domingo, 30 de octubre de 2011

COMING UP / PAUL McCARTNEY



"Coming Up" es una canción del músico británico Paul McCartney, que fue lanzada como single un 11 de Abril del año 1980. De hecho, esta canción aparece en McCartney II, disco que marcaba nuevamente el trabajo solitario de este gran artista tras el término de Wings. Este sería su tercer LP en calidad de solista, y además es uno de sus trabajos mas raros donde el ex-Beatle trabajaría en base al uso de los sintetizadores y además que sus canciones están muy ligadas al fenómeno de la música New Wave que marcaba la pauta a inicios de los 80's.

Pero todo comienza un 16 de enero de 1980, cuando Paul y sus Wings deciden ir de gira por Japón, país que hasta esos días no quería ni saber del ex-Beatle a causa de sus problemas legales por decomiso de Marihuana. Pero en esa fecha, Paul hizo las pases con las autoridades niponas, y decidieron darle la pasada a esas tierras para que hiciera un show histórico reviviendo todos sus clásicos.
Lamentablemente, tras ser investigado por la policía en el aeropuerto, al señor Paul McCartney se le fue encontrado, en una de sus maletas , 219 gramos de marihuana lo que provocó serios problemas con la autoridad. Finalmente, y tras 9 días encarcelado, el músico tuvo que cancelar su gira por Japón y fue extraditado de forma inmediata a Escocia, donde tenía su famosa granja. Ese fue el comienzo del final de los Wings, y el inico del renacer de McCartney, quien ya en ese entonces estaba perdiendo fama en lo musical y acaparando portadas nuevamente por problemas judiciales. Al parecer, el destino era circular...

A partir de ese triste momento, Paul decide buscar refugio en su familia en High Park Farm, Escocia. En esos días, empezó a escribir nuevo material, pensando en una pesada revancha con Wings aunque ya tenía en mente otro proyecto, y sólo faltaba acreditarlo con su esposa: Quería volver a las canchas pero nuevamente en calidad de solista.
"Macca" empezó con serias experimentaciones musicales en su granja, mientras aprendía sobre el uso de sintetizadores ya que le causaba curiosidad ese nuevo instrumento tecnológico-musical que tenía a varios de sus colegas dándose de cabezasos contra la pared mientras entendían su poderosa labor dentro de las piezas musicales.

Semanas después, Paul decidió continuear sus estudios y experimentaciones en el estudio de grabación que había contruido en su pequeña casa ubicada en Sussex, Inglaterra. Hasta ese entonces, el mismo Paul había declarado a sus cercanos que estas nuevas canciones no tenían nada que ver con lo comercial y que simplemente eran completadas para pasar el tiempo y no aburrirse de la monotonía de la vida común y silvestre.
Pero una tarde a mediados del año 1979, Paul improvisó unos ritmos en la batería y fue tan de su gusto esa pieza que decidió grabarla. Luego empezó a tocar unos acordes a la guitarra para luego continuar con el bajo. En un par de horas, McCartney tenía una llamativa melodía.
"Hice una acotada versión en el estudio. Parecía el profesor chiflado, haciendo todo lo posible por lograr un objetivo en ese mundo que era como un laboratorio. Era todo raro, ya que sólo trabajaba para mí, era algo loco. Pero me gustó mucho, y en especial la parte instrumental de esta canción, que cuando la hice pensé: 'Bueno, está bien, suena bien, pero, ¿qué voy a hacer por la voz?" En esos momentos yo estaba trabajando en una mesa de control que tenía varias velocidades, y con ella logré acelerar la voz. No fue una tarea fácil, y tuve que encontrar el punto exacto para ese proceso de la voz. Asi fue como aprendí varios trucos, algunos ya ni los recuerdos pero en ese entonces los manejaba a la perfección" señalaría el ex-Beatle a un medio británico tras ser consultado sobre esas sesiones de grabación.

De esa forma nacía "Coming Up", que era una de las canciones que marcaría la pauta del McCartney II por contener el estilo clásico de las canciones populares de este artista, ya que ese LP era un trabajo musical muy raro donde todo el material era experimental y basado en la improvisación.
En un principio esta canción estaba pensada en ser publicada con una duración de casi 6 minutos, pero con el fin de ser lanzada como single, Paul decidió editarla y dejarla en un formato más comercial, porque en el fondo de su ser buscaba promocionar ese extraño disco.

En Abril del año 1980, y con una versión en vivo grabada en 1979 en Glasgow y etiquetada con Wings, esta nueva canción fue lanzada al público. Si bien la canción iba lentamente escalando posiciones en los charts, fue gracias a un llamativo videoclip (donde Paul hacía todos los miembros de la irónica "The Plastic Macs") presentado en Mayo de ese año en el programa "Saturday Night Live " que empezó a sonar por todo el mundo. De ahí que en Junio del año 1980 llegaría al puesto #1 del Billboard Hot 100, posición que hace rato no lograba el ex-Beatle. Por lo tanto, su nueva aventura solista comenzaba de la mejor forma e incluso ni al músico se le pasaba por la cabeza ese logro.

La crítica volvía a hablar bien de Paul, e incluso gente que ya manifestaba cierta distancia con Paul, se atrevieron a alabar esta nueva canción. Uno de esos fue John Lennon, quien hasta ese entonces se había manifestado de manera muy "burlona" hacía las canciones de su ex-compañero de banda y de juerga. La historia cuenta que John escuchó "Coming Up" mientras pasaba unas merecidas vacaciones en las Bermudas, y realmente quedó muy sorprendido con la calidad del nuevo estilo que estaba experimentando su colega.
En Julio de 1980, sería el mismísimo Lennon que declaría en una entrevista con David Scheff: "Alguien me preguntó sobre qué pensaba del último álbum de Paul y antes de que contestara me hizo un comentario sobre lo deprimido y triste que se encontraba Paul en esos días. Ahí fue donde me dí cuenta hacía donde iba la pregunta. Le señalé que "Coming Up" me había parecido un buen trabajo, y que no sonaba para nada depresivo".
Años después, Paul declararía que había escrito esta canción como un mensaje de aliento a su amigo John, quien en ese entonces se había retirado de la música para pasar mas tiempo con la familia. Paul quería que su colega volviera a las andanzas musicales, y al parecer tuvo cierta influencia para la decisión final del autor de "Imagine". "En esos días, me contacté con un muchacho que había estado trabajando con John en las sesiones de grabación de uno de sus discos en Nueva York. Me contó que John a veces no andaba con ganas de cantar ni de tocar. Pero cuando escuchó "Coming Up", John se levantó de su cama y llamó a sus músicos dicendo "Oh, mierda, esto es de Paul, que bien que está trabajando. Parece que tendré que ponerme a trabajar". Al parecer, esta canción hizo que John volviera a grabar. Es una bonita historia" declaraba Paul a un medio británico sobre este tema.

"Coming Up" fue la canción que trajo nuevamente a Paul McCartney a la palestra de los primeros lugares en los rankings demostrando que su música no estaba dentro d elas "modas" que podía renovar su repertorio en un año que sería muy especial y marcado por la tragedia para el mundo de la música.
Que la disfruten!

viernes, 28 de octubre de 2011

BORN TO BE ALIVE / PATRICK HERNANDEZ



"Born to be Alive" es una canción del cantante francés Patrick Hernández, que fue publicada como single en Noviembre del año 1978.
Hernández, de padre español y madre austriaca, fue muy conocido a finales de los 70's gracias al éxito de esta canción. Sonó en todas las radios, a nivel planetario, y logró conquistar los primeros puestos de los charts y dejó para la eternindad su "grano de arena" en la contrucción de la música Disco, que en esos días era grito y plata en el mercado musical.

Es cantante y compositor oriundo de Le Blanc-Mesnil, desde pequeño le tomó el gusto a la música. Es que su entorno familiar estaba muy ligado a la música, ya que su padre era un talentoso guitarrista de una Big-Band de su pueblo, mientras que su madre tenía una gran voz y participaba en varias tertulias locales cantando hits de otros artistas.
A finales los años 60's, Patrick ya tenía una banda con sus amigos de barrio, y tomaba sus primeros pasos artísticos en los escenarios de viejos bares y pubs de esa localidad francesa.

Pero en el año 1978 Patrick Hernandez decidió dejar de lado los estudios y la vida rutinaria para segur un camino ligado a la música y conseguir fama, aplausos y dinero suficiente para acariciar los sueños. Por eso, y aprovechandose del fenómeno de la música disco, ese músico francés escribió una canción llamada "Born to be Alive", una canción con ciertos detalles sobre su estilo de vida de ese entonces bajo la consigna de no renunciar a los sueños, y que sería su producto de muestra ante los productores que andaban en busca de una buen hit.

