martes, 28 de febrero de 2012

GROOVIN' / THE YOUNG RASCALS



"Groovin'" es una canción de la banda estadounidense The Young Rascals que fue lanzada como single un 10 de Abril del año 1967.
Esta banda destaca por experimentar los sonidos del garage rock con los tintes típicos del Pop y la psicodelia encabezando un nuevo estilo musical que los críticos bautizaron como "blue-eyed soul", en clara alusión a que era música soul hecha por músicos blancos.
Amantes de los juegos de voces, artesanos de melodías simples pero efectivas a la hora de hablar del éxito comercial, esta banda supo saca provecho a toda su magia musical y su publicidad para dejarse un espacio, muy bien merecido, dentro de la cultura Pop de los 60's.

Una de sus canciones mas reconocidas y tocadas en las radioemisoras que llaman a la nostalgia es, sin lugar a dudas, la romántica "Groovin'".
Escrita por el tecladista Felix Cavaliere y el vocalista Eddie Brigati, esta pieza dejaba muy en claro que las influencias musicales de la banda iban en otro camino con respecto a las ya usadas por otras agrupaciones que salían al ruedo por esos años. En esta oportunidad, un inspirado Cavaliere decidió dar rienda suelta a su gusto por la música afro-cubana y le inyectó esos acordes y armonias al resto de la banda con el fin de lanzar un single que tuviera tintes caribeños para lograr salir de la monotonía musical de esos años.

La inspiración de la temática de la "rola" vino cuando ambos músicos que participaron en la composición de las canciones empezaron a reflexionar sobre su estado "trabajólico" que ya le estaba pasando la cuenta en el ámbito amoroso. Es que los chicos pasaban mas tiempo en el estudio de grabación que con sus novias y obviamente la paciecia femenina ya se estaba acabando, dando paso a los problemas personales, enojos de medianoche y actitudes celosas basadas en la desconfianza. De hecho, segun Cavaliere, el único día que dejaban de trabajar en el disco eran los Domingos, y ahí aprovechaban de salir con sus novias a pasear y obviamente pasar noches románticas, aunque a veces el cansancio de la jornada laboral pasaba las cuentas.

Sobre esos duros días, donde cada músico estaba entre la espada y la pared para elegir si pasar mas tiempo en las guitarras o ir de paseo con la novia, nace una anécdota muy particular que tiene como protagonista al tecladista, al señor Cavaliere.
Resulta que mientras empezaban las grabaciones del disco "Groovin'", el tecladista se enamoró hasta las "patas" de una chica que conoció fuera de los escenarios. Pero cuando entraron de lleno a ensayar y grabar su disco, el romance pasó a segundo plano, y simplemente la veia los Domingos. Fue en base a esa experiencia, y posteriormente al encuestar el estado amoroso de sus demás compañeros de banda, en que decidió escribir esta canción. " Si se fijan en la temática, "Groovin'" es muy simple. Trata sobre pasar juntos un Domingo porque los Viernes y los Sábados son días de trabajo para los músicos. Para nosotros era muy simple dejar los domingos para las novias o estar con los seres queridos, y pasar momentos felices junto ellos. Esa es la mágia de la música" comentaría años después Cavaliere.

Un 27 de marzo del año 1967 fue la fecha exacta en que los Young Rascals grabaron esta canción con el fin de lanzarla como single promocional para el disco que ya estaban trabajando a full. Además contaba con Cavaliere en voz principal.
Pero una vez que la escucharon los ejecutivos de Atlantic Records, el sello que acogía a la banda, casi pasaron a eliminarla del disco. Es que para los "peces gordos" esta canción no tenía aires comerciales y daban casi por seguro un rotundo fracaso. Pero la banda quería sí o sí lanzar a "Groovin'" como single, asi que acudieron rápidamente a la oficina del aclamado DJ y empresario musical, el gurú " Murray the K", quien tenía un don especial y que era predecir si una canción o se iba a la cima de los charts o simplemente sería un fracaso comercial. En este caso, tras escuchar la canción, quedó impactado por la experimentación musical basada en los sonidos afro-cubanos, y de inmediato les dijo "este será su nuevo número 1".

Asi que una tarde, y sin el conocimiento de la banda, Murray fue a las oficinas de Atlantic para hablar con Jerry Wexler, el gerente principal del sello, y exijirle que lanze como single esa canción de los Young Rascals. Tras una larga reunión, el empresario musical logró su propósito y fue a darle la buena nueva a la banda, que en esos días estaba tocando en un club nocturno llamado The Gordion Knot. Desde ese épico momento la amistad de Murray con la banda se hizo muy fuerte.

"Grovin'" sería el segundo "number one" en las listas estadounidenses de los Young Rascals, tras el rotundo éxito de "Good Lovin'". Además, en Junio de ese mismo año la banda posaba con un disco de Oro tras vender 500 mil copias del single.
Fue tanto el éxito de esta canción, que en cuestión de meses ya era parte del repertorio de diversos artistas, como por ejemplo: Booker T. & the M.G.'s, Petula Clark , Gladys Knight & the Pips , Marvin Gaye y Aretha Franklin. Cada uno de estos artistas quedó maravilado con la música y la temática d euna canción eterna, que estuvo a punto de ser desechada por el sello de la banda.
Que la disfruten!

lunes, 27 de febrero de 2012

TURN! TURN! TURN! / THE BYRDS


"Turn! Turn! Turn! (to Everything There Is a Season)" es una canción de la emblemática banda estadounidense The Byrds, que fue publicada como single un 29 de Octubre del año 1965 y que le dá el título a su famosa segunda placa musical.
Amantes del cuidadoso folk de Dylan y de la locura revolucionaria de Los Beatles, esta banda decidió tomar acordes de ambas partes para crear melodías llamativas y que influyeron a piel a tanto artista a mitad de los 60's.
En esos años, Los Byrds estaban compuestos por Roger McGuinn (que fue una fuerte influencia para sus colegas tras usar guitarras electricas de 12 cuerdas), Gene Clark (voz , guitarra y considerado como compositor destacado de la banda), David Crosby (guitarras y voz), Chris Hillman (en bajo) y Michael Clarke (en batería). Juntos dieron rienda suelta a una de las bandas mas destacadas dentro del género del Pop y el Rock, y que es considerada hoy en día una de las fuentes de inspiración esenciales para el rock de verdad.

Como buenos fanáticos del Folk, la banda decidió en sus inicios darle un buen homenaje a esos cantautores de guitarra y prosa libre haciendo, nuevas y actualizadas versiones de viejos clásicos que aparecían en esos discos que les "volaban la cabeza".
Por ello, McGuinn y Crosby decidieron nuevamente tomar prestada una pieza musical de Pete Seeger, un influyente cantante de folk y activista político del cuál sentían mucha admiración. Esta vez la pieza seleccionada era "Turn! Turn! Turn!", que fue publicada en 1959 y que tenía cierto toque religioso al adaptar un pasaje del Eclesiastés. Mientras la banda empezaba a idear la nueva versión, su productor Jim Dickson intentaba parar las grabaciones por encontrar a la canción poco comercial debido a sus connotaciones religiosas.

Sobre el origen de esta canción, un nostálgico Seeger recordaría en el año 1988: "Yo no era un fanático de la Biblia, pero a menudo la hojeaba y quedaba sorprendido con algunos pasajes que realmente eran fantásticos. Por eso lo llamo "el Gran Libro"... Quizás no sea un contenido muy díficil de entender, pero la manera con que cuenta la historia de esa gente es poesía pura".
La historia cuenta que una tarde llegó una carta al departamento de Seeger. En ella, el editor de la discográfica enviaba sus reclamos sobre el repertorio que el cantante había enviado para dar salida a su disco. Los duros reclamos recaían en el abuso de la canción de protesta, la cuál para el editor no era un avance comercial pero para Pete era una misión casi de vida. Debido a eso, y al enojo que causó el mensaje de esa carta, Seeger se sentó frente a una grabadora y le dejó el siguiente mensaje al editor: "No puedo escribir esas canciones que tú deses . Para eso debes ir donde otra persona. La unica canción que sé escribir con ganar es la que tiene que ver con la acción social y con la verdad". Una vez que terminó su discurso, pescó la cinta y se la envió a su editor. Luego de ese acto, el músico sacó un papel de su bolsillo y en tan sólo quince minutos escribió una canción inspirada en un pasaje de la Biblia que reflexionaba sobre la risa y el dolor, la vida y la muerte, la guerra y la paz, y así sucesivamente. Esa pieza se llamaba "Turn! Turn! Turn!", la cupal fue publicada en 1959 y que tuvo su otra oportunidad al ser grabada nuevamente en el año 1962.

