lunes, 31 de mayo de 2010

WALK LIKE A MAN / THE FOUR SEASONS



"Walk Like a Man" es una canción de la banda vocal estadounidense The Four Seasons, que fue lanzada como single en Enero de 1963 siendo una de las canciones mas famosas de esta agrupación oriunda de Nueva Jersey.
Cabe señalar, que antes del reinado de The Beatles, los Four Seasons eran considerados como una de las bandas vocales mas originales y sus experimentaciones musicales entre el Pop y el Soul eran muy aclamadas por la crítica.

Esta canción fue escrita por los famosos compositores Bob Crewe y Robert Gaudio, que eran el pilar fundamental en la música de esta banda y que con el tiempo fueron considerados uno de los creadores musicales más emblematicos del pop sesentero.

Esta canción tiene una historia muy especial, y no tiene que ver con la letra sino en el proceso de grabación, donde la banda trabajó en circunstancias muy extrañas e insólitas a la vez.
Resulta que ese dia, mientras la banda grababa esta canción en los estudios de grabación de la casa disquera Vee-Jay Records el edificio sufrió un incendio de grandes proporciones. Lo impactante es que mientras el fuego hacia de las suyas, la banda continuaba grabando bajo la tutela del productor Bob Crewe, que sin hacerle caso a las sirenas de los bomberos ni al humo que rodeaba la habitación decidió seguir trabajando en este single.
Uno de los que trató de escapar para salvar su vida fue el guitarrista Vinne Bell, pero Crewe se le adelantó y le cerró la puerta... La canción debía terminarse si o sí ese dia, aunque quedaran hecho cenizas.
Mientras grababan, los bomberos golpeaban la puerta para salvar a los musicos y el humo ya era insoportable para los pulmones. Pero Crewe se negaba a abrir la puerta, ya que su idea era arreglar la canción y dejar listo el single.
Pasado unos minutos, los bomberos lograron abrir la puerta a puro "ñeke" y se fueron con todo contra Crewe para que este abandonara el estudio y dejara su locura de lado. En esos momentos los Four Seasons ya estaban corriendo por las escaleras...
Por suerte ese episodio no se transformó en tragedia griega y los músicos lograron calmar sus miedos al fuego con el éxito de este verdadero temón.

Musicalmente la canción es notable, ya que contiene un excelente juego de voces donde destaca ese contrapunto de las voces bajas, donde destaca el talento de Nick Massi y el falsete "al mas puro estilo Brian Wilson" del famoso cantante Frankie Valli.

"Walk Like a Man" se convirtió en el tercer número uno que tuvo la banda en Norteamerica (antes fueron "Sherry" y la chillona "Big Girls don't Cry) , llegando al prmer lugar del Billboard Hot 100 el 02 de marzo de 1963, permaneciendo allí durante tres semanas.

Les dejamos esta "fogosa" canción, que forma parte del soundtrack sesentero y que no debe faltar en ningun compilado musical de la epoca dorada del rock and roll...
Que la disfruten!!!

domingo, 30 de mayo de 2010

SON OF A PREACHER MAN / DUSTY SPRINGFIELD



"Son of a Preacher Man" es una canción de la cantante britanica, de Pop-Soul, Dusty Springfield que fue lanzada como single el 8 de Noviembre de 1968 y a la vez fue incluída en el disco Dusty in Memphis a principios de 1969.
Esta canción fue el éxito mundial que colocó a la hermosa Dusty Springfield entre las mejores voces de finales de los 60's y en la historia del Pop.
Además de éxito de esta canción, el disco Dusty in Memphis fue el puntapié inicial en el giro musical de la cantante, que influenciada en el rock psicodélico y la metamorfosis del Blues, hizo un disco fenomenal que incluso fue colocado entre los mejores LP's de la historia del Rock.

Esta canción fue escrita por los compositores John Hurley y Ronnie Wilkins y la letra trata sobre una joven que mantiene una relación amorosa con el hijo de un predicador muy respetado en su pueblo. Lo impactante, es que ellos mantienen su relación en secreto, para no ser descubiertos por el predicador. Pero ese joven es todo para esa niña y le declara su amor eterno, ya que ese hijo de predicador la tiene loca de amor...
Hurley y Wilkins inicialmente se la ofrecieron a Aretha Franklin, que casualmente era hija de un predicador, pero al escucharla varias veces junto a sus productores decidieron rechazar la oferta al considerarla como "una falta de respeto". Años despues recapacitarían, pero esa es otra historia...

Pero los autores de la canción no se cansaron de presentar su "joya" a diversos artistas, hasta que llegaron a la puerta de la cantante Dusty Springfield que por esa época pasaba por una baja venta de sus discos y su popularidad estaba decreciendo a causa de la revolución Hippie y las bandas de rock psicodelico.
Dusty aceptó de inmediato grabar esta canción, y realmente fue una ayuda escencial para relanzar su carrera musical.
Asi fue como en Septiembre de 1968 en los American Studios de Memphis y bajo la producción de Jerry Wexler, Tom Dowd y Arif Mardin, esta cantante oriunda de Londres grabó "Son of a Preacher Man".
La canción se convirtió en un hit internacional llegando al casillero #10 del Billboard Hot 100 en Estados Unidos y al puesto #9 del UK Singles Charts a finales de 1968.

Como ya habiamos mencionado, la cantante Aretha Franklin había rechazado esta canción, pero luego de escuchar la versión de Dusty Springfield, decidió grabarla dos años despues.
Lo mismo hicieron Joss Stone, Bobbie Gentry, Sarah Connor, Tina Turner, y Natalie Merchant. Entre los famosos que son hijos de predicador podemos encontrar a Marvin Gaye, Wyclef Jean, Tim Curry, John Hurt, John Ashcroft y Martin Luther King Jr.

Les dejamos esta gran canción, en voz de una de las cantantes mas famosas del Reino Unido, que en Marzo de 1999 y con tan solo 59 años de edad encontró su muerte a causa de un cancer de mama, del cual luchó hasta el ultimo día de su vida...

viernes, 28 de mayo de 2010

BONUS TRACK: ROCKEROS COMBATIENTES


Todo fanático del buen rock y del Punk, debe conocer de sobra la importancia de The Clash, su discografía, las aventuras de Joe Strummer... Por eso, en esta sección del blog queremos recordar algunos de los momentos más curiosos de la trayectoria de esta cobatiente y polémica banda que hizo del rock una metralleta valiente con balas musicales llenas de rebeldía...

