domingo, 30 de septiembre de 2012

3 LEGS / PAUL McCARTNEY


"3 Legs" es una canción del músico británico Paul McCartney, que fue publicada en el comentado disco Ram, lanzado a la venta en Mayo del año 1971 y que hace unos meses atrás fue re-lanzado en una versión de lujo, que incluye material anexo, cortes inéditos y otras sorpresas para la fanaticada del ex-Beatle.
En este disco, Paul rememora su pasado, sorprende con su presente musical (y personal también  y además le echa un vistazo al futuro con ojos de caleidoscopio. Agarrándose en melodías a ratos atípicas, con tacha de experimentales y con cuidados detalles que en un principio no fueron bien aceptados por la crítica, este trabajo musical queda como uno de sus mejores en su labor como solista y debe ocupar un lugar privilegiado a la hora de hacer recuentos sobre la exitosa carrera musical de "Macca".

Era la época donde cada Beatle ya tenía a lo menos un disco como solista tras sus espaldas. Pero también era la época donde las relaciones personales entre cada uno de ellos estaban cortadas, y la culpa era el término de la sociedad de Apple, donde las demandas, las idas y vueltas a tribunales y los mensajes personales que iban de canción en canción tenían sumido en un ambiente turbio a cada músico y con la boca abierta a toda la fanaticada de los fab-four. Uno de los que mas peleó por capturar algo de dinero y a la vez lavar su imagen tras la ruptura de la banda fue Paul, quien a diferencia de George o John, que se tomaban mas a la ligera este asunto (incluso con humor), era el que mas sentía la caída del imperio Beatle.

Tras las duras críticas a su debut como solista (con el disco "McCartney"), y además tras tener que soportar todas las acusaciones de la prensa y sus amistades que lo ligaban a ser el culpable del término de su banda, Paul y Linda decidieron tomar unas prolongadas vacaciones en su granja ubicada en Mull of Kintyre, Escocia. Fue durante ese periodo, donde el músico pasó por un periodo de crisis emocional y decidió esconderse por un tiempo del mundo urbano, donde aparecen nuevas canciones, nuevos mensajes, nuevas reflexiones y a la vez ideas creativas que fueron apoyadas por su pareja. Aparecía en escena el futuro repertorio de Ram. Para ello, Paul decidió salir de su caverna, y pescó la maletas y se fue rumbo a Nueva York a grabar su nuevo repertorio en pleno otoño de 1970.
Pero esta vez el músico no queria trabajar de manera solitaria, y tenía la necesidad de otras manos para poder llevar a cabo toda la producción. Para ello, y de forma anónima e irónica,  el bajista de The Beatles puso un aviso en el diario donde buscaba músicos para grabar un jingle comercial. De esa forma aparecieron en el estudio el baterista Denny Seiwell (quien se presentó frente a Paul con un solo de batería al estilo Ringo), el guitarrista Dave Spinozza (virtuoso pero mal genio) y el trompetista Marvin Stamm.

A partir de ese moemnto empezaron las sesiones de grabación, donde el director de orquesta era Paul, que vigilaba de manera perfecta cada detalle de sus canciones. Y entre esas canciones estaba presente una con cierto toque a blues y a country, y que además contaba con una letra llena de metáforas que quizás iban ligada con la situación personal de ese entonces y con su relación con sus demás compañeros. Era la llamativa "3 Legs", que contenía frases tan oscuras como ""When I thought you was my friend/But you let me down/Put my heart around the bend" ó "My dog he got three legs/But he can't run". Muchos pensaron que era otra de las jodas poéticas de McCartney, pero cuando se supo todo el "kilombo" de demandas, acusaciones, frases por la prensa y tantos dimes y diretes entre los integrante de The Beatles por razones comerciales y legales, estas frases tomaron otra postura, y que quizás iban de la mano con poner en jaque los defectos y pocas virtudes de sus compañeros.
Quizás esa fue una de las razones por las cuáles el mismísimo John Lennon la sacó a flote cuando fue entrevistado por un medio y preguntado por el trabajo de su antiguo partner musical. En esa entrevista de 1971, Lennon declaraba cierto fanatismo por "3 Leges", aunque con algun dejo de ironía: "Siempre pensé que (Ram) era horrible! "McCartney" fue mejor, porque al menos había algunas canciones decentes, como "Junk". Me gustó el comienzo de "Ram On", el comienzo de "Uncle Albert" y me gustó un poco de eso del "perro de tres patas". Me gustó bastante esa parte que dice "Hands across the water", pero en palabras simples, el disco dispara fuera de tiempo. No me gusta!"

La historia cuenta que la canción fue grabada en Octubre de 1971, y fue la ultima pieza donde colaboró Spinnozza, quien decidió abandonar el proyecto tras varias discusiones con Linda McCartney (meses después declararía que "ella quería hacerlo todo, nos mandaba en el estudio, y eso que no sabía tocar nada, pero se creía la productora ").
En esa sesión, Dave y Paul estuvieron a cargo de las guitarras acústicas y las grabaron juntos el mismo día. Lo que sí llamó la atención de Dave y a los demás músicos  es que mientras duraban las sesiones jamás Paul tocó el bajo y al parecer esas partes las trabajaba de manera solitaria en la noche o en su casa.
"Hay una pista, una cosa linda, con una melodía de blues, la cuál fue muy divertido grabarla. Se llamaba "3 Legs". Los dos tocamos las guitarras en esto, y a veces Paul tocaba el piano, pero jamás tocó el bajo mientras estábamos allí. Eso era un poco raro, porque con bajo, batería, guitarra habría sido más cómodo la grabación" declararía el guitarrista que posteriormente trabajaría en los discos de Lennon.

