domingo, 28 de febrero de 2010

BLACK DOG / LED ZEPPELIN



"Black Dog" es una canción de la famosa banda inglesa Led Zeppelin y fue publicada dentro del disco Led Zeppelin IV, que es uno de los trabajos mas aplaudidos de esta banda de Heavy Metal y que contiene una batería de éxitos y canciones que ya son de culto para los fans de esta gran agrupación rockera.
Un 8 de Noviembre de 1971 fue el día en que la banda lanzó a la venta este gran disco y a la vez el single de esta canción junto a Misty Mountain Hop en la cara B.
El EP tuvo un gran éxito entre la gente, logrando entrar en los primeros lugares de varios charts del mundo y colocando a la banda en la cumbre de la popularidad en el planeta, siendo solo superados por The Beatles en ventas de discos.

Esta canción que abre el cuarto disco de los Zeppelin, fue compuesta por Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones en las míticas sesiones de grabación en los estudios de Atlantic Records.
La historia cuenta que el bajista John Paul Jones fue quien empezó a escribir la canción luego de escuchar el disco 'Electric Mud" del gran Muddy Waters, ya que quedó impresionado con el sonido del bajo en varias de las canciones que contenía dicho disco .
En pocos minutos, Jones ya tenía escrita la famosa línea de bajo y el riff de guitarra, el cual fue depurado en el estudio por los dedos del maestro Jimmy Page que le incorporó uno que otro efecto de sonido a su guitarra en la interpretación y posterior grabación.
Page utilizó varias pistas de sonido en la grabación de las partes de guitarra, esto lo hizo grabando varias veces el riff y luego sobreponerlos como si fueran bizcochos de una rica y esponjosa torta (?). Aparte de eso, Page tuvo la genial idea de usar varios amplificadores dentro del estudio, para que suene potente el riff. Allí esta el secreto de esta canción...

Luego de eso, Page y Bonham empezaron a grabar las partes de batería y los cortes que el guitarrista había ideado para que Plant improvise la letra de la canción. Bonham, fiel admirador del gran Little Richard, se inspiró en la canción "Keep a Knockin" para idear la parte de la batería.
Ese juego entre guitarra y batería es uno de los detalles musicales mas llamativos dentro de la canción, ya que la gran interpretación de la guitarra de Page y la dureza de los golpes a la caja por parte del gran John Bonham, crea un ambiente digno del rock más ácido y que nos muestra toda la potencia de esta famosa banda en su nivel máximo de inspiración musical y experimentación en los arreglos de estudio.
Al escuchar la canción, se nota que Page disfrutó como un niño tocar guitarra en esta grabación, ya que puso sus mejores solos, arregló y regrabó varias partes e incluso se dió el lujo de crear un efecto que hace pensar que se a a caer sobre el escenario luego de tanto movimientos de dedos.

Luego de que sus compañeros ya tenian terminada la música, Plant empezó a escribir la letra de la canción, basandose en la idea que le planteó Jones: "Que sea una canción para bailar y saltar".
Los arreglos vocales fueron ideados por Robert Plant, que se inspiró en la canción "Oh Well", que la banda inglesa Fleetwood Mac había publicado en 1969. En esta canción destacaba el hecho de que la parte vocal se cantaba sin acompañamiento musical alguno, creando un ambiente divertido en la canción. Plant tomó esa idea y la plasmó en la canción que estaban grabando.
La idea del vocalista de Led Zeppelin calzó muy bien en la canción y le dió ese efecto dinámico, marcado con ecos y efectos vocales, que hace tan interesante a esta pieza clásica del rock.

Terminada la canción, los cuatro integrantes empezaron a buscarle un título a su nueva creación. Se "cranearon" diversos titulos, pero nada los convencía.
Días despues, la banda se dirigía a los estudios ubicados en Grange Headley, con el fin de grabar su mega-hit "Starway To Heaven". Ese día se les atravezó en el camino un enorme perro de color negro y Plant con sus compañeros, luego de mirarse las caras con risas y picardía, decidieron colocarle a su canción: "Black Dog". Así de simple, aunque dicho titulo no tiene nada qe ver con la temática de la letra... Aunque con los Led Zeppelin nunca se sabe.

Así nace esta clásica y potente melodía llamada "Black Dog". Una canción que nos trae todo el "power" de este cuarteto inglés que revolucionó con sus canciones al mundo con espectaculares riffs, potentes solos de batería y una producción exquisita para el oído delos amantes del buen rock.
Con su "Perro Negro", los Led Zeppelin nos demostraron todo su talento musical y nos convence del por qué son catalogados como una de las mejores bandas de hard rock de todos los tiempos.

Pd: Fuerza Chile!!!... Estamos en alerta con lo que está pasando en el país dado este trágico terremoto que hasta ahora ha dejado muchas muertes y pánico en la sociedad.
Para todos nuestros lectores chilenos de todo el mundo les dejamos algunos link que pueden ser de buena ayuda:


sábado, 27 de febrero de 2010

FUERZA CHILE!!!

Foto gentileza: EFE

Un terremoto de 8,8 grados en la escala de Richter azotó hoy los suelos de la parte centro sur de Chile (de la Quinta hasta la Novena Región, junto con la Metropolitana). Dejó un saldo de 214 muertos (segun los ultimos informes), ciudades costeras atacadas por maremotos y medio millón de casas en el suelo.

¡¡¡Apoyemos a nuestros compatriotas que hoy la estan pasando muy mal!!!


EVERYTHING COUNTS / DEPECHE MODE



"Everything Counts" es una canción de la banda inglesa Depeche Mode que fue lanzada como single un 11 de Julio de 1983 y forma parte del famoso y único disco conceptual que ha publicado esta gran banda de música electrónica, se trata del famoso Construction Time Again publicado exactamente un mes despues de la publicación del single.

La historia de esta canción empieza un día de enero de 1983, en ese tiempo la banda tenía sonando en las radios su canción "Get the Balance Right!" y todo hacía presumir que con la salida de Vince Clarke, la banda tomaría un nuevo rumbo musical marcado especialmente en las ideas musicales de su guitarrista y tecladista Martin Gore. Obviamente no estaban tan equivocados.
En esos días de enero, se presentó e Inglaterra la famosa banda de rock experimental alemana Einstürzende Neubauten y Martin Gore era uno de los espectadores de ese show. El guitarista de depeche Mode quedó impresionado con la música experimental de esta banda germana, especialmente en el uso que le daban al Synclavier, que era un sintetizador muy especial puesto que contenía muchos efectos pre-programados y era de fácil uso para grabar sonidos en varias pistas.
Gore empezó a investigar ese sintetizador, recorrió varios callejones de su barrio captando sonidos para luego mezclarlos en su "juguete nuevo". Así fue como llegó a grabar pistas "demos" con sonidos del martilleo a un yunque, de las tuberías, la potencia del agua potable, etc. Además el capo Gore se dió cuenta que ese singular instrumento traía varias bases ya pregrabadas, donde incluía sonidos de intrumentos musicales como violines, xilofonos y cencerros. Todo eso que descubría día a día manipulando su sintetizadro los iba grabando en cintas para luego utilizarlas en las canciones del proximo disco de la banda, que ya tenía nombre: Construction Time Again, que sería grabado en Londres y tendría un ambiente conceptual, ya que querían centrar sus canciones en las ideas que promueve el socialismo.

