martes, 29 de enero de 2013

JESUS CHRIST / WOODY GUTHRIE


"Jesus Christ" es una canción de la leyenda del folk estadounidense Woody Guthrie. Esta pieza musical, que está entre las más populares dentro de su extenso e interesante catálogo musical, fue publicada en el año 1940.
La historia dice que este extraordinario cantante y compositor nacido en Okemah, Oklahoma, se dedicó a viajar por los Estados Unidos durante la Gran Depresión. Durante sus viajes, Woody trabajaba en lo primero que pillaba y además se ganaba la vida cantando en calles, trenes o locales donde la gente común y corriente iba a desahogar sus penas. Además era un artista con opinión política, un crítico social que escribía lo que sus ojos observaban del mundo y nunca tuvo miedo de hacer pública su incorporación y apoyo a los sindicatos de cantantes izquierdistas donde se volvió un "anarcosindicalista".
Entre los artistas que fueron influenciados por los acordes y las prosas de este trovador se encuentran: Bob Dylan (quien lo considera como un héroe) , Joan Baez, Pete Seeger, Bruce Springsteen entre otros más que se han tapado en alabanzas a este prócer del folk. Es que Guthrie tenía un discurso claro y a la vez directo. Él se identificaba con la gente común y corriente, y esos que pagan impuestos, también manifestaba su apoyo a los indigentes, a los que no tenían nada que comer y sufrían las crisis económicas. Manifestaba su odio a los políticos y especialmente a los fascistas, a quienes les tenía dedicada mas de una canción con harto odio y ají picante en los acordes.

Nadie duda que Woody Guthrie tenía un talento especial para hacer canción todos esos momentos históricos que rodeaban su ambiente en esos años. En esta canción que hoy analizamos el cantante nos habla de la figura de Jesucristo, al cuál considera un ser valiente que defendía a la gente pobre y a los oprimidos. Además hace hincapié en que si Jesús viviera hoy, en este mundo, igual sería rechazado, traicionado y posiblemente asesinado por esta sucia sociedad capitalista.
A pesar de que no era un fanático religioso, de hecho no nunca se le asoció una religión específica, Woody demostró en esta "rola" cierta admiración por la figura y los escritos sobre Jesús, y lo convoca en sus acordes como un agente social y un ejemplo para la sociedad.

"Escribí esta canción mientras miraba por una ventana de un hospedaje en Nueva York en el invierno de 1940. La idea era poner en el papel mi sentir por la gente rica y por los pobres" declararía Woody. Además agregó el trovador que  "Si él [Jesús] caminara por Nueva York y predicara su palabra como siempre lo hacía lo más probable es que terminara en la cárcel. Es lo cierto".
Es que en la letra de la canción Guthrie es contundente en su critica a la sociedad y sin pelos en la lengua señala que los culpables de todos estos males son los policías, los empresarios, los militares, terratenientes, y  los predicadores, quienes son los culpables de que Jesucristo fuera  "clavado en el cielo."

La historia cuenta que Guthrie grabó por primera vez en 1940, versión que fue recopilada por el etnomusicologo estadounidense Alan Lomax en la Biblioteca del Congreso. Se dice que en 1947 Guthrie le incorporó cuatro nuevos versos a la canción, modificando la estructura pero no el mensaje.
"Si no fuera por la Biblioteca del Congreso y los pequeños sellos como Folkways, hubiese sido imposible que  Woody Guthrie grabará  "Jesus Christ". Este fue el retrato que Guthrie hizo sobre  Jesús, donde no lo pinta como el típico profeta cristiano sino como un militante marxista que mandaba a que los ricos vendan sus bienes y la ganancia se la entreguen a los pobres. En esta canción dejó. como siempre, su declaración y visión  política de los sucesos, al señalar que si Cristo predicará ese mensaje hoy, nuevamente estaría crucificado" decararía Anna Canoni, nieta de este héroe del folk norteamericano...
Que la disfruten!!!

sábado, 26 de enero de 2013

SUNSHINE ON MY SHOULDERS / JOHN DENVER


"Sunshine on My Shoulders" es una canción del cantautor y actor estadounidense John Denver, que fue publicada como single en Diciembre del año 1973, pero que en primera instancia formó parte del LP "Poems, Prayers & Promises" que tocó las disquerías en Abril del año 1971.
Para la música country, John Denver es uno de sus mayores exponentes, y el que dejó clásicos contemporáneos en el cancionero popular estadounidense.  Es que sus piezas musicales, de una simpleza brillantes y bajo su voz cálida, nos hablan de su fuerte amor por la naturaleza, también relata inmortales historias de relaciones amorosas y deja otras donde profundiza sobre los valores del ser humano y el respeto a la vida.
Este amante de la naturaleza y de pilotear aviones tuvo una vida ligada a los movimientos humanitarios que lamentablemente tuvo su final a los 53 años cuando cayó al mar mientras manejaba su Rutan Long-EZ, en las cercanías de las costas de Pacific Grove, California . Ese 12 de Octubre de 1997 el mundo lloró la partida de un cantante de una voz suave, que dejó un legado musical tremendo y que pasó a ser leyenda, una eterna leyenda.

La historia cuenta que Denver escribió esta canción en la primavera de 1970, cuando estaba en una parcela de Minnesota y observaba desde un balcón como la lluvia caía sobre la tierra. Ese hermoso momentos lo alentó a escribir una prosa que hablara sobre sus ganas de que apareciera pronto el sol para disfrutar del  paisaje y del campo. "Escribí la canción en Minnesota en  esos días  que yo llamo, a finales del invierno, la "primavera temprana". Recuerdo que era un día gris, muy gris y la nieve se estaba derritiendo y hacía demasiado frío para salir a divertirse afuera. Entonces empecé a pensar que diría Dios sobre este momento. Algo así como: ¿Quieres salir al aire libre y otra vez estas esperando que el sol brille? ¿Que no te acuerdas de cómo a veces nuestro propio sol interior puede hacer que te sientas bien? Y bajo ese marco muy melancólico fue que escribí "Sunshine On My Shoulders " declararia John en una entrevista. Además agregaría años después que "por un lado habla de las virtudes del amor. Por otro, y en un sentimiento mas profundo, habla de poder abrazar el mundo entero de una" señalaría el autor, donde además destacó su gusto por escribir prosas con aires espirituales sobre las cosas simples que pasan a su alrededor.

