la banda del maestro Zappa).

Esta canción que habla en sentido metafórico y de doble sentido sobre el sexo fue lanzada, bajo su titulo original "Get it On", como single en Septiembre del año 1971, y logró llegar al primer puesto del UK Singles charts. Mientras que en los Estados Unidos, donde la canción que ahora llevaba por titulo "Bang A Gong (Get It On)" (para evitar la censura de los grupos conservadores) llegó la casilla #10 del Billboard.
Pero eso no sería todo para este clásico de clásicos, ya que en Abril el año 1985, el grupo Power Station, que incluía en su formación a Robert Palmer y algunos integrantes de la banda Duran Duran, lanzaron como single una versión de esta canción y la publicaron en tierras de Obama simplemente con le título "Get It On" y la volvieron al ruedo del éxito tras lograr llegar al puesto #9 del Billboard y hacer renacer la música de esta gran banda que fue T- Rex.

Pero eso no sería todo, ya que la banda británica Oasis en Octubre de 1994 lanzaba al mercado el single que incluía "Cigarettes &Alcohol" y por esas casualidades de la vida el riff inicial de la canción era una copia exacta al riff  usado en el intro de "Get it On". Si bien Noel Gallagher se ha declarado un fanático de T.Rex igual tuvo que sufrir una (nueva) acusación de plagio cuando la banda estaba recién tomando vuelo...
Que a disfruten!!!


sábado, 23 de marzo de 2013

EIGHT MILES HIGH / THE BYRDS


"Eight Miles High" es una canción de la banda estadounidense  The Byrds, que fue lanzada como single el 14 de marzo del año  1966 y posteriormente fue incluida dentro del Lp "Fifth Dimension", que fue publicado en Julio de 1966 y que traía un sonido bastante renovado e innovador, donde la banda experimentó con los llamativos sonidos psicodélicos en manos del guitarrista Roger McGuinn mezclados con su base musical que tomaba acordes del folk-rock y el pop.
Los Byrds fueron una banda muy influyente en el plano musical , ya que estos jóvenes californianos se dieron el lujo de tomar boletos con el folk, el rock, la psicodelia, el blues, el jazz y el country para armar un repertorio clásico y sólido, que fue bastante interesante y bien comentado por la crítica y los medios. Marcados por el sonido tan especial de la  Rickenbacker de 12 cuerdas, en manos del maestro Roger McGuinn, y el talento vocal de David Crosby, la banda empezó a formar una base musical muy potente y que los llevaría a la cima de la fama. A eso hay que sumarle a los talentosos Chris Hillman en bajo, Michael Clarke en la batería y la genialidad de Gene Clark, y la inclusión en el año 1968 de otro talentoso músico y compositor, el señor Gram Parsons, que dieron rienda suelta a toda su creatividad para lograr un espacio bien merecido dentro de los cracks del rock y ser considerados como influencia de muchas bandas y solistas que vieron en el vuelo de los Byrds un camino de música interesante, a ratos experimental, a ratos country, a ratos folk pero que seguían una línea común: Crear buenas y eternas canciones.

La historia de "Eight Miles High" está marcada por el contexto musical de ese mítico año 1966. Era el año en que las bandas de rock dejaban en claro su gusto por las metáforas hacía las drogas o algún mensaje que causara susto, censura y promoción por doquier. No hay dudas que la influencia lírica de poner frases que hicieran alusión al uso de sustancias ilícitas viene por parte de Dylan, y que bandas como The Beatles y los mismísimos Byrds quisieran seguir esa línea, mas cuando en esos días consumir LSD era el desayuno, almuerzo y cena de varios artistas. Bajo ese panorama alucinógeno, Los Byrds también querían ser parte del juego y poner su grano de arena en el ruedo de las metáforas y las polémicas con esta canción .

Si bien las estaciones de radio y varios periódicos dejaron muy en claro que esta canción era una oda a las drogas, la banda siempre tuvo  cuidado en ese tema y para evitar la censura y el desastre de la popularidad siempre quisieron dejar en claro que simplemente estaba siendo malentendida su letra.
Según Gene Clark, esta canción tuvo su génesis en Agosto del año 1965 en una de sus primeras visitas que hicieron por el Reino Unido, donde tras terminar un show tomaron sus maletas y se subieron en un avión con destino a Londres. En medio del viaje, el vocalista de la banda,que tenía aerofobia, le consultó a Roger McGuinn por la cantidad de millas de altura que tomaba el avión (al parecer no confiaba en los pilotos ingleses), a lo que el guitarrista le respondió que iban a seis millas. Esto provocó un chispazo creativo en la mente de Clark, quien de inmediato empezó a modelar frases y rimas para algún demo.