Una de esas canciones grabadas en esas famosas sesiones en los Blackwing Studios de Londres, con ese llamativo sintetizador Synclavier, fue una pista llamada "Everything Counts".
Esta canción salía de las antiguas canciones de amor que cantaba la banda en sus discos anteriores para pasar a una lírica protestante, dura y con fuertes comentarios hacía la industria musical. Es que Martin Lee Gore junto a la ayuda del productor Gareth Jones lograron hacer una canción que marcaría la transición musical de la banda junto a la madurez en las composiciones musicales que llevaron a los genios de Depeche Mode a experimentar con un disco conceptual sin importar la fama ni el dinero que tenían hasta esos días.

La idea de hacer letras con contenido social, fue de Martin Gorem que luego de ver la pobreza en un viaje a Tailandia se dió cuenta que no todo es alegría ni amor en converva y que era hora que la banda tomará un discurso de ayuda a esa gente que vive en la pobreza extrema y lograr llevar ese mensaje en sus conciertos y discos.
En "Everything Counts", Gore le escribe con rabia y puño a la avaricia de la gente dueña de las empesas y señala una critíca ácida hacía toda esa corrupción que se vive dentro de la industria músical. Increiblemente la canción fue lanzada como single a pocos días de haber firmado un contrato con Mute Records, lo cual generó una que otra polémica entre los dirigentes de esa casa discográfica contra la banda.

Para los fanáticos, esta canción llamada "Everything Counts" fue el puntapié inicial para la carrera formal de la banda, con letras que hacían pensar mientras disfrutas de su buena música.
En esta pista, Gore demostró todo su talento como compositor al escribir una canción notable y llena de detalles musicales que nunca dejan de sorprender.
Con un gran ritmo muy bien marcado, con ciertos rasgos tomados del hip-hop (especialmente en la percusión) y mezclado con sonidos del pop industrial, hicieron de esta canción una pista escencial para bailar y sacudir el cuerpo en las casas de baile.
Es que la mezcla de esa dulce pero agresiva música con los sentimientos líricos de Gore que iban en dirección a esos empresarios de terno y corbata que hacen de la música un buen negocio para vender sus marcas hacen que sea una de las canciones escenciales para la carrera de esta banda.

Esta canción, que fue número 6 en el UK Singles Charts y llegó al puesto #17 del Billboard Hot Dance en Estados Unidos, es de las mas reconocidas en la carrera de los Depeche Mode, una banda exitosa y que lleva años cantando sus clásicos y enviando su mensaje social sobre los escenarios de todo el mundo.

Pd: Aun estamos asustados e impresionados con este fuerte temblor que azotó la zona centro-sur de Chile. Estamos con todos los compatriotas y le enviamos todo el apoyo en este momento tan triste y con varios muertos... Fueza Chile!!!

viernes, 26 de febrero de 2010

ONE OF US / JOAN OSBORNE



"One of Us" es una canción de la cantante y compositora estadounidense Joan Osborne. Sin lugar a dudas, es la canción mas reconocida de esta cantante, que en 1995 lanzó esta canción como single para promoionar su segundo album titulado Relish y obtuvo gran fama en los charts.

Esta canción fue escrita por el vocalista y guitarrista de la banda The Hooters, el señor Eric Bazilian, que por ese entonces estaba a un receso musical con su banda y lo aprovechó para darselas de productor (en este disco de Osborne colaboró en la producción junto a Rob Hyman y Rick Chertoff) y en este caso, decicarse a componer canciones para otros artistas. Uno de estos artistas fue la cantante Joan Osborne que recibió de regalo esta hermosa canción titulada "One Of Us".

Todo empezó en Enero de 1994, cuando Bazilian y su esposa decidieron volver a Estados Unidos luego de pasar un tiempo en Suecia.
Recien llegados, ambos se sentaron en su sillón favorito y miraron por televisión un documental sobre el famoso disco Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band de The Beatles. Dicho documental traía a al productor George Martin sentado al lado de una mesa de sonido donde contaba cada secreto que había en la producción de las canciones de ese gran disco de 1967. Eso fue lo que mas llamó la atención a Eric y su amada esposa, de como Los Beatles utilizaron con mucho profesionalismo las mesas de cuatro pistas, logrando efectos sonoros llamativos y una nueva técnica de grabación para esos años.
Luego de ver el documental, su mujer le pidió que grabará alguna canción nueva, de esas que estaba trabajando mientras estaban en tierras suecas. Bazilian, como un buen marido, le hizo caso a su nena y le enseñó el riff de guitarra de lo que despues sería "One Of Us". Su mujer quedó tan maravillada que le pidió a gritos que cantara parte de la letra de esa nueva canción, pero Bazilian la frenó y le dijo: "No sé que cantar, priemero debo escribir la canción, luego discutir el concepto de la letra, volver a escribirla y luego decidir cual queda mejor con la música". Pero su mujer no le dió imporancia a todo ese recetario de como componer una canción y le pidió a gritos que cantara lo primero que se le viniera a la mente junto a esa melodía que había compuesto días atrás.
El resultado de esa idea fue positivo, ya que Bazilian había logrado escribir gran parte de la letras y terminó de manera completa el coro. Tan bien le fue, que al otro día llamó a sus amigos para que escucharan atentamente su nueva canción. Entre sus amigos invitados estaban Joan Osborne y su productor Rick Chertoff que se sentaron en el living del departamento del cantante para escuchar esa nueva melodía.
Luego de que Bazilian terminara su interpretación de "One Of Us", Chertoff quedó impactado con la potencia de la música y miró a Joan dicendole: "¿Crees que podrías cantar eso? " y ella, entusiasmada con la idea, dijo "Sí". De inmediato, Bazilian empezó a tocar la canción en su guitarra, le escribio la letra en un papel a Osborne y se pusieron a cantar.
El primer demo fue hecho en esa mítica reunión de amigos y no se dieron cuenta que estaban haciendo algo histórico...