Justamente fue esta ultima versión la que dejó muy sorprendido al guitarrista Jim McGuinn, quien la escuchó durante las sesiones de grabación del tercer disco de la cantautora y activista política Judy Collins.
Pero Jim recién tendría las agallas de crear una nueva versión de esa "rola" en Julio del año 1965, durante una gira con Los Byrds, cuando su novia, Dolores, empezó a cantar "Turn! Turn! Turn!" mientras iban en un bus en medio de una larga carretera. Fue en ese momento en que McGuinn tuvo la idea de hacer una versión mas rockera de esa delicada y llamativa pieza Folk. "Era una canción seria y popular, pero cuando la toqué me salió muy rock 'n' roll, porque para eso yo estaba programado, como una computadora. Nunca puede tocarla en su estilo original. Por eso cuando le incluímos ese toque de Samba, pensamos que sería un single exitoso" mencionaría Jim en el libro The Byrds: Timeless Flight Revisited (1998).

Un 1 de Septiembre del año 1965, Los Byrds empezaron a grabar esta pieza en los Columbia Studios, de Hollywood. Pero el trabajo no sería tan fácil, ya que el nivel perfeccionista de los cerebros de la banda hizo que grabaran casi 78 tomas de la canción distribuidas en 5 días de travesía musical donde pilueron cada detalle y cada acorde.
De esa forma dieron vida al tercer single dentro de la carrera de la banda, el cuál fue publicado en Octubre de 1965 y que en pocas semanas alcanzó el primer puesto del Billboard Hot 100 (era la segunda ocasión que la banda lograba esa meta) . Segun la prensa, gran parte del éxito de esta canción recae en su mensaje de amor y paz, el cuál llegó a los sensibles corazones de la juventud norteamericana que estaba consternada por el avance y las muertes de la Guerra de Vietnam.

La canción que dejó muy en claro la calidad musical de The Byrds, una banda clave en el desarrollo del rock y de la cultura juvenil de los 60's...
Que la disfruuuten!
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sábado, 25 de febrero de 2012

MY VALENTINE / PAUL McCARTNEY



"My Valentine" es una canción del músico británico Paul McCartney, que fue publicada en el disco Kisses On The Bottom un 7 de Febrero del año 2012.
En este disco, el número 17 dentro de la carrera musical como solista de este ex-Beatle, trae a la palestra un homenaje musical, con aroma a jazz, a varios artistas que fueron furor en los años 20 y 40, o como díría el musico en una entrevista: "Un homenaje a esos cantantes que sonaban cuando todavía no era una Beatle".
Pero este disco, donde Paul por primera vez sólo se dedica a la parte vocal dejando todos los arreglos musicales e interpretación a la pianista y cantante Diana Krall, también trae sorpresas, y es que el ex-Beatle nos deja dos canciones de su autoría.

Una de esas canciones de la pluma de Macca es "My Valentine", una preciosa y delicada balada escrita en Febrero del año 2011 mientras pasaba unas merecidas vacaciones con su entonces novia (y ahora tercera esposa) Nancy Shevell.
"Yo estaba en Marruecos de vacaciones con Nancy, y tuvimos que pasar muchos días en el Hotel debido a que estaba lloviendo. Entonces le dije: 'Es una pena que esté lloviendo " y ella me dijo ' No importa, podemos pasar un buen rato igual." Así que bajamos a un salón del Hotel donde había un viejo piano, el cuál sonaba desafinado. Hasta que llegó un tipo irlándes, de aspecto encantador, que empezó a tocar piezas como "Beautiful Dreamer", "If You Were The Only Girl In The World"... Todas esas canciones de la época de mi padre. Eso me trajo mucha nostalgia. Asi que al otro día, en una tarde lluviosa, bajé al salón y sin que nadie se diera cuenta empezé a improvisar una melodía que tenía en mente que estaba basada en esos viejos clásicos. Seguí tocando hasta que me cansé, y al darme vuelta me encontré con ese simpático irlandés que había estado escuchando sin querer toda mi sesión en el piano y me aplaudía sin parar. Ese fue un voto de confianza para la canción" recordaría Paul semanas antes de lanzar el disco.

Tras ese momento de inspiración, McCartney se dió cuenta que esas viejas canciones que cantaba su padre al piano en aquella vieja casa de Liverpool tenían detalles musicales notables e impresionantes. Con lo cuál, y tras escuchar nuevamentes esas canciones, decidió emplear la misma fórmula, la misma estructura musical y lograr una canción propia que lograra mimetizar ese maravilloso momento de viajar por la nostalgia por medio de la música. Así lo comentaría el músico: "Cuando me metí de lleno en esas canciones, empecé a notar el tipo de composición que eran, me dí cuenta de que estaban bajo una estructura perfecta, y que fueron esenciales a la hora de empezar a componer mi propio material en la etapa previa a The Beatles. Asi que me enfoqué en esas canciones hechiceras, en esas que me traían recuerdos hermosos"

Al igual que todas las canciones de este disco, la parte instrumental de "My Valentine" estuvo a cargo de la cantante y pianista de Jazz Diana Krall. "Fue todo muy espontáneo, incluso me recordó la forma en que iba a trabajar con los Beatles", explicó McCartney a las Revista Mojo. Además, esta canción cuenta con la participación del mítico guitarrista y amigo de Paul, Eric Clapton, quien estuvo a cargo de la mágica interpretación de la guitarra acústica.

Un 9 de octubre del año 2011 fue la fecha en que Macca se casó por tercera vez en su vida. En esa noche Paul interpretó al piano "My Valentine" en la ceremonia, presentándola como una "canción que había escrito especialmente para su adorable Nancy".
Tras la emotiva interpretación, una sorprendida y emocionada Nancy no tuvo palabras para describir ese momento que empapó de música la boda de uno de los músicos mas reconocidos del Siglo XX.

Les dejamos esta canción que marca el retorno de Paul al estudio de grabación con un resultado muy llamativo: Un disco memorable y para poner miestras lees un libro o tomas una taza de té en el salón.

Que la disfruuuten!

miércoles, 22 de febrero de 2012

LUCHIN / VICTOR JARA



"Luchín" es una canción del cantautor chileno Victor Jara que fue publicada en el año 1972 en el disco "La Población".
Hijo de una familia campesina, desde pequeño Victor gustaba de esas viejas pero dulces tonadas que le cantaba su madre, Amanda Martínez. Pero sus inicios en los escenarios los hizo en el teatro, donde encontró el ruedo para mostrar todo su talento en las letras escribiendo obras y presentándolas por todo el mundo en los 60's y que lo dejaron como uno de los directores teatrales mas aplaudidos en Chile, ese largo y flaco país sudamericano dueño de un exquisita riqueza natural y cultural.
Pero a mitad de la revolucionaria década de los 60's, Victor encontraría una nueva forma de expresar su sentir, y era por medio de las canciones y el folclor. Por ello se dedicó a investigar y rescatar el folclor campesino auténtico de su pais, que era totalmente distinto a ese folclor empaquetado y mentiroso que aparecía en las radios con patrones de fundo dándoselas de amantes de la tierra y del sufrimiento del campesino. Con Víctor, que seguía los pasos de Violeta Parra, Margot Loyola y otros músicos dedicados a la investigación, se empezó a notar un nuevo movimiento musical donde la música tradicional fue mezclada con crítica social ante las injusticias que se notaban entre las clases sociales mas bajas.
Así fue como en los 70's Jara ya era un cantor comprometido por las causa de izquierda en su tierra, apoyando firmemente la campaña de la Unidad Popular y al posterior gobierno de Salvador Allende. Pero tras el Golpe de Estado ( así hay que llamarlo señores políticos!!!) Victor sufrió las concecuencias de un país sin memoria y ciego, siendo tomado prisionero para luego ser brutalmente torturado hasta morir asesinado por las manos de los soldados chilenos en un estadio que hoy lleva su nombre. Pero las balas y sus uniformes no lograron hacer callar el legado musical de Jara, quien hasta el día de hoy es el reflejo mundial de la canción valiente, esa que es para siempre.

“Este es un “bandido” chiquitito, un “cabrito” como decimos allá en Chile. Era un cabrito chiquitito de 5 años, era un “bandidito”. Imagínese, así con la cara sucia y “embarradito”, que juega con su pelotita de trapo, juega con los perros que anda siempre alrededor de él y una caballo también. Porque el papá… El papá trabaja con una carretela, y el caballo, claro, lo deja en la casa como no hay mucho espacio. De pronto el caballo está mirando al Luchín que juega entre las patas de él. Este es un “bandidito” chico pero a lo mejor este bandidito, en unos veinte años más o en unquince años más, va a ser capaz de dirigir una fábrica en mi país”. Con esas frases, un humilde Victor Jara daba inicio a una de sus canciones mas aplaudidas dentro de su extenso repertorio, donde dejaba de manera valiente un retrato lirico y musical de esa gente que en el Chile de los 70′s vivía en la extrema misería y en el olvido de los que manejaban el poder.