En un principio la canción solo fue incluida en el cuarto disco de Denver y no fue considerada como single hasta finales del año 1973 cuando fue el lado B de la canción "I'd Rather Be a Cowboy."  Eran los tiempos finales de la Guerra de Vietnam, la sociedad estadounidense estaba muy sensible tras dejar atrás por fin una página sangrienta y canciones como esta empezaban a ser un bálsamo de ternura y buenas vibras en los charts.
Pero el motivo real de que la canción fuera re-editada a dos años de su publicación fue gracias a una película que llamada "Sunshine" ,que trataba sobre la vida de  Jacquelyn M. Helton, una joven que muere de cáncer a los 20 años y que le deja varias grabaciones a su hija Jenny, de tan solo 2 años de edad. Este drama utilizaba la canción de Denver en una de las escenas mas importantes y mas impactante cuando a días de morir esta joven le deja mensajes grabados a su familia y en especial a su hija.

Gracias a eso, la canción logró escalar hasta el primer puesto del Billboard Hot 100 y en los charts canadienses, quedando así como una de las canciones mas famosas de este cantautor oriundo de Roswell, Nuevo Mexico que siempre nos sorprende con su simpleza, su elegancia y su gusto por la vida en todos sus sentidos.
Que la disfruten!!!!!


miércoles, 23 de enero de 2013

I'LL GET YOU / THE BEATLES



"I'll Get You" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue publicada el 23 de Agosto del año 1963, como lado B, en el single que incluía el hit "She Loves You".
Con el LP "Please Please Me" aún en la estanterías de las disqueras, acumulando buenas críticas y dejando en claro que esta banda no andaba con modas pasajeras, los Beatles empezaron a grabar canciones para su segundo trabajo musical, a mediados de julio del año 1963.
Por esos días, el objetivo del grupo era grabar dos álbumes por año y que irían acompañados de cuatro singles, con el fin de no perder pisada en los charts y mantener intacto el camino hacia la fama absoluta. No hay dudas en que este sistema de trabajo era extremadamente agotador para una banda que además hacía giras por toda Europa, actuaciones en estelares de televisión y radio y además planificaba dar el salto a los Estados Unidos. Pero estos cuatro de Liverpool tenían las ganas y energías suficientes para afrontar esa carga de trabajo, ya que era cumplir el sueño desde que decidieron ponerse las guitarras sobre los hombros y empezar a caminar por el rock and roll de los 50's para terminar marcando una revolución musical que jamás ha sido superada con el paso de los años.

"I'll Get You", aunque muchos digan lo contrario, fue escrita en Junio de 1963 por McCartney y Lennon de manera conjunta, en la casa de la tía de este último, la famosa tia Mimi, en Menlove Avenue en Liverpool y por ese entonces la titularon como "Get You in the End".
La historia cuenta que no fueron muchas las ocasiones donde John y Paul trabajaron sus nuevas canciones en esa casa, ya que la tía Mimi mostraba su desaprobación por ese gusto de los muchachos de vivir de la música.
Para aclarar dudas sobre el trabajo de la dupla de compositores en esta canción, ya que algunos autores avalan la hipótesis de que sólo fue escrita por Lennon, en 1980 el mismísimo John declararía en la Playboy que "era Paul y yo intentando hacer una canción. Finalmente no funcionó".

Si hay algo que destacar en esta canción, aparte del abuso de los "yeah, yeah" que fueron parte del inicio de la Beatlemanía, es su letra, donde se inicia con la frase "Imagine I'm in love with you", lo cuál era bastante llamativo, ya que las letras en ese entonces en la escena Pop británica eran bien "simplonas" y dejaban poco espacio para la matetáfora. Para McCartney, esa frase era un buen ejemplo de la influencia que tomaba Lennon del escritor y matemático Lewis Carroll y que la alejaba un poco de las ingenuas letras de amor que por ese entonces se escuchaban en las radios.
Pero Paul no se quedó ahí con los datos , ya que en 1997, en el libro Many Years From Now, declaró que la canción tuvo cierta influencia, en especial en los cambios de acordes, en una canción llamada "All My Trials" que escuchó en esos años en un disco de Joan Baez"Tiene un acorde interesante cuando dice: 'It's not easy to pre-tend'. La hicimos imitando a una canción llamada 'All My Trials' que había escuchado en un album de Joan Baez en la parte que dice 'There's only one thing that money can't buy.'" declararía el músico en ese libro. Además Sir Paul declaró que "me gusta de esa manera un poco cursi en que cantamos los:" Oh yeah, oh yeah ", que es muy particular, muy Beatle".

"I'll Get You" fue grabada finalmente el 1 de julio de 1963, en los estudios Abbey Road. En esa misma sesión la banda grabó "She Loves You" en primera instancia y el resto de tiempo le dedicaron a esta canción que ya estaba lista para ser parte del lado B.
Se desconoce cuantas tomas se hicieron de esta canción, pero por diversos detalles en el aspecto vocal, donde Lennon se equivoca en una parte de la letra mientras Paul le hace la segunda voz (John canta en la parte intermedia "I'm gonna make you mine", cuando lo correcto era "gonna change your mind") hace suponer que la grabaron casi a la rápida y con algo de cansancio en el cuerpo ante tanto trabajo acumulado.
Tras grabar la pieza musical, que adempas no cuenta con un entonces característico solo de guitarra, Lennon agregó una parte de armónica y el resto de la banda ayudó con las palmas.

La canción fue lanzada como parte del single que traía a "She Loves You" en su primera cara, y tuvo fecha de publicación el  28 de Agosto de 1963 en el Reino Unido y el 16 de Septiembre en los Estados Unidos. En esas tierras la canción también formó parte del disco "The Beatles' Second Album" que fue lanzado el 10 de Abril de 1964 por Capitol Records. Y años después formó parte del compilado Past Masters.
Que la disfruten!!!

lunes, 21 de enero de 2013

HALF THE WORLD AWAY / OASIS


"Half the World Away" es una canción de la banda inglesa Oasis, que fue lanzada como single un 18 de Diciembre del año 1994, siendo parte del lado B de "Whatever".
Además, esta canción fue incluida en el compilado "The Masterplan", que fue lanzado en Noviembre del año 1998 y que contenía varios "lados B" que no tuvieron cabida en la discografía oficial de la banda. El objetivo principal para lanzar este compilado era para dar a conocer estas canciones en Estados Unidos y Japón  donde la mayoría de estas piezas o eran desconocidas o simplemente no aparecían en las ediciones de los singles por decisiones de la discográfica (las ediciones europeas siempre traían uno que otro "regalito" extra para los fans de la banda).
"The Masterplan" llegó al casillero #2 en el UK Singles charts, obteniedno incluso disco de Platino, mientras que en los Estados Unidos simplemente llegó al puesto #51 del Billboard. A pesar de eso, la prensa especializada ha declarado que este compilatorio llegó a vender 2 millones de copias en todo el mundo y que eso demuestra que este disco es una caja de sorpresas para la fanaticada y también par aquellos que aun no conocen a esta sorprendente banda liderada por los polémicos hermanos Gallagher.