La canción contenía una letra muy caraterística de las composiciones de Bazilian, ya que contenía una letra muy ligada a la reflexión sobre la religión y la existencia de Dios. En su etapa como integrante de The Hooters, escribió varias canciones con una temática inspirada en diversos pasajes de la Biblia.
"One Of Us" sigue esa línea de composición, ya que la letra nace de la interesante pregunta "¿Qué pasaría si Dios fuera uno de nosotros?". De ahí en adelante, el autor escribió una letra basada en la creencia de Dios y como el ser humano se relaciona con él, por ejemplo: ¿Que le dirías a esa pesona que es Dios si lo tienes frente a frente? o ¿Que pasaría en tu interior si te das cuenta que ese Dios en que tanto creías no era ese, ya que lo ves como una persona normal y corriente"?.
Bazilian mencionó en una entrevista que la canción trata "sobre lo que nos pasa cuando nos damos cuenta que todo era distinto y como nos cambia la vida. Puede ser un encuentro con Dios, una conversación con alguien de otro país, una experiencia cercana a la muerte y tantas cosas más que nos cambian la forma de ver el mundo. Es esa sensación de que todo lo que sabías esta erróneo o estaba correcto o somplemente nunca lo supiste".

La canción, luego de ser publicada por Joan Osborne, tuvo una pequeña polémica ya que muchos la catalogaron como una melodía que llamaba a dudar sobre las religiones y eso, para los conservadores y Opus Dei, es peligroso ya que la gente puede peligrosamente pensar (?).
En su página web, Bazilian se confesó sobre la temática de esta canción: "Sobre esto puedo decir que no es una cosa religiosa puesto que no creo en las religiones. Mi relación con Dios es algo privado y muy personal. Mi idea no es llevar a nadie a que piense distinto a los ideales ya plasmados por la sociedad. Yo solo escribo canciones, canciones como esta y cuando las escribo no tengo nada anotado en una agenda. Solo lo hago para plasmar lo que pienso acerca de algunos temas que me llaman la atención y no solo escribir sobre Dios".

Para Joan Osborne esta canción le dió la fama necesaria para que su disco sea escuchado en muchos paises y lograra entrar en los primeros puestos de sus rankings y tuviera la popularidad necesaria para haer conciertos y giras por esos lados.
Esta interesante canción fue todo un éxito en Francia (#10 en el SNEP), Irlanda (octavo puesto), Bélgica, (primer puesto) Canadá (segundo lugar en los charts) y Estados Unidos, (#4 del Billboard Hott 100) conviertiendola en una pieza clave en la carrera de esta gran cantante.

jueves, 25 de febrero de 2010

BONUS TRACK: PONGALE NOMBRE AL DISCO

"Aaaayyy...saquenme este maldito ratón!!"

Cuando el mítico Ozzy Osbourne anunció en su Página Web con guitarras y baterías que su próximo disco, que tiene como fecha de lanzamiento el 10 de Junio, iba tener como titulo "Soul Sucka" altiro generó repercusiones en su fanaticada que espera con ansias un nuevo disco de este maestro. Es que la reacción negativa hacía ese titulo por parte de su hinchada mundial fue mucho más rápida que Usain Bolt y lograron hacer fuerza opositora enviándole correos electrónicos, posteando en foros, escribiéndole cartas y tantas cosas mas con el fin de que su voz sea escuchada por su ídolo Ozzy.

Asi que, en un acto de democracia musical, el señor Ozzy Osbourne señaló hace pocos días en una entrevista que "Esta vez, antes de anunciar cómo se va a llamar el disco, voy a armar una lista con distintos nombres y la voy a postear en mi web, para que todos voten por el que más les gusta".
El ex-Black Sabbath realmente escucha la opinión de sus fans y eso se le debe reconocer como también agradecer...

Así que queridos lectores, si eres fanático, pero fanático a rabiar de Ozzy (incluso llegas a comer un murciélago o fumar hormigas de tan fanático que eres) esta es la oportunidad de ir a su página web y elegir a tu gusto el titulo del próximo disco que está preparando para todos ustedes.



Fuente: http://www.oidossucios.com/noticias/2437/nombre-de-nuevo-disco-ozzy-osbourne-sera/

IT'S NOT UNUSUAL / TOM JONES


"It's Not Unusual" es una canción del cantante, oriundo de Gales, Tom Jones y que fue lanzada como single en Enero de 1965, logrando ser el primer gran éxito de este famoso cantante de voz cálida y potente que luego tendría el mundo a sus pies gracias a inolvidables piezas musicales.

Era la época en que Inglaterra y el mundo entero vivía bajo la Beatlemanía, los charts eran atacados cada mes con singles de bandas juveniles que querían imitar a los Beatles con su pelo largo, bien arreglados en la vestimenta y que rápidamente pasaban al olvido debido a que los cuatro chicos de Liverpool no paraban de sacar buenas canciones.
Esto tenía muy preocupados a todos los managers de los cantantes solistas, que al parecer estaban en un periodo de descanso por tierras británicas, ya que las bandas de pelo largo y que cantaban enrgéticas canciones juveniles se robaban la escena.
Uno de esos preocupados managers era Gordon Mills, un músico y compositor británico, que había logrado fama en 1964 con "I'm The Lonely One", una canción que interpretó el gran Cliff Richard y llegó a entrar en el Top Ten de las listas Inglesas. Lo cual fue todo un suceso...

Sin embargo, ese 1964 estuvo marcado por la sorprentente voz de una joven llamada Sandie Shaw, que con su canción "(There's) Always Something There to Remind Me" llegó al número uno de las listas Británicas y supo hacerse un puesto entre tanta banda para ser una de las cantantes inglesas más famosas en la decada de los 60's.
Entonces con este dato el señor Gordon Mills decidió hablar con los productores y agentes publicitarios de esta talentosa joven con el fín de proponerles una canción de su autoría, que de seguro sería un éxito. La canción que llevaban bajo el brazo se llamaba "It's Not Unusual" y fue compuesta por Mills y arreglada por el director de orquesta Les Reed. Hasta ahí todo sonaba bonito, pero la cantante al escucharla junto a sus productores, decidió rechazar la oferta musical de Mills ya que no la encontraba tan comercial como se la habían contado los grentes del sello.