Una canción que forma parte de uno de los discos mas emblemáticos de Paul como solista, y que hoy vuelve a la carga para que lo disfruten las nuevas generaciones...
Que la disfruuuteennn!!!

domingo, 23 de septiembre de 2012

I GOT A WOMAN / RAY CHARLES


"I Got a Woman" es una canción del cantante y compositor estadounidense Ray Charles, que fue publicada como single en Diciembre del año 1954 bajo la etiqueta del sello Atlantic.
Ciego desde los siete años de edad, esto no fue impedimento para que Ray Charles Robinson se iniciara en el estudio de la música mediante el sistema braille. Influenciado por su máximo ídolo, Nat King Cole, este jóven oriundo de Albany, Georgia, se convertiría en uno de los grandes de la música popular estadounidense gracias a sus magníficas composiciones e interpretaciones que giraban de manera espectacular entre el R&;B, el gospel, el jazz, el soul y el blues a secas. Influencia casi obligada para muchos músicos contemporáneos, Ray Charles supo hacer leyenda en la época en que el rock and roll andaba recien en pañales.

La historia de esta canción empieza en el verano de 1954, cuando Ray Charles y su banda iban en camino a un espectáculo donde compartían cartel junto a la cantante Ruth Brown. Mientras avanzaban en la carretera iban escuchando la radio, y quedaron boquiabiertos cuando dentro de la parrilla programática de su estación favorita apareció una canción llamada "It Must Be Jesus" del cuarteto vocal Southern Tones.
Charles y el trompetista de su banda, el tabién compositor Renald Richard,  quedaron fascinados con esta pieza musical y de inmediato armaron la idea de escribir una canción bajo esos acordes, y mezclar esa energía espiritual del Gospel con el Blues y el Jazz, para lograr algo interesante y que además vendiera.

Días después, Ray y sus músicos viajaron a Houston en 1954 y empezaron a grabar su nueva canción. Para esta ocasión Richard se hizo a cargo de la letra que hablaba sobre un tipo que pide a los cielos a una mujer que lo apoye y ayude a salir de tantos malos momentos; mientras que Charles estuvo en la música, donde hizo algunos arreglos a la canción de los Southern Tones, donde la melodía la dejó intacta pero le subió un semitono, dejando en claro que la diferencia musical sólo estaba marcada en la disposición y en la letra.
Una vez que la terminaron, Ray Charles se fue con la cinta bajo el brazo rumbo a los Atlanta Studios, que estaba ubicados en una estación de radio llamada Georgia Tech. En ese lugar, Charles le pidió ayuda al famoso productor Gerald "Jerry" Wexler, quien se hizo a cargo de los arreglos finales y también decidió acortar el tiempo de duración a tan sólo dos minutos y treinta segundos, puesto que era un requisito esencial para que apareciera dentro de la programación de las radios. Tras esos arreglos, fue un 18 de Noviembre de 1954 la fecha exacta de la grabación oficial de esta canción que haría historia.

Y claro que la hizo (y con harto picante), porque tras ser publicada como single en Diciembre, solo tuvieron que pasar unas cuantas semanas para que la canción estuviera en la cima de las listas estadounidenses de R&B y además empezara a generar polémica por mezclar un canto religioso con toques del Blues. Es que varios predicadores empezaron a gritar la cielo que esto era un pecado de los mil demonios, que  utilizar canciones religiosas y modificar sus acordes para  la música Pop era algo insoportable. Pero no sólo generaría eso en el ámbito religioso, ya que también aparecieron colegas de Charles que no les parecía muy oportuno pescar canciones religiosas y hacerlas Blues comercial donde un hombre en vez de pedir ayuda a un Dios, simplemente quiere a una mujer para salir de sus problemas. Uno de los que más hizo fuego con este asunto fue el cantante y guitarrista de Blues Big Bill Broonzy, quien calificó a "I Got a Woman" de "mezclar lo sagrado con lo profano".