- Como mandan los cánones del punk, a Joe Strummer y Mick Jones les importaba un pepino (?) que sus compinches en lo que iba a ser su grupo supieran tocar su instrumento. Paul Simonon, a quien se le encargó del bajo, en su vida había tocado una nota. Eso sí: su imagen era la apropiada, ya que representaba a un rebelde guapo que atraía a las fans -fue votado el hombre más sexy en una de las encuestas anuales de la revista Playgirl- y que, además, se dedicaba a pintar.

- En la primera entrevista que The Clash dieron sólo hablaron de su ideario político. “La gente debería saber que somos anti-fascistas, anti-violencia, anti-racistas y pro-creatividad”. En ningún momento hablaron de técnica musical.

- Joe Strummer siempre dijo en varias entrevistas que no le gustaba esa costumbre del público de escupir en los conciertos punk. Es más: echaba la culpa de una hepatitis de seis meses que sufrió a un escupitajo que alguien le tiró en un concierto y que él tragó.

- Cuando Mick Jones apareció en los estudios de grabación con “Remote Control” para incluirla en su primer disco, el resto del grupo la llamó irónicamente "mini-ópera". Duraba tan solo dos minutos y medio!

- The Clash, su primer disco, no convenció a su compañía americana por su “horrible sonido”. Pensaron en no editarlo nunca, hasta que se dieron cuenta de que las copias importadas vendidas pasaban ya de 100.000. De todas formas, sacaron las canciones que les parecieron menos interesantes e incluyeron numerosos singles que nunca habían aparecido en un LP. De esa forma, la edición americana se ha convertido en uno de los discos definitivos de The Clash y el que siempre aparece, junto al aclamado London Calling, en las listas de los mejores discos de la historia.

- Joe Strummer era un fanático del reggae y fue quien lo introdujo al resto de la banda haciendo que sonara natural dentro de sus estructuras rock, como en las versiones de “Police & Thieves”, “Pressure Drop”, “Armagideon Time” o toda la cara dub del Sandinista! Sin embargo, cuando él y Mick Jones visitaron Jamaica después de grabar su primer disco, se encontraron totalmente solos y temieron por sus vidas, con miedo a una comunidad de color en la que no se integraron. Regresaron rápidamente a Inglaterra y la primera canción que compusieron fue “Safe European Home”. Su letra lo dice todo...

- Joe Strummer siempre reconoció que su voz no era nada especial, que era áspera como la de Lemmy de Motorhead o Rod Stewart, pero que lo importante era poner el alma en ello y no la técnica. El productor de Give’Em Enough Rope, Sandy Pearlman, al que no le gustaba para nada la voz del humilde Joe, la mezcló con menos volumen que la batería en aquel disco.

- Después de sus visitas a Granada, Joe Strummer intentó colocar algunas líneas en castellano, eso sí, todas incorrectas y sin mucho sentido en sus canciones. En ”Spanish Bombs” canta “Yot’ quierro y finito / yote querda, oh ma corazón”. Y en la famosa “Should I Stay Or Should I Go” dice “Me arrodilla y está feliz / Al rededar en tu espalda / Si me voy va peligro / Me quedo es doble”. Igual se agradece el gesto, pocas bandas inglesas le hacen al español...

- Otra curiosidad de The Clash, es que fueron el primer grupo blanco en interesarse por un estilo que estaba naciendo a finales de los 70's: el rap. Invitaron a los pioneros Grandmaster Flash & The Furious Five a ser sus teloneros e introdujeron ese sonido en “The Magnificent Seven”, “This Is Radio Clash” y “Lightning Strikes (Not Once, But Twice)”.

- A principios de 1982 Joe desapareció durante un mes, dejando a sus compañeros colgados, justo cuando iban a empezar una gira. Años más tarde aclaró que necesitaba un descanso y que había estado en París emborrachándose y corriendo el maratón. Lo cierto es que su manager Bernie Rodhes, consciente de las desavenencias que empezaban a aparecer en el grupo, le ordenó desparecer durante una temporada.

- “Should I Stay Or Should I Go”, el único single número uno del grupo, lo fue recién en 1991, ocho años después de su edición original, gracias a su inclusión en un anuncio de los jeans vaqueros Levi’s. Joe Strummer no quería ni oír hablar del tema; sin embargo, Mick Jones prestó su consentimiento. Hasta el día de su desaparición, Joe no se lo perdonó.

Fuente: Ultrasonica.com

miércoles, 26 de mayo de 2010

KIDS IN AMERICA / KIM WILDE



"Kids in America" es una canción de la cantante británica Kim Wilde y fue el primer single que lanzó esta famosa cantante.
Esta canción fue publicada como single el 26 de Enero de 1981 en el Reino Unido, mientras que en Estados Unidos, la canción fue anzada al mercado en 1982.
Con la pegajosa melodía de "Kids in America", Kim Wilde alcanzó la fama de manera muy rápida, ya que la canción quedó como una pieza clásica del pop ochentero y desde su lanzamiento a sido versionada por diversos grupos y sigue sonando en las radios con mucha frecuencia.

Esta canción fue escrita por el padre de la cantante, el señor Marty Wilde, que fue un artista muy popular en los 60's y que compuso varios hits que lograron una destacada posición de los charts. Pero Marty tambien contó con la ayuda de su hijo Ricky Wilde, que fue el encargado de escribir la letra.
La historia cuenta que fue el productor y dueño del sello RAK Records, el señor Mickie Most, que en uno de sus paseos por su casa discografica escuchó en una sala de ensayo como Kim, Marty y Ricky Wilde entonadan una canción a viva voz, la cual sonaba bastante interesante.
Most, que andaba en busca de un nuevo artista para entrar a la guerra musical New Wave, quedó muy impresionado con la voz de la hija de Ricky Wilde y no aguantó las ganas de entrar al estudio y proponerles grabar esta canción para proyectar la imagen artistica de Kim.
Desde ese instante, parte de la familia Wilde empezó a grabar el demo de la canción, el cual fue remezclado en manos del famoso y talentoso Marty Wilde. Asi fue como en Enero de 1981 la canción ya estaba sonando en las radio inglesas.