En 1972, Victor decidió rendir un homenaje a todas esas familias que tenían la valentía de luchar por una oportunidad laboral y por una vivienda decente. En ese entonces, la gente de escasos recursos tenían que recurrir a una reacciones tan extremista como tomar un predio vacío de la gente con riqueza y ahí hacer sus chozas de manera claramente ilegal. A estos espacios se les llamaba, de menera ultra- despectiva como “Poblaciones Callampas”.
Por ello, y en homenaje a esas personas, Victor Jara lanza al mercado su disco titulado simplemente “La Población”, y que tenía un ambiente conceptual ya que sus piezas musicales hablaban de los estilos de vida y los agentes culturales que nacían en esas imprivisadas viviendas.

Debido a esa fuerte inspiración y tras ser un observador de todas las batallas y enfrentamientos campales con la fuerza pública y todos los gritos de cambio en cada protesta, es que el cantautor incluyó dentro del arte gráfico de la portada del LP, un mensaje muy claro en apoyo a estos chilenos que vivían con los justo: “La historia esta tomada desde 1946. El presente y el futuro. Dedicamos este disco a todos los pobladores de nuestro país. A sus combates y a sus victorias. A sus dolores y a sus alegrías. A los hombres y mujeres que sacrificaron sus vidas para que sus hijos tuvieran un lugar donde vivir. A todos los que ahora tienen su nueva vivienda. A nuestra juventud, cuyo fragor ha estado siempre al lado de los desposeídos”.

Dentro de ese disco viene incluída la ya mencionada balada “Luchín”, que era el retrato de un niño que vivía su blanca inocencia en un mundo de pocas oportunidades y donde los recursos eran bajos, ya que sus padres eran temporeros o simplemente obreros de quincena mal pagada y un trato laboral deprimente. La historia de esta canción viene ligada a la realidad y en especial por ese niño que el mismo Victor pudo ver jugando con una pelota de trapo, un perro y bajo las patas de un caballo.

La historia cuenta que en Junio de 1970 la capital de Chile, Santiago, pasaba por una fuerte tormenta, la cuál ocasionó que el caudal del río Mapocho aumentara de manera brusca ocasinando la alerta de las familias que vivían en las pobleciones callampas aledañas a ese epicentroubicadas en el sector Barrancas, de lo que hoy conocemos como comuna de Pudahuel. De manera inmediata el Gobierno de turno tomó urgencia del tema y fue en ayuda de esas personas que pedían a gritos el auxilio y que le salvaran su hogar. Ahí fue donde los estudiantes universitarios también fueron a colaborar y abrieron sus facultades como albergue con el fin de que estas extensas familias no pasaran frio. Una de esas facultades fue la escuela de Danza donde trabajaba Joan Jara, esposa del músico, y donde dejaron a un grupo de niños que estaban embarrados hasta las orejas y además estaban perdidos.

Pero una de las colegas de Joan, llamada Eugenia Arrieta (mas conocida como la “Quena”) quedó muy impactada por uno de esos muchachos que padecía en el suelo de la facultad tiritando de frío y con una mirada de confusión total. Ese niño tenía apenas 1 año de edad y se llamaba Luis, pero dentro del clan universitario lo apodaron simplemente como “Luchín”.
Un 10 de Febrero de 2011, y en una entrevista con el Diario La Cuarta, “Quena” contó sobre ese histórico episodio: “Estaba la escoba. La mayoría se refugió en la parroquia. Comencé a recorrer las calles y en eso me topé con un bulto: Era el Luchín. Estaba todo embarrado. Entonces, tomé a esa guagüita y no la pude dejar nunca más”.

Asi fue como Joan y Victor conocieron a este niño, que además llegó muy enfermo a esa aula universitaria que lo tenía de allegado. Los Jara ayudaron al tratamiento médico del niño y “Quena” le tomó tanto cariño que simplemente lo quería adoptar, con el fin de sacarlo de ese duro contexto. Pero la familia del niño, que además tenían 10 hijos más, no quería ceder.
Una vez que “Luchín” se sanó de una fuerte infección pulmonar, Victor tuvo la fuerza suficiente para decidir ir a dejarllo a Barrancas. Pero tras llegar a ese humilde lugar observó un Chile diferente, un lado oscuro marcado por la pobreza y gente que hacía ollas comunes para sobrevivir del hambre. Eso lo dejó muy triste, ya que también le había tomado cariño a ese niño a tal punto que le había enseñado a caminar, lo cuidaba cuando Quena iba al trabajo, y más encima le había escrito una canción…

En el libro “Como Una Historia” del periodista José Manuel García, Joan Baez recordaría ese episodio de una manera muy especial: “Uno de los chiquitines que llegó a la facultad se convirtió en tema de una canción de Víctor. Luchín estaba gravemente enfermo de pleuresía y necesitaba constantes cuidados de día y noche. Quena lo había encontrado en uno de sus viajes a la población: un mugriento montoncito de harapos en el fangoso suelo de una choza donde vivía con su numerosa familia. Un caballo, única posesión de valor de la familia y fuente de su precario sustento, compartía la habitación. Luchín tenía casi un año pero era menudo para su edad. Necesitaba una prolongada convalecencia antes de que pudiera ser devuelto a su familia, de modo que Víctor y yo nos lo llevamos a casa y le atendimos durante algunas semanas hasta que más adelante, con el consentimiento de sus padres, Quena lo adoptó definitivamente“.

De esa forma y tras leer la historia que hay detrás de cada frase, la canción toma otro sentido tanto para el oyente como para el autor. Por algo Victor cada vez que la interpretaba con su guitarra sentía emoción pura y alegría total por ese niño que quizás no sentía la injusticia de su contexto, no sentía que su mundo era el de los olvidados, el de la clase social baja, pero que sacaba alegrías al verlo correr libre y jugar con lo que tenía a su lado. De esa simpleza, Victor nos dejó una canción qe retrataba la vida de muchos “Luchín” que en ese entonces existían y de una gran cantidad que aún quedan en este largo y flaco país y en el mundo entero, donde las injusticias con los mas pobres siguien siendo un pan de cada día.
Que la disfruten!

martes, 21 de febrero de 2012

GOODBYE BLUE SKY / PINK FLOYD



"Goodbye Blue Sky" es una canción de la banda británica Pink Floyd. Aparece en el aclamado disco The Wall de1979, y también en la película Pink Floyd: The Wall.
Hablar de The Wall, el undécimo trabajo de esta prestigiosa banda, es hablar de calidad pura y de una de las "Opera Rock" mas famosas dentro de la historia de la música popular. En ella, el cerebro creativo de este proyecto, el señor RogerWaters, nos muestra la vida de un rockero en decadencia, que cae de lleno al precipicio de las drogas llegando a imaginar y construir un mundo totalmente distinto a su alrededor. Aunque queda claro que las metáforas pueden traer mas de uno que otro significado de la historia por parte de la fanaticada, hay que señalar, eso sí, que en el aspecto musical todo converge en la calidad de un tracklist memorable y lleno de finos detalles que sólo esta banda podía regalarnos.

Una de las canciones que pertenece a este dico es "Goodbye Blue Sky", que en la edición original de la obra, la que estaba en vinilo, abría el segundo disco y en algunas incluso cerraba el primer acto. Lo cierto es que en las ediciones posteriores esta canción escrita por Waters sirve como el puente perfecto entre el cuestionamiento adolescente de "Mother" y el rabioso relato de un hombre ya casi peleado con el mundo en "Empty Spaces".
Es que en esta pieza Roger nos habla sobre la simpleza de ver todo lo que a uno lo rodea en la infancia, y el como eso repercute en el resto de nuestras vidas. Por eso es que "Goodbye Blue Sky" suena a paz, a la de un ser humano en las nubes y en total libertad hasta caer en una paranoia mental que temrina con el narrador encerrado en un mundo que ya no era el que pintaban de perfecto.

Si nos vamos a la escena de la película donde aparece esta canción, podemos ver que se muestra imagenes que reflejan el sentir del protagonista, el mítico y destructor Pink, sobre el fin de la inocencia infantil bajo la protección y la atenta mirada de la madre y la repentina ausencia del padre, dando paso a un ser que vuela libre en medio complejos y traumas que lo hacen pensar que sería mejor caer y romper con todo antes de intentar sobrevivir en un terreno minado.