Pero la tarea de buscar un representante no era tan fácil en ese entonces, y menos en tierras galas, donde el mercado musical era más bien tirado a lo local. Pero a finales del año 1978, y tras varios portazos en sus narices, Patrick encontró una oportunidad con el productor italiano Jean Vanloo, quien quedó muy a gusto con la "rola" que traía bajo el brazo este jóven francés.
Para ello, y tras firmar un contrato con el sello Aquarius, Patrick y Jean viajaron a Bélgica para editar y grabar esa canción.

Una vez que "Born to be Alive" tocó los estantes de las disqueras, empezó la fama y los aplausos. Rápidamente, la canción fue a parar a las pistas debaile de varios locales europeos y en menos de un mes gerentes del sello Gem Records aparecieron en la oficina de Vanloo con una maleta llena de billetes con el fin de promocionar la canción en tierras británicas. De la misma manera, la canción fue lanzada como single en Estados Unidos, eso sí con una nueva mezcla a cargo delos productores Tom Hayden y Mike Stewart.

Por ese entonces, muchos creían que la música Disco se apagaba en fuerzas y acordes, pero con este hit de Patrick Hernández ese estilo musical tuvo su "revival" desde las cenizas. La gente quedó tan impactada con esta nueva "rola", que llegó a vender casi 800 mil copias sólo en el año 1979. En Enero de ese año, la canción ya había obtenido un disco de Oro en Italia, y en Dicimebre de ese año la cantidad de discos de Oro gracias a la canción aumentó en otros 52.

En Abril del año 1979 la canción empezó a pegar con fuerza en Francia, donde lideró los charts hasta Julio de ese año.
En Estados Unidos, la canción fue publicada bajo el sello A-Tom-Mik Records quiens la lanzaron en una versión de 12" , que en semanas ya estaba liderando el Billboard Hot Dance y entrando en la casilla # 16 en el Billboard Hot 100. Además, para lograr el éxito en tierras de habla hispana, el cantante lanzó un single especial para esos países, donde la canción llevaba el título "Nacido Para Vivir".

Tanta fue la fama de Hernández , que decidió junto a su productor ir a promocionar el disco por varios paises y le pidió de manera muy especial a su amigo Jean-Claude Pellerin que viajara a Nueva York y que hiciera un casting para captar bailarinas, cuyo premio final sería salir en escena con el cantante en la gira por toda Norteamérica.
La historia cuenta que hubo mucha gente postulando al cargo de bailarín, y sin lugar a dudas hubo una jóven que cautivó a los productores. Esa jóven se llamaba Madonna Louise Veronica Ciccone, y tiempo después la "romperia en los escenarios de todo el mundo" bajo su primer nombre como identidad mundial. En esta ocasión, Madonna logró clasificar y participar de la gira y de uno que otro videoclip de Hernández,

Hoy en día, la canción sigue siendo reproducida en las radios y no falta en ningún compilado de la Onda Disco. Incluso la banda de Punk- Rock española Los Nikis hizo una llamativa versión de esta canción bajo el título "Me Voy a Benidorm!", y que era un irónico homenaje a esa hermosa y turística ciudad española pertenciente a la Provincia de Alicante.
El que no aparece mucho por estos días es Patrick Hernández, quien a mediados de los 80's desapareció de la ecena musical y se dedicó a descanzar bajo las ganancias del derecho de autor.
De vez en cuando el crespo cantante vuelve al escenario con el fin de resucitar su clásico y hacer bailar nuevamente a esa fanaticada que hoy escucha con nostalgia esa música que fue el soundtrack de sus vidas juveniles.
Que la disfruten!

jueves, 27 de octubre de 2011

DA YA THINK I'M SEXY? / ROD STEWART



"Da Ya Think I'm Sexy?" es una canción del músico británico Rod Stewart, que fue publicada como single en Diciembre del año 1978 promocinando su disco Blondes Have More Fun , que fue el paso escencial para que este carismático artista alcanzara la cima de la fama mundial. A pesar de que tuvo muchas críticas por su nuevo estilo musical más cercano al Pop y al Disco ,y que estaban bastante alejados de sus desgarradoras baladas y el "power" del Hard Rock de antaño, gracias a estas melodías el blondo cantante logró traspasar su musica a varias generaciones y cambios musicales que pasaban por el mercado.

Era arriesgado, pero a la vez podía traer buenos frutos a su carrera como solista, que por esos años estaba en alza. Para ello, el bueno de Rod quizo dejar delado por un rato las baladas y las furiosas guitarras para dar nuevos pasos en el ámbito musical. Es cierto, la gente que gustaba de su música y estilo ya tenía casi en la piel su pasado con The Faces, donde era considerado un "monstruo del rock and roll" porque se comía el escenario con sus estupendas interpretaciones a voz gastada. Pero era necesario un cambio, ya que el mundo musical giraba de manera loca y día a día aparecian nuevos estilos musicales.

A mediados del año 1978, Stewart decidió hacer varias cambios en la formación de su banda de apoyo para empezar a grabar su nuevo trabajo musical. Uno de los nuevos integrantes que llegó a los estudios de grabación fue el experimentado baterísta Carmine Appice, quien venía de tocar en bandas como la psicodelica Vanilla Fudge, y la legendaria Beck, Bogert & Appice. La incorporación de este músico traería buenos dividendos para Rod...

En ese mítico año 1978, la canción que sonaba a cada rato en las radios era "Miss You" de los Rolling Stones. Lo escencial de esa pieza musical era su sonido, que iba mezclando el sucio rock de esa banda inglesa con acordes de la música disco, logrando un resultado muy llamativo, y que le traería buenas ideas a Stewart y compañía. "Él (Rod Stewart) era un gran fan de The Rolling Stones, así que cuando escuchó "Miss You" quedó muy impactado con ese nuevo estilo musical. Asi que fue al estudio y nos dijo "quiero una canción como esta". Eso sí, dejó muy claro que no quería algo parecido a Gloria Gaynor" señalaría años después el baterista.

Uno de los más motivados con crear una canción de ese estilo era Appice, quien de inmediato empezó a buscar acordes y a escribir ideas para la letra. Tanta fue su motivación, que se pasó toda la noche en un estudio de grabación, que pertenecía a su amigo Duane Hitchings, jugando con una caja de ritmos con el fín de encontrar la base musical perfecta.
Al otro día apareció Rod Stewart, y nuevamente empezaron a escribir la canción y a crear detalles musicales. Avanzaron en los coros, crearon una base de percusión y finalmente decidieron llamar al productor Tom Dowd para que les diera una "manito". Y el resultado final fue "Da Ya Think I'm Sexy?".

Una vez que terminaron la base musical, fue el señor Rod Stewart quien se hizo a cargo de la letra. En esta ocasión, Stewart relata la historia de un tipo que se reúne en un club nocturno con una mujer. Ambos personajes, al parecer, se encuentran nerviosos con la idea de ir mas allá de una simple amistad. Sobre esta temática, el señor Rod (que es un hincha a rabiar del Celtic de Glasgow) declaró a varios medios que no hay ninguna relación entre su tranquila (?) vida personal y nocturna con la letra de esta exitosa canción. Aunque su glamorosa vida en Los Angeles, donde las modelos pasaban susto, decía otra cosa...

En Diciembre del año 1978, salió a la venta el single "Da Ya Think I'm Sexy?", y de ahí en adelante su éxito iba en crecimiento acelerado. A pesar de que la vieja fanaticada de Rod no quedó muy a gusto con esta nueva canción, e incluso la catalogaron como "basura Pop", los números en los charts decían otra cosa. En el Reino Unido la canción estuvo una semana en el primer puesto de los charts. Mientras que en los Estados Unidos, donde la música Disco era grito y plata, la pieza de Rod llegó a estar cuatro semanas en el primer lugar del Billboard Hot 100, siendo bajada de ese puesto un 10 de Febrero de 1979 por la comentada Gloria Gaynor con su emblemática "I Will Survive" .

Pero la canción tabién hizo historia, es que dejó a Stewart como un adelantado en lo que se refiere a promoción y marketing de sus productos. Primero, realizó un llamativo videoclip (con fallas incluídas) para promocionar la pieza en MTV, liego decidió lanzar una versión en 12" que sólo era para coleccionistas, ya que se editaron sólo 300 mil copias. Además, un año después lanzó una versión limitada del LP que incluía en pequeño libro con imágenes inéditas de la grabación y un póster con la cara de Stewart, con el fín de que las damas corrieran por su disco. De esa edición sólo se lanzaron 100 mil copias.