Esta canción en formato acústico fue escrita por Noel Gallagher, quien también se da el lujo de cantar. Esta "rola", que fue grabada en The Congress House Studio, en Austin, Texas a mediados del mes de Octubre en 1994, nos habla sobre el deseo de una persona que quiere empezar todo de nuevo en su vida, que quiere escapar de esa vieja ciudad, de su rutina, y del paso del tiempo que lo tiene muy mal parado ante diversas situaciones. También habla del deseo del personaje por encontrar esa alma gemela, esa persona que pasa por lo mismo que él y que también quiere escapar, a pesar de que están a "medio mundo" de distancia, siempre tendrán como objetivo encontrar ese lugar donde sean felices y dichosos.

Hasta ahí todo va bien. La canción tiene una letra que inspira a muchos jóvenes que veían en Oasis la banda de sus ideas, la banda que les devolvió el rock a la vena en una década donde el Pop y su simpleza eran pan de cada día. Pero en la parte musical viene la sorpresa, ya que contiene cierta apariencia a un "plagio" sin mano armada pero que no tuvo tanta polémica como en otras ocasiones.
Resulta que mientras la banda grababa su nuevo material en Texas, el ingeniero de sonido, Mark Coyle, le presentó a la banda una canción llamada "This Guy's in Love With You", que fue interpretada en el año 1968 por el famoso trompetista Herb Alpert y cuyos créditos pertenecían a la dupla de compositores formada por Burt Bacharach y Hal David. La canción fue muy bien aceptada por la banda, quienes incluso la tocaban en varias sesiones de grabación adaptando uno que otro arreglos a pesar de que nunca la llegaron a grabar oficialmente.

Tras interpretarla en varias versiones y ocasiones, fue el baterista Tony McCarroll, quien le señaló al resto de la banda que no sería mala idea grabarla o por ultimo tomar cierta parte de la técnica en batería para alguna de las piezas acústicas que siempre incluía la banda en los discos y en los singles. Noel se tomó muy a pecho esta idea, y no sólo incluyó ciertos acordes y técnicas de la canción en su nueva composición sino que al parecer la había copiado por completo menos el nombre: "Half the World Away".
En un principio el resto de la banda no sabía que esta nueva canción era una copia sin miedo de la canción que habían interpretado por semanas. De hecho, cuando llegó el momento de presentar la canción a  la banda, Noel aprovechó un descanso dentro del itinerario de sus compañeros para entrar al estudio y grabarla de manera solitaria en primera instancia, e incluso él mismo hacer la parte de batería para evitar que lo acusen de ser un "copión".

Años después, Noel Gallagher admitió haber copiado los acordes de la canción trompetista y cantante estadounidense Herb Alpert  para  su canción "Half the World Away"."Suenan exactamente igual. Me sorprende mucho que no me demanden todavía" declararía Noel en una entrevista en el 2008.
Pero al parecer,Gallagher se salvó de esta de manera espectacular (las demandas en esos días estaban muy de moda en el panorama de espectáculos del Reino Unido). Es que tras sus declaraciones la prensadonde admitía el plagio, la prensa empezó a ejercer presión a Bacharach para que dijera algo sobre esta "bomba musical".
La respuesta llegó en el 17 de octubre del año 2008, cuando en el Daily Mirror el abogado de Bacharach, envió una carta diciendo que "él (Noel) descubrió la canción, una canción que fue publicada antes de que él naciera. Para mí eso es genial.. "

A pesar de ese bache el camino, "Half the World Away" es considerada por Paul Weller (quien fuera líder de The Jam) como la mejor canción de Oasis y se declara fanático de esta pieza firmada por Noel. Además, la canción fue la pieza principal para la popular comedia de la BBC "The Royle Family", que trataba sobre la rutina y la vida de una familia de Manchester, que además era la ciudad natal de la banda.
QUE LA DISFRUTEN!!!


viernes, 18 de enero de 2013

I'M THE GREATEST / RINGO STARR


"I'm the Greatest" es una canción del baterísta, cantante y actor británico Ringo Starr, que fue lanzada como single un 2 de Noviembre del año 1973 y que fue incluída en el disco "Ringo", que fue el tercer trabajo musical del que fuera baterísta de The Beatles y en donde se dió el lujo de juntar en algunas canciones a sus ex-compañeros de banda. Esto provocó que el disco fuera superventas y que se empezara a especular en esos días sobre una futura reunión del cuarteto de Liverpool.
Para la críticica especializada, "Ringo"  es considerado como el disco mas completo y sólido de este músico inglés, a veces muy infravalorado. Es que este trabajo trae a Starr con un tracklist notable y acompañado por sus tres mosqueteros con los cuales conquistó el mundo y además con el apoyo musical de emblemáticas figuras como Billy Preston, Klaus Voorman, Harry Nilsson, Steve Cropper, Martha Reeves, Nicky Hopkins, Vini Poncia, Bobby Keyes, Robbie Robertson, Rick Danko, Garth Hudson y Levon Helm. Con ese plantel, el resultado positivo era de esperar...

Este gran disco nos da la bienvenida con "I'm the Greatest", una canción escrita por John Lennon a finales del año 1970 y que estaba inspirada en una mítica frase dicha por el famoso boxeador Muhammad Ali.
En esos días que esperaban con un gran abrazo al año 1971, Lennon tuvo un periodo donde escribía mucha música y a veces ni siquiera colocaba letras, o simplemente rellenaba las melodías con frases sarcásticas o un humor "autocrítico" a gusto. Pero en esas sesiones escribe "I'm the Greatest", con el fin de hablar sobre su infancia, pero en un tono bien irónico y lo podemos observar al leer parte de la letra original: "Long time ago, way back home in Liverpool, my mama told be I'd be great..."

La canción estuvo en carpeta hasta Febrero del año 1971, cuando John grabó la canción "Power To The People" y aprovechando que tenía a Klaus Voormann en el bajo y Jim Gordon en la batería decidió grabar esta pieza por primera vez para ver como salía y si podía ser parte de un single a futuro.
Finalmente el resultado no fue el que esperaba John y decidió dejarla nuevaente en carpeta por si le volvian las ganas de volver a editarla. Se cuenta que tras ser consultado por los productores por el resultado final de esta canción, el músico simplemente respondió: "Yoko me dijo que estaba muy bien."

Ahora volemos hasta Marzo del año 1973, cuando Lennon fue invitado por Ringo Starr a los estudios de grabación Sunset Sound Recorders en Los Angeles, donde el baterísta estaba grabando su tercer disco y quería contar con la ayuda de su amigo en algun track o en producción. Fue en esas sesiones donde John le enseñó a Ringo la canción "I'm the Greatest" y le mencionó que calzaba justo con su personalidad y para abrir de manera extraordinaria el disco. " Ya sabes. Yo no la podía cantar, pero era perfecta para Ringo. Solo él puede decir 'yo soy el mejor' sin que la gente se moleste. Mientras que si fuera yo el que dijera 'soy el mejor', todos lo tomaría tan en serio" señalaría John en una entrevista con la revista Playboy en 1980.