Cabe señalar que Waters al escribir esta canción se inspiró en las imágenes del bombardeo que fue sujeto el Reino Unido por la Alemania nazi entre el 7 de septiembre de 1940 y el 16 de mayo de 1941 y que fue mas conocido como el Blitz, y que dejó mas de 43 mil personas muertas desatando una tragedia que hasta el día de hoy es recordada con mucha tristeza.
Además diversos estudiosos de la obra de los Pink Floyd señalan que parte de la letra de esta canción está basada en la famosa novela "Brave New World" del escritor y anarquista inglés Aldous Huxley. Esta obra, publicada en 1932, mezcla la realidad con la ciencia ficción para describir un mundo donde el estado de democracia simplemente es el disfraz perfecto para una dictadura de tomo y lomo, donde bajo un sistema de esclavitud basado en el sistema de consumo y el entretenimiento, los esclavos amarían su servidumbre.

Para finalizar, les dejamos un dato muy curioso. El niño que dice la frase "Look mummy, there's an airplane up in the sky" es nada más ni nada menos que Harry Waters, hijo de Roger, quien en ese entonces tenía 2 años de edad y que hoy en día también se dedica a la música.
Que la disfruten!

lunes, 20 de febrero de 2012

JUST LIKE HEAVEN / THE CURE



"Just Like Heaven" es una canción de la banda británica The Cure, que fue lanzada como single un 5 de Octubre del año 1987 promocionando el LP Kiss me, Kiss me, Kiss me, el séptimo trabajo de esta emblemática agrupación de rock alternativo comandada por el compositor y cantante Robert Smith.
Para la escena musical ochentera del rock británico, The Cure significa cálidad y New Wave a la vena. Con canciones de fino Pop y bajo un oscuro manto gótico , se hiceorn paso como una delas agurpaciones musicales mas famosas e influyentes de finales de los 70's y que dejó un legado musical impresionante con varios hits muy reconocidos e influyentes para sus demás colegas.

Tras lograr entrar con ventaja en los Mainstream de toda Europa en 1986 con el compilatorio "Standing on a Beach", la banda tenía en mente rematar esa bola caliente con un disco que los dejara en la leyenda del New Wave.
Bajo ese objetivo, cada uno de los integrantes de la banda se tomó un mini-breack en medio de las giras para entrar de lleno a grabar. La idea era que en vez de tomarlo como un descanzo sea un momento de búsqueda de nuevas ideas musicales para entrar a componer las nuevas canciones que serían incluídas en ese LP.
El que se tomó mas a pecho esta idea fue Robert Smith, el principal compositor y alma mater del grupo, quien en esa época decidió cambiar de ambiente y renovar aires junto a su entonces novia (y posteriormente esposa) Mary mudándose a un pequeño departamento al norte de Londres con el fin de buscar nuevos caminos no sólo en lo músical sino que también en el plano personal.

Era tan pequeño ese departamento que sólo tenía dos piezas, y una de ellas fue elegida por el músico para construir un mini-estudio de grabación para empzar el trabajo musical de forma inmediata. Fue en esa pieza donde pasó la mayor parte de sus vacaciones Smith buscando ideas y escribiendo todo lo que se le pasaba por la mente. De hecho, para no hacer tan repetitivo y aburrido ese proceso creativo el músico decidió escribir canciones solamente los primeros 15 días de cada mes antes de entrar a grabar de lleno con sus compañeros. "Tuve que hacer eso sino, de lo contrario, hubiese pasado todo los días levantándome tarde, viendo televisión hasta que los bares abrieran sus puertas y después caer de lleno en la bebida" resaltaba Smith en el año 2003 en una entrevista con la revista Blender tras ser consultado sobre ese extraño proceso de búsqueda de inspiración.

En ese llamativo proceso de composición, Smith llegó a unos interesantes acordes, los cuáles trabajó bajo una estructura muy ligada al New Wave. Finalmente la dejó como una pieza instrumental que tituló simplemente como "Shivers" y la cuál le dió una tremenda sorpresa cuando sin querer en una radio Smith escuchó una canción de la banda punk The Only Ones llamada "Another Girl, Another Planet " que fue publicada en 1979 y que tenía una base rítmica muy parecida a su nueva composición. "Recuerdo que cuando escuché esa canción me pareció muy familiar, y quizás ya la había escuchado años atrás y sin querer había escrito algo muy parecido. Asi que decidí hacerle unos cambios de acordes, para darle un toque de melancolía a la canción porque queria que tratara sobre la hiperventilación - De besos y caer al suelo" mencionaría Smith años después.

Pero la letra de la canción recién sería trabajada cuando la banda se juntó a trabajar, tras su periodo de vacaciones, en Francia a inicios de 1987, especíaficamente en los estudios Miraval y que colindaban con unos extensos y hermosos viñedos típicos del sur de ese maravilloso país. En esas sesiones de grabación la banda decidió invitar a todas sus amigas para que fueran a dar ánimo en los ensayos y grabaciones de las nuevas canciones que estaban casi listas y que contaban con aportes de cada integrante de la banda.

Fue en esos días en que Smith y compañía empezaron a arreglar y depurar cada detalle de "Shivers", ya que el líder creativo consideraba que por su potencial y energía tenía que ser sí o sí el single de ese LP. Por ello, Smith tomó de muy buena manera cada aporte que le hicieran sus compañeros ante la canción, y en especial la ayuda que brindó el baterísta Boris Williams, quien decidió darle mas energía a la pieza aumentándole el ritmo y dejando que la introducción estuviera a cargo de la batería. De esa manera, ambos músicos idearon el plan perfecto: De manera secuencial aparecería cada instrumento en la parte inicial, dándole un toque distintivo a la pieza.

Si bien la banda estaba trabajando bajo la producción de David M. Allen, e esta canción decidieron emprender vuelo con Bob Clearmountain, quien ya tenía elogios por haber trabajdo de buena forma con The Rolling Stones y Bruce Springsteen, y fue el encargado de producir la versión single de esta pieza que ya había tomado el nombre de "Just Like a Heaven", y que ya en esos días era considerada por Smith como su canción favorita dentro del gran repertorio de su banda.

De esa menra, en octubre de 1987 esta canción fue lanzada como el tercer corte promocional del disco Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me y le dejó muy en claro al mundo que estaban frente a un cambio musical de la banda, que ya no se quería quedar pegada en lo oscuro y los góticos y que tmabién podían hacer melodías mas ligadas al Pop. Ese fue un enganche esencial para la canción y se notó de buena manera en las posiciones en los charts, siendo el undécimo single de la banda en entrar al Top 40 del UK Singles charts, alcanzando el puesto #29 donde semantuvo por 5 semanas. Mientras que en los Estados Unidos "Just Like Heaven" le dió la sorpresa a la banda llegando a ser su primer single que entraba al Top 40 del Billboard Hot 100, y se mantuvo en la casilla #40 por 6 semanas.

"Just Like Heaven" fue el reflejo de que The Cure estaba para grandes cosas en materia musical dentro de una década donde no era nada fácil resaltar en medio de una jungla de cantantes que aparecían hasta por debajo de las piedras por agarrar un poco de fama.
Que la disfruten!
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domingo, 19 de febrero de 2012

THESE ARE THE DAYS OF OUR LIVES / QUEEN



"These Are the Days of Our Lives" es una canción de la banda británica Queen, que fue lanzada como single un 5 de Septiembre del año 1991 sólo para Estados Unidos. Mientras que el 9 de Dicicembre de ese año, y tras la repentina muerte de su vocalista (y corazón de la banda) Freddie Mercury, fue publicada oficialmente en el Reino Unido.
Además, esta emblemática pieza estaba incluída en "Innuendo" (1991), el último disco que grabó la banda con su formación original y con Freddie en vida, y que forma parte de la despedida de la banda con un tracklist espectacular que mezcla la energía rockera con pedazos de nostalgia sobre el futuro que en ese entonces era muy incierto tanto para el vocalista como para el resto de los muchachos.

Dentro del llamado a la nostalgia, aparece la pluma del baterista Roger Taylor con una de las piezas mas notables, y que marcaba el retorno de Queen a los charts norteamericanos, donde ya estaban algo perdidos. La canción era una balada llamada "These Are the Days of Our Lives" que habla sobre momentos inolvidables del pasado y que también pone pie firme en el futuro que no se venía con buenos vientos en esos días, a causa del estado corporal y anímico del siempre energético Freddie Mercury que se animó (como buen amante del teatro y las novelas francesas) a cantar esta canción como si fuera su mensaje final, su repentina despedida con un "hasta luego, muchachos".