Pero el éxito de la canción no estuvo alejado de las polémica. Es que mientras la canción sonaba en las radios a cada rato, apareció en los medios el emblemático músico brasileño Jorge Ben, quien presentó una demanda por plagio, ya que aseguraba que Rod había copiado parte de la base musical de su pieza "Taj Mahal". Ante esa problemática, el bueno de Rod decidió tapar la polémica donando parte de las ganancias del single y del disco a la UNICEF.
Que la disfruten!

martes, 25 de octubre de 2011

WOMAN IS THE NIGGER OF THE WORLD / JOHN LENNON



"Woman Is the Nigger of the World" es una canción del músico británico John Lennon, que fue lanzada como single un 24 de Abril del año 1972. Además, esta canción está incluída en el disco Some Time in New York City, que aparecía acreditado a John Lennon & Yoko Ono, dejando de lado a la histórica Plastic Ono Band y eso fue tomado por la prensa como un cambio radical en la carrera solista de este ex-Beatle. Además, dicho disco muestra a un Lennon mas comprometido con las causas sociales, y su lírica está muy influenciada por los sucesos de esos días inspirados por la Guerra Fría. Si bien, el disco obtuvo pocas ventas y fue considerado por la prensa como un fracaso comercial, en sus canciones se dejaba muy en claro el sentir político del artista, dando varios puñetazos al sistema políticos de los países potencias.

Una de las canciones que causó más polémica en los medios, fue la blusera "Woman Is the Nigger of the World", que estaba inspirada en una frase que dijo Yoko Ono en una entrevista con la revista Nova ,en marzo de 1969, cuando fue consultada sobre el rol de la mujer en la sociedad actual. En ese entonces, la frase causó mucha sorpresa, y la revista la usó en su portada para promocionar la entrevista. Semanas después de la publicación, Ono colocaría mas palos al fuego tras declarar que esa frase fue inspirada en la escena musical de Londres, donde el machismo era la ley. Desde ese momento, la frase empezó a tomar fuerzas y a la vez a cuasa polémicas.

Meses después, Lennon y Yoko deciden viajar a Estados Unidos, donde dieron rienda suelta a sus extrañas performances con facha de artísticas y además decidieron entrar a la política, tomando los ideales de la Nueva Izquierda. Y a partir de ese momento, nuevamente sacan a luz la frase como "caballo de batalla" y para fomentar la reflexión sobre papel de la mujer en el mundo.
"Por supuesto, Yoko estaba a favor de la liberación femenina, incluso desde antes que la conociera. Ella tuvo que abrir camino a su arte en medio de un mundo lleno de hombres, y eso la ponía celosa y a veces, incluso, pasaba muchas rabias. En nuestra relación nunca hubo problemas, haciamos todo en en 50 a 50 o sino esto terminaba" mencionaría en el año 1971 John Lennon a la revista Red Mole. Lamentablemente, esa frase era simplemente un compromiso por la causa, pero en la realidad de esos días decía otra cosa, y es que Lennon seguía siendo un mujeriego profesional, y obviamente eso le pasaría la cuenta en su relación amorosoa años después.

Pero no nos arranquemos del tema y dejemos en claro, que en 1972 la campaña de la familia Lennon- Ono buscaba crear espacios y promocionar un discurso a favor de la emancipación de la mujer y la igualdad de oportunidades. A raíz de eso, Lennon mecionaba en la Red Mole: "La mujer es importante para el mundo. No podemos hacer una revolución sin incluír a las mujeres. Personalmente, me tomó mucho tiempo dejar ese pensamiento de "machista" que le acortaba espacio a Yoko. Ella es liberal al rojo vivo y no esperó mucho tiempo para demostrar lo mal que tenía mis pensamientos sobre esa temática. Es por eso que siempre estoy interesado en escuchar a la mujeres luchadoras"

Tras esa campaña social, Lennon escribe una canción cuyo tpitulo era "Woman Is the Nigger of the World". Eso sí, antes de grabarla y presentarla al público, el músico le presentó la idea y la letra a varios activistas políticos para dejar en claro que la palabra "nigger" (que en algunos sectores sociales tenía cierta referencia, en tono de burla, a la gente de raza negra) no tenía nada que ver con señales racistas y con ofender a las personas. Entre los encuestados, se encontraba el famoso comediante Dick Gregory, quien tuvo una idea muy particular para fomentar la promoción de esa futura canción. Resulta que un 26 de Octubre del año 1972 (cuando la canción a estaba sonando en las radios y provocando cierta polémica) Gregory apareció junto a John y Yoko en la portada de la revista Jet bajo el lema: "El ex-Beatle dice cómo las estrellas de la Enlacemúsica negra le cambiaron la vida". Estaba mas que claro, Lennon quería ponerse el parche antes de la herida de ser acusado injustamente (e irónicamente) como un racista.

"Woman Is the Nigger of the World" fue lanzada como single sólo para Estados Unidos en Abril de 1972, y poco a poco fue tomando cierta polémica, aunque algunos preriodistas simplemente mencionaron que era otra canción de Lennon basada en el humor negro y que no había que tener tanto miedo. En Mayo de ese año, cuando la canción llegaba al puesto #57 del Billboard, Lennon y Ono fueron invitados al programa de teelvisión, de la cadena ABC, Dick Cavett Show, donde decidieron promocionar la canción junto al grupo Elephant's Memory. En esa ocasión, y a nombre de los ideales de la gerencia de la cadena ABC, Dick Cavett pidió de antemano disculpas al público con el fín de prevenir cualquier incidente o polémica que esta pueda generar. Mientras tanto, Lennon acomodaba su guitarra para empezar a hacer nuevamente historia...
Que la disfruten!

lunes, 24 de octubre de 2011

THIS LAND IS YOUR LAND / WOODY GUTHRIE



"This Land Is Your Land" es una canción de la leyenda del folk estadounidense Woody Guthrie. Esta pieza musical, quizás la más popular dentro de su extenso catálogo, fue publicada en el año 1945 y ha sido versionada por varios artistas que vieron en el espiritu social de Guthrie un camino hacía la canción social. Entre los artistas que fueron influenciados por los acordes y las prosas de este trovador se encuentran: Bob Dylan (quien lo cosidera como un heroe), Joan Baez, Pete Seeger, Bruce Springsteen entre otros más que se han tapado en alabanzas a este prócer del folk. Es que Guthrie tenía un discurso claro y a la vez directo. Él se identificaba con la gente común y corriente, y esos que pagan impuestos, también manifestaba su apoyo a los indigentes, a los que no tenían nada que comer y sufrían las crisís económicas. Manifestaba su odio a los políticos y especialmente a los fascistas, a quienes les tenía dedicada mas de una canción con harto odio.

Escrita a inicios del año 1940, y bajo el título "God Blessed America", esta canción era una parodia a la pieza musical "God Bless America" del músico estadounidense Irving Berlin, el cuál se manifestaba abiertamente como un patriota extremo, y amaba tanto a su Estados Unidos que siendo menor de edad ya estaba en el servicio Militar, y en dentro de la Segunda Guerra Mundial él era el artista que iba a apoyar a los soldados con canciones militares, y con eso financiaba su fama como compositor sin censura y promocionaba las guerras como algo necesario. Esos actos lo hacían ser un músico "vendido" en la visión del compositor amante del Folk. En su canción, Guthrie expresa abiertamente su sueño de que algún día la clase obrera de su país iba a tener las mismas oportunidades que los ricos.

Cuatro años después, un Guthrie mas ligado a los pensamientos comunistas, decide re-grabar esta canción para publicarla en algun LP. Por esos días, su discurso político era muy potente, y por eso le realizó ciertos cambios a la letra, regalando una letra punzante y altamente de calidad. Ahora la canción llevaba por título: "This Land Is Your Land".
Otro cambio que realizó el músico a esta pieza musical, fue la esturctura musical, la cuál tenían una melodía muy similar al gospel "Oh, My Loving Brother", que era muy popular en las ceremonias Bautistas. Aunque años después, el cantante aseguró que había tomado algunos acordes e ideas de la pieza "When the World's on Fire", que pertenecía a la agrupación The Carter Family y que fue muy popular en el año 1930. Pero al escuchar la canción, queda muy claro que no fue sólo un par de acordes copiados a esa pieza musical, aunque también hay que decir que Gothrie era un fanático de esa agrupación, y de hecho soñaba con algún día formar una banda con su familia y recorrer el país entonando piezas musicales.
En una entrevista con un medio norteamericano, Anna Canoni, nieta de este famoso compositor, explicó la influencia musical de su familiar con la Carter Family : " En realidad él escribió la música, y también podía tocar varios instrumentos, pero siempre será reconocido por su lírica. Además siempre solía ​​pedir prestada algunas melodías, tal como Woody dijo una vez: 'Bueno, si ya conocen la melodía, sólo falta la mitad para conocer la canción".