Una vez que tenían casi lista la canción, donde Lennon arregló ciertas partes de la letra, los dos ex-Beatles se enteraron que uno de sus amigos andaba rondando por Los Angeles. Era George Harrison, quien tenía una reunión pactada con Lennon para discutir y analizar los compilados de The Beatles titulados simplemente como 1962-1966 (disco rojo) y 1967-1970 (disco azul). Por esa razón, y tras saber que John andaba en esas tierras y mas encima estaba en sesiones de grabación con Ringo, pescó un avión y en cuestión de horas ya estaba con la guitarra eléctrica al hombro grabando esta canción junto a Voormann en el bajo.

Ese 13 de marzo de 1973 Ringo, John, George y Klaus (quinto Beatle??) llegaron a grabar 12 tomas, en las cuales cuatro contenían la voz principal de John Lennon (una de ellas  se puede escuchar en el John Lennon Anthology) . La versión final fue cantada por Ringo (quien además toca la batería), mientras que Lennon estuvo al piano y en coro, Harrison puso las guitarras eléctricas y coros y Voorman en el bajo. Días después apareció en el estudio Billy Preston, quien agregó una parte de teclados para dar el punto final a la canción que John no pudo grabar y que ahora aparecería en el disco de su amigo.
"Ringo" traía en sus créditos a John, Paul y George nuevamente en un estudio. Eso si, Paul nunca se topó con sus compañeros de banda en las sesiones, es que aún habían rencillas entre ellos en materia judicial, pero el disco ya traía esa nota llamativa: Los Beatles, o parte de ellos, estuvieron juntos en una canción. El sueño podía volver a ser realidad.
Que la disfruten!!



miércoles, 16 de enero de 2013

LEVON / ELTON JOHN


"Levon" es una canción del músico británico Elton John. que fue lanzada como single un 29 de Noviembre de 1979 y que forma parte del tracklist del emblemático disco "Madman Across the Water", que fuera lanzado al mercado en Noviembre de 1971 y que cosecharía muy buenas críticas a causa de sus espectaculares baladas cuyas líricas pertenecían a Bernie Taupin.
Con este disco la carrera musical de Elton John llegó al estrellato, tras llegar al octavo puesto del Billboard y obtener un disco de Oro por las ventas sólo en Estados Unidos. En 1993 este trabajo musical lograría alcanzar el disco de Platino y tres años después se llevó un "doble platino" dejando en claro que ni el paso de los años podía con este disco, cuya llamativa (y poco entendida (?)) portada fue diseñada por Janis Larkham, quien puso un bordado con el título del disco sobre una vieja chaqueta Levi's que luego sería regalada a Elton John.

Una de las canciones que compone este gran disco es la balada "Levon" que, según las palabra del mismísimo pianista, habla sobre una persona que se aburre de hacer siempre lo mismo todos los días. Se aburre de la rutina de su trabajo de vendedor de globos pero sabe que no es fácil marcharse de casa ya que es un  negocio de la familia y eso traería complicaciones varias.
Es que Levon es el retrato perfecto de un hombre de negocios obsesionado con el dinero y que a pesar de sentir que la rutina lo está matando, nunca dejará de lado ese gusto por ganar más. Además, en la canción cuenta que tiene un hijo que ha nombrado a Jesús, simplemente porque "le gusta como suena."

La letra de esta hermosa pieza musical pertenece a Bernie Taupin, quien tomó el nombre, para el protagonista de su relato, del baterista del grupo "The Band", el señor Levon Helm. Cabe señalar que Elton y Bernie se declaraban fanáticos a rabia de este grupo de rock canadiense que llegó a ser la banda de apoyo de Bob Dylan a mitad de los 60's y que de ahí en adelante empezaron a lanzar discos y canciones eternas y clásicas.

"He was born a pauper to a pawn on a Christmas day. When the New York Times said God is dead" es una de las frases que mas llama la atención dentro de la letra de la canción. Lo cierto es que esa frase hace referencia a un polémico titular del  NYT que fue publicado el 24 de Marzo del año 1968 y que decía en letras grandes "God is Dead" y que seguía con la frase "'God Is Dead' Doctrine Losing Ground to 'Theology of Hope'." Esta frase aparecería posteriormente en el mismo periódico el  7 de enero de 1970 como un nuevo reportaje sobre la Teologia de la Esperanza . Eso sí, no fue para el día de Navidad, como dice Taupin en su canción.

En materia musical encontramos una verdadera joya, con tintes cinematográficos donde cada momento de la letra iba acompañado de una melodía en particular para llevar al oyente al momento culmine de esta historia hecha canción.
Comienza simple y con Elton John al piano, con tintes melancólicos y mares de cuerdas que van ascendiendo como si fuera una canción religiosa. Con el paso de los minutos la música envuelve todo y hace de la "Levon" una balada especial, de emociones pasajeras con aires oscuros en cierta parte de la letra y melodía.

Fue grabada un 27 de febrero de 1971 en los Trident Studios, en Londres, donde Elton John  fue acompañad por Barry Morgan en batería, Brian Odgers en bajo, Brian Dee en teclados,  Caleb Quaye en guitarra electrica y contó con los arreglos de Paul Buckmaster.
Tras editarla, Elton decidió que fuera el single promocional de su cuarto disco que estaba a punto de salir a la venta. Lamentablemente los gerentes y productores del sello discográfico no les gustó la idea ya que la canción duraba 5:37 y eso haría que las estaciones de radio estadounidenses no la quisieran pasar en sus programas. La solución era hacer una versión editada que no sobrepasara los 4 minutos, idea que no le gustó al cantante y pianista. Tras largas conversaciones, Elton salió con la suya y decidieron que la canción fuera single y que además conservara su duración.
La canción llegó al puesto #24 del Billboard Hot 100, y fue el primer gran paso para que empezara el camino a la fama absoluta y también es una de las canciones favoritas de Sir Elton John.

Uno de los que ha declarado su fanatismo por esta balada es el cantante y compositor estadounidense Jon Bon Jovi, quien ha llegado a declarar que esta es una de las mejores baladas de la historia del Pop. De hecho, y para darse el gusto de interpretarla, la grabó para el disco homenaje a Elton John y Bernie Taupin, el aclamado  Two Rooms.
Que la disfruten!!

jueves, 10 de enero de 2013

GIVE UP THE FUNK (TEAR THE ROOF OFF THE SUCKER) / PARLIAMENT


"Give Up the Funk (Tear the Roof off the Sucker)"es una canción del grupo afroamericano Parliament, que fue lanzada como single en Abril del año 1976 y está incluída en el album Mothership Connection, cuarto trabajo musical de esta banda liderada por el padre del Funk, el gran George Clinton, y que llegó a ser disco de platino debido a sus numerosas ventas.
Parliament ( y su banda hermana Funkadelic) fueron los que le dieron un nuevo giro a la música Funk en los setentas, sacándola de esas bases tan estructuradas y agregándole toques del rock, o lo que ellos autodenominaron P-Funk, que era el funkrock a la vena pero siempre conservando los juegos de voces y las raíces negras que este estilo tiene desde su alma.
Para la historia de la música afroamericana, los Parliament son esenciales en el camino, ya que pertenecieron al selecto puñado de grupos y solistas que masificaron esta música en el mundo entero y que la dejaron por una eternidad mas uno en el soundtrack de muchas vidas.