Pero al final el éxito de la canción fue rotundo, y quedó como una de las piezas importantes para la evolución del rock, y como influencia para una gran cantidad de artistas que quedaron impactados con este rythm and blues. De hecho, los Southern Tones (dueños de la influencia de la canción) quedaron casi en el olvido eterno, el supuesto pecado programado por los predicadores se convirtió en el primer hit de Ray y mas encima con el paso de los años esta canción sigue sonando en las radios, y sigue apareciendo en los medios, como por ejemplo cuando a finales del año 2004 la revista Rolling Stones la dejó en la casilla #235 en su lista de las "500 Greatest Songs of All Time".
Que la disfruten!!


jueves, 20 de septiembre de 2012

HOLD ON / JOHN LENNON



"Hold On" es una canción del músico británico John Lennon, que fue publicada en su aclamado disco  John Lennon/Plastic Ono Band, lanzado a la venta un 11 de Diciembre de 1970 y que marcó su debut oficial como solista tras el término de The Beatles.
Para la crítica, este disco marcaba un desahogo sentimental de Lennon, y en cada canción deja en claro su mensaje, de dolor, de incomprensión, de rabia ante las idolatrías y de la búsqueda de su yo interior y de dejar atrás un pasado de contrastes muy llamativos.
Este Lp fue producido por el señor Phil Spector y además sólo contó con la base musical de Ringo Starr a la batería y de Klaus Voormann en el bajo, ambos amigos de John, quienes fueron los elegidos para esta aventura donde el autor de "Imagine" pone en la mesa un disco sensacional con alta carga emocional, influenciada por la comentada  Terapia Primal  del Dr. Arthur Janov, y cual se ve reflejada en canciones como "Mother", "Isolation", "Love", "Working Class Hero" o en el notable discurso incluido en  "God".

Pero en este John Lennon / Plastic Ono Band no todo iba marcado por la tristeza y la nostalgia, ya que también aparecen aires positivos, y aunque tenga corta duración, nos muestra otra cara de Lennon, esa faceta delicada y suave de una guitarra que amanece entre las montañas oscuras para empezar a darnos una nueva claridad en la ruta del disco. Hablamos del optimismo de "Hold On", la canción que viene en el segundo lugar del tracklist y que en sus casi dos minutos puede sacar mas de alguna sonrisa.
Esta canción tuvo su génesis tras una plática entre John y Brian Epstein, el histórico manager de The Beatles, durante una sesión de grabación. Según el libro "Lennon Remembers", del periodista Jann Wenner, la temática de esa conversación eran las ganas que tenía el líder de la banda en entregar un mensaje de amor y paz en sus nuevas canciones, en especial por todo lo que sucedía en Vietnam. Por ese entonces, Brian no dejaba que los periodistas hicieran preguntas sobre temas sociales ni mucho menos de la guerra en Vetnam, y Lennon ya estaba harto de esconder sus palabras y reflexiones acerca de ese conflicto bélico. "Pensé que ya era hora en que teníamos que terminar con eso de no hablar sobre la guerra de Vietnam cuando íbamos de gira con Brian [Epstein]. Tuvimos que decirle: "Vamos a hablar de la guerra esta vez, ya no queremos hacernos los tontos". En ese entonces yo quería hablar sobre la revolución. Había estado pensando en ello en las colinas de la India y sabía bien que no era tan simple como decir 'Dios nos salvará' . Bueno, pero la respuesta de Brian ante todo eso fue "Va a estar bien." Hasta el día de hoy siempre digo, 'Aguanta John, todo va a estar bien. ". De lo contrario, no voy a aguantar con todo esto" menciones John Lennon en ese libro.

Producto de esa simple frase, Lennon se dió el lujo de trabajar una nueva canción, la cuál empezó a ser grabada 26 de Septiembre de 1970 en los estudios Abbey Road, en Londres.
La primera toma de  "Hold on" contiene unos arreglos básicos, con un Lennon abusando de los efectos del trémolo y siguiendo el ritmo que Ringo quería imponer a la batería. Como era de esperar, a medida que la iban ensayando y grabando, también se iban modificando algunos detalles, en especial el ritmo y las partes de bateria, las cuales sacaron mas de alguna cana verde al pobre de John.
Una vez que encontraron buen rumbo, y arreglaron parte de la letra, Lennon, Voormann y Starr empezaron a grabarla de manera definitiva. Pero fue recién en la toma número 30 cuando Lennon volvió a la idea de usar el trémolo como efecto especial, pero esta vez mejor trabajado y más depurado a la hora de grabar.

Finalmente se terminó la canción en la toma número 32, grabada recién un 23 de Octubre, donde Lennon cantó y tocó la guitarra a la vez, y se dio el lujo de improvisar una frase donde incluía una llamativa referencia (y el tono de voz) a "Cookie", el famoso monstruo de las galletas del programa infantil Sesame Street.
Pero no fue solo una casualidad ni tampoco una parodia lo que quería transmitir Lennon con esa referencia al Barrio Sesamo ya que, según cuentan sus amigos cercanos, el ex-Beatle era un fanático de ese programa protagonizado por marionetas.
Recordemos que Sesame Street fue transmitido por primera vez un 10 de noviembre de 1969 en los Estados Unidos, y fue justo durante el tiempo en que Lennon estaba en su terapia primal, donde una de las etapas dirigidas por el Doctor Janov era la regresión a la etapa infantil y la conexión entre la terapia y el paciente fue observar y disfrutar este programa a carcajadas.