Si bien, "This Land Is Your Land" fue grabada en 1944, recien un año desúés fue lanzada al públicada en un pequeño libro con otras 9 piezas y que fue copiado por medio de un mimeógrafo. El arte interno de esa publicación estaba compuesta por unos llamativos dibujos hecho a mano. El mencionado libro se vendía por sólo veinticinco centavos, y recien en el año 1951 pudo obtener los derechos de autor.
Pero en el año 1956, fue la empresa discográfica Ludlow Music quien se hizo dueña de las publicaciones de Guthrie, y luego pasaría a obener los derechos de uator de varias piezas musicales. meses después de obtener esos derechos de las grabaciones caseras , Ludlow publicó una llamativa versión de la canción que contenía un piano y un acompañamiento de guitarra. Debido a esa promoción, esta pieza musical pasó a ser una de las mas populares dentro de la carrera de esta leyenda del Folk.

Sobre el impacto de la canción en los medios estadounidenses con el paso de los años, Anna, que además está a cargo de la Fundación Woody Guthrie, menciona: "Es su creación mas famosas y eso se debe a que cambió la manera en que la gtente entendía el folk. Muchas veces la gente sólo seguía el ritmo y la letra pasaba a segundo plano, pero cuando apareció Woody eso cambió, ya que él escribía en un doble sentido y hasta en un triple sentido, y eso ya hacía pensar al oyente, y de paso daba tema para conversar y discutir. No sólo era música agradable para el oído sino que iba mas allá, y 'This Land Is Your Land' cae en ese cajón".

Es un honor tener hoy día una entrada dedicada a este mítico músico que tenía como mensaje en su guitarra la frase "esta máquina mata fascistas". Un genio perdido en un mundo distitno que le tocó vivir, un poeta de lo normal, un enemigo de la metáfora vacía e inculta, un artesano de canciones valientes. Ese era Woody, ese es el camino...
Que la disfruten!

domingo, 23 de octubre de 2011

IT'S ONLY ROCK 'N ROLL (BUT I LIKE IT ) / THE ROLLING STONES



"It's Only Rock 'n Roll (But I Like It)" es una canción de la emblemática banda británica The Rolling Stones, que fue lanzada como single un 26 de Julio del año 1974 y que está incluída en el disco It's Only Rock 'n Roll . Dicho trabajo musical, es quizás uno de los LP's menos comentados y valorados dentro de la extensa discografía de esta banda, y eso ha provocado ciertos choques entre los fanáticos y analizadores "Rollingas". Es que cada íeza que compone este "It's Only Rock and roll" lo deja como un disco salvaje, quizás adelantado para su época y con detalles musicales muy sobresalientes.

El himno que le dá título a este trabajo musical fue escrito a mediados del año 1973, cuando el experimentado guitarrista Ron Wood invitó a una sesión musical, en su estudio privado ubicado en Richmond, a sus amigos de parranda Mick Jagger y al señor Keith Richards. En esa ocasión, el ex-guitarrista de The Faces, también había invitado a David Bowie, al bajista Willie Weeks, y al baterista "Kenney" Jones, quien fuera integrante de los Small Faces y posteriormente de los Who. Con ese equipo de músicos, la cosa se ponía bastante entretenida y la auto-denominada "jam session" dió buenos frutos.

En esas sesiones apareció una canción muy simpática, que estaba inspirada en una pieza del maestro David Bowie llamada "Rock 'n' Roll Suicide". Además, la canción fue tomando otro tono a medida que iban construyendo la letra y pasó a ser una declaración de principios sobre la escena del rock en esos años, la cual estaba muy ligada al surgimiento del Glam. Así lo revela Jagger en el año 1993 en una entrevista con un medio estadounidense: "La idea de la canción tiene que ver con nuestra personalidad pública en ese momento. Yo estaba cansado de esa gente que veníay te decía "oh, pero no es tan bueno como su trabajo anterior". Esa manga de gente sólo me había visto en fotos, pero me trataban muy mal y me atravesaban con sus espadas.Esta canción fue una alegre respuesta anti-periodística ."

Finalmente, la canción pasó a llevar el título "It's Only Rock 'n Roll (But I Like It)" y los integrantes de esa sesión decidieron que fuera grabada de manera oficial por los Rolling Stones ya que fue escrita en un alto porcentaje por la dupla Mick Jagger /Keith Richards.
La canción fue grabada de manera completa en casa de Wood (que ahora pertenece al señor Pete Townshend ), y uno de los que mas se sintío con ese acto fue el baterista Charlie Watts, quien ni se había enterado de esa canción y para las sesiones de grabación simplemente dejó la parte de batería grabada por Kenny Jones y se negó a tocar o hacer arreglos. Mas encima en el videoclip de la canción, donde los integrantes de la banda salen vestidos de maerineros bajo una lluvia de globos, el único que quedó bajo el mantos de coloridos globos fue el desmotivado(?) baterista quien no pudo arrancar en plena grabación...

Otro detalle de la canción, fue dicho nuevamente por el vocalista Mick Jagger años después del lanzamiento de esta canción y hace referencia a uno de sus ídolos musicales: "Esta canción es muy Chuck Berry, aunque tiene un sentir muy distante a las temáticas de Chuck Berry. Realmente no se puede hacer imitaciones a ese músico, aunque es bueno empezar tratando de imitar a alguien. Por ejemplo en la pintura, muchos artistas famosos empezaron siendo impresionistas y luego pasan a ser los pintores mas abstractos y más famosos. O un actor que empieza por imitar el estilo de otro actor, y luego desarrolla su personaje. Eso fue lo que pasó con esta banda y todos los músicos que estamos dentro de ella "

Finalmente esta canción le dió el título al último disco de la banda con la participación del fenomenal guitarrista Mick Taylor, y el primero bajo la producción de unos desconocidos The Glimmer Twins, que entraron sustituír al productor Jimmy Miller. Tiempo después se supo que los GT eran simplemente Mick Jagger y Keith Richards, quienes hicieron ese detalle con el fin de pasar un buen rato y confundir a los fans.
Además, esta fue la primera colaboración del guitarrista y amigo de la banda Ron Wood, quien meses después sería invitado por los Rolling Stones a formar parte de la formación estable y de ahí nadie lo sacó...

El single llegó al puesto #10 del UK Singles Charts y a la casilla #16 del Billbard Hot 100, quedando como una de las melodías clásicas de esta gran banda que es toda una influencia para el universo del rock...
Que la disfruten!

viernes, 21 de octubre de 2011

A GROOVY KIND OF LOVE / THE MINDBENDERS



"A Groovy Kind of Love" es una canción de la banda británica The Mindbenders que fue lanzada como single en el año 1965 e incluída en el disco del mismo nombre, que fue su debut en las pistas musicales.
Esta banda, oriunda de Manchester, quedó en a historia del Pop de su país por ser un combo de música y músicos interesantes. Es que entre sus filas se encontraban, el fundador y líder, Eric Stewart y el aclamado compositor Graham Gouldman, que años después formarían la aclamada banda 10 c.c, con la cuál darían rienda suelta a sus ideas mas experimentales.

Pero la canción, con la cuál la banda llegó al éxito absoluto, tuvo su origen en Norteamerica, específicamente en Nueva York, donde los jóvenes compositores Toni Wine y Carol Bayer, que trabajaban para la compañía discográfica Screen Gems, escribieron esta canción en el año 1965 para que la interpretaran el dúo Diane & Annita.
Inspirados en la Sonatina in G major del compositor británico Muzio Clementi, el jóven Wine ( que en ese entonces sólo tenía 17 años) empezó a improvisar desde el piano una letra con las frases "Groovy kinda, groovy kinda" y en tan sólo 20 minutos ya tenía lista la canción para que ser grabada. Los arreglos musicales corrieron por cuenta de Bayer, que tenía 22 años y que tenía un amplio conocimiento de la escena del Pop local y la fórmula para crear un hit radial.
"Estábamos hablando del excesivo abuso de la palabra " Groovy " en varias canciones que sonaban en las radios por esos días. Ya había sido usada por Paul Simon y Art Garfunkel en "Feelin' groovy" ,y basados en esa idea queríamos escribir una canción con esa palabra. En tán sólo 20 minutos ya teníamos escrita la canción. Fue increíble. Sólo a voz y piano, y el resultado fue una canción simple pero a la vez increíble" mencionaría Toni Wine en una entrevista con un medio estadounidense.