No hay dudas en decir que la canción emblema del P-Funk es "Give Up the Funk (Tear the Roof off the Sucker)", una pieza que tiene la energía desde el primer acorde y que con sus entretenidos juegos de voces y una parte instrumental de alta calidad dejaba en claro que esto no era un simple juego de estudio.
Escrita por el baterísta Jerome Brailey, el bajista Bootsy Collins (que venía de pertenecer a la banda de James Brown)  y George Clinton, esta pieza musical tiene cierto toque a música jazz en cuanto a su estructura musical, ya que contiene 3 pistas que fueron trabajas por separado para luego unirlas de manera fenomenal y dar vida a esta "rola".
La canción empieza con el "bass singer" Ray Davis entonando la frase  "tear the roof off the sucker" (en la versión del single lamentablemente esta parte se omite) para dar paso al entretenido juego bajo-batería-sintetizador que es el manto de toda la canción mientras los juegos de voces hacen que la canción ya deje bailando hasta al mas aburrido de la fiesta.

Otro elemento tomado del jazz es la interacción de los instrumentos musicales, en este caso con respecto a los juegos de voces. Por ejemplo, cuando empiezan a cantar el coro, el bajo toma cierta respuesta a estos juegos de voces provocando un efecto muy llamativo, al igual que la batería que en cada cambio de tiempo aparece con buenos juegos de improvisación.  Son pocas las bandas que logran una química musical de este calibre, por ello saca aplausos esta canción y el disco en general.
También hay que señalar que a frase "Give up the Funk" surge en uno de los conciertos que daba la banda en 1975. En esa ocasión toda la multitud empezó a gritar esa frase con el fin de alentar a que la banda apareciera sobre el escenario. A partir de ese impactante momento, Clinton tomó la frase y la colocó en esta canción, y de ahí en adelante ya se transformó en el himno de todos sus espectáculos.

Por alguna extraña razón o un error de imprenta, la canción fue lanzada como single en Abril de 1976 bajo el título "Tear the Roof off the Sucker (Give Up the Funk)". Pero eso no fue una traba para que esta pieza se convirtiera en el super hit de la banda que logró escalar hasta el quinto puesto del  Billboard Hot Soul y a la casilla #15 del Billboard Hot 100 y quedando como una de las canciones emblemáticas para el Funk de los 70's.

Así que busquen su mejor pinta, su mejor peinado, y estrenen sus mejores pasos y salgan a la pista de baile que el BLOG invita!!!! 
Que la disfruten!!!



martes, 8 de enero de 2013

WHAT HAVE I DONE TO DESERVE THIS? / PET SHOP BOYS



"What Have I Done to Deserve This?" es una canción del dúo inglés Pet Shop Boys, que fue publicada como single un 10 de Agosto del año 1987 y contaba con la participación de la famosa cantante británica Dusty Springfield.
Esta canción pertenece al repertorio del Lp "Actually", que fue el segundo trabajo musical de este dúo conformado por Neil Tennant y Chris Lowe. Este disco es considerado por la crítica como uno de los trabajo emblemas para el Synthpop y un disco altamente recomendable para todo amante de la buena música ya que nos trae un repertorio sólido, lleno de hits y canciones interesantes donde la experimentación en teclados y mezclas de otros estilos musicales lo dejan como una obra maestra que catapultó a la banda con todo hacía la fama eterna y a ser uno de los iconos de la música Tecno de los 80's.

La historia cuenta que "What Have I Done to Deserve This?" fue escrita en 1984 por Tennant y Lowe y que estuvo a punto de ser incluída en "Please", su comentado disco debut, pero finalmente decidieron seguir guardándola bajo siete llaves.
Tras el lanzamiento de su disco debut en 1986, y con todo el éxito que logró captar en los medios de comunicación, el dúo decidió ponerse manos a la obra en su siguiente disco en donde tenían que dejar en claro que ellos no eran parte de una típica moda ochentera pasajera. Asi que decidieorn volver a trabajar esta canción que tenían en carpeta y para ello le pidieron ayuda a Alle Willis, un compositor, arreglista y escritor estadounidense que por ese entonces había trabajado con bandas como Eath,Wind & Fire donde escribió parte de su "megahit" mundial llamado "September".
Allee Willis fue el encargado de la letra de esta canción, y este le dió un giro mas sentimental y ligado a la historia de una persona que la está pasando mal en su relación amorosa, que se siente fuera de tono y que a ratos pierde la magia del estar enamorado. "Habla sobre alguien que está en una relación donde ninguno de ellos sabe como mantenerla. Es una relación disfuncional, y ninguno tiene la fuerza para darle el punto final y salir de eso. Hay una sensación como que este tipo no debería estar ahí, y básicamente queda como un esclavo de este amor obsesivo. Es de las pocas canciones mías que habla de este tema, de eso de volver y llegar otra vez, como si fuera una persona miserable" declararía Willis en una entrevista al ser consultado sobre su aporte en esta canción.

Pero también había otra razón por la cual los PSB decidieron contactar a este personaje, y esta era que Willis tenía cierta amistad con la cantante Dusty Springfield, de la cual Tennant sentía mucha admiración ya que era una de sus voces favoritas durante su infancia, y por ende sabía que este era el momento de compartir una canción con ídola y cumplir su así sueño.
Willis había conocido a Dusty años atrás durante una exposición de algunos cuadros que este pintaba como hobbie anexo a lo musical. De ahí en adelante Willis y Dusty empezaron a hablar mas seguido,a visitarse y a intercambiar ideas musicales de vez en cuando.
Y fue durante una de esas reuniones, en Los Angeles, en que el escritor decidió preguntarla a la interprete de "Son of a Preacher Man" si conocía a los Pet Shop Boys. La respuesta de la cantante sorprendió a Willis, ya que esta  conocía a la banda debido al éxito de la canción "West End Girls", la cuál encontraba magnífica. Y cuando este le comunicó a  Dusty que  los PSB querían que grabara para ellos un single, la cantante sonrió y le dijo a Willis que todo eso lo arreglaría su manager, Tom Watson.
En cuestión de minutos Dusty y Watson arreglaron todo para ir dentro del mes a Inglaterra y grabar justo al dúo británico, y de paso ir a cotizar algunas pinturas, que era la otra obsesión de la que fuera icono del fenómeno Mod.