A pocos días de que "It's Not Unusual" fuera rechazada por la cantante de moda en ese entonces, Mills fue contactado por uno de sus amigos que en cierto bar de Gales había un talentoso cantante de 24 años de edad que se llamaba Thomas Jones Woodward. Rapidamente Mills fue a su casa, pescó sus maletas, compro los pasajes al sur de Gales y partió a conocer a ese joven que tenía gran fama en su tierra debido a que cantaba "como los dioses".
Gordon Mills se sentó a escucharlo en un bar, donde Jones cantaba junto a una banda, y quedó impactado con la energía vocal de ese joven y vió que ese talento le traería a ambos una buena ganancia en dinero.
Luego del show, el compositor habló con el cantante y lo convenció de que viajaran a Londres, donde él sería su representante, le buscaría un sello discográfico y además le escribiría buenas canciones para lograr una alta popularidad.
Mills hizo todos los contactos para que el sello Decca le dé una señal positiva al joven que había encontrado y logró firmar el contrato junto con el cantante galés. Luego de eso, él manager (que debe haber estado saltando en una pata) le dijo a Thomas que de ahora en adelante, por motivos comerciales y porque era la moda de los cantantes, será conocido artisticamente como Tom Jones.

Rápidamente a finales de 1964 el artista saca al mercado la canción Chills And Fever, que fue un single que no tuvo tanta popularidad ni tantos ingresos para el joven Tom Jones.
Pero Mills tenía una "cartita bajo la manga" y le propuso a su artista que grabara "It's Not Unusual", la misma canción y con los mismos arreglos que había sido rechazada por Sandie Shaw.
Al escucharla, Tom Jones le dijo a Mills y la productor Peter Sullivan que esa era la canción que lo llevaría al estrellato y realmente no se equivocó.
Fue en la sesión de grabación del 11 de Noviembre de 1964, cuando Tom Jones grabó esta canción en una estudio del sello Decca, apoyado por Sullivan quue le dijo que tenía que aprovechar su gran voz y hacer de esta canción suya, o sea marcada por su estilo.

Jones le hizo a ese consejo de su productor y le implantó su calidad a la canción, le cambió parte de la letra, la acomodó a su estilo vocal y le dió una potencia soprendente a la música. En fín, hizo una interpretación notable, mágica y llena de sensualidad que dejó a muchas "lolas" llorando de emoción e impacto con el estilo de cantar de este señor apodado como el "Tigre galés".

El resultado de esta canción fue un éxito rotundo en las radios y la popularidad del cantante se fue mas allá de las nubes.
En el Reino Unido la canción logró llegar al número uno a finales de Enero de 1965, y en Estados Unidos llegó al puesto #10 de la lista en Mayo del mismo año. Incluso ganó un Grammy en 1965 en la categoria de "Mejor artista nuevo" por el gran pexito de su canción.
Todo esto fue obra y gracias de la supuestamente poco comercial "It's Not Unusual", de la cual Tom Jones hizo suya y le puso todo su talento para llegar a ser el número uno.

Una canción que fue emblema del pop sesentero y que muchos artistas han querido rendir homenajes a traves de "covers" que jamás lograran tener la magía que solo Tom Jones le pudo dar... Simplemente un clásico de clásicos!!!


miércoles, 24 de febrero de 2010

BREAK MY STRIDE / MATTHEW WILDER



"Break My Stride" es una canción del cantante, compositor y productor musical estadounidense Matthew Wilder.
Esta famosa canción, escrita por Wilder y Greg Prestopino, fue la canción elegida para ser publicada como single, el 26 de Noviembre de 1983, para promocionar su disco I Don't Speak the Language que había lanzado ese mismo año.

Con esta pegajosa y rítmica melodía, Wilder logró llegar a los puestos mas altos de los rankings en todo el mundo, a tal punto que muchos periodistas especializados en música empezaron a observarlo con "buenos ojos", debido a su visible talento musical y la inteligencia de componer un hit que dejó a todo el mundo bailando a sus pies.

Con un llamativo riff de teclado y con una melodía inspirada en la música oriunda de Jamaica, esta canción llamaba la atención de forma inmediata al oyente.
Wilder logró dar con una gran canción inspirada en el Synthpop que por esos años era grito y plata en los rankings de la música popular y en las radios, que veían como cada día aparecía nuevas bandas con ese estilo musical.
La canción tiene todo lo necesario que toda canción Pop debe tener: Buenos solos de teclados inspirados especialmente en el reggea, un gancho musical basado en un buen ideado coro que en solo minutos hace que el oyente ya la esté "palabreando" y una interpretación vocal simple por parte de Wilder. Esos tres detalles hacen que "Break My Stride" sea un bondadoso paraíso musical que en tan solo tres minutos puede hacer bailar a cualquiera en una fiesta.

Los resultados de este single fueron espectaculares para la principiante carrera musical de Wilder. Ese año 1983 no lo olvidará este músico, ya que su mítica "Break My Stride" lo dejó en la cima de diversas listas en Europa y su natal Estados Unidos.
Por ejemplo en Estados Unidos la canción llegó al casillero #5 del Billboard Hot 100 en 1983, mientras que en el Reino Unido llegó al cuarto lugar en el UK Singles chart en Enero de 1984, siendo una gran sorpresa para todos los críticos...
Pero la sorpresa siguió latente ese 1984 cuando la canción la "rompía" en España, Noruega, Suecia, Suiza y hasta en Japón.
Todo hacía presagiar que este joven de bigote, llamado Matthew Wilder llegaba para apoderarse de las listas y ser la voz del pop ochentero pero la historia diría otra cosa....

Lamentablemente esta sería la única canción reconocida de este artista norteamericano, ya que sus demás singles no tenían el mismo carisma que este inconfundible éxito en su carrera y poco a poco fue perdiendo popularidad hasta desaparecer de la escena musical y pasar de los micrófonos, escenarios y discos propios a sentarse detrás de las mesas de sonido, y hacer una gran carrera como productor musical.

Con "Break My Stride" el señor Matthew Wilder logró ser catalogado como un artista emblema "one-hit wonder", que es la forma con que en la industria musical se le conoce a esos artistas que tienen una pequeña primavera de fama debido a un solo hit y luego desaparecen del mapa artístico. Obviamente hay muchos más que recaen en esta larga lista...

Una canción inolvidable, llena de chispa para bailar y gozar con amigos. Además ha sido muy versionada por diversos artistas que han visto en "Break My Stride" un bien cover para llamar la atención de sus fans... Aquí un regalito.

Que la disfruten!!!


martes, 23 de febrero de 2010

WATCHING THE WHEELS / JOHN LENNON


"Watching the Wheels" es una canción del famoso músico británico John Lennon, que fue publicada como single en Mayo de 1981, cuando aún no se cumplía un año de la muerte de este gran artista en manos de un maníatico asesino que le disparó a sus espaldas la noche del 8 de diciembre de 1980.
La canción fue el tercer y último sencillo extraído del prestigioso Double Fantasy, publicado el 17 de Noviembre de 1980 y que era el disco que traía nuevamente a la escena musical al ex-Beatle, luego de retirarse por cinco años con la misión de pasar mas tiempo con su familia y cuidar a sus hijos.