Tras el fin de la gira, la banda se enfocó en grabar su tercer Lp, donde los recuerdos de esa famosa gira quedaron plasmados en algunas frases de esa canción que ya estaba construyendo Gene Clark.
Según el vocalista, fue en Noviembre de 1965 cuando  empezó a escribir la letra de esta canción y parte de la música. De hecho, en el libro "Tambourine Man: The Life and Legacy of The Byrds" (Einarson, 2005), se menciona que Clark le pidió ayuda a Brian Jones, entonces guitarrista de los Rolling Stones, para depurar algunas frases y crear alguna que otra base musical. Tras esa reunión (que quizás tuvo hasta fiesta incluida), Clark logró dar con la letra final, parte de la estructura musical e incluso algunas ideas para la producción.

Hay que señalar (con el fin de no relacionarla aún con los viajes provocados por el LSD (?)) que si bien los aviones comerciales sólo pueden volar a seis o a siete millas de altura, Clark decidió usar ocho millas por una razón estrictamente poética para hacerle un (merecido) homenaje a sus amigos Beatles, que nuevamente atacaban los charts, pero esta vez con la canción " Eight Days a Week ", que contaba con una lírica bastante simplona pero con una parte instrumental que dejó boquiabiertos a los integrantes de la banda durante su estadía en Londres.

Tras darle uno que otro toque final, Clark vuelve a los estudios de grabación y le enseña el demo a McGuinn y Crosby, siendo este ultimo el más motivado con la canción al proponer hacer algunos arreglos al estilo del famoso jazzista John Coltrane, quien por ese entonces era una de las influencias mas notables para  David, que tenía como disco de cabecera el "Impressions" y el "Africa/Brass", que incluso sonaron fuerte en el autobús durante la gira de la banda por el Reino Unido y que fue de vital ayuda para matar el aburrimiento en la carretera.  De hecho, el mismísimo Clark a sostenido que recibió mas ayuda y cooperación de Crosby que de McGuinn en el periodo de grabación de la canción.

Pero tras la muerte de Clark, en Mayo del año 1991, McGuinn empezó a dar rienda suelta a una caravana de comentarios en contra de la labor creativa de su compañero de banda, e incluso llegó a señalar en las páginas del pasquín "Forgotten Hits" que "Eight Miles High" era ciento por ciento suya: "No es cierto eso (sobre la autoría principal de Clark). Parte de  la canción me pertenece ... Gene nunca podría haber escrito una canción sobre un vuelo a seis millas de altura tras tocar tierra. Después cambió eso a ocho millas por la canción de los Beatles,"Eight Days a Week". A mi se me ocurrió la letra y otras ideas. O sino ¿como sería la canción sin la Rickenbacker de 12 cuerdas? "
Pese a los reiterados reclamos y salida de carros (?) de McGuinn, el resto de la banda y parte de sus amigos han declarado que la idea principal de corresponde a Clark, y que la participación del "picado" guitarrista simplemente fue en los arreglos musicales (su gusto por Ravi Shankar le llevó a componer una parte de guitarra muy interesante con toque hindú) y quizás en una que otra frase de esa fantástica letra que relata un viaje, un mundo nuevo, y que está inspirada en esa gira que hicieron a mediados de 1965 en donde comprendieron que en tierras británicas el rock estaba en otra onda, en otra sintonía con la producción y que por eso la invasión británica en las radioemisoras estadounidenses ya era considerada como una plaga(?).

Si bien muchos críticos declaraban que la canción trataba simplemente sobre un "viaje" comandado por el consumo de ácidos, la banda dejaba en claro que la canción hablaba sobre la fama, los excesos de las giras, el trato hostil dela prensa inglesa,  los miedos a caer en cuando a popularidad y toda esa carretera llena de aventuras que debe pasar una banda para llegar a ser reconocida a nivel mundial.
Finalmente "Eight Miles High" fue  grabada entre el 24 y 25 de Enero de 1966 en los Columbia Studios, en Hollywood, bajo la atenta mirada del productor Allen Stanton, quien tuvo una tarea bastante complicada para satisfacer los gustos y requisitos de los Byrds en cada canción, y en especial en esta pieza. Se cuenta que fue Stanton quien ideó esa hipnótica parte de bajo que fue interpretada  por Chris Hillman y que forma parte de uno de los detalles mas impresionantes dentro de esa base musical que sacó muchos aplausos.