En esta canción Taylor habla sobre los momentos que vivió junto a los amigos y quizás marcado por todos los viajes en medio de la carretera del rock junto a Queen. El paseo por la nostalgia hace que esta pieza tome un significado muy profundo, y en especial cuando semanas antes de su muerte, un debilitado Freddie Mercury anunciaba al mundo que tenía SIDA, acallando a muchos periodistas que ya corrían el rumor de manera casi poco profesional inventando muchas cosas hablando simplemente demás. En ese momento, la canción tomó otro tono, y los fanáticos la tomaron como la despedida que era, y que simplemente fue hecha como a Queen le gustaba: Regalando música.

Musicalmente la canción es una joya, como todos los clásicos de esta banda que empezó su carrera en los 70's.
Muchos creen, y por culpa del reconocido videoclip, que Taylor es el encargado de las congas en la grabación, pero realmente el que tocó ese instrumento de percusión fue el productor David Richards, mientras que el autor de la canción simplemente se dedicó a grabar las partes de batería y la programación de los teclados. En la parte intermedia y en la final, el astrofísico May aparece con su Red Special y se despacha un depurado riff lleno de lamento y a la vez muy emotivo y para algunos incluso desgarrador con un efecto especial.
La parte vocal vocal muestra a Mercury en pleno, quien repite dos veces la frase "I Still Love You", quizás con referencia a su clásica y emotiva pieza "Love of My Life", la cuál era el momento especial de los shows con la bada ya que la cantaba a pura guitarra acústica junto a su publico en los conciertos para luego regalar rosas sin espinas.

El emotivo videoclip fue filmado el 30 de mayo de 1991 en los estudios de DoRo Productions y estuvo a cargo de Rudi Dolezal y Hannes Rossacher. En esa ocasión estuvieron presentes en el estudio Mercury, Taylor y Deacon, mientras que el guitarrista May sencontraba fuera del pais promocionando el disco Innuendo y tuvo que grabar su participación una semana después.
El video fue grabado en blanco y negro a petición de la banda para no resaltar de manera tan fuerte el estado de salud de Freddie , quien ya se notaba muy delgado y debilitado en esos días a causa de la dura enfermedad. También fue tomada esa decisión para no darle tiempo a los periodista para que empezaran su tormenta de publicaciones falsas, puesto que en esos días molestaban a mucho Freddie inventando cada cosa sobre enfermedad lo cuál tenía muy enojado a la banda.

Para Estados Unidos, el videoclip fue adornado con unas animaciones hechas en los famosos estudios Walt Disney. Mientras que la versión europea del videoclip no contiene esas animaciones y es conocida como la versión "limpia". Pero en el año 1993, y para promocionar un compilatorio (de los tantos que se han hecho de esta banda) llamado Classic Queen se hizo un video especial de la canción donde se combinaban varias imágenes de la trayectoria de la banda y una que otra actuación en tierras estadounidenses.

En fin, estamos frente a una canción emotiva, que llama a reflexionar sobre la vida y lo corta que esta puede ser si no se disfruta cada momento como si fuera el último junto a los seres queridos.
Es Queeen, es leyenda pura...
Que la disfruuuten!
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sábado, 18 de febrero de 2012

PIGGIES / THE BEATLES



"Piggies" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue publicada en el famoso disco homónimo (también conocido como "White Album" por su llamativa funda) que tuvo su aparición en las disqueras un 22 de Noviembre de 1968.
Esta canción marca un sello bastante distintivo dentro del repertorio de la banda y que tuvo como protagonista a George Harrison, el comúnmente señalado como el "Beatle tímido" por su aspecto lejano frente al actuar de John y Paul. Remarcamos esto para mencionar que tan tímido no era el bueno de George, ya que en sus canciones de esta etapa con la banda ya manifestaba en sus líricas cierto grado de crítica social mezclada con irónia hacia el duro momento económico y político que vivía el Reino Unido. Pocas veces se resalta este lado mas rebelde de George, y muchos caen en los simple: Su fanatismo por la cultura hindú.

Una de esas canciones rebeldes escritas por George es la irónica "Piggies", que data del año 1966 cuando George preparaba la llamativa "Taxman", la notable pieza que abre el disco "Revolver". En ambas canciones, aunque con ritmos bastante diferentes, hablaban sobre el estancamiento financiero y la lucha de las clases sociales bajas por surgir y salir de la mediocridad.
Pero fue recién en el año 1968, en las sesiones de grabación del Disco Blanco, cuando Harrison decidió volver a trabajar esta pieza con aroma a folk y música barroca. Además, en esos días contó con la ayuda de Lennon, quien no toca en esta rola" pero que tuvo su aporte en la frase "Clutching forks and knives they eat their bacon" y además tuvo la genial idea de incluír ruidos de cerdo dentro de la canción para darle un sutíl toque de canibalismo al tema.
Otra persona que aportó ideas en la lírica de la canción fue la madre de George, Louise, que colaboró con la frase: "What they need is a damn good whacking."
Años después, en un repaso por su trayectria musical con The Beatles, Harrison comentaría sobre esta pieza y el rol que tuvo su madre en la letra: ""Piggies" es crítica social pura. Recuerdo que me había quedado sin ideas tras escribir la parte intermedia hasta que apareció mi madre con la frase: "What they need is a damn good whacking", que calzaba justo con el tema, ya que era una buena forma para decir que esos tipos necesitaban una buena paliza".

El 19 de Septiembre de 1968 fue la fecha exacta en que The Beatles, comandados por George, empezaron a ensayar y depurar la canción bajo la atenta mirada del productor Chris Thomas, quien había tomado el mando de la mesa de control tras la sorpresiva ida de vacaciones de George Martin, que tomó sus maletas tras notar que las sesiones de grabación eran un caos (en ese entonces la relación entre los integrantes de la banda estaba en la cuerda floja y cada uno hacía lo que le daba la gana en el estudio).
Thomas tuvo una buena relación con los muchachos, en especial con Harrison, quien cada vez que lo veía sin tanta tarea lo invitaba a una sala para tocar e improvisar una que otra canción que tenía en carpeta. En el caso de "Piggies", y al observar que en el estudio 1 de Abbey Road había un clavicordio (tras una sesión nocturna de una orquesta), George decidió que Thomas le apoyara con ese instrumento escribiendo y tocando una parte al estilo barroco.
"Ese año fue clave para George Harrison en materia musical, y me pidió un día tocar en una de sus canciones. Asi que decidí hacer mi aporte en el clavicordio en una nueva canción que estaba preparando para el disco. Cuando la escuché le dije 'Eso es genial! ¿Por qué no la tocamos otra vez? y él, con cara de sorpresa, me respondió: '¿Te gusta?, ¿de verdad crees que es buena?" mencionaría Chris Thomas en el libro The Complete Beatles Recording Sessions, escrito por el investigador Mark Lewisohn.

Ese mismo día, Harrison y Thomas le presentaron la canción con nuevos arreglos al resto de la banda, que quedó muy sorprendida con los rotundos cambios que habían hecho en pocas horas. Asi que de manera inmediata los demás Beatles se pusieron manos a la obra y empezaron a grabar la canción.
En total fueron 11 tomas las que se registraron de "Piggies" con Thomas en clavicordio, Harrison en guitarra acústica, McCartney en el bajo y Starr que golpeó un pandero. ¿Y Lennon?... Se dice que en esa tarde el músico ni se apareció en el estudio de grabación y al parecer se fue a pasear pr ahí con Yoko, quien hace rato que estaba metida a la fuerza en el clan Beatle.
Al día siguiente, Harrison se dedicó ciento por ciento a grabar la parte vocal mientras que el recien aparecido John Lennon se dedicó a buscar en la biblioteca sonora de Abbey Road efectos sonoros de "cerditos", que luego cortando y pegando cintas como un artesano, llegó a una sinfonia porcina con tintes psicodélicos de alta calidad.
Muchos años después Stuart Eltham, ingeniero de Abbey Road, encontró la cinta usada por Lennon en esos efectos. Se trataba de una vieja grabación llamada "Animals And Bees (volume 35)" que traía en su tracklist sonidos de cerdos.

Pero "Piggies" recién fue terminada el 10 de Octubre, cuando tras ser analizada por George Martin (que volvió bronceado y con buenos ánimos de sus vacaciones) se tomó la decisión de ncluírle un juego orquestal. Para ello, Martin convocó al estudio a los violinistas Henry Datyner, Eric Bowie, Norman Lederman y Ronald Thomas. También se dió el tiempo de reclutar a John Underwood y Keith Cummings en violas y a Eldon Fox y Reginald Kilbey en cellos. Estos fueron los encargados (y suertudos!) de interpretar los arreglos ideados por Martin para esta llamativa canción.