Para entender la letra de la canción y el por qué de la temática tan alejada de Inglaterra (donde cometen el repetido y manoseado error de creer que America solo es Estados Unidos), debemos decir que la familia Wilde, que proviene de Chiswick, Inglaterra, tenía una muy buena impresión de las zonas costeras de Estados Unidos, especialmente de California. Los Wilde siempre destacaron que en esas tierras el ambiente era muy hospitalario y eso siempre lo agradecerían en sus canciones (?).

Esta canción, aparte de ser el debut musical de Kim Wilde, se convirtió en su primer hit, llegando al segundo lugar en el UK Singles charts y al puesto #25 del Billboard Hot 100 en Estados Unidos.
Luego de acumular varios hits a ambos lados del Atlántico y ser considerada como una de las voces mas famosas de los 80's, Kim se decidió a dejar de lado el microfono y dedicarse a la jardíneria mientras las radios día a día ponen alguno de sus hits, como "Kids in America".

Que la disfruten!!!

lunes, 24 de mayo de 2010

WHEN SOMETHING IS WRONG WITH MY BABY / SAM & DAVE



"When Something Is Wrong with My Baby" es una canción del dúo de música soul y Blues Sam & Dave, que fue publicada como single en Enero de 1967.
Esta hermosa y delicada balada, escrita por los famosos compositores Isaac Hayes y David Porter, se convirtió en una de las canciones mas coreadas y reconocidas por le publico en la extensa carrera musical de estos dos chicos oriudos de Miami.

El secreto de los hits de esta dupla formada por Samuel David Moore (que hacía la voz tenor) y Dave Prater (tenor/barítono) recaía en su impactante calidad musical, que tenia caracteristicas muy especiales al lado de los demás artistas de soul que rondaban los charts en ese entonces.
Una de esas caracteristicas era su amplio uso de instrumentos de bronce que se mezclaban perfectamente con la lujosa y delicada interpretación vocal por parte de Sam y Dave, quienes ponían todo su talento en el gospel para darle vida a estas mágicas melodías.

Obviamente "When Something is Wrong With My Baby" fue una de esas canciones que "la rompió" de tal manera que los charts se rindieron a los pies de Sam y Dave.
El famoso compositor y reportero canadiense Rob Bowman dijo que esta balada "es de las canciones mas representativas del Soul y una de las mas famosas en la historia de este género musical". Por su parte el trompetista Wayne Jackson, integrante de la banda de sesión Mar-Keys (banda que participó en la grabación de este tema) señaló que nunca antes había escuchado una melodía como la que contiene esa balada y recalcó que "es una de las mejores canciones de todos los tiempos".

"When Something is Wrong With My Baby" llegó al segundo lugar del prestigioso ranking de R&B en Estados Unidos y no fue lanzado como single en el Reino Unido, por temor a que la canción no entre en los charts del país del Wembley, lo cual fue un error que siempre le pseó al productor Hayes y del cual siempre dijo arreprientirse.

Les dejamos esta hermosa canción, especial para una cita romantica o para caminar bajo la lluvia...
Que la disfruten!!!!

domingo, 23 de mayo de 2010

BEAT ON THE BRAT / THE RAMONES



"Beat on the Brat" es una canción de la banda norteamericana The Ramones, que fue incluida en su aclamado disco debut "Ramones" (lanzado en Abril de 1976), que es considerado por la prensa como una joya del rock clásico y un LP escéncial para el movimiento punk.
Es verdad, muchos críticos han dicho que ese disco no tiene nada de especial, que solo son guitarras distorsionadas con canciones furiosas que hablan de temas como la pornografía, las películas de terror y de otros temas que solo le interesaban ala juventud que se sentía rebelde, pero eran esos jóvenes que no estaba "ni ahí" con psicodelía vendida y con la experimentación con grandes orquestas o música de otros continentes. Esa juventud quería música para su oídos, su simpleza estaba reflejada en sus vidas, que vivían con los justo y necesario pero tenían ganas de gritar sus ideales al mundo y este disco les ayudó en esa actitud...

Si entramos a a analizalas canciones de ese disco, podemos encontrar muchas sorpresas musicales, y una de esas es "Beat On the Brat".
Esta canción fue escrita por el genio obsesivo-compulsivo Joey Ramone, que la catalogó como "una estúpida y corta canción". Pero la canción iba mas allá de la estupidez, sino que era un acto de violencia improvisado con una letra bastante simplona pero muy punk, especialmente en el espíritu juvenil de vomitar frases con mensajes sin sentido que se convierte en una joya pegadiza que no alcanza los tres minutos en duración.

La canción contiene la misma estructura musical de las demás pistas del disco, o sea canciones rápidas, de corta duración y con solo tres acordes de guitarra pero la potencia y la energía con que las entonaba las hacía sentir como un refrescante jugo lleno de momentos de locura y éxtasis de puro y santo punk.
En una entrevista, Joey Ramone mencionó que: "Escribí 'Beat On The Brat para dedicarselas a esos jovenes malcriados de Queens. Por otra parte, ese cambio de acordes en la parte principal de la canción está influenciado en las canciones estilo bubblegum, como: "Chewy Chewy" o "Yummy Yummy" - canciones que eran buenas y muy divertidas".
El mismisimo Dee Dee Ramone, bajista de la banda, se encargó de dar otro dato sobre la canción: "Un día Joey vió a una madre persiguiendo a su hijo y amenazando al pequeño con un bate. Eso hizo que escribiera una canción que tratara sobre ello".

Es verdad, "Beat on the Brat" no es de las canciones mas reconocidas del grupo, pero es el himno musical de la banda, ya que demuestra toda su personalidad en frases idiotas y juguetonas que hacen de The Ramones una marca registrada en el Punk.
A mover las melenas y que la disfruten!!!!

jueves, 20 de mayo de 2010

A WORLD WITHOUT LOVE / PETER & GORDON



"A World Without Love" es una canción del dúo británico Peter and Gordon, que fue lanzada como single un 28 de Febrero de 1984.
Esta canción, escrita por Paul McCartney (y comercialmente atribuída a la dupla Lennon/McCartney), fue el primer gran éxito de este dúo formado por Peter Asher y Gordon Waller y a la vez, "A World Without Love" se convirtió en la primera canción exitosa de McCartney que no fue grabada en voz de The Beatles.