Era 1975 y John Lennon había entrado al mercado musical con disco interesante y muy personal llamado "Walls and Bridges" (con el futbolista chileno Jorge Robledo en la portada), tuvo varios singles exitosos y todo hacía entender que el "Beatle mas sentimental" estaba pasando por su mejor momento desde que dejó a sus tres amigos de Liverpool por allá en 1969.
Pero todo cambió en esos días cuando Lennon anunció que se retiraría de la música por un buen periodo para cuidar a sus hijos y pasar mas tiempo con su familia. Se quería dar unas vacaciones permanentes y la crítica lo "cocinó" con crueles páginas admitiendo que Lennon era un loco que a los 34 años se retiraba porque ya no tenía mas ideas para componer o le criticaban abiertamente porque sus mentes y plumas solo pensaban que esta era otra táctica para pasear por todo le mundo con su propaganda de emancipar la paz mundial, como si fuera un profeta con guitarra.
Es que para la industria musical británica, la desaparición de las canciones de Lennon era una real tragedia ya que por esos días pocos artistas estaban figurando con canciones de calidad.

A pesar de que entre 1974 y 1980 solo apareció un disco con covers con míticas canciones de rock and roll de los artistas favoritos de Lennon y uno que otro compilado de sus singles más conocidos, nada más se supo de este cantante que luchaba por la paz mundial y se escondió en su hogar, dejó la guitarra colgada en la pared y se dispuso a vacacionar fuera de las partituras y los shows.

Por eso, cuando decide volver en gloria y majestad con el aclamado Double Fantasy en 1980, incluye una canción donde explica lo que estuvo haciendo esos seis años fuera de la farándula musical.
Era "Watching the Wheels", una mágica canción con aires pop y con un tinte de música caribeña en sus acordes, con la cual Lennon se pasea por todas esas críticas que le habían dicho tanto periodista que dice ser especializado en música. Lo tildaron de loco, perezoso e incluso empezaron a sacar conclusiones tan "idiotas" que solo eran para llamar la atención y llamar a la confusión entre los fans de John.
La canción es una declaración muy defensiva que Lennon escribió en respuesta a aquello críticos, donde les dice de manera relajada que tomar un buen descanso y pasar tiempo con sus seres queridos no significa estar loco.
Incluso en la segunda estrofa de la canción, Lennon seda el lujo de hacer una interesante alusión al Mito de la Caverna de Platón.
Para Lennon, "Watching the Wheels" fue su bandera para describir y defender su vida como "dueño de casa" y esto muchas veces lo dijo en las entrevistas promocionales para el disco.

"Watching the Wheels", al igual que los otros dos singles de este gran disco, llegó al Top Ten de las listas Norteamericanas.
Es que es una canción emotiva, clásica, escencial en la carrera de este gran artista y que nos regala un pedazo de la vida de Lennon hecha canción. Es por ello que muy pocos artistas se han atrevido a hacer un "cover" de esta pieza musical debido al carácter personal de la letra.

Que la disfruten!!!


lunes, 22 de febrero de 2010

DIANA / PAUL ANKA



"Diana" es una canción del famoso cantautor canadiense Paul Anka. Fue publicada como single en Julio de 1957, y rápidamente se convirtió en todo un éxito para este joven cantante, que por esos años buscaba alguna oportunidad en una discográfica para mostrar su talento musical, hasya que en un viaje a Nueva York y luego de varias audiciones con productores, llegó a publicar esta interesante canción que llegó a liderar los rankings de Norteamerica y Europa.

A los 15 años, Paul Anka escribió esta canción inspirado en una joven que iba en cursos mas adelantados que él en la escuela y cuyo nombre era Diana Ayoub, de la cual estaba locamente enamorado (ya saben como es este Paul...).

Diana Ayoub era una joven que pertenecía al grupo de amigos de Paul Anka, incluso fue contratada por la familia Anka como niñera de la hermana del cantante, cuando estos salían de compras o reuniones sociales. Además Diana destacaba en la escuela porque siempre ayudaba en las obras de caridad que hacían en la iglesia, donde Paul tambíen cooperaba cantando en el coro.
Diana y Paul fueron muy buenos amigos en un principio, salían a jugar, estudiaban juntos y la pasaban muy bien por las calles de Ottawa. Pasaban tanto tiempo juntos, que el novio de Diana se hundía en celos por la actitud de su amada con Paul y muchas veces le gritó en la cara que "Paul estaba enamorandose de ella" pero rápidamente Diana respondía con dudosa seguridad "no seas ridículo, somos solo amigos".
Pero el novio de Diana al parecer tenía sangre de magos adivinos, porque realmente Paul se estaba enamorando de su amiga incondicional y ese sentimiento crecía día a día, sin que ella se diera cuenta.
Pero el joven Paul Anka se había puesto en mente que esa amistad tenía que pasar a algo mas serio y empezó a buscar todos los días a Diana, la llamaba a cada hora e incluso a altas horas de la madrugada, lo que provocó el enojo de la familia Ayoub, que ya estaban enfadados con este joven que molestaba a Diana y lo esperaban con todas las ganas de darle una paliza de aquellas para que se calme de una vez por todas. Pero aún faltaba lo más importante...
"Paul tenía 16 años pero aparentaba la mentalidad de un joven de 17, yo tenía 18 años pero tenía la mentalidad de una mujer de 25 años. Estábamos en mundos distintos'', comentó en una entrevista Diana Ayoub, hoy de 69 años de edad y jefa de Devine Liquidation, una tienda de ropa femenina ubicada en el famoso Sparks Street de Ottawa.

Pero ya llegamos a la parte mas importante de esta historia. Un día, a principios de 1956, Diana fue invitada por Paul a su casa ubicada en la avenida Clearview.
Fue en ese momento cuando Anka le dijo en su cara y con muchos nervios que partiría a Nueva York a buscar una oportunidad para mostrar su talento como cantante y que le había escrito una canción. Diana quedó sorprendida y le preguntó si la iba a tocar para escucharla, a lo que Paul dijo un histórico "si, pero solo tocaré la música, no quiero cantar la letras". Claro pues, un sonrojado Paul no quería que Diana supiera que esa canción no era dedicada a una simple amistad, sino que contenía frases de gran sentimentalismo puro que solo los buenos escritores de canciones pueden plasmar.

Meses despues Paul Anka, apoyado por sus padres, se marchó de su ciudad natal a probar suerte a la gran ciudad de Nueva York. Golpeó varias puertas de las casas discograficas hasta que en 1957 fue elegido para hacer una sesión de prueba para el famoso productor y arreglador Don Costa, que estaba buscando jóvenes talentos para el sello ABC-Paramount Records.
El famoso Don Costa quedó impresionado al escucharlo cantar y al saber que escribía sus propias canciones (Paul Anka tenía estudios de composición, piano, trompeta y batería) y lo dejó seleccionado para que fuera contratado por esa casa disquera y le promocionen, de manera profesional, su carrera como ídolo adolescente.