Una vez que la canción salió al mercado en voz de Diane & Annita, fue el productor Jack McGraw, quien trabajaba en la sucursal que tenía Screen Gems en Londres, quien quedó muy a gusto con la melodía y decidió pedir los permisos para que esta sea interpretada por el grupo británico The Mindbenders, quienes por esos días querían relanzar su carrera musical tras la polémica salida de su vocalista Wayne Fontana, quien por motivos comerciales quería probar suerte como solista tras el rotundo éxito del single "Game of Love".

En esos días, los mimebros de la banda estaban bastante enojados con Wayne Fontana, quien dejó a los Mindbenders con las manos vacias tras llegar a los primeros lugares de los charts. Uno de los mas enojados era Stewart, quien previo a la grabación de esta canción había declarado en la prensa que su ex-vocalista siempre estaba amenazando con dejar la banda y dió un "datito" importante: "Hasta que un día en camarines previo a un show, se le perdió un pandero e hizo un berrinche de tremendas proporciones y en esos momentos fue el baterísta, Ric Rothwell, quien lo encaró y le dijo de manera violenta que estaba harto de su egolatría".

Asi fue como a medidados del año 1965, Los Mindbenders, volvieron a la escena musical con la versión de "A Groovy Kind of Love", que de inmediato fue un hit en sus tierras (#2) y en los Estados Unidos (#2).
De hecho, en Estados Unidos estaba previsto lanzar una nueva versión de la canción en las voces de Patti LaBelle & Bluebelles, pero debido al éxito que habian logrado los Mindbenders con la "rola" tuvieron que esperar casi un año para publicar su single.

Pero "A Groovy Kind of Love" tendría un su "revival" en el año 1988. Es que en Agosto de ese año, el artista britanico Phil Collins lanzó al mercado su romántica versión de la canción para promocionar el film Buster, donde el calvo baterísta y compositor tenía uno de los papeles protagónicos. Esta versión llegó a los primeros lugares de los charts por todo el mundo y dió nuevamente el paso para que las antiguas versiones retomaran fuerza y las nuevas generaciones las conocieran, en especial la que hoy analizamos.
Que la disfruuuten!

jueves, 20 de octubre de 2011

IF I NEEDED SOMEONE / THE BEATLES



"If I Needed Someone" es una canción de la banda The Beatles que está incluída en el "Rubber Soul", la sexta placa lanzada por esta prestigiosa banda británica.
Este disco manifiesta un cambio casi radical del estilo musical que la banda estaba practicando hasta ese entonces. Con la idea de sacar esa imagen de chicos rebeldes que cantaban con melodiosos "yeah, yeah", la banda decide dar un paso a la madurez musical y presentar un disco donde la lírica y la música notaban de un progresión muy avanzada. Debido a la alta influencia de Bob Dylan y el alto consumo de marihuana, los Fab Four fueron experimentando nuevas ideas con el fin de innovar su repertorio y demostrar que podían provocar un cambio dentro de la escena musical. El resultado final fue un disco notable, y que fue el primer paso para que la banda quedará para la eternidad como una de las más influyentes en la historia del rock.

La historia de esta canción, escrita por George Harrison, empieza en el año 1965 cuando el publicista que trabajaba bajo la marca The Beatles, nos referimos al señor Derek Taylor, decide trasladar una de sus oficinas a Norteamerica, y con ello decidió probar suerte en esas tierras promocionando a una banda local y todavía algo desconocida llamada The Byrds.
Tras enterarse de esa noticia, George Harrison, que ya sabía de las existencia de esa banda, decidió confesarle un secreto a su amigo: Había escrito una canción cuya estructura melódica estaba basada en un ciento por ciento en la canción "The Bells of Rhymney".

Taylor le entregó ese mensaje al guitarrista de los Byrds, el capo Roger McGuinn, quien en vez de mostrar un enojo se manifestó contento con que su amigo George haya inspirado una de sus canciones en las ideas musicales que experimentaba junto a su banda.
De hecho, fie el mismísimo Roger quien le enseñó a George la potencia y las ventajas de tocar una Rickenbacker de 12 cuerdas, que fue la misma que luego utilizaría el Beatle en el disco "A Hard Days Night", y que provocó toda una sorpresa para le escena rockera del Reino Unido al analizar ese sonido tan extraño y a la vez novedoso de ese estilo de guitarra.
"Él nos envió una copia de su nueva creación musical y Derek Taylor quien me la pasó. Dereke ya me había dicho que los Beatles, comandados por George Harrison, habían grabado una canción al estilo Byrds. Una vez en Los Ángeles, fuimos a casa con Derek para que escuchemos la canción. Ahí me comentó que George había declarado que la canción estaba basada en las escalas que había aprendido con la Rickenbacker de 12 cuerdas, y en especial la había usado en la introducción. Para mí fue un gran honor tener aunque sea una pequeña referencia e influencia en las canciones de nuestros héroes: The Beatles" comentaría años después Roger en una entrevista con la revista Christianity Today.

Pero la amistad de Harrison con los Byrds no sólo tuvo esas características ya nomsbradas. La historia cuenta que la primera vez que George escuchó un sitar fue en una sesión de grabación donde David Crosby le presentó algunos acordes básicos de ese maravilloso instrumento indio. Así lo señalaría Roger MGuinn en la mencionanda entrevista: "No fue Ravi Shankar quien le presentó a George el sitar sino que fue uno de los Byrd, David Crosby quien ya tomaba lecciones básicas con Shawn Phillips. Recién en el año 1965, ciando The Beatles andaban de gira por los EE.UU. ellos visitaron a Ravi en los World Pacific Studios, donde nosotros teníamos nuestra sala de ensayo". Es que "If I Needed Someone" también contenía una influencia de la música india, en especial en su estructura musical que estaba basada en el uso de un sólo acorde, el cuál era el primer paso para las posteriores canciones que escribiría este gran artista británico bajo esa experimentación musical.

En la grabación de la canción, Los Beatles sólo necesitaron dos sesiones para completarla. La primera, llevabada a cabo un 16 de octubre de 1965, fue de vital importancia ya que ahí se grabó gran parte de la base instrumental, quedando casi lista. Dos días después, vino la parte vocal, donde Harrison recibió el apoyo de Lennon y McCartney, y además se agregó una parte de la pandereta interpretada por Starr.
De esa manera s edió rienda suelta a esta maravillosa composición musical en manos de Harrison, el Beatle callado, pero que con el paso de los años fue tomando fuerza su actitud de compositor hasta llegar a escribir unos clásicos eternos.
Que la disfruten!

lunes, 17 de octubre de 2011

I'M IN LOVE WITH MY CAR / QUEEN



"I'm in Love with My Car" es una canción de la banda británica Queen, que fue lanzada como single un 10 de Octubre del año 1975 como lado B de la emblemática e histórica "Bohemian Rhapsody".
La canción forma parte del repertorio del LP "A Night at the Opera", uno de los trabajos musicales mas aplaudidos de esta banda, donde cada píeza musical tiene un tinte teatral mezclado con el rock mas duro o con la balada mas suave y simple. Esa mezcla musical, hacía que el disco sea una joya histórica y que quedara como uno de los trabajos musicales mas influyentes en la historia del rock.

En esta ocasión, el encargado de llevar la batuta de la banda es el baterísta Roger Taylor, quien quizo dejar de lado por un rato sus tambores y platillos para pescar una guitarra t grabar un "demo" casero y así dar su aporte al disco que estaban trabajando como banda.
Una de la canciones que salieron de esas sesiones privadas, era un potente hard rock con una llamativa letra que hablaba sobre un hombre que amaba tanto a su coche que dejaba de lado hasta a las novias.

Taylor, que era un amante de la velocidad y de niño manifestaba un fanatismo por la marca Ferrari, le había dedicado esta pieza musical a uno de los roadies de la banda, de nombre Jonathan Harris, que compartía el gusto por los carros y que en más de una ocasión señalaba que su Triumph TR4 era el "amor de su vida".

Pero tras escuchar el "demo" casero junto al guitarrista Brian May la cosa se puso de otro color. El melenudo dueño de las seis cuerdas de Queen no podía creer lo que estaba escuchando y simplemente le díjo a su amigo: "Ojalá sólo sea una broma". Es que nadie entendía la pieza de Taylor, y al final simplemente la aceptaron con el fin de que formara parte del disco como "relleno".
May colocó las guitarras y Taylor se hizo de la voz principal, al estilo Rod Stewart. Poco a poco, a medida que avanzaban las sesiones, la canción fue tomando forma y llamando la atención de los demás músicos y no sería una sorpresa lanzarla como single.