Finalmente la canción fue publicada como single en Marzo de 1966, y de inmediato aparecieron en la prensa los comentarios sobre su referencia a la drogas, y eso llevó a que muchas radioemisoras decidieran no tocar la canción por miedo a ser multados. En otras emisoras, la canción fue incluida en la parrilla programática pero en la caratula del disco aparecía una nota que decía que la canción hablaba sobre las drogas y que había que tener cuidado al reproducirla en ciertos horarios. Esto llevó a que la canción no entrara dentro del Top Ten estadounidenses y simplemente alcanzara el puesto #14.
Tras esa campaña para boicotear el single bajo acusaciones que eran falsas, el manager de la banda, Derek Taylor,  envió un comunicado de prensa donde dejaba en claro que la canción simplemente hablaba sobre un viaje que hizo la banda a Inglaterra y dejaba en claro que no tenía nada relacionado con el consumo de drogas. Sin embargo, años después Clark comentaría en varios medios de prensa que la canción no era una inocente pieza musical inspirada en un viaje a tierras británicas, ya que también mezclaba varias cosas que les pasaba en ese entonces, como el abuso con las drogas. "Es un trozo de poesía al natural que no se puede limitar en aviones o en drogas. La canción fue publicada porque en aquellos días de 1965 experimentar bajo los efectos de las drogas estaba muy de moda" declararía el autor de esta canción en los 80's y de paso rompería, por fin, el mito. Ese mito que tuvo como protagonista al cantante y compositor Don McLean, quien a finales del año 1971 lanzó al mercado el single que incluía su memorable pieza "American Pie" donde hace referencia a esta canción en la frase: "Eight miles high and falling fast- landed foul out on the grass", dejando de manera bastante irónica un mensaje oculto con la palabra "grass", que era un argot muy utilizado en la juventud sesentera para referirse a la marihuana.
Que la disfruten chavales!!!


domingo, 17 de marzo de 2013

DOWN BY THE RIVER / NEIL YOUNG

"Down by the River" es una canción del cantante y compositor canadiense Neil Young, que fue publicada como single el 14 de mayo de 1969 y que fue incluida en el disco "Everybody Knows This Is Nowhere", considerado por la prensa especializada como la obra maestra absoluta de este músico oriundo de Toronto.
Tras un exitoso paso por la banda "Buffalo Springfield" (de la cuál fue fundador), Neil Young  decidió publicar en Noviembre de 1968 su primer disco solista (con título homónimo) y así emprender una carrera en solitario. Tras las buenas críticas de su disco debut, Young no se quedó de brazos cruzados y decidió entrar al ruedo con "Everybody Knows This Is Nowhere", un disco con aires mas rockeros y en donde contó con la colaboración de los ex Rockets, rebautizados ahora como Crazy Horse, quienes fueron los encargados de reflejar toda la energía, la crudeza y la sensibilidad de las piezas que Neil tenía en carpeta. Un disco donde encontramos rock y blues en estado puro  y uno que otro  toque de música Country, donde Young incluso se da el lujo de improvisar junto a su banda de apoyo y así lograr canciones de larga duración que tienen una calidad impresionante y un brillo sobresaliente en cada acorde. Sin lugar a dudas, un disco para aprender sobre el Rock...

Bajo estas características "Down by the River" forma parte de esas joyas que hacen del disco una caja sonora de alta calidad y que fue de mucha influencia para tantos artistas contemporáneos.
Cuenta la leyenda (?) que esta canción formó parte de esas creaciones que Neil Young hizo tras pasar un par de días en cama a causa de 39° de fiebre, mientras disfrutaba de un merecido descanso en Topanga Canyon.

Quizás su estado febril sea el causante de una lírica tan oscura y metafórica, que dejó a muchos fanáticos "marcando ocupado". Lo que si se sabe, gracias a biografías e investigaciones sobre la vida de este gran artista, es que durante la previa a una actuación en Nueva Orleans, que data del 27 de Septiembre de 1968, Neil le dijo a sus asistentes que tenía muchas ganas de cantar una canción que hablara sobre un joven que no la pasaba bien a causa de muchos problemas y que simplemente tenía que "bancársela". La idea de Young, era escribir una canción con un mensaje oculto, con un significado oscuro  y que a la vez la hiciera brillante. De ahí que se puede sostener la hipótesis de que esta canción habla, de manera metafórica, sobre un asesinato y la posterior culpa que siente el protagonista tras cometer semejante atrocidad.

Es que tras su perezosa, pero impactante, intro de guitarra, bajo y batería, Young empieza a relatar esa historia de un tipo que al parecer dio muerte a su amante por medio de varios disparos. La razones de tal decisión son las que llevan al protagonista a una situación emocional bastante reflexiva y a la vez confusa para seguir adelante con su vida. Y mientras el protagonista sigue hablando de sus emociones, la música toma un manto donde el rock toma algunos acordes de la música country dando vida a un pasaje  intenso y bastante sólido, donde los solos de guitarra a cargo de Danny Whitten le agregan un toque más que especial.

