martes, 30 de noviembre de 2010

FALLIN' IN LOVE / HAMILTON, JOE FRANK & REYNOLDS



"Fallin' In Love" es una canción del trio norteamericano de soft rock Hamilton, Joe Frank & Reynolds, que fue lanzada como single en Mayo de 1975 y se convirtió en una de sus canciones mas conocidas y con la cuál llegaron a lo más alto de los charts mundiales.
Esta banda estaba liderada por Danny Hamilton, un músico talentoso y duelo de una creatividad impresionante que con el paos de los años lo ha llevado a ser considerado como una influencia obligada para toda banda que quiera hacer de las suyas en el soft Rock.

Por eso días del año 1975, la banda pasaba por un momento muy bajo en cuanto a popularidad. Es que luego de romperla en los charts y en las radios en 1971 con "Don't Pull Your Love", el resto de sus singles ni rascaron el Top 40 de los rankings y en las emisoras radiales eran tocadas de vez en cuando. La prensa simplemente decía que este trio, formado por Dan Hamilton (guitarra), Joe Frank (Bajo) y Tommy Reynolds (batería), era una banda que tuvo su one-hit-wonders y nada más. Pero esos seres se equivocaban, porque el futuro aún no estaba escrito para esta banda...
Era tanta la decepción entre los integrantes de la banda por el decaimiento en las ventas de sus singles, que en 1973 el baterista Tommy Reynolds decide abandonar la agrupación para buscar nuevos rumbos con su nuevo proyecto musical: Shango.
En su reemplazo apareció el tecladista Alan Dennison y con él vinieron buenas noticias para la banda. En 1974, el sello Playboy Records se fijó en la banda y los contrató con el fín de relanzar su carrera musical.
Hamilton y compañia no lo dudaron y pusieron sus "millonarias" en el contrato y empezaron de inmediato a trabajar en su proximo disco.
El único requisito que les pidó su nuevo sello fue mantener el nombre original del grupo, con el fin de seguir sonando en las radios aunque Reynolds ya fuera historia.

Los encargados de escrbir la canciones eran el señor Danny Hamilton y su esposa Ann. Esta pareja de compositores se puso de cabeza con el fin de fabricar un nuevo hit para la banda y salvar el contrato.
Cuando la pareja recien se estaba conociendo, Danny le presentó a Ann la maqueta sonora de una canción llamada "Fallin' in Love" . Pasó el tiempo, la banda gozaba de popularidad y estos dos compositores entraron al altar y se casaron. Ambos vivieron las penas y las alegrias de estar un dia como grito y plata en la escena musical para luego pasar a estar al lado del fracaso.
En 1975, Hamilton, Frank y Dennison empezaron a trabajar en su nuevo disco con el sello Playboy. En una de esas sesiones de grabación Hamilton decidió grabar aquella vieja canción que le había enseñado a su mujer cuando eran "pololos". Pero había un gran problema: A Dan no se le ocurría ninguna idea para hacer la letra.
Fue en ese momento donde Ann puso su grano de arena y le presentó a su marido una letra para esa canción llamada "Fallin 'In Love". Danny Hamilton quedó muy admirado con la poesía hecha por su mujer y no lo pensó dos veces, esa letra calzaba justo con la canción.

En Marzo de 1975 la banda lanzó su nuevo single, el primero con el sello Playboy. Los resultados fueron fantásticos y las ganancias mejor aún. En pocos días la canción ya estaba dentro del Top 10 del Billboard Hot 100 y alcanzó a llegar al primer puesto. Con ese resultado, su nueva casa discográfica lograba su primer y único número 1 en toda su historia como empresa musical y fue gracias a Hamilton, Frank y Dennison.

Tras el éxito mundial de esta canción, la banda decidió cambiar su nombre a Hamilton, Frank, Joe y Dennison con el fin de promocionar la nueva formación y de no ir a los juzgados por culpa de su amigo Reynolds.

Les dejamos este hit de hits. Una canción con historia y que pasó a la historia y que marcó la vida de muchos...
Que la disfruten!!

domingo, 28 de noviembre de 2010

SHOUT / THE ISLEY BROTHERS



"Shout" es una canción del grupo norteamericano The Isley Brothers, que fue lanzada como single un 21 de Septimebre del año 1959.
Esta canción marcó el debut oficial en las pistas de los hijos de la familia Isley oriunda de Cincinnati que perdiraría con gran éxito por muchos años mas, siendo considerada por la prensa como la banda con mas años de actividad en la historia del rock.

Pero antes de publicar esta canción que los llevó a la fama, Los Isley Brothers no la pasaban muy bien. Tras un debut en las pistas en el año 1955, la muerte de Vernon tras un accidente en bicicleta marcó a sus hermanos y decidieron parar sus giras y conciertos.
Luego de estar casi dos años fuera de la escena musical, estos jóvenes decidieron pescar sus maletas y escapar a Nueva York, con la misión de captar la atención de algun productor y grabar discos.
Pero nada les salía como se lo habían planteado. Las oportunides de presentar sus talentos parecían escasas y una que otra vez los invitaban a participar en pequeños conciertos o para cantar en las iglesias.
Pero 1959 fue su año. Luego de varias conversaciones con dirigentes de sellos y con varios productores, se les presentó la oportunidad de actuar como "teloneros" en los conciertos que daría el famoso cantante Jackie Wilson en Washington, DC.
Fue en una de esas actuaciones, mientras la banda le rendía un tributo a Wilson entonando la famosa "Lonely Teardrops", cuando el vocalista Ronald Isley empezó a improvisar una llamativas frases con una voz muy particular:"WELLLLLLLLLLL... you know you make me want to SHOUT". En ese momento sus hermanos Rudy y O'Kelly se unieron a la improvisación y sacaron una canción de pregunta-respuesta que atrajo al publico y a la cuál aplaudieron sin cesar.
Toda esa energía que traía la canción le llamó la atención a un ejecutivo del sello RCA, llamado Howard Bloom, quien espero el final del show para ir a camarines y decirle a los chicos Isley que aceptáran firmar un contrato con el fín de grabar esa canción.

Lo que no sabía Bloom es que esa llamativa canción no era una simple improvisación. Realmente era una pieza musical que era usada por los Isleys Brothers cuando tocaban en su iglesia y que fue ideada por el tecladista Herman Stephens, que los acompañaba en esas primeras sesiones cristianas.
Por eso la primera respuesta de los hermanos Isleys fue que esa canción no estaba en sus planes para ser grabada pero sí tenían otro repertorio muy utilizado y experimentado en los shows. Pero Bloom, como buen empresario, quería que grabaran "Shout" y nadie lo sacaba de esa idea.
Esa improvisación sólo era utilizada por la banda para animar el espectáculo y hacer que la gente baile, salte, grite y haga pedazos todo. Pero ante la idea de Bloom, tuveiron que idear una nueva letra y tratar de implantar toda esa energía en vivo en el disco que grabarían.

Asi fue como un 5 de Agosto del año 1959 y en una sola toma los Isley Brothers grabaron "Shout" en los estudios que la RCA tenía en Nueva York.
Par esa oportunidad Rudolph, Ronald y O'Kelly Isley idearon nuevas frases a la enigmática letra y cambiaron ciertas partes de la música para que sonara con más potencia.
A la semana de publicarla como single, en Septiembre de 1959, la popularidad de la banda iba en crecimiento y la canción ya sonaba en las radios y en las pistas de baile.
"Shout" llegaba al puesto #47 del Billboard, en una época donde entrar a ese charts era cosa seria por tanto artista de calidad paseando por ahí.
Además, las ganancias eran muy psitivas para la banda y el sello. La cifras finales arrojaron que el single llegó a vender más de un millón de copias y que en un año en las listas ya tenía varios "covers" en el resto del mundo.
Esto llevó a que los hermanos Isleys le compraran una lujosa casa en Nueva Jersey para que su madre descanse y disfrute de sus éxitos en la radio.
Además, este gran éxito que tuvo la canción hizo que la RCA les hiciera firmar un contrato por más años aunque los "peces gordos" no estaban muy felices con esa decisión. La razón, muchas personas decían que no entendían nada lo que cantaba estos tipos y simplemente seguían el ritmo pegajoso de la canción.