Con una letra irónica, que puede ser entendida como un relato de un tipo machista que prefiere su auto ante las chicas o de una persona que se derrite por los autos. Dá lo mismo eso, lo que importa para el fanático es que es una pieza que no fue de relleno, y su aplastante riff de guitarra bajo una cortina de Hard Rock es un lujo.
En la producción de la canción, Taylor también se dió un gusto personal y dejó para la eternidad un efecto sonoro hecho por el motor de su Alfa Romeo, el auto que tenía en ese entonces.

Una vez terminada la canción, el baterísta alegó tener mas participación dentro de la banda y dejó en claro que esta era su oportunidad y de la mano de "I'm in Love with My Car" podía tener ese gusto.
Pero la tarea no era fácil, ya que el repertorio del disco estaba lleno de buenas canciones,donde cada una tenía méritos para ser single. Sin embargo, el primer corte sería "Bohemian Rhapsody", y como lado B aún se buscaba una canción, y ahí fue donde Taylor empezó a jugar sus "fichas".
Para ello el baterísta tuvo que hablar a solas con Freddie Mercury, quien era el detallista y el que ponía la voz de mando en la banda. Tras una tensa reunión, el cantante y figura de la banda decidió darle esa oportunidad a Roger y este saltó de alegría.
"I'm in Love with My Car" fue la compañía perfecta para "Bohemian Rhapsody", ya que calzaba en un contraste sano, donde una pieza de alta calidad en cuanto a producción e imaginación musical tenía su remate con una nueva canción rockera pero en voz del baterísta, con aroma a pistones y bujías y que además llevaba una frase muy singular: "Dedicated to Johnathan Harris, boy racer to the end".

Asi que será mejor que se pongan el cinturón de seguridad, aplasten el acelerador y empiezen a disfrutar de esta potencia de canción cantada con toda el alma por el gran Roger.
Queeee la disfruuten!

domingo, 16 de octubre de 2011

MRS VANDEBILT / PAUL McCARTNEY & WINGS



"Mrs Vandebilt" es una canción de Paul McCartney & Wings que fue lanzada como single en Enero del año 1974 (sólo para Oceanía y parte de Europa) promocionando el famoso "Band on the Run". uno de los discos mas emblemáticos dentro de la carrera solista de este extraordinario músico británico.
"Band on the Run" es un disco altamente recomendable, lleno de detalles musicales y experimentaciones por montón, donde McCartney le dá un justo "tapaboca" a todos los colegas y preriodistas que lo tachaban de hacer "simples y desechables canciones de amor" . Grabado en gran parte en los estudios que la EMI tenía en Lagos, Nigeria, este trabajo musical es considerado uno de los discos mas emblemáticos de la década de los 70's.

En tierras africanas, Paul y compañía empezó a experimentar nuevos sonidos. Pese a que tuvo varias aventuras extra-musicales, con amenzas de muerte y robos de por medio, su estadía en Nigeria fue fructífera para el desarrollo de ese LP.
Una de esas canciones era "Mrs Vandebilt", inspirada (con falta de ortografía incluída para no tener problemas legales) en la famosa familia Vanderbilt, que pese a tener sangre holandesa eran una dinastía dentro de la sociedad estadounidense del siglo XIX. El patriarca de esa familia era el empresario Cornelius "Comodoro" Vanderbilt, que hizo su fortuna gracias a sus negocios con empresas de barcos y ferrocarriles.

McCartney se inspiró especialmente en la caída del imperio económico de esta famosa familia a finales del siglo XX, y lo usó como una metáfora sobre propia experiencia tras la caída de los Beatles y todo el proceso judicial para obtener los dineros amarrados por contratos.
Pero en la canción no sólo se habla de esos empresarios, sino que también tiene detalles musicales inspirados en los radio-teatros del famoso cómico Charlie Chester, en especial en la frase: "Down in the jungle, living in a tent/Better than a prefab - no rent!", que era uno de los intros de uno de sus espacios teatrales inspirados en la serie Tarzan y que Paul escuchaba en su juventud e incluso se declaraba fanático de ese actor y animador británico.

La canción fue grabada en Agosto de 1973 en Nigeria, justo en una noche en que se cortó la luz en todo Lagos. Para ello, los Wings (mas bien lo que quedaba de la banda, que eran Linda y el guitarrista Denny Laine ) grabaron la base musical utilizando unos artesanales generadores de electricidad que estaban ahí en caso de emergencia. Por suerte, no hubo ningun accidente ni shock electrico, aunque los músicos se mostraron muy nerviosos y preocupados ante la problemática de que algún ruido del ambiente se filtrara en las cintas y dejara en cero el trabajo de esa noche.

Tras arrancar de Nigeria, la banda le dió los últimos retoques a sus nuevas composiciones en los estudios de EMI en Londres. Para esa ocasión, Paul contactó a Howie Casey, ex-miembro de la banda Derry And The Seniors, para que agregara unas llamativas partes de saxofón a las piezas de su nuevo disco. Una de esas canciones seleccionadas fue "Mrs.Vandebilt" (las demás fueron la frenética "Jet" y la balada " Bluebird").

Otro detalle hecho en esas sesiones de grabación en los AIR Studios, fueron las risas que se incluyeron en la parte finales de la "rola". Estas risas pertenecían a los efectos sonoros utilizados en los programas de Chester , lo cuáles provenían del público que iba a sus espectaculos.
"¿Las risas? La idea la tuvimos en África. Es que estabamos tan entretenidos que queriamos hacer unas cuantas bromas para los fans, y finalmente incluímos unas risas al final de la canción. Cuando llegamos a Londres, decidimos colocar a una multitud de personas riendo y resultó bastante interesante. Fue genial escuchar las cintas con ese efecto de sonido, e incluso me dí el tiempo de seleccionar que risas iban a ir dentro de la canción. Mezclamos nuestras voces, con el fin de lograr un efecto en stereo, como si fuera un error del estudio o de la banda y todos riendo de eso" comentaría Paul McCartney en una entrevista con el famoso animador Paul Gambaccini.

Finalmente, la banda y sus productores decidieron lanzar esta canción como single sólo para Europa y Australia, y se publicó en Enero del año 1974 con "Bluebird" en el lado B.
Al parecer, Paul y compañía no le tenían mucha fé a esta canción, y por ello no la incluían en el tracklist de sus conciertos por Europa ni Estados Unidos.
Pero sería recién en el año 2008, cuando un rejuvenecido Paul tuvo que ensayar y colocar nuevamente esta canción par ainclupirla sí o sí en el repertorio de un concierto programado en Kiev, Ucrania. En esa ocasión, y con el fin de hacer mas demócrático y flexible el repertorio del ex-Beatle, un sitio web hizo una encuetra cibernetica donde los fanáticos pedían canciones al músico inglés y aquellas que tuvieran mas votos serían tocadas por el "capo". Una de las mas solicitadas por la fanaticada fue la que hoy estamos analizando.
En esa ocasión Paul ,en un trabajado dialecto ruso, intentó decir "Se nos pidió llevar a cabo esta canción" y los acordes empezaron a sonar y a transportar a sus fanaticos a 1974 y al vinilo del "Band On The Run". Tras esa maravillosa reproducción, Paul dejó a la canción dentro de su repertorio y hasta ahora sigue sonando en los escenarios. Por los menos en su visita en Marzo de este año a Perú, Chile y Argentina esta canción estuvo dentro del repertorio e hizo bailar y gritar a todos los fans de uno de los músicos mas importantes para la escena musical del siglo XX.
Que la disfruten!!

sábado, 15 de octubre de 2011

GOLDFINGER / SHIRLEY BASSEY



"Goldfinger" es una canción de la famosa cantante galesa Shirley Bassey que fue publicada como single en el año 1964 promocionando la banda sonora de la película del mismo nombre, que formaba parte de la tercera entrega de la famosa saga "James Bond", esta vez bajo la dirección de Guy Hamilton y con el actor Sean Connery en el papel del famoso Agente 007.
Bassey, oriunda de Cardiff, empezó su carrera musical cuando sólo tenía 15 años y sus productores tenían puesto todas sus ganas en ella, ya que se veía a venir una cantante de alta calidad. Pero el proyecto tuvo un brusco final cuando recién tenía cumplidos los 16 y a causa de un repentino embarazo decidió abandonar los escenarios y fue por varios años.
Pero su revancha vino en el año 1955, cuando sacó aplausos en su rol protagónico del musical "Such Is Life", y a partir de ese momento empezaba su renacer artístico.