Una vez que la grabaron, Lennon se hizo a cargo de las mezclas y aquí aparecieron los problemas. Resulta que "Hold On" e "Isolation" fueron casi grabadas de modo casero, es decir en una cinta a 7 1/2 ips. La idea de Lennon era hacer un trabajo casi artesanal para que la canción  llegara a la velocidad apta para el disco, que era de 15 ips (equivalente a 38 cm/seg). Si bien Lennon se había llevado las cintas a su casa para trabajarlas a full, las duras sesiones de grabación y otros compromisos hicieron que las cintas reposaran en un estante hasta una semana antes del término de la grabación del disco. Finalmente ambas canciones terminaron grabadas en su formato original, dejando a Lennon  con algo de inseguridad sobre la calidad de su primer trabajo como solista. Pero simplemente fueron falsas alarmas...
Que la disfruten!!




lunes, 17 de septiembre de 2012

PHILADELPHIA FREEDOM / ELTON JOHN

"Philadelphia Freedom" es una canción del músico británico Elton John que fue lanzada como single un 24 de Febrero del año 1975.
Considerado por los especialistas en Rock y Pop como uno de los artistas mas exitosos de las ultimas tres décadas, Elton John brillaría con luces propias durante los 70's con un catalogo musical que hasta el día de hoy suena en las radios.
Esta canción fue grabada durante las sesiones del disco Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy en los estudios Caribou Ranch ubicados en Nederland, Colorado, y se convertiría en uno de sus mayores éxito dentro de su aclamada carrera, demostrando que su talento como interprete y compositor iba mas allá de las baladas y que este no era pasajero, ya que la dupla Taupin- Elton se encontraba en su mejor y más fructífera primavera musical.

La historia de esta canción empieza a finales de 1974, cuando en una fiesta Elton John conoció en persona a la famosa tenista, y ganadora de 11 Grand Slam's y cinco veces "number one", Billie Jean King. Tras ese encuentro, Elton quedó muy impresioado con la personalidad de la jugadora, quien apoyaba el movimiento homosexual y la igualdad de oportunidades entre sexosm y eso llevó a que empezaran una gran amistad entre ellos. De hecho, partir de ese momento Elton, siempre que tenía tiempo tras algún concierto, asistía como espectador en algún match de esta atleta, que quedó en la historia del deporte estadounidense no sólo por su talento con la raqueta sino que también por encabezar el movimiento femenino en el tenis y por su ardua  lucha por la igualdad de las mujeres en el tenis. Pero fue tras uno de esos match donde Elton la fue a visitar en vestidores y le prometió que le dedicaría una canción en su próximo disco. La promesa ya estaba en la mesa...

Como ya muchos deben saber, el encargado de las letras de las canciones de Sir Elton era el señor Bernie Taupin, y este era bastante perfeccionista a la hora de trabajar las metáforas y las temáticas de cada pieza. Por ello, no le cayó muy bien que de un día para otro apareciera en el estudio Elton y le diera como misión escribir una canción cuyo título sea  "Philadelphia Freedom", en honor al equipo de tenistas que eran entrenados por su amiga Billie Jean King. Cabe señalar que por esos día existía una liga de tenis profesional en Estados Unidos llamada World Team Tennis donde, en 1974, King se dió el lujo de ser la primera entrenadora mujer. Segun el mismisimo pianista, esta canción marca "la única vez que estaba seguro que una canción iba a ser un gran hit".

La idea musical de Elton John era captar todo el sonido del movimiento Philadelphia Soul, es especial de dos de sus bandas favoritas: The O'Jays y Melvin & The Blue Notes. Pero en cuanto a la letra, al ver que Taupin no estaba muy a gusto con la idea de que le impongan una temática así de rápido y en plenas sesiones de grabación, Elton le sugirió que no era importante que hablara sobre las habilidades de King, pero que mantuviera eso sí el título. De esa manera la mochila se le puso mas liviana al letrista...
En el libro " His Song: The Musical History of Elton John" la autora, Elizabeth Rosenthal, comenta que Taupin se rehusaba abiertamente a escribir una canción sobre tenis, ya que no tenía ni idea de ese deporte (en cuanto a reglas, léxico deportivo y curiosidades) y tampoco era un fanático a rabiar de la amiga de Elton.

Finalmente, la canción obtuvo una letra con aires a patriotismo y elegancia motivadora, y además contó con los arreglos orquestales del famoso productor y compositor Gene Page, quien contaba en su curriculum el haber trabajado en discos y singles de The Righteous Brothers, The Supremes, The Four Tops, Buffalo Springfield, Barbra Streisand, Martha and the Vandellas, Barry White, The Jackson Five, Roberta Flack, José Feliciano,Marvin Gaye, The Temptations, Lionel Richie y un puñado de otros artistas que harían mas extensa esta nota. Obviamente esto fue un lujo para Elton John, ya que compartió en el estudio con uno de los productores que estaba detrás de sus canciones favoritas que escuchaba en su infancia.

En Febrero de 1975 la canción fue liberada como corte promocional ( con dedicatoria incluida a "B.J.K." (Billie Jean King) que además iba acompañada de la frase "The Soulful Sounds Of Philadelphia"), y de inmediato empezó a sonar en las radios. Pero en algunas radios estadounidenses no les cayó muy bien la duración de este nuevo single de Elton John. Es que con sus 5 minutos y 20 segundos ya se convertía en un problema para las parrillas programáticas que con canciones de tres minutos ya estaban saltando de alegría. Incluso algunos Dj's pensaron que era una dulce venganza del pianista tras varias críticas que recibió de parte de un puñado de radio-controladores que mencionaron de manera amenazante en los medios que que las canciones de Elton John que duraban mas de 4 minutos simplemente arruinaban las listas de reproducción y más que hits se convertían en problemas para las emisoras. Al parecer el mensaje estaba claro...