Con el paso de los años, Young ha dado múltiples explicaciones sobre el significado de la canción, y eso ha llevado a que la "fanaticada" esté mas que confundida y a la vez ansiosa por saber la verdad. Un buen ejemplo es citar las palabras que dijo el autor de la canción en una entrevista con el periodista de la Rolling Stones,  Robert Greenfield, en 1970, donde afirmó que en la canción "no hay realmente un asesinato. Sino que trata de olvidar a un viejo amor, a una chica. Es sólo una súplica, un grito desesperado". Pero 14 años después, en el libro "Journey Through the Past: The Stories Behind the Classic Songs of Neil Young" (Williamson, N; 2002), Young sorprende al mundo y declara que la canción es sobre un hombre "que tiene un montón de problemas y que no los puede controlar. Y además de eso, su mujer le es infiel y por esa razón cuando se encuentran en un río le dispara. Horas después el alguacil llega a su casa y lo arresta". Con esto se deja muy en claro que Young le oculta algo al oyente, o simplemente quiere jugar con la sorpresa y las contradicciones y eso le hace bien a su pieza musical ya que le da un buen "plus" que la hace aún mas interesante.
Sea cuál sea su significado, "Down by the River" es una canción impresionante, llena de destellos melódicos que navegan en su oscuridad lírica y cuya base  musical tiene cierta inspiración en las piezas del blusero estadounidense John Lee Hooker, uno de los ídolos de Young.
Que la disfruten!!!




sábado, 16 de marzo de 2013

MY MUMMY'S DEAD / JOHN LENNON


"My Mummy's Dead" es una canción del músico británico John Lennon, que fue publicada en su aclamado disco John Lennon/Plastic Ono Band, lanzado a la venta un 11 de Diciembre de 1970 y que marcó su debut oficial como solista tras el crudo final de The Beatles.
Para la crítica, este disco marcaba un desahogo sentimental de Lennon, donde en cada canción el artista deja en claro su mensaje de dolor, de incomprensión, de rabia ante las idolatrías y de la búsqueda de su yo interior y mas encima se dedica a dejar atrás un pasado de contrastes muy comentados sobre su vida privada.
Este impresionante Lp fue producido por el señor Phil Spector y sólo contó con la base musical de Ringo Starr a la batería y de Klaus Voormann en el bajo, quienes fueron los elegidos por Lennon para esta aventura donde el autor de "Imagine" pone en la mesa un disco sensacional con alta carga emocional e  influenciada por la comentada Terapia Primal del Dr. Arthur Janov.

Este disco de Lennon, el cuál fue su debut oficial como solista tras lanzar previamente discos instrumentales y con aires experimentales, empieza con los desgarradores gritos de "Mother". Una canción donde el autor deja todo tirado en el ruedo y nos cuenta de inmediato la pena de haber vivido solo, de haber sufrido por no tener a su madre presente en sus momentos de fama y de tener un padre que simplemente aparecía cuando necesitaba dinero. Pero en la parte final del disco Lennon vuelve a retomar el tema de su madre, de Julia, que murió atropellada el 15 de Julio de 1958 por un auto en cuyo volante iba un oficial de policía ebrio. En ese entonces John tan sólo tenía 17 años y de ahí en adelante su rebeldía e incomprensión empezó a crecer más y más.

Es que este disco finaliza con una canción que no alcanza a durar el minuto pero que a la vez suena poderosa y bastante desgarradora pese a su tranquilidad sonora y su espíritu acústico. Hablamos de "My Mummy's Dead", una canción grabada en Junio de 1970 de manera casera en la casa que arrendaban John y Yoko en Nimes Road, Bel Air, California, en esos días en que ambos eran partícipes de la terapia primal con el Dr. Arthur Janov.

Esta canción, influenciada en su parte musical por una famosa canción de cuna llamada "Three Blind Mice", fue grabada por John simplemente utilizando una guitarra eléctrica y un micrófono de baja calidad, y con cierto aire a improvisación pura y cuya lírica tiene cierta estructura de Haiku, una forma de poesía de siete versos muy usada en Japón.
"Todas estas canciones salieron de manera natural. Nunca me siento a pensar: 'Voy a escribir sobre mi madre' o  'Voy a escribir sobre esto, aquello o lo otro ". Todas salieron así, y son parte de lo que pocos saben hacer en este trabajo" declararía John Lennon en una entrevista del año 1970.