Mas allá de ese detalle, "Shout" quedó entre las canciones mas famosas de la década de los 60's y fue el primer gran paso para estos chicos que sólo querían ser famosos y sonar en una radio...
Que la disfruten!!!!

BONUS TRACK: JAVIER MARGAS Y STEVE HARRIS VISTIERON LA MISMA CAMISETA (?)


Ho hay dudas de que Steve Harris, fundador de la mítica banda Iron Maiden, es uno de los mejores bajistas del Rock. Su técnica en las cuatro cuerdas y sus creaciones han sido aplaudidas por todo el mundo pero pcos saben que este caballero, oriundo de Londres, tambien tiene un talento escondido y que está en sus piernas. Como buen británico es un fanático del fútbol y se dió el lujo de estar dentro de la plantilla de uno de los equipos mas conocidos de la Premier League cuando era un "pibe".

Harris siempre fue hincha del West Ham United, y desde pequeño iba al estadio junto a sus amigos del barrio a alentar a los "Hammers".
Pero a los 14 años, alentado por varios amigos que veían en él un talento especial para el fútbol decidió entrar al equipo de cadetes del club de sus amores. Pero eso no le saldría muy barato a Harris...
Su padre, que era camionero, siempre le dijo que tenía que apostar a otras carreras en su vida laboral, que el fútbol sólo era una fantasía y que no le pronosticaba un futuro positivo para formar una "vida normal". Pero Harris no le hízo caso a su "viejo" y se fue a presentar a una supervisión ante varios "cazatelentos". Para su suerte, quedó seleccionado para entrar al club de sus amores y eso lo dejó muy feliz como un perro con dos colas (?).

El futuro bajista y fundador de Iron Maiden había logrado el primer paso hacía el profesionalismo y logró vestir la camiseta del club de su corazón, eso sí en el equipo de las juveniles.
Pero las estricciones, los consejos, las retadas y el miedo al fracaso, hicieron que Harris pasara de la felicidad al aburrimiento de la vida de futbolista de series inferiores.
"Vivía casi como un monje. Mientras el resto de mis amigos comenzaban a ir de juerga y a salir con chicas yo encerrado esperando el próximo partido y sin saber si sería titular o lo miraría en la banca" recuerdó el bajista en una entrevista a una revista británica en la década de los 90's.
Ocho meses después, decidió colgar los botines y seguir siendo hincha, ya que la vida de futbolista no era para él. Pero el amor por el West Ham United jamás moriría y hasta estos días sigue mostrando sus camisetas en los conciertos y cuando puede va al estadio a alentar a su viejo equipo donde alguna vez militó el chileno Javier Margas (?)
Su amor por el futbol tampoco lo dejó d elado. Siempre que tiene tiempo en las giras, Harris organiza uno que otro "picadito" con sus roadies o fanáticos, donde muestra todo su talento con la "gordita regalona".

sábado, 27 de noviembre de 2010

WAH-WAH / GEORGE HARRISON



"Wah-Wah" es una canción del músico británico y ex-Beatle, George Harrison que fue publicada dentro de su aclamado disco triple "All Things Must Pass", que fue lanzado a la venta un 27 de Noviembre de 1970, cuando los Beatles ya habían pasado a segundo plano en su carrera musical.
Este disco, que gano triple disco de Oro, es considerado como la obra maestra de Harrison y como uno de los discos mas interesantes dentro de la historia del rock. Bajo la producción del ingenioso productor Phil Spector, este LP trae verdaderas joyas musicales y demuestra una vez más que Harrison podía ser más que Lennon y McCartney cuando se lo proponía y le daban espacio para mostrar su ideas.

Era Enero de 1969, y los cuatro chicos de Liverpool se disponían a trabajar en un nuevo disco. Bajo el mando autoritario de un iluminado McCartney, las sesiones pasaron a la historia con el título de"Let it Be".
Por esos días las relaciones entre los cuatro integrantes de la banda pasaban por un punto muerto. Todo el compañerismo de antaño se había transformado en una lucha de egos y disputas económicas por malos negocios.
Asi fue como un día, mientras grababan algunos demos, Paul McCartney y George Harison empezaron a discutir en medio de la grabación. Pasaban los minutos y sus palabras ya no eran amistosas y casi legan a los golpes. Finalmente George optó por lo sano y pescó sus cosas y se marchó de Abbey Road mandando todo al carajo y ante la atenta mirada de sus compañeros.
Fue ese mismo día que escribió una canción llamada simplemente "Wah-Wah", donde dejó plasmada su rabia en un momento muy dificil en materia personal.

Es que Harrison tenía ganas de mostrar sus creaciones musicales, pero en The Beatles la cosa era díficil. George Martin tenía mas confianza en las canciones de John y Paul, y le dejaban uno que otro espacio para los demás Beatles.
Al parecer estaban sordos, porque hay que decir que a finales de los sesentas, las canciones mas aplaudidas por la prensa eran las que escribía Harrison como su reflexiva "While My Guitar Gently Weeps", la suave melodía de "Something" o la eterna "Here Comes The Sun".
Por ello, Harrison ya tenía recopilada gran parte de sus canciones que no eran aceptadas en los discos de su banda y las fue archivando para lanzar un tercer disco que causaría furor.

No había dudas, Harrison estaba en su primavera creativa, y en "Wah Wah" lo dejó muy en claro. Una canción hecha con rabia, titulada en honor a ese famoso pedal para guitarras y bajo un riff ardiente de buen Blues.
Puede sonar nerviosa, puede sonar a que Harrison se pierde dentro del "muro de sonido" hecho por el "loco" Spector, pero tambien hay que felicitarlo por su manera de cantar. Con una furia, con una tonalidad muy distinta a lo que veníamos escuchando en su etapa con The Beatles.
No se sabe a ciencia cierta si la letra es una ironía a su banda o a McCartney o simplemente es un homenaje a alguna sustancia prohibida.
En la letra Harrison grita un mensaje de paz interior, de dejar atrás ciertas cosas para disfrutar del futuro y el placer de estar en un buen momento espiritual. En el fondo lo que pide es no depende de nadie más y romper con todo...

Se cuenta que en las esiones de grabación de este dico el señor Phil Spector formó una verdadera orquesta de buen rock con Ringo Starr, Kalus Voorman, Eric Clapton, Gary Wright, Bobby Whitlock, Billy Preston y Gary Brooker entre otros grandes personajes . El productor se quedaba en el centro de la banda y decía lo que cada músico debía hacer. Uno de los que sufrió más de algun reclamo por parte de Spector fue el tecladista Bobby Whitlock (que despues formaría la banda Derek and the Dominos, con Eric Clapton). Resulta que el día e que fue invitado por Harrison para grabar "Wah-Wah", este llegó algo atrasado al estudio.
Al llegar vió a Billy Preston, sentado en el órgano y a Gary Brooker en el piano. Por ello decidió conversar con Spector y pedirle alguna explicación. El loco Spector simplemente le dijo que se siente en otro piano y haga lo que más guste. Whitlock, con cara de asombrado y sin saber que hacer, fue al piano, pescó con rabia la partitura y empezó a pensar alguna idea mientras los demás músicos ensayaban a canción. Finalmente se fue por lo fácil y empezó a tocar los acordes de manera contraria, o sea del final al prncipio y realmente calzaba de buena manera. Finalmente se ganó un aplauso de los demás musicos, porque el efecto sonaba muy bien y le daba otro detalle a la canción.