Pero 1964, sería el año donde la carrera de Bassey iría a la fama absoluta. Todo empezó a inicio de ese año, cuando tras una actuación en Londres, la cantante recibió la visita en su camarín del aclamado compositor John Barry, quien le traía una propuesta muy "simpática". Resulta que por esos días, Barry había sido nuevamente reclutado por los productores de "James Bond" para que escribiera la banda sonora de la cinta "Goldfinger", que ya estaba en proceso de edición. En esa ocasión el compositor intentó conseguir el visto bueno de la cantante apelando a la sinceridad, esto se debía a que realmente la canción que le iba a enseñar sólo venía en formato instrumental, ya que no había muchas ideas claras sobre el contenido de la letra, y para ello aún faltaba ver algunas escenas de la película.
Tras una breve conversación con los productores de la cantante, que al parecer creían que esto formaba parte de alguna broma, Bassey aceptó la cinta y se la llevó a su departamento para escucharla con tranquilidad y luego dar la respuesta definitiva sobre su participación en la BSO de esta cinta.
"Finalmente la escuché, y casi me caigo de la silla. Gracias a Dios escuché esa canción, porque contenía arreglos musicales que me dejaron la piel de gallina. Por eso, esa misma noche llamé por telefono a Barry y le dije: 'No me importa que aún no tenga letra. Sea como sea lo haré" señaló años despues la cantante a un medio británico.

Una vez que la cantante dió el sí a la idea de participar en esa canción, Barry reclutó a los compositores Anthony Newley y Leslie Bricusse para que escribieran una letra adecuada con la temática de la película. Esa tarea no era tan fácil, como tampoco lo fue para John Barry escribir esa pieza musical.
Una vez que los contactaron los ejecutivos ligados a esa cínta, el compositor pasó toda una noche en vela pensando una que otra idea experimental y escribiendo partituras. Finalmente, el músico llegó a la conclusión de que su nueva pieza musical tenía que estar inspirada en el perfil del villano de la película y se aferró a los arreglos musicales de la canción "Mack The Knife", que era un homenaje a un ser villano... Y de ahí todo empezó a fluír.

Una vez que escribió gran parte de la pieza musical, Barry se la presentó a su amigo y vecino, el famoso actor, Michael Caine. Tras escucharla atentamente, un confundido Caine decidió ser sincero con su amigo músico: " Se parece a 'Moon River'" . De forma inmediata, Barry corrió a su estudio de grabación y le agregó a su nueva pieza musical una llamativa parte de bronce, que contenía parte del "jingle" típico de las anteriores melodías de James Bond, y con eso buscó evitar que la gente confundiera su trabajo con la famosa canción escrita por Johnny Mercer y Henry Mancini en 1961. Años después, Barry declararía a un medio estadounidense que los arreglos finales no los hizo por temor a ser acusado de plagio por Mancini y compañía, sino que lo hizo por el bien de su carrera musical, ya que no podía escribir alg que se pareciera con "la peor canción que había oído en toda mi vida".

Una vez que Shirley Bassey estaba en el estudio de grabación, y los demás compositores escribieron la letra, todo estaba listo para entrar en calor con la canción.
La interpretación de Bassey fue genial, y eso se notaba en cada detalle, donde su voz abrazaba de buena maner ala cortina musical hecha con mucho profesionalismo. Es qe al igual que la película, la canción tenía diversos actos, momentos fuertes y momentos dulces y tranquilo. Esa variedad de estilos, hicieron que la canción fuera un éxito. Además, en la producción estuvo el señor George Martin, y entre los músicos de esa sesión de grabación se encontraba un joven guitarrista, amante del blues, llamado Jimmy Page.

Tras decidier lanzarla como single, donde la cara B era la versión instrumental, esta pieza en voz de Bassey llegó al octavo puesto del Billboard Hot 100 y al puesto #2 en el Adult Contemporary, donde se mantuvo por casi cuatro semanas. Mientras que en Reino Unido, tierra donde en esos días mandaban los Beatles, la canción sólo llegó al puesto #21, aunque semanas después la banda sonora de la película bajaría por un rato a Los Beatles del primer lugar en los charts británicos.

Les dejamos esta canción memorable, que ayudó a afirmar la fama de la cinta James Bond y de paso aumentar la populairdad de esta diva británica, que hasta el día de hoy sigue llenando teatros y cantando sus clásicos, donde obviamente no puede faltar esta popular pieza.
Que la disfrrrrrruuten!

viernes, 14 de octubre de 2011

LILY THE PINK / THE SCAFFOLD



"Lily the Pink" es una canción del trío británico The Scaffold, que fue lanzada como single Enlaceen Noviembre del año 1968 y que fue todo un suceso musical para la celebración de Navidad en tierras británicas.
Esta llamativa agrupación, oriunda de Liverpool, y que mezclaba buen humor con poesía e interesantes piezas musicales, estaba formada por el comediante John Gorman, el poeta Roger McGough y el talentoso Mike McGear, cuyo verdadero nombre era Peter Michael McCartney y además era el hermano del famoso Paul McCartney. Por esa razón este personaje decidió usar ese apodo para evitar que la prensa empezara a bombardear su territorio escribiendo columnas sangrientas sobre el aprovechamiento de la fama de su hermano Beatle.

Pero una de las piezas musicales mas aplaudidas de esta agrupación fue "Lily the Pink", que era una adaptación de una vieja canción folk titulada "The Ballad of Lydia Pinkham" que comunmente era coreada a viva voz en los camarines de varios equipos de Rugby a los largo y ancho del territorio britanico. Esa canción estaba inspirada en la astuta comerciante estadounidense Lydia Pinkham que dió en el clavo con su famoso tónico para la mujer basado en la mezcla de distinta hierbas y que estaba destinado para aliviar los dolores menstruales y la menopausia.

Por ello, no hay que mostrar sorpresa con frases como "Jennifer Eccles and her terrible freckles", que estaban relacionada con la clásica canción "Jennifer Eccles" de los Hollies y que tuvo su inspiración una tarde en que el integrante de esa mítica banda llegó a los estudios de Abbey Road a visitar a sus amigos y finalmente se quedó trabajando con los músucos aportando en los coros y en uno que otro arreglo a la letra de la canción.
Otra frase histórica (?) de esta canción es "Mr Frears and his sticky-out ears", la cuál iba directamente relacionada con el director de cine Stephen Frears, quien años atrás había dejado "la crema" en el interior de la agrupación tras dirigir unos mediocres cortos de humor negro que simplemente fueron tirados a la basura y que como resultado final dejó al representante de los Scaffold con varias deudas.

Pro la banda no sólo contó con la ayuda de Nash. Otro que tuvo una destacada participación en la canción fue Tim Rice, quien en ese entonces trabajaba como asistente en en los estudios de Abbey Road, y que en esa sesión de grabación fue un vocalista más de la banda. Por si no les suena el nombre Tim Rice, simplemente le daremos un botón de su aclamada carrera musical: Es el autor de las letras de todas las canciones que componen la aclamada ópera-rock Jesucristo Superstar.
Otro que aportó su talento dentro de "Lily The Pink" fue un jóven llamado Reginald Kenneth Dwight, que por ese entonces andaba buscando algún sello discográfico para mostrar todo su talento. Tiempo después ese jóven se puso unos trajes extraños y bajo el pseudónimo Elton John encontró la fama definitiva y dió la vuelta al mundo.
Días después la banda invitó, al entonces bajista de la banda Cream, Jack Bruce y al baterista de los Who, el "capo" Keith Moon para que tocaran y aportaran ideas en los arreglos musicales.

Tras estar acompañados de un verdadero "dream team" musical, los Scaffold decidieron publicar su canción en las semanas previas a las fiestas de fin de año.
Asi fue como en Diciembre del año 1968 los periódicos informaban que sorpresivamente "Lily the Pink" llegaba al puesto #1 del UK singles chart, donde se mantuvo por cuatro semanas liderando ese prestigioso ranking musical. Además, tras vender un millón de copias, el single fue certificado con Disco de Oro.
Que la disfruten!

jueves, 13 de octubre de 2011

ALL RIGHT NOW / FREE



"All Right Now" esuna canción de la banda inglesa Free, que fue lanzada como single en el año 1970 promocionando su LP "Fire and Water", uno de sus trabajos musicales mas aplaudidos por la prensa y considerado como una de las "joyas" del rock británico.
Free es una de las bandas británicas mas importantes dentro del género Blues-Rock. Formada en Londres a finales de los 60's cuando un jóven llamado Paul Rodgers, que atenía una extensa carrera sobre los escenarios cantando rock and roll, decide armar una nueva banda con el fin de probar suerte en la escena profesional. Tras una larga búsqueda de músicos, el vocalista dió con un talentoso guitarrista llamado Paul Kossoff, luego con el bajista Andy Fraser y finalmente encontró un baterísta apot para su nuevo estilo musical: El señor Simon Kirke. Estos cuatro muchachos se declaraban fans del blues y el buen rock, y además traían un curriculum vitae extenso con varias participaciones en estudios de grabación como músicos de sesión.