Una vez que la canción fue incluída en el disco The Beatles, no faltaron los fanáticos y periodistas que tomaron el mensaje de la canción como un himno contra la fuerza policial. A pesar de que Harrison la presentaba siempre como un comentario sobre el momento actual de la sociedad en general, pero muchos fanáticos no lo querían entender de esa forma.
Uno de esos fanáticos que tomó a "Piggies" como un himno contra la policia fue el asesino en serie Charles Manson, que era incluso mas malo que Caín.

Manson, dueño de una mente muy perturbada y que se hacía llamar la reencarnación de Jesucristo, era un fanático de The Bealtes, siempre buscaba una frase oculta en cada canción de ese disco que le trajera deseos de conquistar el mundo. En el caso de "Piggies", el asesino destacaba la frase "what they need's a damn good whacking" (la que había escrito la madre de George!) como un mensaje oculto en ataque a la policia de los Estados Unidos. Por eso, en varios de sus asesinatos a cuchillo y navaja, Manson dejó escrito con sangre en las paredes de las habitaciones de sus victimas frases como "political piggy", "pig" y "death to pigs".
Cuando Harrison supo que su canción era usada por el asesino dentro de sus oscuros y demoniacos ideales, simplemente se horrorizó y decidió poner en la mesa que simplemente era un mensaje de crítica social y no tenía nada que ver con la policía estadounidense.

Que la disfruten!
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viernes, 17 de febrero de 2012

AT LAST / ETTA JAMES



"At Last" es una canción de la famosa cantante estadounidense Etta James que fue publicada el 15 de Noviembre de 1960 y que fue todo un éxito dentro de su extensa y premiada carrera musical.
Dueña de una voz potente y moldeada ciento por ciento para el R&B y el Soul desde los 5 años de edad, Jamesetta Hawkins (su nombre verdadero) empezó cantando gospel en el coro de la Iglesia a la que acudía con su familia. Fue en esas actuaciones donde empezó a descatar por sobre el resto y a demostrar que su vida tomaría el camino d ela música. Por ello, sus padres decidieron poner todo el esfuerzo necesario en su hija para que lograra el prestigio necesario para llegar a los medios de comunicación. De esa manera, cuando la cantante cumplía los 14 años ,su sueño parecía tomar los brazos de la realidad tras conseguir una sesión de grabación con el director de orquesta Johnny Otis, donde aprendió varios secretos sobre técnicas vocales.

A partir de ese momento, los músicos empezaron a notar que la voz de esta muchacha era especial, e insistieron a la familia para tomen sus maletas y lleven a su hija a Los Angeles, en ese entonces "La Meca" del ambiente artístico del país de Homero, donde podían encontrar un buen contrato y así catapultar a la fama a esta jóven promesa.
Asi fue como "Etta" llegó a firmar con el sello Modern records quien la dejó ser parte de un proyecto que incluía un trío vocal llamado Peaches, y con el cuál consiguió un moderado éxito en el año 1955, y donde obviamente la voz de esta jóven llamó de inmediato la atención.
Una vez que la fama se les escapó a los Peaches, Etta decidió emprender una carrera como solista donde tuvo mas fracasos que glorias en cuanto a la calidad y venta de sus singles. De esa manera se acababan los 50's y Etta no lograba "romperla" en los charts a pesar de su notable talento vocal.

Pero llegó 1960 y aparecían nuevos caminos musicales para Etta, quien buscaba una renovación parcial para su carrera musical, aunque ya en esos días aparecían problemas como una dura pelea contra la obesidad y una fuerte adicción a la heroína que le trajo mas de algun problema en la salud.
A pesar de eso, Etta conseguía firmar un contrato con el prestigioso sello Chess Records, y esto tuvo su génesis cuando el propietario de la casa discográfica, el señor Leonard Chess, tuvo la oportunidad de presenciar una actuación de Etta y quedó mágicamente impactado con la voz y el carisma que transmitía a los oyentes. Por eso, no lo pensó dos veces en contratar a la cantante con el fin de potenciar una carrera como experta en baladas y que sería con el paso d elos años un gran aporte para el Pop.
Una vez que fue contratada por el sello de Chicago Etta empezó su carrera con buen pie. Su primer single como solista ciento por ciento (ya había lanzado dos a dúo con su novio y también cantante Harvey Fuqua) fue "All I Could Do Was Cry", que alcanzó la segunda posición en los charts de R&B y fue la marca clave para dejar muy en claro que aparecía una nueva estrella en el extenso cielo de las cantantes Pop.

Tras ese logro, Leonard Chess decidió seguir enfocando la carrera de la artista con baladas y para los nuevos singles decidió reclutar un grupo de violinistas con el fin de dar un nuevo estilo a los siguientes singles sin caer en la repetición de las fórmulas de composición que simplemente llevan al fracaso.
El siguiente single iba a ser una nueva versión de una balada escrita en 1941 por la exitosa pareja de compositores formada por Mack Gordon y Harry Warren para Sun Valley Serenade y que posteriormente fue usada en la banda sonora de la película Orchestra Wives donde fue interpretada de manera magistral por Ray Eberle y Lynn Bari bajo el manto musical de Glenn Miller y su orquesta . Hablamos de la pieza "At Last".

La tarea de hace runa nueva versión de este clásico que habla sobre el descubrimiento del amor verdadero no era para nada fácil. Ya en Mayo del año 1942 Glenn Miller acompañado por la voz de Ray Eberle la habían hecho una nueva versión que alcanzó una fama enorme. Por ello, esta pieza musical era un buen desafio para la cantante.
A pesar de seguir dependiendo de las drogas y de pasar por un momento muy duro en lo que se refiere a su vida personal, Etta puso todo su talento a la hora de grabar esta canción, a la cuál le puso un toque de blues en lo que se refiere a la interpretación vocal.
Con un manto de violines bien arreglados (y muy depurados en cuanto al sonido), la potente voz de James navega de manera tranquila y sin caer en muletillas típicas de la cantante Pop de tonos altos. Eso hizo que esta versión fuera la más famosa dentro de un extenso grupo de artistas que había retocado esta enorme balada.

La canción llegó al puesto #47 del Billboard, pero eso no fue obstáculo para quedar como una de sus canciones mas recordadas con el paso de las décadas. A pesar de que con el paso de los años la carrera musical de esta cantante se dirgía con pasos de gigante al blues y al Soul con canciones oscuras en su temática, es con "At Last" la que causó mayor influencia en una tropa de voces femeninas que siempre declararon su fanatismo por esta cantante que nos dejó el pasado 20 de Enero a causa de una leucemia , y que no tuvo mucha pantalla en los medios como si lo han tenido otros artistas que se nos fueron en esta primera "patita" del 2012. Quizás no tuvo la fama televisiva ni la pinta de Houston, pero hay que destacar que el Pop le debe y le deberá mucho a Etta, la primera "Queen Of Soul".
Que la disfruten!
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jueves, 16 de febrero de 2012

RING OF FIRE / JOHNNY CASH



"Ring of Fire" es una canción del cantautor estadounidense de música country Johnny Cash, que fue lanzada como single un 16 de Abril de 1963.
Para aquellos que aún no conocen a este gran personaje de la música country, oriundo de Arkansas, debemos señalar que es considerado como uno de los representantes principales de este género musical, dándole el paso a la popularidad mundial gracias a varios clásicos que salían de su profunda voz. Además, Cash estaba acompañado por los Tennessee Three, su banda de apoyo que popularizó un característico sonido que llamó la atención de muchos músicos que andaban buscando nuevos sonidos.
En fin, dentro de sus casi 50 años de exitosa vida artística, donde hizo de todo y también vió la luz del fracaso en algun momento, Cash llegó a vender 50 millones de discos y asi quedar entre las voces mas emblemáticas del country con sentido social.

No hay dudas de que una d elas canciones mas conocidas de Cash es la juguetona "Ring of Fire", dueña de una popularidad mundial. Esta pieza musica fue escrita por la talentosa June Carter (que años mas tarde sería esposa de Cash y que en ese momento eran "amigos") y el reconocido compositor y también actor Merle Kilgore, quien era amigo personal de Johnny.
June Carter, que pertencía a una familia que por años se dedicaba a investigar y formar bandas de Country y Folk, escribió la letra de esta canción basándose en su relación que tenía en esos años con Cash, quien pasaba por un duro momento a causa de una fuerte adicción a las anfetaminas. Para June la frase "Anillo de fuego", por mas que sonara siniestra y ocura, simplemente era un retrato del fin d eun amor, y el paso a un infierno personal de autodestrucción, que iba a de la mano con lo que sentía su amigo en esos días donde se gastaba todo el dinero en drogas y alcohol bajo un estilo de vida muy duro.