Les dejamos ese temazo del gran George Harrison, un músico de verdad y que se convirtió en una influencia para varias bandas que andan por ahí imitando sus estilos musicales...
Que la disfruten!!!


viernes, 26 de noviembre de 2010

SURFIN' U.S.A / THE BEACH BOYS



"Surfin' U.S.A." es una canción de la banda estadounidense The Beach Boys, que fue lanzada como single el 4 de Marzo del año 1963 y además pertenecía al repertorio del segundo disco titulado bajo el mismo nombre de esta exitosa melodía compuesta por el gran Brian Wilson.
No cabe dudas en que esta canción es todo un clásico en el repertorio de esta gran banda que siempre le hizo un sentido homenaje al surf, las playas y a las chicas guapas.
En plena época dorada del rock and roll, "Surfin' U.S.A." quedó marcada como una pieza musical de calidad y con gran popularidad a nivel mundial.

La historia de esta canción empieza cuando a finales del año 1962, el señor Brian Wilson decide homenajear a uno de sus ídolos del rock and roll: El capo Chuck Berry.
Para darle mas sentido a este homenaje, el lider creativo de la banda decidió basarse en la música de "Sweet Little Sixteen", uno de los grandes éxitos lanzado por Berry en 1958. Meses después esto le traería un gran problema...

Al igual que sus primeras canciones, Brian decidió escribir una letra basada en el surf. Hay que señalar que de los integrantes de la banda, el punico que realmente practicaba este deporte naútico era el baterista Dennis Wilson. El resto de la banda solo le hacía la música de fondo...
Pero escribir de Surf ya le estaba pasando la cuenta a Brian Wilson, ya que las ideas cada vez iban decreciendo y eso ya era un gran problema.
Por eso días Brian "pololeaba" con una chica llamada Judy Bowles. Su romance iba "viento en popa" y eso se notaba en su estado de ánimo en el periodo de grabaciones del segundo LP de su banda.
Resulta que la "polola" de Brian tenpia un hermano, llamado Jimmy Bowles, que era un apasionado por el surf. En el momento que buscaba una temática para su nueva canción, el músico decidió preguntarle a este joven sobre los lugares mas hermosos para practicar ese deporte. La ídea era hacer una canción que nombre diversos lugares turisticos de Estados Unidos, tal como lo hizo Chubby Checker en su canción 'Twistin' U.S.A.', sólo que en la canción de Wilson las frases iban dedicadas a los fanáticos del Surf.
Para escribir la letra de la canción, el bajista de los Beach Boys le pidió a Jimmy que le haga una lista de todos los lugares que conociera y que fueran aptos para este deporte naútico.
De inmediato Jimmy le fue dictando a viva voz diversos lugares donde las olas eran perfectas para practicar Surf. Entre esas playas le nombró algunas como "Del Mar", "Ventura County Line", "Santa Cruz", "Trestles" y Pacific Palisades" entre otras ubicadas en California. Tambien le habló de "Waimea Bay" ubicada en las costas de Hawaii.

De ahi en adelante, Brian se fue a los estudios de grabación de la discográfica Capitol a terminar su futuro hit.
Sobre la grabación de esta canción se sabe muy poco. Pero el año pasado, el interesante sitio web ilikemusic.com publicó una entrevista a David Marks musico de sesión que trabajó con los Beach Boys en sus primeros cincos discos. Marks, que tocó la guitarra en esas míticas sesiones dijo sobre la canción:"Toda esa energía que salió en las sesiónes del Surfin´USA era muy optimista bajo un ambiente de mucha felicidad. Fue ahí donde toda esa química que tenían los integrantes de la banda entró en acción otra vez... En la grabación de la canción toda esa energía salió a flote. Tecnicamente no era tan perfecta, pero el ambiente era algo especial y tuvo un efecto duradero".

Esta canción fue publicada en marzo de 1963 y fue todo un éxito a nivel mundial. Lideró las listas en Estados Unidos y causó furor en Inglaterra, Suecia, Alemania y Australia.
Era tanto su éxito, que tambien tuvo su lado polémico y la culpa fue de Brian Wison por no percatarse de un detalle primordial: Pedirle permiso al señor Chuck Berry por utilizar la estructura de una de sus canciones ya señaladas en este texto.
Cuando la canción estaba en su gran momento de popularidad, le llegó una carta de parte del señor Chuck Berry donde se les acusaba de plagio. Por esos días el legendario Chuck Berry venía saliendo de la cárcel luego de cumplir condena por un supuesto tráfico de menores.
Berry, que después de ese suceso había perdido mucha popularidad y además se encontraba en la miseria, no lo pensó dos veces y decidió ir a tribunales por los derechos de autor de "Surfin' U.S.A."La familia Wilson no lo podía creer, ya que meses antes que esto ocurriera el mismo Berry les había dicho durante una gira por Suecia: "me encantó su nueva canción".
Para no caer en disputas legales de alto calibre, Brian Wilson y sus abogados decidieron cederle parte de los derechos de autor de la canción y colocar dentro del disco a Chuck Berry como compositor. Esto ayudó a la leyenda del mítico guitarrista...

Pro la canción no perdió su popularidad. De hecho estos problemas legales ayudaron a su avance dentro de los charts a nivel mundial y la dejó como un himno eterno al verano, las playas y a las chicas guapas...
Que la disfruten!!

jueves, 25 de noviembre de 2010

RUN TO ME / BEE GEES



"Run to Me" es una canción del famoso grupo de música Pop Bee Gees, que fue lanzada como single en Julio del año 1972 con el fin de promocionar su octavo disco de estudio titulado "To Whom It May Concern", que es considerado una de sus joyas musicales mas impresionantes en la primera etapa de este grupo formado por los talentosos hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb.
Esta preciosa balada quedó en la historia de la banda al ser un éxito en las radios y los charts de todo el mundo y dejó muy en claro que la marca musical de los Bee Gees era sinonimo de calidad.

Cuando el mundo musical veía como la moda psicodélica ya iba en decadencia junto con los gritos de paz y amor, en la escena musical aparecian muchas bandas y cantantes solistas que querían volver a lo simple, especialmente a cantar esas inagotables baladas Pop.
Una de esas bandas que se aprovecharon del paso de la moda experimental del rock, fue la de los hermanos Gibbs, que tenían un talento profesional en crear canciones de excelencia para el Pop.
Con sus baladas llenas de detalles bien recortados y con un amplio conocimiento en el uso de orquestas y de las influencias de varios cantantes de principios de los 60's, lograban hacer hits mundiales.

Era tanto su talento, que creaban una balada en cualquier lugar o instante. Asi ocurrió una tarde de Abril del año 1972, cuando los hermanos Gibbs se encontraban de paseo en la casa de su manager Robert Stigwood, ubicada en la famosa ciudad de Beverly Hills. En ese momento, mientras charlaban sobre los futuros proyectos de la banda y el próximo disco que estaban a punto de entrar a grabar, los tres hermanos Gibbs empezaron a idear una nueva balada. Barry, Robin y Maurice pescaron sus guitarras y empezaron a tocar unos acordes que sonaban bastante bien.
Mientras su manager los felicitaba por su profesionalismo y talento musical, estos tres chicos se divertían presentandole una nueva canción que salió de la nada.
Con una letra muy tierna, que describe a un hombre solitario y que desea que alguna vez llegue a sus brazos una mujer que ha fracasado en el amor para cobijarla y defenderla de los miedos.
Stigwood ya sacaba cuentas alegres...