La primera canción que grabó en ese sello fue "Diana", lo hizo en Mayo de 1957 y con Costa en la producción. Esa era la canción que había escrito para su amor no correspondido y que además no le había querido revelar su letra .
La canción fue lanzada como single ese mismo año 1957 y en Agosto ya era un éxito rotundo en el Reino Unido logrando estar nueve semanas liderando el UK Singles Charts, vendiendo cerca de un millón de copias, todo un record en la industria musical británica en esos tiempos.
Mientras que en Estados Unidos la canción estuvo dos semanas en el primer puesto del Billboard en Septiembre de ese 1957, llegando a vender cerca de 9 millones de copias. Imaginense como estarían en esos días la familia Ayoub...

Paul Anka y su dulce canción "Diana" lograron dar la vuelta al mundo y ser considerado como uno de los talentos en bruto que finalmente dió muchos frutos al hacer una carrera mas que fabulosa, que se ha adaptado a todos estilos músicales a traves de los años.
Este y todos sus exitos de su extensa carrera musical lo pueden escuchar hoy en el Festival de Viña del Mar, un espectáculo televisivo rellenado con algunos artistas amateurs que obviamente tienen que sentarse a escuchar y aprender de este gran cantautor canadiense que le viene a dar clase y glamour a este olvidado Festival veraniego.

Que la disfruten!!




domingo, 21 de febrero de 2010

TRUE / SPANDAU BALLET



"True" es una canción de la banda inglesa Spandau Ballet, que fue publicada como single en 1983 logrando acaparar buenas críticas de la prensa y un éxito rotundo en los rankings de las radios británicas y Norteamericanas.
Esta canción, escrita por el guitarrista Gary Kemp, es una de las principales piezas musicales de su gran disco, titulado al igual que la canción, True y que fue el responsable de dejar a la banda en la "cresta de la ola de la fama".

La historia cuenta que Kemp estaba buscando alguna idea para escribir una balada, ya que eso era éxito seguro en plena época ochentera. Pero él no queria una simple y vaga melodía, lo que quería era hacer una canción como esas que dejaron sus ídolos musicales como Al Green o Marvin Gaye.
Un día, tirado en su cama, mirando televisión y rasgando su guitarra , llegó a la melodía que luego daría vida musical a "True". Kemp llegó a saltar de alegría por lograr su porposito y rápidamente llamó por telefono a su hermano Martín, que era el bajista de la banda, para que este fuera a su casa a escuchar la nueva melodía que había creado.

Luego venía la etapa de crear la letra de esta canción. Para ello, Gary Kemp se inspiró en la idea de escribir acerca de esas personas que no saben si ese amor que le demuestra su pareja es verdadero, ya que para ellos es dificil poner en manifiesto sus sentimientos y les dá hasta verguenza hacerlo frente a la persona que realmente quieren y aman. Además, la letra fue la forma con que el guitarrista logró plasmar toda su tristeza, ya que en esos días sufría mucho por un amor no correspondido... Ese dato es "very important" para la historia de la canción.
En una entrevista para su página oficial, Gary Kemp dió mas pistas sobre la inspiración de la lírica: "La letra fue delicadamente influenciada por Lolita de Nabakov, que era uno de los libros que ella (la chica que lo tenía trsite y meláncolico) me había dicho que leyera alguna vez. Lamentablemente lo hice tarde, y lo leí luego de que lo nuestro se había acabado". Además recalca el secreto para el éxito de esta cancion: " Nunca tomamos en serio el potencial de esta canción hasta cuando empezamos a grabarla en Compass Point. Me acuerdo que estabamos escuchándola luego de regrabarla y nos dimos cuenta de toda la energía que contenía, a tal punto que antes de que terminara de sonar, todos los que estabamos allí presentes, desde los miembros del grupo hasta los asistentes del productor, estaban cantando junto a mí. En ese momento supe que la canción tenía algo especial."

Lo mismo recalcó el productor Tony Swain en una entrevista para el libro 1000 UK #1 Hits de Jon Kutner y Spencer Leigh: "Grabamos el álbum True en las Bahamas, y estoy seguro que mucha de la energía de ese lugar quedó plasmada en el disco. Es cierto que esta canción no fue algo complicado, pero tiene ese "que sé yo"... Tiene algo raro. Es que la canción sigue viviendo día a día, tiene cerca de dos millones de reproducciones por año en las radios de Estados Unidos y se utiliza en escenas de bodas en varias peliculas. Es agradable sentir que trabajaste en un disco que duró años y eso siempre lo llevo con orgullo".

Es cierto lo que dice Swain, es que "True" fue un éxito a nivel mundial y aunque pasen los años, las modas y los estilo musicales, esta hermosa balada siempre estará en el soundtrack de muchas relaciones amorosas por su simpleza y hermosa letra. Y eso no lo hacen muchos...
La canción fue número uno en el UK Singles Charts en la primavera de 1985 y estuvo ahí durante cuatro semanas e hizo lo mismo en varios rankings de otros paises europeos.
En Estados Unidos el éxito fue igual e incluso más importante, ya que llegó al casillero #4 del Billboard Hot 100 y logró quitarle fama a una de las bandas que le hacían "collera" en hits y popularidad en esos años. Nos referimos a los Duran Duran... Pero eso es otra historia y para otra canción.

Les dejamos esta hermosa balada cosecha 1983, especial para bailar con la novia, novio o ese típico amigo(a) "con ventaja". Lo importante es disfrutar la buena música y esta canción merece aplausos!!!


sábado, 20 de febrero de 2010

SHOUT IT OUT LOUD / KISS



"Shout It Out Loud" es una canción de la famosa banda estadounidense de Hard y Glam Rock Kiss. Fue incluida en su famoso disco Destroyer, que fue publicado el 15 de Marzo de 1976 y se convirtió en todo un éxito de ventas en los Estados Unidos, dándole a esta banda, que estaba compuesta por cuatro jóvenes maquillados, una gran fama en el circuito del Hard Rock, donde ya habían recibido muchas criticas positivias por sus trabajos discográficos anteriores. Con Destroyer, los Kiss dejaron muy claro que venían con toda la energía y ganas de apoderarse de los rankings de ventas y lo lograron!!!...