"A World Without Love" en esos días de su lanzamiento fue considerada como la primera canción exitosa de la invasión británica que no fue cantada por The Beatles, que en ese mítico año 1964 tenía al mundo bajo sus pies de tanta fama. Con ese cartel publicitario, este dúo musical logró llenar varios teatros y tener una ansiada primavera donde la fama los hizo estar en todos los canales de televisión y en los rankings de las radios de todo el mundo.
Pero el secreto del éxito de esta canción estaba en que fue escrita por los dos compositores que dejaron la "crema" en los 60's. Nos referimos a Paul McCartney y John Lennon, que eran los cerebros creativos de The Beatles y que además de "romperla" con sus hits, tambien se apoderaban de los charts en calidad de compositores de buenas canciones para otros artistas. Eso no lo hacen muchos...

Con el paso de los años se supo que la canción fue escrita solo por el bajista de The Beatles, quien la tenía en carpeta desde los inicio de la banda, pero que no la encontraba muy cercana a la calidad de sus hits que hasta ese entonces la banda tenía en los charts.
Pero en esa época, Paul McCartney tenía una relación amorosa con la hermana de Peter Asher, la famosa actriz Jane Asher, y asi fue como se conocieron ambos músicos y empezaron a ayudarse mutuamente con el fín de hacer mas fuerte el lazo familiar que los unía (?).

Musicalmente, Paul a declarado que la canción está muy influenciada por las finas melodías de los Everly Brothers, con una mezcla de guitarras "folk" y una misteriosa parte de órgano, que le da un toque sútil a "A World Without Love".
Si en algo se parece esta canción a los hit del cuarteto de Liverpool es en esa letra llena de melancolía y desaliento amoroso, que era muy contradictoria con la música que acompañaba y abrazaba a los versos.
El porqué The Beatles nunca grabó "A World Without Love", simplemente fue porque Lennon, que en ese entonces era el líder de la banda, la encontraba "bastante mala" y con un sonido folk-rock que solo los llevaría a la cárcel por plagio (?).
Existe una versión de la canción, que supuestamente es cantada por The Beatles, pero no es nada mas que el demo que grabó Paul junto al dúo musical y que despues de varios años de mantenerlo escondido, Asher decidió publicarlo como Bootleg para los fanáticos de los Fab-Four. Esta versión suena mas rockera, con un solo de guitarra bastante interesante y contiene la voz principal a cargo de McCartney.
Pero de lo que realmente no hay que tener dudas es que esta canción es todo un clásico de la decada de los 60's, y probablemente sea la mejor canción de la dupla Lennon-McCartney que nunca fue grabada por los Beatles.

En Junio de 1964, Peter y Gordon se abrazaban de felicidad la saber que "A World Without Love" lideraba el prestigioso Billboard Hot 100 en Norteamérica, y estuvo una semana en el número uno.
En el Reino Unido, el exito fue congruente, ya que lideró el UK Singles Charts y se convirtió en todo un clasico de la música popular de esa zona tan rica en buen rock...

miércoles, 19 de mayo de 2010

BONUS TRACK: FIDEL, BACH Y UN DISCO HISTORICO

S:"toquemos una cumbia mejor". G:"y si tocamos esta...???"

Todo lector ocioso (?) de este Blog y fanático de la música y "look" del dúo Folk Simon & Garfunkel debe tener en cuenta que el disco “Bridge Over Troubled Water” es una de las joyas mjsicales que marcó la historia de la música popular.
La historia cuenta que este aclamado disco originalmente iba a tener 12 cacniones, pero debido a las constantes peleas y a la tensa situación personal entre los dos musicos, el disco terminó solo con 11 tracks.

Investigando en la web y entrevistando a varios fanáticos de esta agrupación, que hizo un interesante "cover" de la clasica pieza musical peruana "El condor Pasa", nos enteramos que el disco quedó con 11 canciones por culpa de Fidel Castro y Johann Sebastian Bach.
Quizás en este momento usted se pregunte: ¿Que pasa aquí? o ¿el que escribe en este blog está "terrible de loco"? Pero es la pura y santa verdad... La culpa fue del cubano barbón y el compositor alemán.
Les cuento el por qué...

Resulta que Paul Simon (el 50% de la banda (?)), en las sesiones de grabación del aclamado disco, quería grabar una canción cuyo título era “Cuba sí, Nixon no”, y que contenía una letra en favor a la actitud anti-imperialista de la isla y críticaba "al hueso" a la política de los republicanos estadounidenses.
Pero en ese mismo instante, Art Garfunkel (el otro 50% de la banda (?)) tambien le presentó una nueva canción, que lejos de todo ideal político y social, solo trataba de un arreglo coral para una pieza musical de Johann Sebastian Bach.

Este choque de ideas provocó un nuevo roce de egos entre los dos músicos, que terminó en un fuerte dialogo.
“Dejate de política, ridículo” le dijo Art a Paul. El fans de Fidel (?) le respodió: “¿Sebastián Bach? Sale de tu burbuja”. El resto de la conversación no es apta para menores de 18 años y como el blog lo leen niños, decidimos censurarlo para que nos sigan leyendo en las escuelas (?)...
Al final todo terminó en nada y “Bridge Over Troubled Water” quedó con 11 canciones.


F.C:"La culpa fue mia, hermano???... Noooo"

lunes, 17 de mayo de 2010

DEAR GOD / XTC



"Dear God" es una canción de la banda britanica XTC, que fue lanzada como single en Junio de 1987 solo en el Reino Unido.
Esta canción forma parte del aclamado disco "Skylarking"(1986), que es considerado por los críticos especializados como una obra maestra del Pop, donde cada canción fue cuidadosamente arreglada y las melodías fluyen elegantemente durante el LP.
Este disco también es famoso por las contantes peleas entre el famoso productor y compositor Todd Rundgren, con el cantante líder de la banda, el señor Andy Partridge, que sostuvieron una furiosa lucha de egos mientras grababan el disco. Como dicen por ahí: "peleas de genios"...