El 12 de Abril de ese año, los Bee Gees grabaron esta canción bajo el titulo "Run To Me" en los IBC Studios, ubicados en Londres.
En ella Barry y Robin se lucen cantando las estrofas y el coro bajo un tono melódico hermoso y a la vez melancólico. Mientras que Maurice tambien tiene una actuación dentro de la canción cantando en un tono muy bajo en los coros junto a sus dos hermanos.
La melodía logra el mismo efecto que la interpretación. Con una introducción en tonos menores y con una armonía suave, en unos simples minutos pasa a la gloria, con un coro pegajoso y a la vez hermoso con la decoración vocal.
Los Bee Gees siempre jugaban con el drama en sus canciones y en "Run To Me" lo vuelven a hacer y a decir verdad, fue una de sus formulas mas efectivas para lograr el éxito que los tiene como leyendas del Pop.
Con un arreglo de cuerdas memorable, llenos de detalles cuidadosamente grabados y depurados en el estudio, esta canción parece sacada del cielo, musicalmente hablando.

"Rub To Me" fue un hit que dejó a los Bee Gees en lo alto de la fama. Luego de estar tres años fuera del Top Ten del UK Singles Charts, la banda lograba romper esa mala racha con esta canción que entró en el puesto #9 y eso fue celebrado como si hubieran ganado el título mundial de Futbol.
En Estados Unidos su fama tambien iba en crecimiento. Con su puesto # 16 en el Billboard Hot 100, esta canción pasó a ser un clásico de la balada romántica setentera.

Aunque los Bee Gees no gustaba mucho de tocar esta canción en sus conciertos y al parecer, tampoco gustan del disco al cual pertenece esta hermosa balada, no hay dudas de que es una de las melodías mas aclamadas de esta banda que años después serían gritos y plata con su aporte a la música disco.

Que la disfruten!!!!

miércoles, 24 de noviembre de 2010

THE HITMAN / QUEEN



"The Hitman" es una canción de la banda británica Queen, que fue publicada en el disco Innuendo, mítico album lanzado al mercado el 5 de Febrero de 1991.
Este disco marcó a la historia de este fenomenal grupo musical inglés, ya que fue el último trabajo discográfico hecho con la formación original y clásica de la banda. Meses despues del lanzamiento del disco, específicamente un 24 de Noviembre de 1991, el SIDA terminó con la vida de Freddie Mercury, que era el alma de la banda yq e ya sabía que era portador de este virus desde 1987 y tuvo que luchar por su vida y contra la prensa que día a día inventaban miles de locuras sobre su estado de salud.

Era Marzo de 1989, y en una oficina del edificio de Metropolis Records ubicado en Londres, Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor empezaban a pulir nuevas ideas para lanzar un nuevo trabajo musical y decirle al mundo que en los 90's tambien podían mandar con sus buenas canciones.
Tras las críticas de su disco anterior, el interesante The Miracle, y la decisión de no hacer conciertos ni giras debido al estado de salud de su vocalista, la banda simplemente tenía que lanzar una joya musical para ser condecorados por la prensa y no pasar al olvido.
Es que tenían plazo hasta inicios de 1991 para terminar su disco y la ídea de los cuatro integrantes era llevar a Queen a las nuevas generaciones y mostrar que aún les quedaba cuerda para rato.

La banda se puso a trabajr de inmediato ya que su ídea era sacr un disco como los de antes. Esos donde experimentaban con diversos sonidos y uno que otro estilo musical y además se daban el lujo de hacer un trabajo de producció notable, donde cada detalle era cuidadosamente retocado hasta lograr una fina pero a la vez potente melodía.
En una de esas sesiones de grabación en Londres, apareció Freddie Mercury con una partitura que contenía una extraña melodía que llevaba como título "The Hitman". La versión de Freddie estaba hecha con teclados y en otro tono, pero no dejaba de ser una pieza con alto grado de buen rock. A pesar de que muchos idealizan a Freddie Mercury con canciones románticas o melodías épicas como Bohemian Rhapsody, tambien hay que destacar su mano en crear melodías muy ligadas al Heavy Metal como "Ogre Battle" y la magnífica "Stone Cold Crazy".

"The Hitman" sonaba muy interesante y cuando mercury terminó de enseñarsela al resto del grupo el más interesado en hacer arreglos fue Brian May. El pelucón de la guitarra se las craneó para componer un riff "de miedo" basado en los acordes hechos por Mercury y grabó la primera versión demo para incluírla dentro de su LP. Esa versión contaba con la voz principal interpretada por May sobre una poderosa base de guitarra amplificada.
La canción sonaba a Heavy Metal de la vieja escuela, pero el bajista John Deacon decidió meter mano en la canción y depurar algunos detalles de la letra e incluírle teclados. Luego de eso, se decidieron por incluír la voz principal de Freddie y relegar a May a los coros.
Es que en los ensayos Mercury mostraba mas gnas y cantaba la canción sin la necesidad de abusar de los falsetes y cambios de tono. Además, Mercury siempre se mostraba interesado en la canción, más con la nueva y potente versión hecha por su amigo Brian May.

"The Hitman" quedó como una canción especial dentro del disco y como un guiño a aquellos periodistas que pronosticaban el fin de Queen y su alejamiento del buen rock para acercarse al Pop.
Con esta canción Freddie volvió a demostrar que su talento estaba mas vivo que nunca, que el rock aún corría por sus venas y que la banda tenía más tiempo para hacer historia.
"The Hitman" no fue lanzada como single pero tenía varias estrellistas para serlo. Lamentablemente el disco contenía varias joyas y no fue fácil para la banda encontrar una lista para sus singles.
Es que "Innuendo" quedó como el final perfecto para una banda con historia. Un disco existoso, de alta calidad musical y con varios estilos musicales dentro de sus tracks. Un disco memorable, histórico y el último grito de Freddie frente a Queen y sus fanáticos.

Que la disfruten!!!!


BONUS TRACK: 19 AÑOS SIN MERCURY

Era el 22 de Noviembre de 1991, cuando el manager de Queen, el señor Jim Beach, envió en nombre de Freddie Mercury el siguiente anuncio a la prensa inglesa:

"Siguiendo la enorme conjetura de la prensa de las últimas dos semanas, es mi deseo confirmar que padezco SIDA. Sentí que era correcto mantener esta información en privado hasta el día de la fecha para proteger la privacidad de los que me rodean. Sin embargo, ha llegado la hora de que mis amigos y seguidores conozcan la verdad y espero que todos se unan a mí y a mis médicos para combatir esta terrible enfermedad. Mi privacidad ha sido siempre muy importante para mí y soy famoso por prácticamente no dar entrevistas. Esta política continuará."

Esta noticia, que ya era un secreto a voces entre la salvaje prensa inglesa, dejó muy sorprendido al mundo artistico, y los fanáticos de Queen no lo podían creer.
Pero tuvieron que pasar dos días para que esta triste noticia tuviera un trágico final. El 24 de Noviembre de 1991 Farrokh Bulsara (alias Freddie Mercury) dejaba este mundo terrenal y viajaba a ser una leyenda del rock a causa de una bronconeumonía.
Débil, postrado en una cama, sin defensas y con sólo 45 años marcaron el final de este gran artista, que llevó a Queen a lo mas alto de la escena musical y que dejó un mensaje universal antes de marchar: El Show debe continuar.