Grabada en calidad Mono,  "My Mummy's Dead" tuvo dos tomas y la elegida para darle el toque final al disco fue la primera. La segunda toma, que contiene algunos detalles mas depurados en la parte de la guitarra y su duración sobrepasa el minuto, fue editada de manera oficial en el 2004 cuando apareció en las tiendas de discos el "Acoustic", un comentado album que compilaba grabaciones caseras, demos y una que otra rareza de John Lennon y su guitarra. 
Al parecer, John decidió apostar por la improvisación y la naturalidad de la primera toma para cerrar de manera emotiva, desnuda y bastante sorprendente un disco desgarrador, de una honestidad brutal que hace que cada canción entre al ruedo y nos relate parte de su vida, o como está buscando la respuesta a tantas preguntas que navegan por su cabeza. Esos detalles la hacen vestir como el final perfecto.

Que la disfruten!


domingo, 10 de marzo de 2013

SWEET BABY JAMES / JAMES TAYLOR


"Sweet Baby James" es una canción del cantautor estadounidense James Taylor que fue publicada en Febrero del año 1970 en su segundo Lp, que fue bautizado con el nombre de esta canción y que tuvo un sorprendente éxito en las listas.
Dueño de una lírica dulce, sensible y muy genuina, donde cada verso reposa en un manto acústico que lleva a dar un paseo a la nostalgia, hacen de James Taylor uno de los músicos mas emblemáticos de los 70's y con el cuál muchas generaciones se sintieron influenciados a tal punto de imitar su estilo al ciento por ciento. Es que este músico oriundo de Boston regalaba en cada disco y single oscuras canciones con aires reflexivos, de tintes personales y que estaban ligadas a su sensibilidad emocional, esa misma que en el año 1965 lo llevó a ser internado en un hospital psiquiátrico a causa de un fuerte cuadro depresivo que casi lo lleva a la muerte. Tras su paso por ese sanatorio, James decidió volver a la música (ahora en calidad de solitario) pero también aparecieron sobre la mesa las drogas y los excesos, que de pasar a ser una supuesta buena compañía le terminaron pasando la cuenta hasta volver a ser internado, pero ahora en una clínica para desintoxicarse de tanto abuso.
Tras ese periodo de aislamiento absoluto, James decide volver al plano musical y ahora con un buen proyecto bajo el brazo, un contrato con Apple records (sí!! el famoso sello fundado por The Beatles) y tras una larga entrevista con Paul McCartney, se le dió el visto bueno a su estilo y bajo la producción de Peter Asher (otro personaje de aquellos) sacó al mercado su primer disco oficial, el aclamado "James Taylor" y el resto ya es historia...

"Sweet Baby James" es, sin lugar a dudas, una de sus canciones mas reconocidas y también una de las mas comentadas y  malentendidas por la fanaticada de este artista de Boston. Es que debido al titulo, muchos creen que es una canción ciento por ciento autobiográfica e incluso han inventado que habla sobre sus problemas del pasado ligados a la drogas y su estabilidad emocional, pero no es tan asi. Es que la canción tiene otro sentido, es una alabanza a la vida, a la soledad y el hecho de tener que enfrentarla en medio de un desierto de gente y para lo cuál hay que estar preparado.
Es una pieza a ritmo de vals que fue escrita en el año 1969, cuando James iba camino a  Richmond, Virginia, para visitar a su hermano, el también cantante, Alex Taylor, quien había sido padre hace poco días y obviamente eso se tenía que celebrar en familia.

Al llegar a casa de su hermano, James quedó sorprendido cuando Alex le informó que tras varias charlas con su esposa (que quería que su hijo fuera bautizado como Richmond, por su ciudad natal), habían decidido que el bebé llevara el nombre de James, obviamente en honor a su tío. El músico no lo podía creer. Asi que finalmente el sobrino del cantautor, fue bautizado como James Richmond Taylor y eso daba espacio y libertad para que el tío  el orgulloso tio,  pueda escribir una canción en honor a ese dulce momento y a ese nuevo integrante de la familia.

James le dedicó y escribió a su sobrino una canción de cuna, de esas que cuando era un niño nunca escuchó ni disfrutó en voz de sus padres. Sí, es rara esta situación, mas cuando es de conocimiento publico que la madre de James, la señora Trudy (abuela del pequeño James Richmond), era una fina cantante de ópera que sólo se dedicaba a ensayar sus actos y que nunca se dio el tiempo de cantarle canciones de cuna a sus hijos. Y si ella no lo hacía, menos lo haría el padre de los Taylor, el doctor Isaac, quien no tenía ni las ganas ni los momentos para cantar junto a sus hijos. Aunque James alguna vez dijo que su padre no tenía el suficiente talento musical para pararse y cantarle canciones de cuna a su hijos, y por eso se lo tomaban con tranquilidad. Estas fueron las razones por las cuales el encargado de cantarle canciones para acompañar el sueño a sus hermanos menores era el mismísimo James, y por esa razón ahora le dedica esta pieza musical a su sobrino, para que nunca le falte una canción de cuna.