Pero Elton sabía que la canción iba a ser un hit, y no pescó mucho a las declaraciones de los Dj's ya que mas encima, en la cara B del single aparecía una joya musical que hoy es toda una leyenda: Una versión en vivo de la canción de The Beatles "I Saw Her Standing There" que Elton grabó junto a su amigo John Lennon en un concierto en el  Madison Square Garden, el 28 de Noviembre de 1974. Por lo tanto el músico se iba a la segura con su single.
Y el tiempo le dio la razón a Elton, ya que "Philadelphia Freedom" fue todo un hit en los Estados Unidos cuando un 12 de Abril de 1975 llegó a la cima del Billboard Hot 100 y mas encima llegó a la misma posición del chart canadiense. Semanas después se supo que la canción había llegado al puesto 12 de UK Singles charts, lo cuál completaba de manera redonda el gran momento de Elton y su nueva canción.
Para la critica, el hecho de que la canción fuera un super-hit en tierras estadounidenses era que la gente tomó la letra como un canto patriótico y edificante, y que encajaba de manera perfecta para ser usada en las celebraciones de cada 4 de Julio. A pesar de todos estos adornos, Taupin siempre ha declarado que la canción no tiene nada que ver ni con el tenis, ni con himnos patrios. Es simplemente música para bailar, gozar y pasar un buen rato.
Que la disfruten!





sábado, 15 de septiembre de 2012

THANK YOU / LED ZEPPELIN


"Thank You" es una canción de la banda inglesa Led Zeppelin que tuvo su aparición oficial en el famoso Lp  Led Zeppelin II, que fue lanzado el 22 de Octubre de 1969.
Para la crítica especializada, el segundo trabajo musical de esta magnífica banda es una bomba rockera de alto alcance. A pesar de que en ese entonces sus detractores daban razones fundamentadas de que esta banda plagiaba y se aprovechaba sólo de las bases bluseras norteamericanas, en este Lp dejan en claro que musicalmente estaban unos peldaños más arriba que muchos de sus colegas. Es que el Led Zeppelin II trae el rock mas ácido y duro (con la furiosa guitarra de Page y los fenomenales redobles de Bonham) y también piezas electroacústicas de notable belleza (donde Plant demostraba a full su talento vocal y Jones se colocaba la camiseta de multi-instrumentista y arreglista).  Las ventas fueron positivas, y a la vez marcaron la cancha en la escena rockera tras lograr el primer puesto en los charts del Reino Unido y de Estados Unidos. En fin, en este recomendable disco se muestra a un Led Zeppelin en potencia, como leones que querían salir rápido de la jaula para ser libres en la selva musical.

Una de las baladas que aparecen en el disco, que marcan un buen entretiempo entre tanto hard Rock, es la preciosa "Thank You". Esta fue escrita por Robert Plant y Jimmy Page y es considerada por la fanaticada como una de sus canciones mas emblemáticas a la hora de hacer recuentos y paseos por la nostalgia.
Grabada en Junio de 1969 en los Morgan Studios ubicados en Willesden, al norte de Londres, Inglaterra., esta canción marca algo importante para la historia de la banda, ya que fue la primera canción donde la letra fue escrita en un ciento por ciento por Plant. Cabe señalar que el vocalista le escribió esta canción a su esposa de ese entonces, Maureen Wilson,como un homenaje por todo lo que esta mujer daba en su vida.
Este acto notable hizo que Page dse diera cuenta que tenía a su lado a un buen letrista, y que eso hacía más fácil la tarea de escribir canciones y arreglar las melodías. A partir de ese momento, Plant quedó como el encargado de las letras y Page se dedicó a los arreglos y producción sacándose un buen peso de encima. La fórmula creativa de los Zeppelin empezaba a tomar forma.
Como dato anexo, en la letra se pueden encontrar dos frases más que llamativas. Se tratan de "If the sun refuse to shine" y  "When mountains crumble to the sea" las cuales fueron tomadas de la canción "If 6 Was 9" del guitarrista y leyenda inmortal del rock, Jimi Hendrix.

En lo que se refiere a lo estrictamente musical, esta pieza muestras un toque maravillosos y unos arreglos de miedo. En especial la faceta de John Paul Jones en las teclas del Hammond, la cuál da paso a un falso final mezclado con un glamoroso crescendo unos diez segundos después. Esta idea no fue muy del gusto de los Dj's de las radios, ya que estos se tiraban los pelos al no saber si terminar la canción ahí o dejarla  que siga hasta que completara su duración oficial.
Las guitarras estuvieron en manos, obviamente, que del maestro Page, quien utilizó una guitarra Vox de 12 cuerdas y además se dio la tarea de ayudar en los coros ( escúchelo en la frase "Little drops of rain" y en los  "My, my, my")

Esta canción marcó mucho para la trayectoria de la banda, ya que dejaba en claro que no sólo vivían de Hard Rock, y que los sentimientos enfundados en baladas también eran parte de su repertorio y que buscaban ir mas allá, donde la música toma su vuelo y se empapa de libertad.
Larga vida a los Zeppelin, larga vida a las obras maestras del rock!!!
Que la disfruten!