Aguante Freddie!!! y Salud!

martes, 23 de noviembre de 2010

ISRAELITES / DESMOND DEKKER & THE ACES



"Israelites" es una canción del grupo jamaicano Desmond Dekker & The Aces que fue lanzada como single en Octubre del año 1968.
Esta canción es considerada como una de las primeras piezas musicales con alta influencia del Ska en ser un hit mundial, pese a que Dekker, un jamaicano de tomo y lomo, escribía letras muy díficiles de entender para el publico común y corriente que no entendía mucho sobre el movimiento rastafari.

Dekker escribió gran parte de la canción y recibió la ayuda del famoso productor Leslie Kong (que era de nacionalidad Chino-Jamaicano) especialmente en los arreglos musicales de la misma.
En una entrevista a Dekker, hecha por el pasquín The Metro en Abril del 2005, se menciona algunos datos curiosos sobre como se originó esta canción. En esas páginas el músico jamaicano menciona que "esta canción no la escribí sentado al piano ni tocando la guitarra sino que fue mientras caminaba por un parque, iba comiendo "palomitas de maíz", y me percaté de dos personas que estaban discutiendo sobre problemas de dinero. Una de esas personas alegaba que necesitaba ese dinero ya que su sueldo no le acanzaba ni para los gastos comunes, y luego se puso a cantar una frases muy interesantes, que decían: "Te levantas en la mañana y los esclavos van por el pan". Marcado por ese momento, Dekker fue reflexionando sobre el contenido de esa conversación. Es que esa persona sufría la injusticia social que a muchos ya le estaba pasando la cuenta. Muchos tenían que vivir de los trabajos duros pero mal remunerados y esa injusticia de ver que los de "arriba" lo tienen todo y lo que sobra era para el resto del pueblo tenía a la gente muy indignada y con ganas de romperlo todo.
"Cuando llegué a mi casa la canción ya estaba hecha en su totalidad. Eso fue muy divertido porque nunca me imaginé escribir una canción de esa forma. Al día siguiente la grabé en una cinta y a partir de eso empezó todo" mencionó Dekker en esa entrevista.

El impacto de "Israelites" viene por su calidad musical y también por la lírica, que trata sobre la explotación de los obreros y la pobreza. Ojo con eso, en aquellos años pocas bandas se atrevían a lanzar un single con crítica social. Es cierto que todos hablaban de la paz, el amor, la libertad o la florcita pero el reggea iba más allá. Ellos buscaban la igualdad social y eso marcaría a muchas bandas en los 70's, que vieron en el Ska una buena forma de plantear ideas y hacer pensar a la gente.
Musicalmente, la canción contiene todos los tintes melódicos de la cultura de Jamaica. Con un trabajo de producción, hecho por Kong, de muy buena calidad, "The Israelites" lo tuvo todo para ser un hit de clase mundial.
Con toda la energía del Ska, "Israelites" contiene una parte de bajo muy interesante, que le da un tono especial a la canción. Los teclados y las guitarras se abrazan dentro de la melodía y logran un sonido llamativo, que nos lleva a bailar y a sentir todo el sentimiento de la música de esa mágica isla centroamericana.
La interpretación vocal tambien contiene detalles importantes. La voz de Dekker es impactante y ya en la introducción de la canción muestra todo su talento e invita cordialmente a disfrutalra. El resto de los integrantes de "The Aces" se dedicaron a tejer una cortina vocal que acompaña mágicamente a la melodía y son uno de los detalles mas aplaudidos por la crítica, junto a la actuación vocal del cantante.

Con le paso de los años, Dekker mencionaba que "Israelites" era su canción favorita y por ello, le tenía un gran cariño al interpetarla en vivo.
Es que fue un hit de grandes proporciones ya que logró entrar al Top Ten (llegó a la casilla #9) del Billboard Hot 100 en 1969 y fue número 1 en el UK Singles charts. De hecho en el Reino Unido se vendieron 250.000 copias del single.
Además lideró los rankings en Holanda, Jamaica, Canadá, Alemania Occidental, Suecia y Sudáfrica. A eso hay que sumar que el single vendió cerca de 1 millón de copias en todo el mundo y que tuvo su segunda oportunidad en el año 1975, cuando el nuevo sello discográfico que contrató a Dekker, Cactus Records, decidió reeditar la canción en 1975. En esa oportunidad el éxito tambien llegó a las manos de Dekker, ya que "Israelites" volvía a entrar en los primeros lugares de los charts europeos.

Muchos críticos mencioan que a partir de éxito de "Israelites", el Ska empezó a causar furor en Europa, especialmente en Inglaterra. De hecho, hasta The Beatles tomaron parte de ese nuevo estilo musical y en particular con Desmond Dekker. De esta influencia, Paul McCartney y John Lennon componen "Ob-La-Di, Ob-La-Da", un ejercicio de Ska que fue grabado en 1968 para su "White Album" y que fue llevado al número uno de los charts britpanicos por la banda, oriunda de Escocia, The Marmalade. Si usted toma atención a la letra de "Ob-La-Di, Ob-La-Da", se podrá dar cuenta que el personaje principal se llama "Desmond". Bueno, muchas personas y periodistas se lavan las manos dicendo que era un homenaje de Paul McCartney a Dekker, pero hace años atrás el bajista de The Beatles declaró en una revista que sólo fue una inociente coincidencia y que decidió colocar ese nombre porque era muy común en Jamaica.

Les dejamos una canción de alto calibre musical. Llena de historias y que además ayudó a crear nuevas formas de expresar la música y los ideales.
Si no aparece dentro de un disco recoplatorio de grandes obras musicales de los 60's, simplemente te están estafando!!!
Que a disfruten!!!!

domingo, 21 de noviembre de 2010

I CAN'T LET GO / THE HOLLIES



"I Can't Let Go" es una canción de la banda británica The Hollies, que fue lanzada como single en Febrero del año 1966.
Esta canción fue un hit más para la banda oriunda de Manchester en ese mitico año 1966. es que por esos días toda canción se sacaban los Hollies era un éxito en Inglaterra y mientras The Beatles y Los Rolling Stones (pesos pesados del rock inglés) se dedicaban a experimentar nuevos sonidos, estos cinco chicos britaánicos aún mantenían viva las canciones con aroma "yeah, Yeah".

La historia cuenta que "I Can't Let Go" fue escrita por los compositores Al Gorgoni y el famoso Chip Taylor. Cabe señalar que Taylor, que es hermano del actor Jon Voight, es un connotado compositor que tiene entre sus canciones la famosa "Wild Thing" que fue grito y plata con la versión hecha por The Troggs.
Pero volvamos a la canción de hoy... No nos vayamos por las ramas (?)
Resulta que esta dupla decidió cederle la canción a la cantante estadounidense Evie Sands. Esta artista oriunda de Brooklyn, grabó "I Can't Let Go" en 1965 con el fin de lograr algo de fama.
Pero la calidad de la grabación no era tan buena y no pegaba entre la gente. Además las radios la "tocaban" poco, lo que hizo que la versión de Sands pasara sin pena ni gloria por la escena musical estadounidense que por ese entonces tenía grandes artistas en la punta de los charts.

Pero si hubo alguién que quedó maravillado con la canción de Sands. Era Dick James, representante de The Hollies, que decidió presentarle la canción al guitarrista Tony Hicks.
Mr.Hicks, que además era un buen compositor, puso todas sus ganas para arreglar ciertos detalles a la canción y dejarla apta para el estilo de su banda.
Inspirado en las dulces y simples melodías de The Beatles y en el maravilloso sonido de la Rickenbacker de 12 cuerdas, que era parte del sonido característico de los Byrds por esos años, Hicks logró hacer de la canción una joya del pop y de la banda.