En "Sweet Baby James" el cantautor narra la historia de un vaquero que pasa las noches fuera de casa, en medio de un lugar solitario, y simplemente con la compañía de su caballo y su ganado. Para pasar el tiempo, este vaquero pasaba largas horas cantando en medio de la oscuridad y la soledad hasta que sus ojos se cerraran y los sueños empezaran a andar. Quizás está inspirada en esas noches en que James le cantaba canciones a sus hermanos antes de quedarse dormidos.
Es que bajo ese manto acústico (de guitarras, piano (en manos de Carole King) y un suave toque de batería), James compara a ese recién nacido con un vaquero que está solo por las noches, que tiene que ver pasar las horas en un lugar desconocido pero que a la vez le puede traer miles de aventuras. Ese paso creativo, soñador, es el detalle principal de esta canción, que termina con aires nostálgicos, con Taylor cantando casi en voz baja, como si ya estuviera en el auto rumbo a su hogar, en Boston, con la misión cumplida bajo el brazo. Un regalo eterno para su sobrino...

Que la disfruten!!!




viernes, 8 de marzo de 2013

THE INNER LIGHT / THE BEATLES


"The Inner Light" es una canción de la banda británica The Beatles, y fue publicada el 15 de marzo de 1968 como lado B de "Lady Madonna".
Esta canción fue escita por George Harrison (muy nombrado en la prensa como el "Beatle tímido") y fue la primera vez que el guitarrista de la banda aparecía en un single con una "rola" de su autoría. Es que estar bajo la sombra de Lennon y McCartney, que formaban una dupla fenomenal a la hora de escribir y que ya llevaban varios N° 1 en sus espaldas y premios por doquier, hacía que George siempre tuviera una que otra canción bajo la manga para grabar o compartir con sus compañeros, y a pesar de que su repertorio musical en la banda es poco numeroso, siempre sus composiciones traen mucha calidad e innovación en los Lp's y en los singles. pero hay que dejar en claro que la cantidad no está directamente relacionada con la calidad, de hecho Harrison es dueño de una de las canciones mas versionadas del cuarteto de Liverpool: La delicada y sincera "Something".

Pero George no es solo "Something", y en su estadía en The Beatles dejó varias joyas en los discos e incluso llegó a ser el integrante de la banda mas osado y confianzudo (y pensar que lo tachan de tímido) al experimentar con la música oriental y llevarla al plano popular con mensajes eternos.
En medio de su búsqueda musical, y su interés por la cultura de la India, George llegó a la puerta del músico Ravi Shankar, considerado un maestro en el sitar, y con él aprendió los secretos, la historia y la técnica de dicho instrumento y de todo lo que rodeaba a esa música tan especial.
"En el set de la siguiente película, Help!, descubrió la música clásica de India, lo que lo condujo a una búsqueda que duraría más que el matrimonio (con Pattie Boyd). Los esfuerzos realizados a fin de dominar la cítara le llevaron al yoga, esta a la meditación y de la meditación a la espiritualidad oriental que, en gran medida, contribuiría a definir su vida. Buscaba algo mucho más elevado, mucho más profundo”, señalaría Ravi años después al recordar a su amigo Harrison.

La historia cuenta que el 29 de Septiembre del año 1967, George Harrison y John Lennon fueron invitados a participar en el famoso talk show "Frost Programme", con el fin de participar en una discisión sobre la  Meditación Trascendental. Ese programa fue todo un éxito en cuanto a rating y también logró generar mucho interés en la gente y ne los medios escritos, a tal punto que el conductor del programa, el emblemático David Frost, decidió volver a invitar a los dos Beatles para participar en un nuevo debate el 4 de Octubre. En esa ocasión uno de los invitados que acompañó al par de músicos fue el oriundo de Mallorca, Juan Mascaró, que era un profesor de sánscrito de la Universidad de Cambridge y que tras ese encuentro hizo buenas "migas" con George, a tal punto que empezaron a intercambiar material literario y a recomendar lecturas para saber más sobre esa rica cultura.