sábado, 8 de septiembre de 2012

I NEED YOU / THE BEATLES


"I Need You" es una canción de la banda inglesa The Beatles que tuvo su aparición oficial dentro del repertorio del disco "Help!, la quinta placa comercial que esta prestigiosa agrupación lanzó al mercado un 6 de Agosto del año 1965 y que además fue la banda sonora de la cinta que llevaba el mismo nombre.
Este disco traía a unos Beatles mas maduros en cuanto a lírica y música, donde con un sonido muy ligado al Folk y al Country dieron pasos agigantados para salir de la etiqueta Beat y empezar a hacer historia otra v
vez. Este disco fue un éxito en ventas a nivel planetario (número 1 en ambos lados del Atlántico), y marcó la escalada definitiva para que la banda dejara en claro que como interpretes y compositores estaban a varios kilómetros de distancia adelantados de sus demás colegas de carrera que solo imitaban lo que ellos dejaban en el camino.

Dentro del repertorio de este magnífico disco, encontramos llamativas canciones donde cada integrante se luce con sus creaciones y sus experimentaciones musicales. Es que las sesiones de grabación pillaron a cada integrante inspirado y con ganas de mostrar sus ideas y creaciones. Eso llevó a que Harrison decidiera volver a las pistas y grabar una de sus canciones. Recordemos que George, denominado en ese entonces como el "Beatle tímido", no grababa una canción oficial con la banda desde el Lp "With The Beatles" cuando apareció con su tema "Don't Bother Me" y dejó muy en claro que talento tenía para competir con Paul y John.

En esta ocasión George nos deleita con una sencilla y meláncolica  balada titulada "I Need You", la cuál iba con especial dedicación para su novia, la modelo y fotografa, Pattie Boyd. Ambos se conocieron en Marzo del año 1964 durante la filmación de la película "A Hard Day's Night", en donde la rubia hacía de azafata del tren donde viajaba la banda. Se casaron en el año 1966 y cuando todo iba viento en popa empezaron a salir a flote los problemas amorosos ligados a excesos, infidelidades y otras cosas del rock and roll en los 70's. Finalmente la relación entre Pattie y George pasaría a las páginas de la comidilla dentro de la historia del rock cuando se supo del triagulo amoroso donde aparecía Eric Clapton, el mejor amigo del Beatle. Entrar en detalles lo dejamos para otra entrada, pero cabe señalar que mientras George le dedicaba "Something" a su amada, el guitarrista le cantaría "Layla" y "Wonderful Tonight" a esta mujer. Pattie y Harrison se divorciaron oficialmente en 1977, dos años después, Boyd se casaría con Clapton, y durarían hasta 1988 poniendo punto final a uno de los pasajes mas comentados que tenían como protagonistas a dos pesos pesados del rock de verdad.

Pero volvamos a ese mítico año 1965, año en que la Beatlemania estaba declarada en el mundo. Eran un 15 de Febrero y The Beatles se encontraban en los estudios Abbey Road dando inicio a las maratónicas  sesiones de su nuevo disco y a una semana de partir a las Bahamas a grabar su nueva pelicula. Tras varias horas de grabación de material, dejaron un espacio para arreglar esta pieza musical de George. En cuestión de horas y en tan sólo cinto tomas, los cuatro se pusieron a tono y lograron dar con la pista instrumental perfecta y que dejó muy contento al autor. La formación de la banda en esta pista estaba compuesta por George Harrison en la guitarra solista, John Lennon en guitara acústica, Paul McCartney en bajo y Ringo Starr en la batería.
Pero Harrison no se quedaría de brazos cruzados a pesar del buen término de la grabación instrumental, ya que al día siguiente aparecería por los estudios nuevamente para grabar algunos detalles que tenía en mente. Lo primero que hizo fue agregar un toque distintivo a su rola bajo un efecto pedal de volumen (mismo efecto sería usado posteriormente por Lennon en su balada "Yes it is"). Posteriormente llamó a terreno a Ringo para que tocara un cencerro mientras él grababa la parte vocal que luego sería doblada y así quedar listos con la balada.

El resultado final fue una canción sincera, sin tantos arreglos oscuros, pero de una sencillez notable y que se hace respetar en el disco, a pesar de que  en muchas entrevistas el autor ni se refiere a esta como una de sus mejores canciones pero por lo menos quedó el intento de que podía abrir su corazón y escribir baladas que serían eternas. Pero queda mas que claro que este fue el primer entrenamiento musical para llegar a la cúspide de su etapa musical con The Beatles, cuando con "Something" le quitó un lado A a sus dos compañeros que siempre se llevaban las felicitaciones y los halagos.
Que la disfruten!