Esta canción, escrita por Gene Simmons, Paul Stanley y el productor Bob Ezrin, fue grabada en Febrero de 1976 en los Record Plant Studios ubicados en la bella ciudad de Nueva York.
La idea principal de estos tres músicos era escribir una canción que tenga toda esa energía juvenil y que quede en la historia del rock como uno de los himnos mas coreados en los conciertos, tal como lo hizo su anterior single "Rock and Roll All Nite".
Entre borrar frases y botar varios papeles al basurero, Stanley y Simmons se acordaron de una vieja canción que cantaban cuando eran parte de Wicked Lester. Se trataba de "I Wanna Shout", un tema de los Hollies y que contenía una llamativa frase: "We Want to Shout It Out Loud". Esa frase fue la elegida por los músicos para crear un coro potente y con aire de himno, digna para ser cantada en bares y estadios a viva voz. A eso le agregaron unas voces al estilo de las canciones "Motown" y lograron llegar a la canción que tanto buscaban. Eso merecía celebración...

La música de esta gran canción del Hard metal, fue hecha especialmente para lograr ese efecto de himno, con acordes fantásticos y un ritmo triunfalista, que derrama mucha energia con la personalidad de destrozar gargantas de tanto cantar ese coro pegajoso mientras bailamos o saltamos al compás de los riffs de los enmascarados Stanley y Frehley.
Es que la canción realmente nos eleva muy alto, y nos trae altiro a la mente ese ambiente de fiesta y de pasarla bien con cervezas y amigos, mientras Paul Stanley nos canta que no es hora de estar depirmido y que debemos disfrutar la vida, ir a fiestas, compartir con los amigos y no hacer caso a las palabras "cuidadosas" de los adultos... Queda mas que claro que la canción es dedicada a todos esos adolescentes que gustan de Kiss y a todos aquellos que eternamente serán jovenes (que la llevan en el alma... dicen).

Es verdad, para muchos criticos y especialistas en la historia musical de esta banda, el disco Destroyer es considerado como uno de los trabajos mas serios de Kiss, debido a que experimentaron musicalmente en canciones como "God of Thunder" y "Great Expectations" donde se dieron el lujo de aventurarse en nuevos estilos musicales y jugar con arreglos sinfónicos. Pero la canción que más sobresale en el LP es la simple "Shout It Out Loud", con su pegajosa melodía y coro, que la hicieron una de las piezas claves e inolvidables de esta gran banda estadounidense.

La canción llegó al puesto #31 del Billboard Top 40 en tierras de Homero Simpsons y llegó a ser una de las canciones mas emblemáticas del aclamado género del Glam Rock.
Que la disfruten!!!

BASKET CASE / GREEN DAY



"Basket Case" es una canción de la banda estadounidense Green Day publicada como el tercer single, del multiplatino disco Dookie, un 24 de Noviembre de 1994. Es, sin lugar a dudas, una de las canciones mas reconocidas de este trío punk, que gracias a esta potente y loca canción fueron considerados como un de las bandas revelación del año 1995

Era el año 1994 y el fenómeno de "Dookie" azotaba en las radios de Estados Unidos y de varias partes del mundo, es que Green Day ya nos había regalado dos canciones que rápidamente llamaron la atención. Pero derrepente apareció "Basket Case", que fue la canción que los hizo llegar muy alto y logró saturar el MTV y las radios con sus simples acordes de punk, con letras burlonas e irónicas, lo cual era la mezcla perfecta para llegar a los oídos de la juventud.

El cantante y guitarrista Billie Joe Armstrong fue el autor de esta canción, que la escribió luego de que los médicos le diagnosticaran que él sufría serios ataques de ansiedad, lo cual era la respuesta verdadera a esa extraña sensación que lo hacía creer que simplemente se estaba volviendo loco. Entonces, al saber su verdadero análisis médico, Armstrong empezó a escribir la canción, con una letra que se burla de la paranoia, ya que la compara con el efecto de una persona que esta drogada con algun vicio caro.
Contiene varias frases que no tienen sentido y que estan marcadas por el carater egocentrico del narrador que busca alteradamente dar la respuesta a su neurosis que lo tiene "parlando" de esa manera.
La canción tambien tiene esa crítica a la sociedad norteamericana de esos momentos, ya que retrata muy bien el espíritu del habitante suburbano que le abundaba la flojera y la pereza. Esto se ve reflejado en la estrofa donde el narrador quiere buscar soluciones sin importarle el diagnóstico de su enfermedad, ya que pide a gritos por un psiquiatra o por una prostituta, total ambos lo relajarian (?)...

El titulo "Basket Case" (en español sería "Caso Perdido"), era una frase utilizada en la Primera Guerra Mundial para señalar a esos soldados que habían perdido las 4 extremidades en el campo de batalla. Se le llamaba cruelmente así, ya que esas personas quedaban emocionalmente inestables, con serios problemas mentales y para los altos mandos de los ejércitos simplemente eran personas inútiles.

Musicalmente, la canción nos trae toda la potencia y la energía de las guitarras y la batería de este "power trio". Incluso, varios criticos musicales han mencionado que los acordes de guitarra estan inspirados en el famoso Canon de Johann Pachelbel pero en distinto tono, lo cual hace entender que el "loco" Armstrong quizo darle un caracter especial ala canción, con una melodía barroca que generalmente se toca en las iglesia y que contrariamente a su canción, nos lleva a la calma y la reflexión.

"Basket Case" fue la canción que hizo de Green Day una banda seria y respetada dentro del circuito musical de los 90's. Además hizo que la banda pasara de tener un pequeño grupo de seguidores a lograr llenar estadios, con una multitud de gente coreando a todo pulmón esta inolvidable canción que tuvo un éxito considerable en MTV (con un alocado videoclip que fue hecho bajo la dirección de Mark Kohr) y en las radios, donde encabezó las listas norteamericanas durante varias semanas en ese mítico verano de 1994 y se convirtió en el mayor éxito de Green Day hasta la fecha.

Que la disfruten!!!


Pd: Canción pedida a gritos por mi sobrino Rodrigo... ahi la tiene maestro!!!

viernes, 19 de febrero de 2010

BONUS TRACK: ELVIS, ANKA Y SINATRA POR TOM JONES

T.J: "Mira Elvis, me compré un reloj en Chile" E.P: "yo tengo ocho de estos Tommy..."


Durante la primera semana de Febrero de este mágico 2010, tuvimos el honor de tener en suelo y en los escenarios chilenos al señor Thomas Jones Woodward. Si no les suena este nombre, quizás lo conoscan por su nombre artistico Tom Jones, el aclamado cantante oriundo de Cardiff y dueño de canciones emblematicas de la decada de los sesentas y setentas.
Durante su estadía en Chile, Jones se dió el lujo de hacer varias entrevistas con diversos medios de comunicación, donde sorprendió por su sencillez y buen humor, dejando de lado sus aires de "divo" que todos pensabamos que tenía, ya que se ha codeado con artistas de la talla de The Beatles, Elvis, Paul Anka y tantos más. Muchos "pelagatos con una canción" deberían aprender de la humildad de este profesional, que llegó a ser condecorado como caballero de la corona británica, en marzo del 2006, por la Reina Isabel II por su trabajo como artista.