En ese entonces, la carrera musical de Dusty estaba estancada y solamente se apoyaba en los viejos hits sesenteros de su cancionero. Los 70's fue una década donde aparte de lanzar discos de mala calidad musical, también fue de escándalos (se declararía abiertamente bisexual) y de mucho descontrol (una fuerte adicción a la cocaína), lo cuál ayudó a casi sepultar su fama y pasar a un segundo plano. Por esa razón, el unirse a una banda que estaba en plena fama, que con su primer disco ya tenía las riendas del éxito y que por eso era una buena alternativa para reflotar su carrera y demostras que en los 80's ella podía volver y retomar el canciones de manera actualizada y con los nuevos y raros peinados de esos años (?).

Finalmente Tennant cumplió su sueño, y tuvo en los estudios de grabación a su ídola para grabar esta balada tecno llamada "What Have I Done to Deserve This?", la cuál fue lanzada como single y llegó hasta el puesto #2 de UK Singles charts y en el Billboard Hot 100, siendo el cuarto Top Ten de los PSB y el primer gran hit de Dusty en tierras norteamericanas, lo cuál dejaba en clar que esta oportunidad fue bien aprovechada por la artista.
Un año después los Pet Shop Boys volverían a trabajar junto a Dusty Springfield cuando se presentaron en el año 1988 en los BRIT Awards para luego escribir y producir las canciones "Nothing Has Been Proved"y "In Private" que serían publicadas en el año 1990 por Dusty en su album Reputation.
Que la disfruuuten!!

domingo, 6 de enero de 2013

I STARTED A JOKE / BEE GEES


"I Started a Joke"es una canción de la banda británica Bee Gees, que fue publicada como single en Diciembre del año 1968 y además está incluída en el disco "Idea", el quinto trabajo musical publicado por los hermanos Gibb y que salió a la venta en Septiembre de ese mismo año.
En este disco los Bee Gees mostraban un sonido muy ligado al rock, aunque mezclado con sus interesantes y maravillosos juegos orquestales que ya eran una característica esencial para la banda. Para los críticos, en este trabajo musical la banda ya no solo se muestra como una cohesión perfecta de voces de acompañamiento sino que ahora suenan como una banda musical a pleno, temperamental y con letras menos surrealistas como en sus trabajos anteriores (lamentablemente muchos "expertos" sólo se quedan con los Bee Gees setenteros!!).
Un disco altamente recomendable para oyentes curiosos, y cuya portada fue diseñada por Klaus Voorman, y que trae a los Bee Gees en su etapa dorada y quizás más desconocida para los "puristas" , esa del Pop melódico, esa que dejó baladas inolvidables.

"I Started a Joke"  fue escrita por Robin Gibb mientras viajaba en un avión de la empresa British Airways rumbo a la ciudad alemana de Essen. A Robin le llamó mucho al atención el extraño sonido que hacía el motor del avión, que de alguna u otra forma dejaba al pasajero en un trance hipnótico y para él simplemente fue un buen momento para empezar a pensar en una melodía.  "En un instante pareció tomar la forma de una melodía, que misteriosamente sonaba algo así como un coro de iglesia. Tras un largo rato, muchos se acercaron donde el piloto y al parecer lo obligaron a aterrizar en un pueblo cercano, pero al final decidió aterrizar algo asi como en un campo. ¿Para que arruinar una historio que iba de manera perfecta" recordaría Robin Gibb en una entrevista con el "The Mail on Sunday" en Noviembre del año 2009 tras ser preguntado por el origen de esta canción.

La letra de esta balada supuestamente habla sobre una persona que está arrepentida por un mal acto y que esa es la razón por la cuál decide alejarse de muchas personas. Pero también existe una teoría que dice que esta canción habla sobre el diablo ("el cola de flecha!!") y esto se debe a que en muchas actuaciones el autor de la canción la introduce con la frases "esta es sobre el diablo", pero simplemente puede una broma (?).
En esa entrevista con "The Mail on Sunday" Robin declara que "esta es una canción muy espiritual. Donde los oyentes tienen que interpretar la letra a su manera- Si quieren explicar cuál sería el significado de esta canción".
La canción contiene una letra algo enigmática, pero a la vez estimulante y que en cada una de sus metáforas deja alguna pista o una curiosidad para los fanáticos de las historias que hay detrás de las canciones.

El 25 de Junio de 1968, en los IBC Studios de Londres, fue la fecha y el lugar exacto en que la banda grabó esta canción.
Cabe señalar que en ese entonces las tensiones internas tenían por el suelo las amistades y el ánimo de trabajar. Es que la repentina fama ya estaba pasando la cuenta en la interna del grupo y eso llevó a que por buscar la perfección cada integrante quisiera dar su punto de vista y con ello romper el molde en cuanto a acuerdos y liderazgos.
En esas sesiones de grabación estaba mas que claro que los que llevaban la batuta creativa eran Barry y Robin Gibb, y que estos querían a toda costa imponer sus ideas y sus influencias aunque esto les costara la separación de la banda o peleas verbales. Obviamente esto provocó un quiebre en el estudio y también en los escenarios, y esto se volvió mas fuerte cuando el manager del grupo, el señor Robert Stigwood, decidió darle mas atribuciones a Barry y lo dejó en esos días como el líder del grupo debido a que tenía mas admiradoras (?).

La canción cuenta con los arreglos orquestales de Bill Shepherd, quien decidió incluir algunos detalles de música barroca con el fin de darle un toque distinto a esta balada que estaba bajo la voz de Robin, quien canta con un aire desolado, bajo tonos melodramáticos como si fuera un adolescente inmaduro en busca de algo de compasión.
En esta "rola" Barry Gibb es el encargado de los teclados, guitarras y coros, mientras que Robin también tocó partes de teclado y Maurice se encargó del bajo, el piano y los coros. Junto a ellos, completaban la banda el señor Vince Melouney en guitarras y  Colin Petersen en la batería.

Por alguna extraña razón, "I Started a Joke" no fue lanzada como single en el Reino Unido y si fue publicada en los EE.UU. donde tuvo un éxito rotundo tras llegar a la casilla #6 en las listas. Mencionamos que es extraña esta decisión porque hoy en día cualquier artista británico lanza en primera instancia sus singles en su tierra y posteriormente lo saca a la venta en el resto del mundo. En los 60's la cosa, al parecer, era distinta.