La versión de los Hollies se destaca de la original por sus maravillosos detalles armónicos , en voces de Graham Nash y Alan Clarke, que suenan notable. A eso hay que sumarle la guitarra en manos de Hicks que contiene pasajes muy llamativos y a un ritmo sincopado.
Pero no hay dudas de que el detalle que "la rompe" dentro de la canción es el timbre vocal de Nash, que debe ser de las voces mas potentes dentro del Folk. De hecho su amigo, el tambien músico, David Crosby, llegó a comentar que la voz de Nash a ratos se parecía a una trompeta.
Mas allá de que si se tragó alguna trompeta en su infancia (?), dentro de The Hollies, la voz de Nash era muy importante para las armonías vocales, ya que hacía el mismo efecto sonoro que lograba Paul McCartney en las canciones de Los Beatles

El single que contenía a esta canción marcó a la historia de The Hollies, ya que fue el ulimo lanzado con la formación original de la banda. Días después de que su versión de "I Can't Let Go" sonaba en las radios, el bajista Eric Haydock se retiraba de la banda y dejaba su puesto a Bernie Cavert, que no la tuvo nada de fácil, ya que la figura de Haydock era muy importante dentro del sonido de la banda y la crítica no fue muy amable con este cambio en la agrupación.

La canción fue todo un suceso en el Reino Unido, y llegó al segundo puesto del UK Singles Charts. La suerte no fue la misma en Estados Unidos, país donde la banda no lograba pegar sus melodías en las radios. Sólo llegó al puesto #40 del Billboard Hot 100 y tendrían que pasar varios años para que Los Hollies tuvieran su primer hit en tierras norteamericanas.

Les dejamos este clasicazo sesentero en voz de una de las bandas mas famosas de Inglaterra y que fueron parte fundamental dentro de lo que la historia de la música popular conoce como Invasión Británica.
Que la disfruten!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

sábado, 20 de noviembre de 2010

HDC CUMPLE 2 AÑOS DE VIDA


Para todo hay una canción. Para acompañar un viaje, un paseo por el barrio, la vuelta del trabajo a la casa, para silbar mientras esperamos el turno en una oficina pública o para estar con esa persona que tanto quieres. La canción estará ahí para acompañar la soledad de las noches, el trabajo, las risas y las penas. Para recordar a un ser querido, para acompañar un álbum de fotos o para atajar un recuerdo que pasea en algun lugar de la mente, para ellos tambien hay una canción.

Cuando un país pasa por penas o alegrías, las personas empiezan a buscar una canción que refleje esos momentos. Cuando queremos mostrar algun sentimiento vía Facebook o le dedicamos unas palabras a una persona especial llamando a la radio. En ese momento tambien hay una canción.
Para protestar contra algo que no es correcto o para pedir justicia, tambien tenemos una canción.

Porque son mas poderosas que las armas, porque podemos retroceder la pista y volverlas a escuchar, porque nos abrazan con sus acordes, porque traen la frase perfecta, porque son la compañia de las emociones, porque están en cualquier lugar del mundo y nunca mueren aunque las censuren.

Son 2 años analizando lo que hay detrás de cada canción y lo que rodeaba a los artistas antes de escribirla y grabarla. Dos años regalando buenos datos y recibiendo críticas constructivas y felicitaciones. Por eso les mandamos un abrazo enorme a cada lector que pasa a echarle una ojeada a este humilde Blog.

Esperamos seguir adelante con mas ganas de las que tenemos ahora y seguir construyendo este espacio dedicado a las canciones... A las buenas canciones!!

Un abrazo de gol
Jimmy Jazz
Editor del Blog

SOUL FINGER / THE BAR-KAYS



"Soul Finger" es una canción de la banda de R&B The Bar-Kays, que fue lanzada como single el 14 de Abril de 1967, conviertiendose rápidamente en su primer hit mundial y en una de sus melodías mas reconocidas con el paso de los años.
Esta banda estadounidense, que debe su nombre al ron Bacardi, se caracterizaba por hacer música simple y bailable. Además esta banda estaba formada por seis músicos de sesión que ya tenían harto rodaje dentro de la escena musical norteamericana.

La historia cuenta que una tarde de Marzo del año 1967 en los estudios de Stax Records, los Bar-Kays se encontraban trabajando con el cantante Norman West, que quería hacer una versión de "But It's Alright", una canción que pertenecía al gran cantautor del Soul J.J. Jackson.
Mientras West buscaba alguna idea para agregarle a su nueva canción, los Bar-Kays empezaron a improvisar varias melodías, entre ellas la archiconocida canción infantil "Mary Had a Little Lamb", pero en versión funk.
Luego de eso hicieron un brutal cambio de melodía y ya tenían lista una pieza musical de alto calibre. La bautizaron simplemente como "Soul Finger", ya que tuvo su nacimiento en una llamativa improvisación hecha para matar el aburrimiento de esa sesión de grabación con Norman West.

Con esa llamativa introducción basada en la canción infantil ya citada, los Bar-Kays empiezan a dar clases en sus instrumentos. Con unos solos de trompetas que dejan los pelos de punta, estoos seis músicos se divierten y hacen divertir a su gente. Además tuvieron la genial idea de incluír publico al momento de grabarla, lo cual dá una sensación de fiesta.
Según el bajista James Alexander, esa idea les fue planteada por Isaac Hayes yDavid Porter, ambos compositores y productores que trabajan para Stax Records. El único problema era conseguir un grupo reducido de gente que se atreviera a gritar con muchas ganas el título de su canción. Para eso la banda reclutó a varios trabajadores de Stax Records y a sus familiares para que colaboraran en la canción con sus gritos y aplausos. El primer resultado no fue del todo positivo, ya que la banda no quedó muy conforme y querían mas energía como si estuvieran en una fiesta pasandola más que bien.
En ese instante lleno de incertidumbre, decidieron invitar a un grupo de niños que andaban jugando por las calles cercanas del estudio de grabación. Los niños aceptaron la ídea de los músicos, quienes le pagaron a cada niño con una Coca-Cola bien helada para que cuiden sus gargantas(?).
El resultado de la segunda toma fue el finalmente dejaron para el single. Es que ese efecto, en particular, dejaba a la canción de la mano con un fondo lleno de diversión y sería una característica muy aplaudida para ser considerada como una joyita del Pop para esos años.

"Soul Finger" fue un hit en Estados Unidos, llegando al tercer puesto del Billboard Black Singles chart y a la casilla #17 del Billboard Hot 100.
Las radios y la televisión no paraban de colocar la melodía de “Soul Finger” y la popularidad de la banda estaba en los cielos. Meses despues, la banda daba una gran noticia a sus fans: Serian la banda de apoyo en la gira de su gran amigo Otis Redding, que por esos años era grito y plata dentro del Soul. De hecho el músico era considerado el Rey del Soul.
Cuando todo pintaba para que fuera todo un suceso musical esa mezcla entre Redding y los Bar-Kays ocurrió un suceso que cambiaría la historia de los artistas y del Soul. Es que l a mañana del 10 de diciembre de 1967, en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), después de un brutal accidente del avión que los transportaba, perdieron la vida el gran Otis Redding junto a otros 4 miembros de The Bar-Keys.
Si bien, ese trágico suceso marcó a la banda y a los fanáticos del Soul, los Bar-Kays se levantaron del suelo y siguieron tocando y sacando hits, pero siempre guardaban un especial cariño por "Soul Finger", que fue la canción que le mostró la gloria y a la vez los dejó marcado por el resto de sus vidas como una banda que quedó en la historia de la música popular.