Pero la historia de la canción va mas allá de esas peleas entre el productor del disco y el cantante de la banda, ya que en un principio "Dear God" (escrita por Partbidge) no iba a ser incluída dentro del LP. Pero gracias a la acción de varios DJ's que habían escuchado el material del disco antes que este saliera a la venta, convencieron a que Partrigde decidiera incluirla en el repertorio del LP, ya que esos "pinchadiscos" la consideraban como un emblema del New Wave con aires Psicodelicos muy interesantes.
Asi fue como el cantante de los XTC fue donde Rundgren y le pidió que eliminara del listado la interesante pieza "Mermaid Smile" e incluyera a "Dear God" en el listado final. Obviamente esa idea provocó ua nueva pelea entre el productor y el lider de la banda...

Según Partridge, "Dear God" fue inspirada por una colección de libros que tenían ese título. Segun el cantante, esos libros simplemente explotaban la imaginación de los niños y le hacían olvidar la realidad por unas fantasías sin sentido para la vida.
La letra de esta canción están dirigidas de manera directa a Dios, y le hecha la culpa de que todo el sufrimientos de los humanos es culpa de él. Por eso, al final de cada frase el cantante repite la polémica frase "I can't believe in you" (en español es algo como "No puedo creer en ti"), para refutar las ideas planteadas en la palabra de Dios.
Según Partridge, la letra de la canción es una carta a Dios, cuyo fin es saber si en realidad existe o es una fantasía para vivir siempre vigilados o sintiéndonos como pecadores constantes.

Debido a que la letra contiene un mensaje crítico a las religiones y deja en duda la existencia de Dios, la canción pasó a ser una joya musical a una melodía peligrosa y mal valorada por los fanáticos religiosos.
Las punzantes criticas a las religiones y a la biblia, hicieron que esta canción fuera censurada en varias radios, por temor a denuncias por parte de los cleros religiosos o "castigos divinos" del "pulento".

Para los creyentes, esta canción les causó mucha furia y rápidamente la catalogaron como un himno anti-Dios o una melodía que le hace propaganda al ateísmo. En el Reino Unido llegó a tal punto la polémica, que cuando la canción fue lanzada como single, muchas tiendas de discos se negaron a vender el single, por temor a una reacción religiosa violenta.

Otro dato curioso con respecto a "Dear God", es la parte introductoria donde supuestamente canta un niño, el cual puede ser corroborado en el videoclip. Pero todo es un invento de la banda, ya que la voz infantil que se escucha en esa parte corresponde a Jasmine Veillette, una niña de ocho años de edad que era hija de un amigo de los integrantes de la banda. El niño en el video solo hace la mimíca...

Les dejamos esta hermosa canción con una letra muy polémica y que ayuda a reflexionar (en buena onda) sobre las creencias religiosas.
Una banda alejada de las cifras multimillonarias, pero que ha sido influencia musical para varios artistas que vieron en XTC una nueva forma de hacer música sin caer en los estrictamente comercial...
Que la disfruten!!!

domingo, 16 de mayo de 2010

I'M HAPPY JUST TO DANCE WITH YOU / THE BEATLES



"I'm Happy Just to Dance with You" es una canción de la super-banda británica The Beatles, que fue publicada como single el 20 de Agosto de 1964, con el fin de promocionar el soundtrack de su "respetada" pelicula A Hard Day's Night.
Esa pelicula, que fue el primer guiño cinematografico de la banda, simplemente trata sobre el sorprendente ritmo de vida que llevaban Los Beatles en ese entonces, donde siempre pasaban de un lado a otro ( del hotel a una entrevista, actuación o grabación y de hay al hotel ) y es un claro reflejo de lo que conlleva la fama, mezclado con el típico humo inglés de gestos y bromas pesadas.

Esta canción fue escrita por Lennon y McCartney (aunque el 80% de la creación corresponde a John) con el fín de darle protagonismo vocal en alguna canción a su compañero y guitarrista de la banda, George Harrison.
En esos años, Harrison solo había escrito una canción (la famosa "Don't Bother Me") y sus compañeros de banda le pedían mas canciones para el disco que estaban trabajando, pero el guitarrista se negaba a mostrarlas porque las consideraba de muy baja calidad al compararlas con las melodías de Paul y John, que eran el cerebro musical de la banda.

Para fomentar la imagen de Harrison en la pelicula y en el disco, Lennon le cedió esta canción y dejó que hiciera la voz principal.
Asi fue como el domingo 1 de Marzo de 1964, los cuatro chicos de Liverpool grabaron, en los estudios Abbey Road y bajo la producción de George Martin, la optimista canción "I'm Happy Just to Dance with You".
Es cierto, "I'm Happy Just to Dance with You" es una canción de ritmo muy contagioso y con una letra optimista, donde Harrison recita frases romanticas a la chica de sus sueños y se siente feliz solo con bailar una pieza musical junto a ella.
De ahí, muchos criticos empezaron a hacer dudosas e interesantes (?) comparaciones entre Los Beatles y Los Rolling Stones, que eran las dos bandas mas famosas en los charts del Reino Unido. Sus comparaciones decian que mientras los Fab Four eran felices por bailar con una chica o simplemente por tomarle su mano, la banda de Jagger y compañia recitaban furiosas frases donde le pedian a sus chicas tener sexo violento y "megahiperapacionado".
La inocencia de Los Beatles y la rebeldia de los Stones, siempre fue tema para algun debate musical en los sesentas, pero el tiempo dejaría todo de lado, ya que aparecieron bandas y cantantes cuyas letras y modas eran mas que "peligrosas"...

Con esta canción, las fans se dieron cuenta que Harrison era feliz bailando con la chica de sus sueños y que a pesar de que no hayan besos, caricias, miradas ni "agarrones", él la pasaba bien y se sentía conforme con el acto... Un caballero.
Sin nada mas que decir... Que la dusfruteis!!


viernes, 14 de mayo de 2010

DON'T STOP ME NOW / QUEEN



"Don't Stop Me Now" es una canción de la famosa banda inglesa Queen. Esta llamativa y energetica canción fue publicada como single un 26 de Enero de 1979 y fue incluída dentro del repertorio del disco Jazz, publicado en 1978.
Jazz es un disco interesante, no solo porque abarca el estilo musical que le da el titulo al LP sino que tambien contiene diversas experimentaciones con otros estilos musicales, donde destaca a todas luces"Don't Stop Me Now".