Una de sus canciones mas famosos es, sin lugar a dudas, "All Right Now". Esta pieza musical, que contiene un inmortal e influyente riiff de guitarra, fue escrita por Andy Fraser y Paul Rodgers en un estado de emergencia musical tras reflexionar sobre sus actuaciones en vivo a las cupales le faltaba una cuota de rock duro para darle mas energía al asunto.
La historia cuenta que la canción fue escrita por el vocalista y el bajista de la banda tras un concierto que dieron en la histórica cuidad de Durham. En esa ocasión, en los camarines, los integrantes de Free notaron que le faltaba una canción potente, que hiciera saltar a toda su fanaticada y hacer que muevan sus melenas hasta el suelo. Al parecer, ya en eso días el abuso del Blues y las experimentaciones improvisadas sobre el escenario no bastaban para sorprender al público, que años tras año le pedían mas y más a sus bandas favoritas, y en este caso el "palo" iba para los Free.

Tras una larga conversación acompañada de cervezas y groupies, el bajista Andy Fraser, empezó a improvisar una llamativa melodía ante la mirada atenta de sus compañeros.
De inmediato Andy pescó un cuaderno y empezó a escribir la música de su nuevo hit que le salvaría los shows. En ese camarín, nacía "All Right Now", la canción que marcaría la trayectoria de esta gran banda.

En Junio del año 1970 la banda entró a los Trident Studios y grabó esta canción que habla sobre un personaje que anda en busca de un amor, y en una de sus andanzas encuetra a una chiquilla en la calle y se la lleva a su casa para que pasen una noche de diversión y mas allá.
Pero antes de lanzarla como single, la banda presentó su nueva canción un 30 de Agosto de 1970 en el famoso "Isle of Wight Festival" ante unas 600 mil personas. En esa ocasión, la frenética banda la rompió con todas las ganas, y su nueva canción ya pintaba para ser un clásico dentro de su repertorio ya que su fanaticada los aplaudió a rabiar y disfrutó al ciento por ciento los pegajosos riffs de guitarra y la potencia de estos renovados Free.

Tras esa actuación, las radioemisoras empezaron a pedir la canción a la doscográfica de la banda, ya que muchas personas la pedían constantemente durante el día y los DJ's sólo contaban con la mencionada versión en vivo pero en una calidad sonora muy baja.
A raíz de esa situación, Free lanza como single "All Right Now" y tal como ya se aventuraba, la canción fue un exitazo en los charts.
En tan sólo una semana ya estaba en la casilla #2 del UK singles chart y días después le daban la noticia de que esa potente canción estaba en puesto #4 del Billboard Hot 100.

De ahí en adelante, esta poderosa canción quedó como una de las piezas mas importantes dentro del rock británico.
Muchas bandas empezaron a imitar ese nuevo estilo o simplemente le hacían una nueva versión a este clásico. Los medios de comunicación tampoco se quedaron de brazos cruzados, y empezaron a usar la canción para promocionar sus productos mediante esta gran melodía que dejó a los Free como una agrupación inmortal.
Que la disfruten!

miércoles, 12 de octubre de 2011

FERRY CROSS THE MERSEY / GERRY AND THE PACEMAKERS



"Ferry Cross the Mersey" es una canción de la banda británica Gerry and the Pacemakers que fue lanzada como single en Diciembre del año 1964 promocionando la banda sonora de la película del mismo nombre dirigida por el cineasta inglés Jeremy Summers.
Esta banda oriunda de Liverpool y liderada por el talentoso Gerry Marsden comenzó sus andanzas musicales en el club Cavern, donde tocaban con otra banda amiga: The Beatles.
Al igual que los Fab Four, fueron reclutados a inicios de los 60's por empresarios alemanes para ir a tocar en clubes nocturnos de Hamburgo, Alemania y posteriormente fueron reclutados por Brian Epstein, quien decidió darle rienda suelta a sus ideamusicales, y se puso la chapa de representante y de inmediato empezó a promocionar a la banda en todos los medios de comunicación a inicios del año 1963 mientras Los Beatles ya la "rompían" en todo el mundo.
Junto a Gerry, quien tocaba la guitarra, cantaba y escribia las canciones, estaban a su lado el baterísta Fred Marsden, el poanista Les McGuire y el bajista Les Chadwick. Juntos formaron una de las agrupaciones musicales mas emblemáticas del rock británico.

Esta canción fue escrita por Gerry Marsden como un homenaje a su natal Liverpool, a la cuál viajaba muy pocas veces o simplemente cuando las giras y los conciertos terminaban. Por eso, desde la nostalgia del cambio de vida, este gran artista británico le dedica una canción hermosa a su tierra natal, y lo simboliza con los viajes y paseos en Ferry a través del rio Mersey, que eran uno de los atractivos mas emblemáticos de esas tierras y que hasta el día de hoy siguien flotando en esas aguas y dando paseos a los turistas.

Pero escribir la canción no fue una cosa tan fácil. De hecho, fueron casi dos meses lo que ocupó Gerry para escirbir "Ferry Cross The Mersey". En ese entonces el cantante comenzaba su relación amorosa con Pauline Behan, y en pleno periodo de conquista el músico llevaba a su chica de paseo al muell de Liverpool para mirar atentamente a todos los barcos y respirar ese aire de ciudad, de historias de marinos y de pureza fina.

Pero la inspiración definitiva vino una noche en que Gerry iba camino a casa de Pauline para ir a cenar a un glamoroso hotel en Southport. Mientras estaba al volante de su coche, se le vino a la cabeza las primeras notas de la futura canción, y al parecer era el ritmo y los acordes que anba buscando.
Y a pocas cuadras de la casa de su novia, estacionó su carro y pescó unas moneda spara hacer una llamada a la casa de su madre desde un teléfono público. Una vez que su madre le contestó, un alterado Gerry le pidió que buscara una grabadora en uno de los cajones d esu escritorio y de inmediato apretara el botón "play" para que grabara la melodía encontrada.
Una vez que grabó la música demanera vocal, Gerry corrió a casa de su novia para comunicarle personalmente que la cena estaba cancelada por urgencias musicales. Tras una serie de insultos y llantos por parte de la chica, el líder de los Pacemakers pescó su coche, dió media vuelta y partió al estudio de grabación a terminar su canción. Finalmente, y en tan sólo cinco minutos, la canción ya estaba hecha en su versión "demo".

La temática de esta canción dió vida a un proyecto muy potente para el crecimiento de la banda: Hacer una película.
Tras varias conversaciones y juntas con los dirigentes de su sello, la banda decidió grabar un film, donde los protagonistas eran ellos y un grupo variado de músicos, amantes del rock and roll, surgidos en Liverpool. Entre esos artistas destacaban la cantante Cilla Black y la banda Fourmost.

Lanzada a los cines en el año 1965, la cinta se convirtió en algo arriesgado y por ello tuvo serios problemas de promoción y la prensa empezó a darle con todo a la idea d ela banda y no dejaron títero con cabeza cuando un diario estadounidense simplemente dijo que era una copia barata a la poderosa 'A Hard Day's Night' , protagonizada por The Beatles. Además, la prensa estadounidense le dió suro al guión, al abuso de los modismos localesy a la falta de talneto actoral de algunos músicos invitados.
Lamentablemente, sus colegas (que eran mas famosos) habían dejado la vara muy alta, y Gerry con sus Pacemakers pecaron de ingenuos y tuvieron que dejar en el olvido sus casi 88 minutos de "auto-biografía", que hasta el día de hoy no ha sido editada ni en VHS ni menos en DVD.

Pero a la banda sonora le fue algo mejor, ya que esa si tenía canciones de calidad, en especial esta "rola" que le dá el título a esa maltratada cinta.
"Ferry Cross the Mersey" entró al puesto #6 del UK Singles charts tras ser promocionada como banda sonora de la película. Mientras que en Estados Unidos llegó a la casilla #8 de los charts.

Lamntablemente, tras el fracaso de ese proyecto musical, la banda fue perdiendo peso dentro del rock británico. Su Pop dulzón no se la pudo con los cambios musicales de mitad de los 60's, donde la psicodelia y los viajes con LSD empezaron a ser protagonistas de los acordes nuevos, y terminaron el año 1966 con su carrera musical hecha pedazos.
Que la disfruten!