La historia cuenta que June tuvo la idea de la letra mientras conducía su coche sin destino alguno en medio de una fuerte lluvia. En ese momento ella estaba muy preocupada por Cash y lo único que quería era verlo feliz y radiante sobre los escenarios. Mientras buscaba una agradable solución, paró de manera sorpresiva su coche y sacó una libreta para anotar una llamativa frase que le llegó de la nada: "There is no way to be in that kind of hell, no way to extinguish a flame that burns, burns, burns". Dicha frase tenía cierta relación con un poema que había publicado meses atrás su hermana Anita dentro de su interesante poemario titulado "Love's Ring Of Fire". Asi fue como June buscó ese libro dentro de su maleta y encontró el poema que inspiraba su repentina frase, se trataba de "Love's Fiery Ring", que sería la piedra principal para construir la canción.

Antes de presentarla a su amigo, June decidió grabarla en 1962 con la voz principal a cargo de su hermana Anita, quien había ayudado sin querer a tejer esta armonía. Con una cortina armónica mas lenta (muy tirada al folk), AnitaCarter grabó esta pieza en los estudios de Mercury Records y la incluyó en su LP "Folk Songs Old and New" publicado en el año 1963 y donde estaba titulada como "(Love's) Ring of Fire". Esta pieza tuvo buenas críticas en la Billboard Magazine, quienes señalaban que era el corte mas comercial del disco.

Una vez que fue publicada y promocionada, June se la presentó con bombos y platillos a Cash en Marzo de 1963 con la idea de que fuera parte de una nueva versión en voz del Rey del Country. En un principio Johnny no estaba tan a gusto con la melodia, pero sabía que con ayuda de su amigo Merle Kilgore se podía arreglar la cosa y hacerla mas comercial sin salir de la línea musical que estaba explorando en esos años.
Pero la tarea de hacer nuevos arreglos musicales no resultó tan fácil, hasta que una mañana apareció en los estudios Johnny con una sorprendente declaración que dejó marcando ocupado a varios de los asistentes: Había soñado con una banda de mariachis. Sí, tal como lees, el músico llegó sonriente y lo primero que dijo fue eso, y a raíz de aquel sueño decidió incluírle a la canción un toque mexicano en base a instrumentos de viento, y ahí estaba la formula para hacerla famosa. Con ese buen empujón, Cash y June empezaron a hacer uno que otro areglo a la letra y el 25 de Marzo ya estaba grabada y lista para ser publicada.
El 27 de Julio de 1963 "Ring of Fire" daba el salto alto tras llegar al primer puesto del Billboard Hot Country Singles y además una semana después se supo que llegó al puesto #17 del Hot 100, dejando mas que claro que este era el gran hit de Cash, que incluso llegó a tener una alta popularidad en Alemania y Suiza con su toque mexicano tan representativo.

Se dice que fue gracias a este hit que ambos terminaron enamorados. Pero recién tendrían que pasar 4 años para que Cash y Carter se encontraran solteros y sin ningun compromiso para que en 1968 se casaran de manera oficial. Eso ayudó de manera considerable a la salud de Cash, quien salió de las drogas gracias a la comprensión y ayuda de esta mujer que siempre estuvo a su lado. June murió en Mayo de 2003 tras 35 años de matrimonio con Johnny, quien apenado y enfermo apagó su voz en Septiembre de ese mismo año. En esos días de luto para la familia Cash, su hija Rosanne tuvo un momento para reflexionar sobre sus padres y sacó a luz a la exitosa canción, señalando que resume la vida de sus padres porque "es acerca del poder fuerte del amor".

Pero en el año 2007 la canción volvía a la palestra, pero esta vez con un condimento de polémica. Es que en su autobiografía, "I Walked the Line: My Life with Johnny" , la primera esposa de Johnny Cash, Vivian Cash, negó de manera rotunda que esa canción fuera escrita por June Carter y declara que esa pieza fue escrita ciento por ciento por Johnny en una noche en que andaba de copas. Pero eso no quedaba ahí, ya que la ex- esposa del cantante declara sin tapujos que la canción trata "sobre cierta parte privada del cuerpo femenino". O esta mujer escribió ese libro aún con celos, o estaba mas perdida que un payaso en velorio (?) pero en caso que su declaración fuera verdadera y con fundamentos podría cambiar la historia, pero hasta ahora nadie del círculo cercano a Cash apoya esa declaración.
Simplemente... Que la disfruuten!

miércoles, 15 de febrero de 2012

COME AND GET IT / BADFINGER



"Come and Get It" es una canción de la famosa banda británica Badfinger y que marcó su debut oficial en las pistas comerciales un 5 de Diciembre del año 1969 bajo la etiqueta Apple, la empresa creada por The Beatles y que marcó su fin como banda al meter manos en el sucio dinero.
Formada por Pete Ham (voz, teclados y guitarra), Tom Evans (voz, bajo) , Joey Mollan (guitarrista) y Mike Gibbins (batería), esta banda empezó a tocar en varios bares de Gales bajo el nombre de The Iveys pero tras ser captados y apadrinados por The Beatles (la banda de la cual estos chicos sacaban muchas influencias), tuvieron que cambiar su nombre por algo mas sorpresivo y comercial. En un principio Lennon les había bautizado Glass Onion, pero no tuvo muchos votos hasta uqe finalmente tomaron una frase de una pieza musical que tenía Paul en carpeta y que se llamaba: Bad finger boogie. Meses después esa canción pasaría a llamarse "With a Little Help from My Friends".
A partir de eso, la carrera de esta banda empezó a crecer y crecer a medida que lanzaban singles, y la prensa en 1970 no tuvo reparos en gritas a los mil cielos que estos serían los reemplazantes naturales de The Beatles, quienes ya habían puesto término a su carrera musical. De hecho los diarios y revistas musicales recalcaban que la pareja de compositores, formada por Pete Ham y Tom Evans, iban a ser los Lennon- McCartney de los 70's y lo juraban con toda ley de por medio. Lamentablemente la banda no pudo con los cambios de sello, problemas de dinero, problemas psiquiatricos y la caida en los charts, que finalmente terminaron con la carrera de esta mítica y talentosa banda que es dueña de una historia muy particular marcada por la tragedia.

Una vez que estos cuatro chicos firmaron para Apple Records en 1968, el sello que había sido fundado por los Beatles, de inmediato estos se pusieron manos a la obra y en Noviembre ya lanzaban su primer corte, titulado "Maybe Tomorrow", y que era una balada escrita por Evans. Lamentablemente la suerte no estaba del lado de la banda, que en ese entonces aún eran conocidos como The Iveys y que sufrió un debut poco soñado tras enterarse que apenas entraron a los ultimos lugares de las listas en el Reino Unido y en Estados Unidos. Del LP "Maybe Tomorrow" mejor ni hablar, ya que fue tanto la poca promoción que les dieron que se fueron en pérdidas, en especial en los Estados Unidos donde el disco pasó sin pena ni gloria por los estantes de las tiendas disqueras y en tan solo una semana se decidieron por no editarlo.

Mientras los productores de Apple buscaban una formula perfecta para re- editar a la banda, un 24 de Julio de 1969 en una de las salas de Abbey Road se encontraba un deprimido Paul McCartney grabando una nueva canción de manera casi artesanal para luego mostrarsela a sus demás compañeros. mecionamos lo de deprimido porque ya en ess días el músico se estaba dando cuenta que con la empresa Apple habian mas pérdidas que ganancias y que el fracaso y el derrumbe económico se venía con todo.

Mientras buscaba alguna explicación a lo que estaba sucediendo, el músico simplemente se dejaba llevar por la música, que era la medicina perfecta para calmar los ánimos. En esa ocasión se encontraba grabando una canción titulada "Come and Get It" bajo la atenta mirada del ingeniero de turno Phil McDonald y mas tarde de John Lennon, quien se negó a trabajar y dar aportes.
En esa ocasión, y aprovechando que sus demas compañeros llegaban atrasados a los ensayos o simplemente se dedicaban a otras cosas, Paul se puso a grabar su canción que hablaba sobre el duro momento que estaban pasando como banda. Para ello empezó doblando las voces, retocando una parte de piano, grabando los bajos y luego jugando con la batería (era muy fanático de los tambores el señor Paul) y percusiones varias. De esa manera , y en tan solo un par de horas, Paul tenía listo el demo de la nueva canción a estrenar.

Pero McCartney estaba al tanto de los negocios de la banda, y tras enterarse que los Badfinger la estaban pasando mal con el tema de los singles, les ofreció su ayuda y a la vez un nuevo proyecto: La banda sonora de "The Magic Christian" , la nueva pelicula de Peter Sellers, y que en esta ocasión compartía el rol protagónico con Ringo Starr.