Semanas después el profesor Mascaró le envió a George su libro titulado "Lamps Of Fire", que fue editado en el año 1958, y que era un compilado de varios escritos religiosos de todo el mundo. Dentro de ese trabajo, el autor tenía una traducción del famoso texto chino "Tao Te Ching [XLVII]" y del cuál el "profe" le sugería al Beatle ponerle algo de música y hacerle un buen homenaje. "Estaba muy bien, las palabras lo decían todo" comentaría en el año 1980 Harrison al ser consultado por ese momento en que tuvo una nueva inspiración y objetivo musical. Pero la tarea no sería nada de fácil...

Por si fuera poco, a finales de ese mítico año 1967,  Harrison fue contactado por el director Joe Massot  para componer y producir la banda sonora de la cinta Wonderwall, protagonizada por Jane Birkin y Jack MacGowran.
Para este nuevo proyecto, y ahora en calidad de solitario, George pescó sus maletas y viajó en Enero de 1968 a trabajar en los estudios que la EMI tenía en Bombay, India. Durante su estadía en esas tierras, el Beatle trabajaría sus piezas instrumentales con varios músicos locales e incluso se daría el gusto de grabar algunas canciones que tenía pensada para el próximo disco de la banda.  En tan sólo 5 días, Harrison logró grabar parte y producir un gran porcentaje de la banda sonora y además junto a los músicos que contactó puso grabar la base instrumental de esa canción inspirada en el "Tao Te Ching [XLVII]" y que fue bautizada por "The Inner Light".

Los músicos que participaron en esa mítica sesión de grabación de la parte instrumental de esta canción, llevada a cabo un 12 de Enero de 1968, fueron: Sharad Ghosh y Hanuman Jadev en shehnai, Hariprasad Chaurasia en flauta, Ashish Khan en sarodMahapurush Misra en tabla y Rij Ram Desad en el armonio.

La canción volvió a la palestra el 6 de Febrero de 1968, cuando en los estudios Abbey Road, George decidió grabar la parte vocal y los coros. Se dice que George estaba muy nervioso a la hora de grabar la voz principal, ya que se sentía bastante inseguro de su tono de voz y requirió de mas de un consejo de parte de Paul y John para llevar a cabo esa labor.
Sobre este momento de inseguridad de Harrison, el señor Jerry Boys, que fue partícipe de la grabación de esta canción en su labor de operador de cinta, declaraba en el libro "The Complete Beatles Recording Sessions" de Mark Lewisohn que "George tenía esto de no querer cantar cuando se sentía con poca seguridad de hacer justicia con la canción. Recuerdo que Paul le decía: "Debes ir, no te preocupes por eso, todo está muy bien".


Tras la grabación de la voz principal, por parte de George, el 8 de Febrero se llevó a cabo la grabación de los coros que estuvieron a cargo de John y Paul. De hecho, el bajista de la banda declararía en una entrevista en el año 1978 que encontraba muy hermosa la melodía de esta canción.  "Prescinde de la música hindú y escucha la melodía. ¿No te parece muy hermosa?. Es realmente preciosa" mencionaría  Macca.

Que la disfruten!!!

sábado, 2 de marzo de 2013

SWEET CAROLINE / NEIL DIAMOND


"Sweet Caroline" es una canción del cantautor estadounidense Neil Diamond y fue lanzada como single un 16 de septiembre del año 1969 y logró ser uno de los tantos éxitos que de este tremendo artistas oriundo de Brooklyn, Nueva York.
Catalogado de romántico por la crítica y famoso por esa voz profunda, con la cuál viaja a través de varios estilos musicales  donde siempre deja un aire reflexivo bajo un manto de sorprendentes arreglos orquestales hacen de Neil un artista único y que con justa razón es muy admirado por varios de sus colegas.
Desde los 16 años, cuando su padre le regaló una guitarra, se puso como objetivo el estar arriba de los escenarios y golpear puertas para mostrar sus canciones y lograr la fama absoluta. Y esta llegó en los 70's, cuando tras varios intentos, con singles que iban de lo exitoso hasta lo mas bajo en cuanto a ventas, logró armar un setlist sólido, y además por ser un carismático sobre las tablas, que lo dejaron en la cima de mundo. Esto se puede resumir de manera notable al escuchar el disco "Hot August Night" (1972), un espectacular trabajo grabado en vivo en el Teatro Griego de Los Ángeles donde Diamond demuestra todo su talento en el ruedo. Por algo este disco llegó a vender casi $2 millones de copias, y estuvo por casi  5 años dentro de los charts. Lo demás es historia ya conocida...