domingo, 2 de septiembre de 2012

COOL FOR CATS / SQUEEZE

"Cool for Cats" es una canción de la banda inglesa Squeeze que fue lanzada como single un 9 de Marzo del año 1979 y que se convirtió en uno de sus grandes éxitos a nivel planetario para esta agrupación oriunda de Deptford, Londres.
Influenciados fuertemente por el New Wave y sus sintetizadores, y por su amplio gusto por las composiciones de Paul McCartney, John Lennon y Ray Davies, esta banda empezó su ruta por el año 1974 pero debutó en las pistas comerciales recién tres años después y fue con el single  “Take me I’m yours”, el cuál fue acompañado por el EP “Packet of Three”, que contaba con la producción de nada mas ni nada menos que de John Cale, ex miembro de la Velvet Underground.
Tras ese primer (e importante) paso, vino su disco debut, que llevó titulo homónimo, para que posteriormente aparecieran en la escena con uno de sus mejores trabajos como banda: El energético Lp "Cool For Cats" (1979), el cuál atrajo a mucha gente al sonido de la banda y los llevó a la cima de muchos charts a nivel mundial.

La canción que le da el titulo a este comentado disco fue escrita por el vocalista y guitarrista Chris Difford junto con el tecladista Glenn Tilbrook, y en ella quisieron hacer un sencillo homenaje a ese típico joven británico de acento "cockney", que soñaba por tener una vida mas emocionante, y que luchaba día a día para obtener ese propósito, aunque sea inventando historias en un bar o compartiendo aventuras junto a los amigos.
El título de esta rola hace referencia a un famoso programa de televisión del Reino Unido conducido por Kent Walton y cuya audiencia era el publico juvenil y donde el rock and roll inundaba la parrilla musical. Este programa, cuya duración era de 15 minutos, fue emitido entre 1956 y 1961 y marcó la vida de muchos, incluso de los integrantes de esta banda musical. De hecho, en 1979 Difford señalaba en la revista New Music: "No sé si conocen sobre el programa de televisión " Cool For Cats ", pero les cuento que fue la primera exposición en televisión del Rock 'n' Roll en 1959. De ahí es donde se origina el título del álbum y del single . Lo demás solo son experiencias personales y que estan retratadas en el contenido de las letras ".

Tras presentar la canción a los demás integrante de la banda, la idea original siempre estuvo en el lado de que el encargado de la voz principal fuera Tilbrook, pero las cosas cambiarían a medida que la iban ensayando y arreglando en el estudio, hasta que entre tanto depurar detalles llegaron a la conclusión de que el que tenía que cantarla era el mismísimo Difford, ya que la letra era suya y solo él la entonaba con una emoción única y bastante sólida en los ensayos.

Un 9 de Marzo de 1979 fue la fecha exacta en que esta canción tocó las estanterías de las tiendas de discos.  Semanas después los integrantes de la banda sonrieran y saltaran tras saber que su canción había llegado al puesto #2 del UK Singles Chart y a la postre se convertía en su ansiado  primer super-hit. Al parecer el distintivo acento cockney y la historia de este joven de clase media, hicieron que la gente tomara la canción como un himno de vida  o les quedara mas cercana a sus realidades.

Posteriormente la canción tendría su revival trece años después de su lanzamiento original. Es que fue utilizada en un popular comercial de un producto lácteo y nuevamente empezó a sonar en las radios y eso ayudó a que el sello la re-lanzara y de manera notable llegara al puesto #62 de UK Singles charts, dejando en claro que la melodía y la letra aun estaban intactas y que su fama no fue solo producto de un contexto o un estilo imperante de música de un periodo particular sino que iba mas allá, y en especial por la temática de su letra.

Una canción emblemática, que traspasó de manera asombrosa las lineas y cercos del tiempo y que siempre se da un paseo en la nostalgia de aquellos buenos tiempos donde su melodía y temática, y como muchas otras más piezas musicales, pertenecen al soundtrack de muchas y variadas vidas.
Que la disfruten!


sábado, 1 de septiembre de 2012

CENTERFOLD / THE J. GEILS BAND


"Centerfold" es una canción de la banda estadounidense The J. Geils Band, que fue lanzada como single un 13 de Septiembre del año 1981, y se convirtió, a la postre, en su único éxito planetario y que los mantiene eternos hasta el día de hoy.
Esta canción está incluída en el disco "Freeze Frame", que era nada mas ni nada menos que su duodecimo disco de estudio, ya que esta estaba banda empezó su ruta musical allá por el año 1963 en Worcester, Massachusetts. En sus inicios, la banda estaba formada por el cantante y guitarrista Jerome Geils, el bajista Danny Klein (conocido también como Dr. Funk) y  Richard Salwitz en armónica, y su estilo musical era el blues a secas y en formato acustico. Pero con el paso de los años, el proyecto musical se fue modificando y empezaron a buscar nuevos estilos y también empezaron a encontrar nuevos integrantes para la banda. A finales de los 60's la banda ya tenía nuevos integrantes, ya que aparecieron en escena el baterista Stephen Jo Bladd y también un nuevo cantante, el señor Peter Wolf, que conoció a la banda dentro de su trabajo como discjockey. Finalmente, el ultimo fichaje para la banda fue un tecladista llamado Seth Justman, quien con el paso de los años se sería un pilar fundamental para la popularidad de la banda.
Con esta formación, la banda hizo un giro drástico en su sonido y se acercaron fielmente más al Blues-Rock, y además decidieron viajar a Detroit, donde de manera sorpresiva firmaron con  Atlantic Records en 1970.  Muchos críticos llegan a un punto en comun cuando hablan de esta banda, es que a pesar de no tener discos ni singles "super-ventas", el sonido en vivo de esta banda llamaba mucho la atención de sus colegas en los 70's, en especial los largos solos de armónica y su potente puesta en escena fueron sus "caballitos de batalla" para tocar en varios escenarios de su país y lograr un popularidad estable. Pero en los 80's dieron otra gran sorpresa, y esa es la que vamos a contar...