Que la disfruten!

viernes, 19 de noviembre de 2010

OH!, DARLING / THE BEATLES



"Oh! Darling" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue publicada en el repetorio del famoso disco Abbey Road, publicado un 26 de Septiembre de 1969, y que fue el duodecimo disco de estudio de esta banda que revolucionó al mundo con sus acordes y una nueva forma de experimentar melodías. Además, Abbey Road es consderado uno de los discos mas influyentes en la historia del rock y la crítica lo dejó como la "obra cumbre" del cuarteto oriundo de Liverpool.

En plena sesiones de grabación, bautizadas por la banda como "Get back Sessions", los cuatro chicos de Liverpool se dedicaban a explotar su talento musical al máximo.
Cada Beatle llevaba una idea y la iba probando en cojunto, pese a que la relación entre John, Paul, Ringo y George pasaba por momentos muy malos por disputas económicas y el liderazgo del grupo.
En esas sesiones, el señor Paul McCartney llevaba días escribiendo una canción que tuviera ese aroma armónico de los 50's. Ese estilo que tanto gustaban en su juventud cuando la banda estaba en proyecto y disfrutaban de las canciones de Fast Domino y Little Richard.
La canción que tenía en carpeta "Macca" se llamaba "Oh! Darling (I'll Never Do You No Harm)" y traía un estilo musical muy ligado a los artistas ya citados con una letra simple, romantica pero efectiva a la hora de crear un hit.

El único problema que tenía Paul era la tonalidad de la voz que le quería impregnar a la canción. La idea principal del bajista de la banda era agregarle una voz rasposa y potente, como " si hubiera estado actuando sobre el escenario durante toda una semana", diría Sir Paul en una entrevista a un medio inglés.
Lo más triste de todo esto era que el compositor se estaba dando cuenta que los años y el abuso de la voz le estaban pasando la cuenta. Si bien en los primeros años de la banda podía llegar a una voz muy similar a la de Little Richard (o casi, casi parecida) ya en 1969 la cosa se ponía más díficil y la garganta no aguantaba mucho ese abuso vocal. De hecho en una ocasión, Paul señaló en una entrevista que "hace cinco años, esto lo hubiera hecho en una sola toma", aludiendo a que en la etapa "yeah, yeah" de su banda ese tipo de voz era algo que le salía por naturaleza.

Sobre la búsqueda de esa tonalidad de la voz, Paul McCartney comentó en su biografía Many Years From Now: "Recuerdo que hacía de todo para obtener ese tipo de voz y que saliera realmente bien. Decidí ir en las mañanas al estudio y empezar a cantar la canción. Lo intenté con el microfono en la mano, cantando de pie y de varios modos y con distintos medios hasta que finalmente logramos la voz que quería para la canción. Esto fue muy inusual para mí, ya que probamos en un día varias formas de grabación".
Finalmente, el 20 de Abril, en los estudios Abbey Road de Londres, The Beatles grababan 26 tomas de la canción. En estas sesión, Paul McCartney se hizo a carggo del bajo y la voz principal, John Lennon al piano, Ringo Starr en su batería y George Harrison en guitarras.
Este último mencionó que la canción era "una típica melodía de los 50's y 60's especialmente por la estructura del coro".

Uno que no quedó muy contento con esta canción fue John Lennon. Es que él creía que Paul se la iba a ceder, ya que calzaba justo con su estilo favorito de voz. Pero antes de entrar a los estudios de grabación los cuatro Beatles dejaron muy en claro que cada uno cantaba las canciones que componía y "Macca" no lo pensó dos veces.
Esta noticia de que Lennon quería cantar la canción, salió a la luz publica en una entrevista que le hizo la revista Playboy en 1980, donde el músico señala: "'Oh! Darling' fue una gran canción de Paul pero no la cantó muy bien. Yo siempre pensé que podría haberlo hecho mejor, era más cercana a mi estilo que al suyo. Pero él la escribió y por norma general el que escribe la canción la canta, así que yo no la canté, que le vamos a hacer".
Sobre este tema, muchos estudiosos en Beatles señalan que McCartney quiso demostrar en esos dáas que tambien podía hacer canciones al estilo de su "compadre" y que podía cantarlas de buena manera aunque demorar días en lograr un buen trabajo. En "Oh!, Darling" no hay dudas, McCartney se luce...

Les dejamos esta simpática canción que nos dejaron los Beatles, una banda importante para la música popular y que según la Revista Time, están entre las 100 personas más influyentes del siglo XX ...
Que la disfruten!!!

jueves, 18 de noviembre de 2010

YOU'VE REALLY GOT A HOLD ON ME / THE MIRACLES



"You've Really Got A Hold On Me" es una canción del famoso grupo estadounidense de R&B The Miracles, que fue lanzada como single un 9 de Noviembre del año 1962 y fue su mayor éxito a lo largo de su extensa carrera musical.
Con el gran éxito en ventas de esta canción, Los Miracles se transformaron en el rostro musical mas visible del sello Motown, logrando ser pilares fundamentales para el surgimiento de esta gran organización discográfica especializada en promocionar la aclamada música negra.

Eran los primeros meses del año 1962 cuando el líder de la banda The Miracles, el señor Smokey Robinson junto a su esposa, y tambien integrante del grupo, Claudette Rogers Robinson quedaron impactados al escuchar por la radio la preciosa melodía de "Bring It On Home To Me" en voz del famoso cantante Sam "Rey del Soul" Cooke.
Tanto fue el asombro por parte de Smokey, que decidió escribir una canción bajo ese estilo musical para probar suerte con su banda y lograr ser famosos.

El resultado final fue una pieza musical titulada "You've Really Got A Hold On Me", donde Smokey Robinson nos relata el sentir de un hombre que está tan, pero tan enamorado de una mujer que no puede dejar de pensar en ella ni un segundo de su vida aunque esta niña lo trate mal y sólo le "caliente la sopa" (?).
Cuando terminó de escribir y depurar las partituras de su nueva composición, el líder de The Miracles partió a presentarle la canción al productor Berry Gordy Jr, administrador del sello Motown que era el sello discografico al cuál pertenecía la banda y del cuál fueron los primeros en ser contratados por el año 1959.

Gordy escuchó atentamente la canción y de inmediato le dió el visto bueno a "You've Really Got A Hold On Me" para que sea grabada. Estaban seguro que sería un éxito de proporciones...
Además, el "jefe" los invitó a participar de una gira por todo Estados Unidos donde el Sello Motown presentaría a todas sus estrellas que por ese entonces eran grito y plata en la escena musical en el pais de Homero Simpsons.
En esa gira, los The Miracles compartían escenario con artistas de la talla de The Supremes, Stevie Wonder y Marvin Gaye y debido al gran éxito que estaban obteniendo con el single que incluía a "You've Really Got a Hold on Me", los productores decidieron que en la última parte de la gira Los Miracles cerraran el show presentando su hit mientras la gente los aplaudía a rabiar en los teatros.
Era tanto el éxito de la canción que fue declarada la canción mas famosa del sello Motown en ese mítico año 1962.

Con su llegada al octavo puesto del Billboard Hot 100 a inicio de 1963, la fama de los Miracles crecía de manera impresionante. Eran invitados a todos los estelares de T.V. y las radios no paraban de colocar su hit. Mas encima recibíeron un disco de Oro por el millón de copias vendidas de su single.
Pero su éxito no quedó sólo ahí. En 1963 los mismísmos Beatles decidieron hacer una interesante versión, en voz de Lennon, que fue incluída en su segundo LP With The Beatles.
Pasaron los años, y la canción seguía recogiendo buenas críticas y el olvido pasaba a segundo plano en sus acordes. Asi fue como en el año 1998, la versión original de The Miracles fue incluída en el "Grammy Hall of Fame Award".