La historia cuenta que el año 1968 encontraba a Neil Diamond en medio de una buena primavera mjusical. Es que había logrado colocar tres singles en  los charts y mas encima recibió una interesante oferta para firmar por el sello UNI, y el cantautor no lo pensó dos veces cuando los gerentes de esta empresa musical le dieron total libertad para que escribiera y sea productor de sus canciones sin meter manos externas. Finalmente puso su "mosca" en ese contrato y empezaba así una nueva etapa.
Pero el inicio de este nuevo camino no fue fácil. Es que tras una mala racha, recién en Marzo del año 1969 logró su primer hit con este nuevo sello, y fue gracias a la canción "Brother Love's Traveling Salvation Show," que logró entrar en el Top 40.
A partir de ese momento, Neil se encuentra motivado a seguir escribiendo canciones y llegando incluso a crear canciones que fueron tachadas de clásicas ya que en lo musical estaban muy adelantadas a los tiempos y traían nuevos aires al Pop.
En esta nueva etapa aparece una canción que lo elevaría a la fama mundial, nos referimos a la dulce y soñadora "Sweet Caroline"...

Hasta el año 2007, la canción simplemente era catalogada como una de las tantas baladas eternas dentro del extenso cancionero de este cantautor. Obviamente más de algún historiador o fanático a rabiar de este artistas empezó a investigar quien era esa tal Caroline que adorna la maravillosa letra de la canción.
Bueno, y fue en ese año y en una entrevista con la Associated Press donde el propio Neil Diamond acabó con el secreto y dejó a la canción en "paños menores" (?). Es que "Sweet Caroline" fue inspirada en Caroline Kennedy, hija del que fuera presidente de los Estados Unidos,  John F. Kennedy.
Diamond reveló el secreto de la canción tras haber tocado esta canción, vía satélite  en el día que Caroline cumplía y celebraba con los cuyos sus 50 años de vida. En esa ocasión, el trovador de Brooklyn mencionó: "Nunca he hablado sobre esto. Siempre pensé que tal vez se lo diría a Caroline cuando coincidiéramos en algún lugar. Hoy estoy feliz de haberlo conseguido, de haber podido decirle esto  a Caroline. Pensé que le daría  vergüenza, pero ella se sorprendió y realmente la noté feliz ". Tras esas palabras muchos fanáticos quedaron boquiabiertos...

Pero eso no era todo, ya que el 21 de diciembre de 2011, en una entrevista con la CBS, Diamond dijo que escribió esta canción  tras mirar una portada de una revista donde aparecía Caroline Kennedy junto a sus padres encima de un caballo. "Era una imagen inocente, maravillosa, y que de inmediato me hizo sentir que había una canción allí" comentó el cantautor.
Tras escribir unos versos, Diamond dejó en carpeta esa canción y día tras día iba arreglando y escribiendo la música. Asi fue como meses después, en un hotel Memphis, Neil escribió la versión definitiva de "Sweet Caroline" en menos de una hora. Sobre esto, el autor de la pieza musical comentaría: "simplemente salió de toda esa emoción del momento. Específicamente, la emoción de centrarse en un acorde con el cuál nunca había trabajado ni tocado antes". El acorde al que se refiere Neil es el A6.

En el momento en que salió a la venta el single de esta canción, Caroline Kennedy tenía tan solo once años y quizás en mas de alguna radioemisora o algún programa de televisión la escuchó aunque nunca se le pasó por la mente que estaba inspirada en una foto de ella y su familia. Es que "Sweet Caroline" fue todo un éxito en Estados Unidos, donde llegó al puesto #4 de los charts. Y por si fuera poco, en el Reino Unido la canción también gozó de éxito, tras llegar a la octava posición en el UK Singles charts.
Si bien la canción fue incluida anteriormente en el LP "Brother Love's Travelling Salvation Show" (lanzado en Mayo de 1969), también sería incluida (en una notable versión) en el comentado disco "Hot August Night".

Pero el éxito de esta canción no sólo fue en los charts, ya que su popularidad también la llevó al plano deportivo, específicamente a los estadios donde se juega béisbol. Es que hay un famoso equipo de las grandes ligas que tiene una tradición relacionada con esta canción. Se trata de la hinchada de los Red Sox de Boston, quienes desde el año 2003 la entonan en cada partido que juegan de local.
La leyenda cuenta que la canción se empezó a cantar en las tribunas del Fenway Park  (donde hace de local este equipo desde el año 1912) desde el momento en que uno de los empleados del club bautizó a una de sus hijas como "Caroline" y entonó esta canción en medio de un match. Es toda una tradición para ese equipo y para las grandes ligar, a tal punto que el mismísimo Neil Diamond ha ido a cantarla en medio de uno de los partidos años atrás...
Queeeee la disfruuuten!!