La década de los 80's  estaba amaneciendo y los sonidos puros, de largas duraciones, las guitarras amplificadas y la fiebre del hard rock se iban perdiendo en el camino para dar paso a los sonidos ligados a sintetizadores, secuenciadoras y caja de ritmos. Este nuevo panorama musical llevó a que muchas estrellas del rock setentero se tuvieran que re-inventar casi de manera maratónica si querían seguir en  vigencia o simplemente se perdieran por un tiempo mientras los peinados nuevos hacían de las suyas.
Obviamente la J. Geils Band tampoco se quería quedar en el olvido, y decidieron dar paso a la creatividad para encontrar un punto de intersección entre su estilo musical que tantos aplausos sacó en los años anteriores y los nuevos sonidos que empezaban a sonar fuerte en las radios. Además de eso, su sello musical ya los tenía en el limbo, debido a que en vez de generar ganancias con sus discos simplemente iban en sentido contrario y ya tenían una deuda que estaban a punto de llevarlos directamente a la calle. Por esto, la banda también tenia que ingeniárselas para encontrar una salida a este problema y seguir siendo amigos de los empresarios musicales.
Aquí fue donde apareció la genialidad de su tecladista, Seth Justman, quien empezó a experimentar sonidos en los sintetizadores que la banda había adquirido meses antes y con los cuales trabajaría en la totalidad de los temas que aparecerían en su nuevo disco.

En medio de esas sesiones de ensayo, Justman le presentó a la banda una llamativa canción de su autoría; la cual hablaba sobre un joven que quedó locamente enamorado de una muchacha que había visto en su escuela. Pero eso no era todo, ya que en esas casualidades de la vida, este joven quedó aun mas asombrado cuando en las paginas centrales de una famosa revista femenina aparecía su enamorada posando como todo una super-modelo profesional. Quizás solo es producto de las coincidencias entre la temática y la vida real, pero en el momento que los integrantes trabajaban esta canción, el vocalista de la banda, Peter Wolf, estaba de novio con la actriz Ángel Tompkins. Por esta razón es que muchos críticos empezaron a especular que la temática iba de la mano con esa relación amorosa.

En lo que se refiere al plano musical, la canción traía un extenso trabajo en sintetizadores, lo cual traería cierto disgusto en la fanaticada de la banda cuando la prensa empezó a especular sobre este nuevo trabajo de la banda. Pero la respuesta vendría por medio de Justman, quien declaraba en la previa del disco que "la razón por la que no se oía muchos sintetizadores en los anteriores disco de la J. Geils era porque, simplemente, no podían pagarlos".
Es que la canción tuvo su génesis musical con la idea de imitar el sonido New Wave, en especial los trabajos de The Cars o de The Police, y esa fue la vara de la cual se abrazó la banda para crear nuevos singles. pero también puesieron un toque original, y este estaba basado en el uso de juego de voces, que llama de inmediato la canción y le da un toque notable a la pieza musical.
De esa manera sale a la luz publica la juguetona "Centerfold", la canción que traía nuevamente a las pistas a esta banda y con la cual querían obtener algo mas de fama y además paliar los números negativos de su cuenta de ahorro.

Publicada en el otoño de 1981, la canción empezó su carrera promocional simplemente de menos a más. De un frío recibimiento por parte de los medios, pasó a ser pieza fundamental en las parrillas musicales delas radios y los canales de televisión. Esto hizo que en Febrero de 1982 lograran escalar hasta el primer lugar del Billboard y estuvo ahi por casi seis semanas consecutivas. Es que la banda lo le tenía mucha fé a la canción, ya que en un principio habian decidido que iban lanzar como single la canción "Angel in Blue" , pero en en medio de las filmaciones del  videoclip de la canción, Wolf recibió un telefonazo del presidente de EMI Records reclamándole que el single tenía que ser sí o sí "Centerfold" y que pararan de inmediato ese trabajo para enfocar los sentidos y las energías en esa rola.
Pero la canción no terminaría su ruta sólo en tierras norteamericanas, ya que en Febrero de 1983, y tras salir de gira con los Rolling Stones, el single fue publicado en el Reino Unido, donde "Centerfold" llegó a la casilla #3 del Top 40 y se convirtió en su super-hit y además ayudó a que la deuda de la banda simplemente fuera una anecdota mas en la historia del Rock.

A pesar de las ventas del single, el disco "Freeze Frame" no tuvo el mismo éxito y pasó casi sin pena ni gloria por las estanterias de las disqueras. Pero la canción marcó a la banda, y fue su unico hit palnetario y con el cual se llevaron parte de la historia de los tan comentados One-Hits wonder's ochenteros.
Que la disfruteeen!!!!