Esta canción fue escrita por Freddie Mercury mientras estaba de vacaciones por Montreux, Suiza. El vocalista, se basó en una simple base de piano para componer una pista que quedó en la leyenda musical de su banda.
Con una letra llena de ironía y frenesí, basada en increíbles versos que calzan a la perfección en la melodía, "Don't Stop Me Now" no pasa desapercibida dentro del disco.

Musicalmente la canción es notable, debido a toda esa energía llena de ganchos Pop mezcladas con el lado mas sucio del Rock.
Esa introducción con Mercury cantando al piano como si estuviera en el living de su casa, es uno de los detalles mas sorprendentes, porque el puente que pasa de la tranquilidad a la locura roquera es uno de los momentos mas electrizantes de la canción.
Lamentablemente en la interpretación de "Don't Stop Me Now", el mas perjudicado del grupo fue el guitarrista Brian May, quien solo participó en la grabación de esta pieza musical ejecutando un solo de guitarra en la parte intermedia. Para colmo de males, Mercury hizo que el guitarrista grabara mas de una vez ese solo de guitarra, ya que lo encontraba bastante "fome" y eso tenía desanimado al pelucón de la Red Special. Es por ello que May a declarado en varias entrevistas que esta es una de las canciones mas malas de la banda.
Se nota que esta algo "picado".... Pero en los conciertos de la banda, esta canción tomaba un sonido mas ligado al Rock duro, ya que May agregaba una interesante parte de guitarra que dejaba a "Dont Stop Me Now" con un sentimiento menos ligado al Pop.

Al ser lanzada como single (siendo la primera canción de Queen que salía en formato cassette), rápidamente esta canción llegó al noveno lugar en las listas británicas, mientras que Norteamerica fue todo un fracaso para la banda porque solo llegó al puesto #86 de los charts.
Pero con el paso de los años, gracias a su uso en diversos anuncios publicitarios, programas de televisión, películas y a través de nuevas versiones, la canción fue acrecentando su popularidad hasta convertirse en una de las canciones mas famosas de Queen.

Le dejamos esta gran canción de Queen, una de las bandas mas legendarias y mas importantes en la historia del maldito rock...
Que la disfruten!!

miércoles, 12 de mayo de 2010

GIMME HOPE JO'ANNA / EDDY GRANT



"Gimme Hope Jo'anna" es una canción del cantante oriundo de Guyana, Eddy Grant. Esta polémica pieza musical fue lanzada como single en 1988 y fue incluída dentro del disco Barefoot Soldier, que es considerado como el último disco exitoso de este gran músico y critico social.
Además, esta canción fue el ultimo gran hit que tuvo en las radios Grant, ya que con el paso de los años, su carrera musical se fue en picada al suelo y hoy solo vive de los viejos hits.

Esta canción, escrita por Grant, tiene un importante mensaje político en contra del Apartheid de Sudáfrica y fue dedicada, segun palabras del propio autor, a Nelson Mandela. Es que en ese oscuro periodo politico donde la segregación racial, implantada por los colonizadores ingleses, hizo estallar una guerra social en Sudáfrica, donde Mandela fue el principal opositor a este movimiento y quedó en la historia mundial al ser considerado como un personaje legendario que representaba la falta de libertad de todos los hombres negros sudafricanos, lo cual contagió a otros paises que pasabn por el mismo problema.

La misteriosa palabra "Jo'anna" no se debe a un nombre femenino, sino que es una referencia a Johannesburgo, la ciudad más grande de Sudáfrica y donde estaba el núcleo de todo este movimiento racial.
En la letra de la canción, Grant deja muy en claro sus ideales pacifistas influenciados en el discurso social de Mandela, por ejemplo cuando dice "She's got supporters in high up places, Who turn their heads to the city sun", se refiere simplemente al poco apoyo internacional para ir en contra del Apartheid, especialmente de los paises que dicen ser "potencias mundiales". Además, esa frase tiene un mensaje oculto, ya que contiene un juego de palabras que hacen referencia a Sun City, que es un lujoso centro hotelero ubicado en Sudáfrica y que en 1985 tuvo cierta polémica, cuando diversas figuras del rock y el Pop, opuestos a las políticas de apartheid, prometieron no actuar nunca más en ese lugar y además criticaron abiertamente a artistas que lo habían hecho. Incluso esos artistas le dedicaron una famosa y manoseada canción, en señal de protesta...
Otra frase destacable es la que dice "She even knows how to swing opinion, In every magazine and the journals", que va dedicada a todos los medios de comunicación que "vendían humo" con sus titulares que atribuían el éxito del sistema de Apartheid, mintiendo descaradamente y faltandole el respeto a toda esa gente que día a día caía muerta defendendo sus ideales.
Pero Grant era muy valiente y tambien puso su critica al ejército que apoyaba el apartheid, y les declaró toda su furia describiendolos como "buitres carroñeros" que metían sus garras en fronteras vecinas como infiltrados del gobierno.
Dentro de la lírica, Eddy Grant tambien le hace un homenaje al reverendo Desmond Tutu, otro de los fieles opositores de ese movimiento que en 1984 fue merecedor del Premio Nobel de la Paz.

La canción fue todo un éxito en Europa, llegando a entrar en el Top Ten de las listas del Reinio Unido, Alemania, Suiza, Suecia, Alemania, Francia y Suecia. Además a sido considerada como uno de los himnos pacifistas mas coreados en Europa, y Africa.
Cabe señalar que hoy en día, con el Mundial de Futbol entrando por la ventana, se a vuelto a escuchar en los canales de televisión cada vez que se habla del pais organizador y nos detallan parte de su historia política.

Que la disfruten!!! Umbinguelelo (?)

lunes, 10 de mayo de 2010

GET UP, STAND UP / THE WAILERS



"Get Up, Stand Up" es una canción del grupo jamaiquino de reggea y ska The Wailers, que fue lanzada como single en 1973 y que ademas forma parte del repertorio del aclamado y exitoso disco Burnin', que fue publicado en Octubre de ese mismo año.
Esta cancón marcó un antes y un despues en la cultura musical del reggea, debido a que con su letra contestataria dejó muy en claro los ideales pacifistas y sociales que querían transmitir en sus conciertos esta banda formada por Bob Marley, Junior Braithwaite, Beverley Kelso, Bunny Livingston (conocido como Bunny Wailer), Winston Hubert McIntosh (conocido como Peter Tosh) y Cherry Smith..