Les dejamos este maravilloso hit que no debe faltar en ninguna recopilación que se haga sobre los hit de los 60's. Si usted compra un disco y no sale esta maravillosa canción... simplemente lo han estafado...
Que la disfruten!!!

miércoles, 17 de noviembre de 2010

HOT DOG / LED ZEPPELIN



"Hot Dog" es una canción de la famosa banda británica Led Zeppelin, que fue lanzada como single un 15 de Agosto del año 1979 y fue incluída en su disco "In Through The Out Door", un trabajo musical muy diferente ,en cuanto a sonido y experimentaciones, a lo que nos tenía acostumbrado Led Zeppelin en sus discos anteriores.
Sin ser un disco espectacular, "In Through The Out Door" contiene sonidos suaves, sin tanta experimentaciones con el blues ni con las magias negras, tampoco contiene esos clásicos efectos de guitarra por parte del maestro Page. Simplemente es un disco con aíres mas cercanos al Rock comercial y que contiene muchas melodías clásicas dentro del repertorio de la banda.

Una de esas canciones es "Hot Dog". Una pieza musical llena de rockabilly que fue escrita por Jimmy Page y Robert Plant, siendo la única pista del disco que no contó con la participación de John Paul Jones en la composición.
Esta canción fue creada en medio de las sesiones de grabación en su cuartel de Londres mientras estaban en la post-producción del disco. En esa ocasión Plant y Page se daban el lujo de recordar viejas canciones que disfrutaban en su juventud. Mientras hacían de las suyas entonando viejas canciones de Elvis y de Ricky Nelson el guitarrista Jimmy Page se le ocurrió improvisar una melodía que le rindiera honor a estos dos grandes próceres de la música de los años 50's, que tantas alegrías les dieron en su infancia.

Luego de sacar el llamativo solo de guitarra, Plant puso todo su talento como escritor y sacó debajo de la manga una letra llamativa que, según el propio autor, es un homenaje a al estado de Texas, ubicado al sur de Estados Unidos. Cuando se le preguntaba el por qué ese homenaje a Texas, Plant no se arrugaba y simplemente respondía: "Es un homenaje a su gente, que es muy divertida".
El título de la canción simplemente fue copiado de una "rola" de Elvis Presley llamada "Hot Dog" y que pertenecía a la banda sonora de su película Loving You lanzada en el año 1957.
Pero Page y Plant tambien han mencionado que la canción debe su nombre a ese llamativo pan alargado que lleva una salchicha recostada en el medio. Hablamos del famoso "Perro caliente".

El resultado final fue una canción divertida, de buen ritmo y hasta bailable que contradecía con los malos momentos que pasaba la banda por esos días. Es que los abusos de drogas y alcohol por parte de Bonham y Page los tenían casi desechos y sin ganas de trabajar. Mientras Plant aún sufría la pérdida de su hijo y eso lo tenía con pocas ganas de entrar a los estudios. A eso sumenle el descenso en las ventas de sus discos y en popularidad, ya que en esos años la simpleza y rebeldía del Punk era grito y plata en la escena musical británica y los viejos estandartes del Hard-Rock ya estaban preparando sus maletas en busca de nuevos estilos musicales para poder subsistir en la fama.

"Hot Dog" parece una burla dentro de un disco marcado por la poca mano que le pusieron en algunos detalles musicales. Es que era el final de Led Zeppelin, una banda que lo tuvo todo y lo logró todo en el ámbito de popularidad y ser influencia para muchas bandas que siguieron su legado.
Que la disfruten!

martes, 16 de noviembre de 2010

VOODOO CHILD (SLIGHT RETURN) / THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE



"Voodoo Child (Slight Return)" es ua canción de la banda The Jimi Hendrix Experience, que fue lanzada como single una semana despues de la muerte de su líder creativo y genio del rock, el señor Jimi Hendrix, que falleció mutilado por los excesos de drogas y alcohol un 18 de Septiembre de 1970 a la edad de 27 años.
Esta canción, que dos años antes había sido incluída en el LP Electric Ladyland, es considerada una de las piezas claves en la corta pero frutífera carrera del zurdo guitarrista que tuvo al mundo a sus pies ya que hacía hablar a su guitarra con potentes riffs y solos sinfónicos de larga duración.

Era Mayo del año 1968 y Jimi junto a su banda se encontraban grabando un Acid Blues llamado "Voodoo Chile" (que algunos confunden con la terminada en Child), pieza enigmática que llegó a durar casi 15 minutos dentro del Electric Ladyland. En esa canción Hendrix se lucía con oscuros rsolos de guitarra y además le rendía un sentido y poderoso homenaje a su ídolo Muddy Waters, un aclamado blusero norteamericano considerado el "Padre del Blues".
Mientras grababan "Voodoo Chile", aparecieron por el estudio de grabación un grupo de periodistas del canal ABC, que querían entrevistar a Hendrix y de paso grabar imagenes sobre las sesiones de grabación de su próximo LP, que estaba en la puerta del horno.
Uno de los periodistas se acercó a Jimi y le dijo: "Ya viejo, hagan como si estuvieran tocando y disfruten como si fueran niños" a lo que el mítico guitarrista le respodió seriamente: "Bueno, tocaremos esta pieza pero en MI". Y empezaron a tocar una pieza musical extraña mientras los periodistas quedaban con la boca abierta ante tanta energía blusera....

De la cinta grabada por los reporteros de ABC nunca se supo, pero de la canción que tocaron esa vez sí. Pasó a llamarse "Voodoo Child" y quedó en la parte final de Electric Ladyland.
Una canción marcada por el efecto wah-wah de su guitarra y con unos finos solos de guitarra que quedaron marcado en la memoria de muchos artistas que vieron en Hendrix una luz de buen rock.

Inspirado en la canción "Rollin' Stone" de su ya mencionado ídolo Muddy Waters, Hendrix logró crear una melodía llamativa y poderosa. Con una guitarra explosiva, la cuál hacía durar desde 7 hasta los 15 minutos cuando la interpretaba en vivo porque le nacía del alma, porque esos acordes no los hacía para lucir sino que los hacía para transmitir toda la furia de su ser.
De hecho, los estudiosos de Hendrix dice que esta fue la última canción que interpretó en vivo antes de su muerte. Fue un 6 de Septiembre de 1970 cerrando un concierto en Alemania. Doce días después pasó a ser una leyenda del rock de verdad...

En algunos conciertos, Jimi presentaba esta canción como "el himno oficial de los Black Panther Party". Los Panteras Negras eran una organización política que defendía los derechos de los afroamericanos y que seguían los ideales de Malcolm X y que además fueron declarados enemigos declarados por el FBI. Hendrix sentía mucha admiración por esta organización y en más de alguna ocasión les rindió un tributo...

Tal como pasa con muchos artistas verdaderamente famosos, luego de su muerte las ventas de sus discos dispararon en alza. Vendía mucho más que cuando estaba vivo y de eso se aprovecharon los gerentes del Sello discográfico que lanzaron de forma póstuma un single que incluía a "Voodoo Child" y que fue número uno en el Reino Unido.

Les dejamos este temazo porque ustedes, amigos lectores, lo votaron como el mejor guitarrista de la historia del rock y tienen mucha razón. Virtuoso, experimental, un genio de las seis cuerdas y un detallista profesional. Ese era Hendrx, ese era su rock...

Que la disfruten!!!! (Este Blog le hace caso a sus lectores...)