El 20 de Mayo del año pasado el mundo de la música lloraba la partida de Robin Gibb, quien a los 62 años se marchaba del mundo terrenal a causa de una insuficiencia renal. Tras la conmoción de la triste y lamentable noticia, el hijo de Robin,  Robin-John Gibb, declaraba su admiración por esta canción, ya que fue la pieza musical que lo acompañó durante los funerales de su padre. "Cuando falleció salimos, lo desconectaron y volvimos. Cogí el teléfono y puse 'I Started A Joke' en YouTube y se la hice escuchar. Sabía que esa canción y su letra era perfecta para ese momento. Desde ese momento esa canción siempre tendrá un nuevo significado para mí. " comentaría el hijo del autor de esta preciosa balada, la cuál hoy hemos traído para usted.
Que la disfruteeeeen!

viernes, 4 de enero de 2013

PRETTY VACANT / SEX PISTOLS



"Pretty Vacant" es una canción de la banda británica de punk rock Sex Pistols que fue lanzada como single el 1 Julio del año 1977, siendo el tercer corte promocional del disco "Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols" publicado ese mismo año.
Para los catedráticos en rock puede que esta banda no haya contado con los mejores instrumentistas, tampoco con una calidad musical depurada, estudiosa y experimental  pero cuando haya que hablar de la revolución del Punk, los Sex Pistols están en la cumbre gracias a sus ácidas letras, sus acordes sucios pero lleno de desencanto social que lo hicieron quedar para la eternidad como un grupo que cambió gran parte de los conceptos musicales para la juventud mundial.
"Never Mind the Bollocks..." es sin lugar a dudas un disco histórico, que traía en escena a una banda que estallaba como las bombas en las protestas sociales, con sus actuaciones rabiosas, energéticas y hasta violentas que los llevaron a que su sello, la EMI, los dejara en la calle aburridos de tantos escándalos. En este disco el vocalista de la banda, el frenético, Johnny Rotten, no se dedica a cantar sino que a escupir frases que iban en contra del gobierno, en contra de la sociedad, en contra de los abusos de los que llevan terno y corbata y lideran los paises. Eran simplemente los Sex Pistols, esos que fueron un grito que nadie ha hecho callar...

Tras el éxito rotundo que alcanzaron con su rabiosa "Anarchy in the UK" (que sería el único single que lanzaron bajo el manto de EMI) vino la segunda "patita" con otra pieza de tono polémicos llamada "God save the Queen", la cuál tuvo nuevamente un éxito rotundo y catapultó a la banda a una fama y una tendencia juvenil que crecía día a día de manera sorprendente.
El tercer single promocional fue "Pretty Vacant", que eran tres minutos con 15 segundos de rabia renovada, y que era casi un himno de la banda con una letra que los mostraba irónicos por su pinta, por su manera de ver la vida y por no estar bajo el molde de los chicos buenos que andaban por las radios en ese entonces.

La canción fue escrita por todos los integrantes del grupo, y contó con la producción de Chris Thomas y Bill Price, quienes trabajaban para Virgin en el Reino Unido y también para la Warner Brothers en los Estados Unidos.
La canción contiene una mezcla de canto y gritos desesperados que se toman de la mano con un pegadizo y prepotente riff que deja en claro que esta canción no era apta para esos dulzones que por esos años escuchaban el plástico sonido de los Bay City Roller. Eso si, años después, el bajista  Glen Matlock declaró que el riif estaba inspirado en la canción "S.O.S." de ABBA, la cuál habían escuchado en la radio durante esas sesiones de grabación.

Para promocionar el single, la banda entonó  "Pretty Vacant"  en la que sería su única aparición en el programa de la BBC, Top Of The Pops, y que tuvo que ser grabado entre el 11 y 12 de Julio del año 1977 en los estudios ITN ubicados en  Wells St, London.
Semanas después la canción llegaba al puesto #6 del UK Singles charts y en Diciembre del mismo año la revista NME la dejaba con el premio del Single del año.
Con el paso de los años la canción ha vuelto al ruedo gracias a bandas sonoras, covers y re-versiones de la banda. De hecho en el 2005, la revista Q la ubicó en el puesto #26 de su lista de los "100 Greatest Guitar Tracks".
Que la disfruten!!!


jueves, 3 de enero de 2013

HEARTACHE TONIGHT / EAGLES


"Heartache Tonight" es una canción de la banda estadounidense Eagles que fue lanzada como single un 18 de Septiembre del año 1979 promocionando su sexto trabajo discográfico, el aclamado "The Long Run".
Pese a que las críticas fueron muy duras con el contenido musical de este disco, eso no fue impedimento para que entrara de forma casi inmediata en el puesto #1 en los charts estadounidenses y que llegara a vender casi 8 millones de copias. Es que en este disco la banda privilegia de mayor forma el rock duro, de riffs y distorsiones por sobre su famoso estilo de baladas country con toques de folk, que fue con lo que se hicieron famosos en los 70's por todo el mundo. Además, en las grabaciones de este disco es donde aparecen las primeras rencillas entre los integrantes de la banda, las cuales llevarían a su disolución meses después.

Pero la historia de la canción "Heartache Tonight" aun está ligada a los buenos tiempos de la banda, en donde los músicos aun se podían ver las caras
La historia de la "rola" empieza a inicios del año 1979, cuando, el guitarrista de la banda, Glenn Frey invitó a su casa, ubicada en Los Angeles, al famoso cautautor y guitarrista Bob Seger. En esa ocasión ambos empezaron una improvisada sesión musical, donde tocaron viejos blues e incluso se dieron el lujo de volver a escuchar los clásicos de Sam Cooke,  por el cuál ambos tenían un fanatismo a rabiar.
Tras esa sesión musical, donde la pasaron de miedo, ambos músicos decidieron crear algún material inédito, aprovechando que la banda de Frey estaba buscando un nuevo material. Asi que inspirados por la canciones de Cooke, ambos músicos dieron rienda suelta a lo que sería la música de "Heartache Tonight".

Una vez que terminaron la parte musical, Frey y Seger decidieron empezar a crear la letra para la canción. Lamentablemente, y con el paso de las horas, ninguno tenía una idea clara sobre la lírica, y el resultado final era bastante negativo y decidieron terminarla en alguna otra sesión. De esa manera Seger pescó sus cosas y decidió ir al hotel donde estaba hospedando.
No pasaron ni un par de horas cuando Frey recibe un llamado telefónico de Seger, quien de inmediato le cantó unas frases que calzaban de manera perfecta con la canción que habían dejado a medio terminar. De esa manera nace el coro de la canción.

Posteriormente, Frey decide enseñarle esta canción a su amigo, el cantautor y compositor, J.D. Souther. Y este tras escucharla, decidió darle una "mano" para terminar la letra esta canción y hacer algunos arreglos a la melodía. Para empezar a trabajar, Frey le señaló a su amigo que quería escribir algo parecido a los hits de Sam Cooke.
"Glenn Frey y yo estuvimos escuchando discos de Sam Cooke en mi casa, Mientras escuchábamos las canciones, ambos nos paseábamos por la habitación aplaudiendo y cantando. De esa forma logramos crear una melodía que contiene detalles similares a los que usaba Sam Cooke. En cuanto a la letra., no hay mucho que decir. Quiero decir que sólo son dos versión largos" comentaría Souther en una entrevista.
Sobre la contribución del maestro Bob Seger, en la creación del coro, el cantautor oriundo de Detroit, señaló que: "No llegamos a crear un coro interesante en esa sesión y simplemente nos quedamos con el que había creado Seger, el cuál era muy bueno. No era necesario poner tantas frases, la canción era más que un revolcón y ese sería su destino".