"Get Up, Stand Up" fue escrita por Bob Marley y Peter Tosh ,que inspirados en la lucha por captar el respeto y la aceptación de su religión raftafari en las escuelas, escribieron esta canción en señal de protesta hacía aquellas personas que con su ignorancia hablaban "cabezas de pescado" acerca de los rastafaris.
Obviamente, al igual que todas las canciones de protesta, esta melodía traspasó las fronteras sociales y de los ideales, llegando a ser cantada y entonada a viva voz en diversas campañas pacifistas alrededor del mundo.
Es que en la letra de esta canción, el cantante desafía a esa gente hipocrita y fanaticos religiosos a que piensen por si mismo y dejen de lado las leyes o las reglas que manipulan sus pensamientos y sean hombres libres.
Esas personas, a las cuales van dedicada estas frases de la letra, tenían un concepto muy errado sobre lo que era el movimiento rastafari y en señal de respuesta, el "capo" Marley canta un "pegajoso" coro que dice "Get up, stand up, stand up for your right/Get up, stand up, don't give up the fight."(en español sería: "Levántate, levántate, defiende tus derechos / Levántate, ponte de pie, no abandones la lucha").

Musicalmente "Get Up, Stand Up" esta basada en la canción "Darkness Slippin 'Into" perteneciente a la banda californiana de funk War , de la cual Marley era muy amigo de sus integrantes. Incluso, en mas de una ocasión los invitó a que toquen en Jamaica

Con el paso de los años, esta canción se convirtió en un himno mundial de lucha contra la opresión racial, religiosa o de ideales politicos, lo cual la deja como una de las canciones mas coreadas en los conciertos en favor de la paz.

Que la disfruten!!!!

sábado, 8 de mayo de 2010

MOTHER / DANZIG



"Mother" es una canción de la banda norteamericana Danzig que fue lanzada como single en 1988 y forma parte de su interesante disco debut homónimo.
Esta banda, liderada por el ex-Misfits Glenn Danzig, logró gran popularidad en el ambiente underground estadounidense con este disco que contiene un sonido muy ligado al Heavy Metal con ideales satánicos y que además contaba con la colaboración del guitarrista y cantante de Metallica, James Hetfield.

El autor de esta polémica canción fue el cantante Glenn Danzig y está inspirada en los simpáticos y horribles discursos conservadores de la activista y psicologa Tipper Gore, que en 1984 fundó el Parents Music Resource Center ('PMRC, Centro de Recursos Musicales para Padres). Este centro de recursos fue muy criticado por los músicos estadounidenses, especialmente por Jello Biafra de los Dead Kennedys y el genio del rock, Frank Zappa. Ambos artistas coinciden en que esta organización conservadora solo se dedicaba a crear miedo entre la gente, y especialmente la juventud, con sus campañas de censura al Heavy metal. Otros artistas han señalado que el PMRC tiene muchos lazos comunes con la derecha religiosa americana.

Glenn Danzig tampoco le caía bien esta agrupación que solo servia para llamar la atención popular y portestar ante cualquier riff influenciado por "el cola de flecha" o una letra que tenga un mensaje mas allá de lo moral o lo escrito en sus deberes y derechos. Si eso ocurría, de forma inmediata el disco llevaba un logo que decia Parental Advisory, con el cual se les advertía a los adultos que ese disco que su hijo tenía en sus manos contenía mensajes explicitos.
Por todo ese show de circo pobre, Glenn le escribió una canción llamada "Mother"

En la canción, el cantante le hace un desafío abierto a esos "buenos" padres que desean proteger a sus hijos de una realidad inventada por un grupo de personas que quieren tener todo en orden y que inventaron que todo ese satanismo del rock y sus guitarras locas provocarían algo parecido al fin del mundo (?)...
En la canción, Glenn, con una voz que se parece a la de Jim Morrison, canta frases donde se refiere a que no necesita la ayuda de sus padres para elegir su estilo de vida o que disco escuchar, y todo eso lo esconde en la metafora de la inocente frase"diganle a sus hijo que caminen a mi manera".

Para apoyar la difución del single, la banda decide publicar un videoclip en 1988. Pero el famoso canal MTV les censuró la cinta porque contenía una secuencia final muy fuerte, donde un inocente "pollo" es sacrificado y luego crucificado mientras su sangre forma una cruz invertida. Para mantener la calma de los ecologistas y los vegetarianos, Glenn Danzig mencionó en una netrevista a un medio en 1998 que dicho "pollo" no fue asesinado ni herido en el video, solo fue un gran actor...

Pero la canción tuvo su momento de fama extrema recien en 1993, cuando fue lanzada como single promocional (pero en vivo) del EP Thrall: Demonsweatlive. Esta versión de la canción fue titulada como "Mother '93" y se convirtió en una pieza de culto para el Metal y el rock en general.

Les dejamos este "temazo" para mover las melenas hasta el suelo y arrasar con todo mientras disfrutamos estos increibles riff's de guitarra...

Queee laaa Disfruteeeeee!!!

viernes, 7 de mayo de 2010

BROKEN WINGS / MR. MISTER



"Broken Wings" es una canción de la banda norteamericana Mr. Mister que fue lanzada como single un 25 de Septiembre de 1985 y fue incluida en el aclamado disco Welcome to the Real World.
Esta balada es, sin lugar a dudas, la canción mas reconocida de esta mítica banda que en 1988 visitó Chile y en el escenario del "prestigioso" Festival de Viña del Mar, el bajista y vocalista Richard Page leyó una declaración a favor de los artistas amenazados de muerte y castigados por el régimen militar chileno, lo que produjo muchos nervios entre las (des)autoridades de la "junta" y decidieran cortar la emisión televisiva de su show.

Esta canción fue escrita por Richard Page, Steve George y John Lang, que inspirados en la temática del libro "Broken Wings" del poeta y filósofo libanés Khalil Gibran. En esa obra literaria publicada en 1912, el poeta nos regala un relato autobiográfico donde recoge diversos pasajes de su vida, especialmente su amorío con la famosa escritora árabe May Ziadeh, con quien tuvo un amor "prohibido" a distancia por mas de 20 años, a causa de las diferencias sociales y culturales .
El compositor John Lang quedó muy impresionado por este libro, y lo catalogaba como una historia a imitar y reflexionar sobre el esfuerzo y las ganas de levantarse ante cualquier caída en el camino de la vida.