El 2 de Agosto de 1969 apareció en los estudios de la EMI Paul con una cinta bajo el brazo para que escuchara la banda. La cinta contenía el demo de "Come and Get It" y antes de poner "play" Macca rayó la cancha mencionándoles a los jóvenes: "Que quede claro, tiene que ser exactamente igual a esta demo." Una vez que la escucharon, y bajo la tutela del Beatle, la banda dió el sí para trabajar en la canción bajo la producción del bajista de The Beatles, lo cuál ya era un honor y además una instancia para aprender mas sobre el trabajo en estudio. Fue en esa ocasión en que Paul les dijo que quería incluír tres canciones de la banda en la película.

Había que tener mucha paciencia para resistir el perfeccionismo de Paul, a tal punto que se dió el trabajo de escuchar las voces de cada uno d elos integrantespara elegir el vocalista indicado. Finalmente el que llegó a ocupar ese puesto fue Tom Evans, quien además era de Liverpool.
A partir de eso, la sesión de grabación fue dirigida por Macca, quien cuidaba cada detalle de su canción y no dejaba espacio para nuevas ideas ni a improvisaciones. De hecho se cuenta que en algun momento uno d elos integrantes de la banda intentó poner una que otra idea pero de manera inmediata Paul le puso el dedo sobre la boca, y le dijo mirandolo directamente a los ojos que si querían tener éxito con este single tenían que seguir de manera metódica sus reglas. De todos modos Paul tenía experiencia de sobra para hablar de fama y romperla en los charts. Asi que todo tenía que pasar sobre su mesa...
Finalmente ela canción fue el espejo del demo, salvo que esta vez fue estaba en Mi bemol, o sea un semitono más bajo que la versión casera de McCartney, y eso se debía simplemente a la mezcla. De manera inmediata esta canción quedó seleccionada como la pueza principal de "The Magic Christian".

El 5 December 1969 aparecía en escena "Come and Get It", y en tan solo semanas ya estaba en el puesto #7 del Billboard Hot 100 y en la casilla #4 del UK Singles charts. De esa manera se hacía realidad los dichos de Paul sobre que esta canción sería su primer hit, y los resultados lo dicen todo.
Esta fue la canción que le dió el puntapié inicial a la banda, que ya había adoptado el nombre badfinger, para que empezar una carrera llena de exitos hasta que en 1974 decidieron pesca russ maletas y tras ver que Apple se caía a pedazos firmaron con Warner Brothers Records, y esto provocó que el sello de la "manzanita" le entablara una demanda a la banda y le impidiera tocar los hits que tenían hasta ese minuto y además le censuraron un disco que contenía canciones muy "personales".
Un año después, específicamente un 24 de Abril de 1975 fue encontrado en el gargae de su casa el cuerpo colgado de Peter Ham, quien tras no dar mas con los problemas económicos y el peso de la fama decidió tomar tres botellas de vino y dar fin a su vida. De la misma forma, pero en Diciembre de 1983, y casi por los mismo motivos se ahorcó Tom Evans en el jardín de su casa, ya que una depresión y fuertes peleas por ganancias de dinero lo tenían hasta la coronilla.
De esa manera terminaba la carrera de una de las bandas mas emblemáticas d elos 70's pero que nunca pudo tener una tranquilidad en cuanto a lo económico y eso los llevó a una historia trágica pero marcada, de manera casi irónica, con buenas canciones...
Queee la disfruten!

domingo, 12 de febrero de 2012

SURF'S UP / THE BEACH BOYS



"Surf's Up" es una canción de la banda estadounidense The Beach Boys, que fue lanzada como single un 8 de Noviembre de 1971 y está incluída en en el disco Surf's Up, el decimoséptimo trabajo en estudio de esta prestigiosa banda.
A pesar de que su lider y cerebro creativo, el capo Brian Wilson, pasaba por un periodo de depresión a causa del excesivo abuso con drogas, la banda no se quedó dormida en los laureles y a pesar de todo decidieron emprender vuelo con un nuevo trabajo musical que superara en cuanto a ventas al fracaso que fue el LP anterior titulado Sunflower.

El fracaso de ese disco tocó fuerte la puerta creativa de la banda, ya que les estaba mostrando la otra cara de la fama donde incluso podría venir la sombra del olvido y el paso a una simple leyenda de hits sesenteros. Por eso,y a partir de ese apr
endizaje, el que tomó las riendas del grupo fue Carl Wilson quien también decidió seguir dandole espacio para la creatividad de Brian, quien ya mostraba signos de problemas psiquicos a causa de las drogas. Es por ello, que cuando llegó la hora d eseleccionar las piezas que iban a formar parte del disco, Carl decidió retomar una vieja melodía que había dejado inconclusa en el año 1966 Brian Wilson durante las grabaciones de su experimento musical llamado "Smile", un disco que jamás salió a la venta y que tuvo una publicitada edición en Noviembre de 2011. Hasta antes de esa edición, Smile era considerado por la prensa y los melómanos como el bootleg mas famoso de la historia del Rock.

La letra de "Surf's Up" fue escrita por el compositor Van Dyke Parks (seleccionado por Brian para lograr una alta calidad no sólo en lo musical) y habla sobre la espiritualidad y la simpleza del amor que se siente en la juventud, y el como eso cambia de manera rotunda a la hora de la llegada de la etapa adulta, donde el rol en la sociedad lo hace ver como un protagonista de una cruel obra de teatro. Algunos críticos han asegurado que al parecer Van Dyke Parks escribió a partir de una reflexión sobre los jóvenes que eran reclutados para ir a combatir a Vietnam. Esto ultimo nunca ha sido asegurado por ninguno de los autores.
Pero dentro de la letra también encontramos ciertas frases que tienen fuentes de inspiración de la cultura popular de Estados Unidos. Por ejemplo, "The child is father of the man," es una referencia al famoso poema My Heart Leaps Up de William Wordsworth. Lo mismo que la frase "Are you sleeping, Brother John?' que está basada en una famosa canción infantil llamada "Frére Jacques."

Pero en ese entonces también aparecieorn en escena varios personajes que reclamaron sobre la tematica de esta canción, en relación al ámbito comercial que era donde la banda tenía que ganar prestigio en los 70's. Uno de esos fue Mike Love, el polémico Beach Boys y primo de Brian, quien reveló en el año 2008 que aún no entendía la temática de la "rola". "Le pregunté directamente a Van Dyke sobre el significado de esta canción y este simplemente me dijo: 'No tengo ni idea, Mike'. Algunas de las cosas líricas suenan fenomenal, pero yo veía las cosas desde un punto de vista ligado a lo comercial, y eso podíatomarse como una fortalezao como una denilidad a la hora de debatir. Entonces le dije: '¿ Esto tiene relación con el público en la medida en que puedan identificarse con el mensaje que trae la letra? " comentó el cantante a la revista Uncut.

Se cuenta que la parte musical fue escrita en tan solo una hora, ya que Brian Wilson en esas míticas sesiones de Noviembre de 1966 buscaba la perfección inmediate aunque eso le costara la salud mental. Por eso, y sentado a un viejo piano que tenía en el estudio, empezó a escribir paso a paso la melodía con tintes clásicos y detalles que marcaban cada pausa, tejiendo así una mini-opera psicodélica con aires a la nostalgia (de hecho el titulo traía a la mesa las viejas canciones "Surf-Rock" de los inicios dela banda).
De hecho, se cuenta que días después de haberla escrito ya laestaba presentado para un documental sobre la música Pop que estaba preparando Leonard Bernstein para CBS News, donde aparecía un inspirado Brian al piano presentando "Surf's Up". A partir de ese gloriosos moento de ver a Brian en las teclas tejiendo una melodía memorable es que Bernstein ha declarado en varias ocasiones que esa era la mejor canción Pop de la historia, y punto!

Tras la no publicación de "Smile" debido a que Brian aún la encontraba poco perfecta en algunas canciones (su sueño era superar de manera relevante a The Beatles), tuvieron que pasar casi 5 años para que la banda volviera a emplear esta canción, y fue el mismísimo Carl Wilson quien decidió retomar esa melodía y grabarla para el disco que estaban preparando como banda. El unico cambio que le hicieron a la "rola" fue la parte vocal,donde le protegonismo se lo gana Carl, quien se manifestaba feliz e impresionado por cada detalle de esa canción.

El trabajo musical de Carl fue notable, ya que capturó toda la magia armónica que quería Brian para la edición del disco que nunca se publicó. Simple pero melancólica fue el resultado final de una de las canciones mas notables de esta banda que ya en ese entonces dejaba de lado las chicas, el surf y la joda para empezar a mostrar que también podían saltar las barreras del tiempo.
Que la disfruuten!