"Heartache Tonight" llegó al puesto #1 del Billboard Hot 100 en Noviembre de 1979 y llegó a vender el millón de copias, siendo uno de los grandes hits de esta banda "californiana" que conquistó el mundo con canciones que formaron parte del soundtrack de muchas vidas.
Que la disfruteeeeeen!!!



martes, 1 de enero de 2013

DRIVE MY CAR / THE BEATLES

"Drive My Car" es una canción de la banda inglesa The Beatles, que fue publicada dentro del aclamado disco "Rubber Soul", que tuvo su lanzamiento oficial un 3 de Diciembre del año 1965.
Si bien se trata de un disco grabada bajo mucha presión pr parte de la discográfica, quienes querían a toda costa un disco de la banda aprovechando la época navideña, eso no fue un punto débil para uno de sus trabajos musicales mas sólidos y que sería esencial a la hora del cambio musical y experimental en que se volcaría la banda durante la segunda mitad de los 60's.
Este fue el disco donde los Beatles aparecieron en sonido stereo, y ademas fue el disco donde Paul McCartney empezó a tomar las riendas musicales de la banda creando gran parte del repertorio musical de este LP y dejando en claro al mundo que  para ellos, los fabulosos Beatles, no habían límites y que su música, sus canciones, iban en constante progreso.
El disco fue un éxito en ventas, y la crítica aplaudía a rabiar las nuevas experimentaciones musicales, por esa razón "Rubber Soul"  alcanzó el nº 1 en las listas del "New Musical Express" y "Melody Maker" y se llegaron a contabilizar casi 750 mil copias vendidas solo en el Reino Unido y alrededor de 3.000.000 en todo el mundo. En Estados Unidos alcanzó el nº 1 en las listas de "Billboard", "Cashbox" y "Record World".

La canción que abre este grandioso LP es "Drive My Car", una canción escrita casi en su totalidad por Paul McCartney, pero que finalmente fue firmada junto a John Lennon. Esta canción, que habla sobre una chica que quiere ser una estrella de cine y que que quiere un hombre que sea su chofer y además sea su objeto sexual (?), quedó como una de las mejores canciones  dentro de este nuevo estilo de la banda, donde ya estaban dejando de lado la inocencia del "Yeah,Yeah" para empezar con letras mas oscuras o con una que otra historia que incluso llegaron a generar polémica.

El encargado de la letra fue McCartney, quien en la versión original había puesto la frease "You can give me golden rings". Pero cuando la banda empezó a ensayar esta canción en el estudio de grabación, fue Lennon  el primero en criticar en especial esa frase, y la calificó sin tapujos como "una mierda". Por esa razón ambos acabaron reemplazándola por la frase "You can drive my car", la cuál calzaba a tono con la canción.
"La letra era desastrosa y yo lo sabía muy bien ... Esta es una de esas canciones donde John y yo trabajamos de mejor manera en la sesión. La canción tenía algo que ver con los anillos de oro, y eso era fatal, y simplemente lo usé porque "rings" rima perfectamente con "things", y a pesar de que sabía que era una mala idea la utilicé no mas. Entonce llegué a la sala y tras tocarla, (John) me dijo: 'Esta no tiene una buena letra, pero sí una buena melodía'. La melodía ya era agradable, la melodía estaba casi lista. Bueno, entonces lo intentamos otra vez, y a John no se le ocurría nada, y por más que intentábamos nada nos salía bien. Así que nos dimos un descanso, para un cigarrillo o una taza de té, y luego volvimos a la misma, y de alguna manera apareció eso de "Drive my car" en lugar de "You can give me golden rings" y luego fue maravilloso porque apareció en escena una chica, la heroína de la nueva historia, y estaba prácticamente lista" mencionaría Paul en el libro Many Years From Now, de Barry Miles.

En cuanto a la parte musical, esta no tuvo muchos problemas en su primera instancia. Pero tras varios ensayos, fue el mismísimo George Harrison quien le dijo a Paul que aún le faltaba un toque distintivo a esta nueva canción y eso provocó cierto disgusto en el bajista de la banda.
En esos días George estaba "pegado" con la canción "Respect" del cantante estadounidense Otis Redding. Si bien esta canción no fue un gran éxito del "Rey del Soul" a Harrison le encantaba la parte musical de esta y decidió poner algo del sonido Redding en "Drive My Car", en especial en la parte incial con el riff de guitarra mezclado con el bajo, el cual marca un detalle importante para esta canción.
"Si Paul había compuesto una canción, se aprendía todas las partes, llegaba al estudio y decía (a veces era muy terco): 'Haz esto'. Nunca te daba la oportunidad de aportar algo. Pero en 'Drive My Car' toqué la frase, que realmente se parece mucho a una de 'Respect', sabes, la versión de Otis Redding —duum-da-da-da-da-da-da-dum—, yo toqué la frase con la guitarra y Paul la hizo con el bajo. Y así lo grabamos. Después tocamos la parte solista encima" declararía George en el año 1977.

El 13 de octubre de 1965 fue la fecha exacta en que The Beatles grabó esta canción, en una sesión de grabación que empezó a las 19:00 y finalizó pasada la media noche.
En "Drive my Car" McCartney estuvo en el bajo, Harrison tocó la guitarra, Lennon en el pandero y Starr en la batería. Posteriormente, y aprovechando las cuatro pistas, Paul grabó el piano, Harrison la guitarra solista,y Ringo el cencerro, junto con la voz principal que estaba a cargo de Lennon y McCartney, acompañados por Harrison en los coros.

Con el paso de las semanas, no faltaron los periodistas conservadores y cartuchos que le dieron como bombo en fiesta a la letra debido a que contenía ciertas connotaciones sexuales en algunas de sus frases. En el libro de Miles, McCartney  dejó en claro que la idea de crear una canción con toques sexuales,siempre estuvo presente y que en esta canción salió a la luz. ""Drive My Car" era un eufemismo sobre el blues y la edad para tener relaciones sexuales, y de eso casi nadie se atrevía a mencionar. El humor negro era nuestra salida y eso salvó el día. Entonces escribimos esto. Me parece que muy a menudo, una vez que llegue la buena idea, las cosas hay que escribrirlas" señaló McCartney .

Que la disfruten!!! Y FELIZ AÑO NUEVO!!