Musicalmente la canción toma los sonidos característicos del pop que era grito y plata en esos años. Nos referimos a esa entretenida experimentación con sintetizadores acompañados con una base de guitarra, bajo y batería.
La introducción esta compuesta por sonidos de platillos que posterior a su grabación fueron reproducidos en reversa logrando un efecto muy llamativo.
Por otra parte, el guitarrista Steve Farris nos entrega una parte de guitarra que fue muy innovadora para la época. Es que ese "efecto de sonido retardado" usado por el encargado de la "guitarrita" llamaba la atención entre los oyentes ya que se mostraba muy contradictoria con la línea de bajo y batería, produciendo cierta confusión dentro de la línea musical.

Con "Broken Wings", los Mr. Mister lograrón liderar por dos semanas los rankings de Estados Unidos en Diciembre de 1985.
En el Reino Unido el éxito fue parecido, ya que llegó a la cuarta plaza del UK Singles Charts, siendo una de las pocas bandas extranjeras que en su primera incursión en los charts británicos llega tan alto.

Aqui les dejamos este megahit ochentero, que mas de algun lector de este humilde blog bailó o "canturreó" en su época adolescente...
Que la disfruten!!!!


BONUS TRACK: RINGO SUPERSTARR


Hace unos días atrás el diario oficial del Vaticano , L’Osservatore Romano, decidió “perdonar” la famosa frase We are bigger than Jesus” que dijo John Lennon en 1966 en alusión a la sorprendente y verdadera fama de Los Beatles.
En las páginas de ese "santificado" periódico se dejaron de lado las acusaciones de "satanismo" y de drogadictos para pasar a elogiar la música d ela banda, a 40 años de que los fab-four anunciaran su disolución como banda.
Incluso el propio Benedicto XVI calificó la música de The Beatles como una joya preciosa y minimizó los años de abusos de drogas y excesos que los músicos representaron en su época.

Pero los elogios desde la Santa Sede no fueron muy bien recibidos por Ringo Starr, ex-baterista de la banda y actor por "hobbie" (?).
En una entrevista con la CNN, el baterista declaró que simplemente rechaza el “perdón”, argumentando que si el Vaticano los había catalogado como satánicos o posiblemente satánicos cómo es que les otorgan el perdón, mientras existen múltiples problemas con más relevancia en el mundo como los actos pedofílicos que se han revelado en las últimas semanas, que incluso involucran al papa Benedicto XVI quien en su pasado se vio envuelto en actos nazis.

Mientras el ex Beatle sigue indignado y sin tanta paz y amor por esas respuestas, aprovechó la entrevista para anunciar que en enero pasado grabó su álbum número 15 titulado “Y Not”, aún sin fecha de lanzamiento.

Amén...

Fuente: Diario Critico, El Mundo

jueves, 6 de mayo de 2010

MUSTANG SALLY / WILSON PICKETT



"Mustang Sally" es una canción del cantante afroamericano Wilson Pickett, que fue publicada como single en 1966.
Con esta canción, la carrera de Pickett tomo aires de extrema popularidad y rápidamente la prensa lo catalogó como uno de los cantantes mas emblematicos del Soul que era el género musical del cual Wilson era un fanático y que trabaja día a día para perfecccionar su estilo.

Pero "Mustang Sally" ya había sido probada en los charts norteamericanos cuando su autor, Sir Mick Rice, la lanzó como single en 1965. Esta canción fue el debut en solitario de este cantante y compositor luego de formar parte del grupo vocal The Falcons. "Mustang Sally" se convirtió en el único hit que logró este aclamado artista, ya que llegó al puesto #15 del U.S. R&B charts en 1965

Rice escribió esta canción inspirado en una divertida conversación que tuvo con la actriz y cantante Della Reese en camarines, previo a un concierto. En esa ocasión, Reese le comentó que el líder de su banda de apoyo se quería comprar un Ford Mustang del año.
Inspirado en las caracteristicas de esos lujosos autos, Rice decidió inventar una letra que cuente una historia de una chica que quiere vivir una vida salvaje a bordo de su Mustang. En la letra, el cantante le advierte a esa mujer "liberal" que tiene que reducir la velocidad sino su vida se irá de un "pestañazo".
Cuando terminó de escribir la letra y la música, Rice tituló a su nueva canción como "Mustang Mama", pero al enseñarsela a su amiga Aretha Franklin, esta le dijo que mejor sonaba el titulo "Mustang Sally".
Luego de ese detalle, la canción estaba lista para ser lanzada al público...

Un año despues aparece una nueva versión de la canción, esta vez en voz del gran Wilsson Picket, que era un cantante de soul que en 1962 formó parte del, ya mencionado, grupo vocal The Falcons. De hecho, Pickett puso la voz en "I found a love", el gran hit de esa banda.

La versión de Pickett hizo mas popular a la canción de Rice, pero tuvo una accidentada historia antes de ser publicada en el mundo entero.
Resulta, que cuando Pickett ya tenía grabada su versión en los Fame Studios de Muscle Shoals, Alabama, la cinta de la grabación tuvo un problema en la máquina, especificamente en los cabezales, por lo tanto todo se fue al carajo. El carrete de la cinta volo por los aires y Picett simplemente no lo podía creer. Todo su trabajo estaba por los suelos.
Pero el productor Tom Dowd, que estaba a cargo de esa sesión de grabación y que tambien se mostró disgustado por ese trágico suceso, decidió arrendar por su cuenta una sala de ensayo para ponerse a trabajar como "hormiga" en la reconstrucción de esa cinta. Luego de varias horas de pegar y analizar las cintas, Dowd logró arreglar la canción y al otro dia fue lanzada como single.
Así nació la versión mas popular de una canción que con los años se convertiría en uno de los himnos del funk...

"Mustang Sally", en voz de Pickett, logró entrar al puesto #6 del R&B y a la casilla #23 del Pop en 1966.
En el año 2004, la revista Rolling Stone colocó a la versión de Wilson Pickett en el puesto de #434 de su famoso ranking titulado: 500 Greatest Songs of All Time.

Que la disfruten!!