En una de esas entrevistas, Tom Jones abrió la puerta a su pasado y nos regaló unas "sabrosas" anécdotas con sus amigos de parranda: Elvis Presley, Frank Sinatra y Paul Anka. Aquí se las dejamos amigos:

LAS NOCHES CON ELVIS:

"Me lo topé en los estudios Paramount en 1965, cuando fui a grabar un tema para una película. El se acerca y me dice: 'hello'. Me pareció increíble que yo también existiera para Elvis, era mi ídolo. Nos convertimos en amigos hasta el día de su muerte y fui muy cercano a él en sus años difíciles en los 70. Se relajaba todas las noches en el hotel Caesars Palace de Las Vegas, solo junto a unos amigos cantando gospel, que era lo que realmente le gustaba en ese tiempo".

CANTANDO EN LA DUCHA:

"Estaba duchándome en el Caesars y llega Elvis desesperado a mostrarme un tema nuevo. Yo le dije: 'espera, estoy desnudo, debo terminar de jabonarme", pero él insistía. Lo dejé entrar al baño, pero le advertí que me cantara mirándome a los ojos. Lo hizo y después nadie me creía que Elvis me cantó en la ducha. Eso sí, creo que lo de la canción fue una excusa, a lo mejor quería observar y comparar (se ríe)".

EL CONSEJERO FRANK:

"Conocí a Sinatra el mismo año que Elvis, a través de un especial de TV organizado por su hija Nancy. Era un tipo de un trato muy paternal. Una noche me dijo que yo debía cantar más standards y menos rock, mientras Elvis me decía todo lo contrario. Le obedecí a Frank y creo que no me ha ido mal cantando standards, jeje".

EL EQUILIBRADO PAUL:

"En 1969 Paul Anka acababa de adecuar My way para Sinatra y yo lo felicité en televisión. Yo debo haber puesto cierta cara de envidia o algo así, porque al tiempo después me dijo: 'No te preocupes Tom, ya tengo algo para ti'. Y me pasó She's a lady, que convertí en exitazo en los 70".


Fuente: http://www.latercera.com/contenido/661_223860_9.shtml

DO YOU REALLY WANT TO HURT ME / CULTURE CLUB



"Do You Really Want to Hurt Me" es una canción de la banda británica Culture Club, que fue publicada como single el 1 de septiembre de 1982 y forma parte del famoso disco debut Kissing to Be Clever, que fue la gran sorpresa musical aquel año 1982, ya que vendió muchas copias y le dió el puntapié inicial a esta gran banda liderada por el "camaleonico" Boy George .

Esta canción fue escrita por el cantante Boy George, inspirada y dedicada con puño y sangre al baterista Jon Moss, que fue su pareja "secreta" durante seis años. Ambos vivieron sus aventuras amorosas cuando eran parte de la banda pero a pedido de su manager, tivieron que esconder la relación ante la prensa y los fans con el fín de evitar las polémicas en el mejor momento de la banda.
Esto hizo que Boy George muchas veces se sintiera herido y muy triste, porque su amor era verdadero hacía ese joven que estaba detrás de los tambores.... Asi nace esta emblemática canción.

Boy George llegó con la letra de la canción bajo el brazo a los estudios de grabación donde la banda preparaba su primer LP. Luego de tocar su nueba composición, la banda decidió ponerle ritmo de reggea a esa preciosa letra que había cantado su vocalista.
Asi fue como el grupo empezó a trabajar la canción a ritmo de reggea, el cual mezclaron con delicados arreglos musicales, que hacen de la canción una pieza histórica en la musica ochentera.

Luego de grabarla y editarla para el disco, la banda decidió que "Do You Really Want to Hurt Me" fuera lanzada como single promocional de su disco.
En un principio, Boy Geoge se oponía a que la canción fuera lanzada como sencillo promocional, ya que consideraba que su canción era demasiado personal y contenía en sus letras una historia que lo tenía muy angustiado.
Sobre ese momento crucial para la banda, Boy George comentó en una extensa entrevista con la Q Magazine en Septiembre de 2008: "Sobre esos dos primeros singles... bueno, era nuestra ultima oportunidad para promocionarnos. Había amenazado al resto de la banda y a los productores que si lanzaban la canción yo me iba del grupo. Es que esa canción no era del estilo de Culture Club, no eramos nosotros. Parecía más una canción de Spandau Ballet. Pero me equivoqué... Es que era una canción muy personal, además trataba sobre Jon (Moss), y de ahí en adleante todas las canciones se referían a él ..."

Musicalmente, "Do You Really Want To Hurt Me", es una canción perfecta y muy bien construida a partir del reggea. Las secuencias de los acordes de guitarra y los teclados estan muy bien alineados y se complementan de manera perfecta dentro de la canción.
Boy George señaló en el libro 1000 UK # 1 Hits (de los periodistas Jon Kutner y Spencer Leigh): "La música de esta canción es simple. Pero estoy de acuerdo con aquellos que dice que las canciones mas potentes del mundo son las que hablan de amor y esta es una de ellas. Todos pueden entenderlas, especialmente los jovenes que siempre están perdiendo y ganando en el amor. Al final del día, todo el mund quiere tener un amor".
"Do You Really Want to Hurt Me" fue un pexito total en los rankings de todo el mundo y de paso le dió a la banda la fama necesaria para seguir en carrera por varios años mas.
Llegó al primer lugar en los UK Singles Charts, y se mantuvo ahí por tres semanas. Mientras que en Estados Unidos la canción llegó a la segunda casilla del Billboard Hot 100 en Marzo de 1983.

Simplemente les dejamos esta canción inolvidable, que fue todo un éxito a pesar de la negativa de Boy George en un principio... Que la disfruten!!


jueves, 18 de febrero de 2010

MOVE OVER / JANIS JOPLIN


"Move Over" es una canción de la famosa cantante estadounidense Janis Joplin y forma parte del repertorio del famoso disco Pearl, publicado el 1 de Febrero de 1971, meses despues de que una misteriosa sobredosis de heroína fuera la culpable de la muerte de esta cantante que es considerada como un ícono musical importante de la contracultura de los sesentas.
Pearl es un disco emotivo y altamente recomendable, el cual fue puesto en libertad tal como lo dejó grabado Janis Joplin en esas extensas sesiones de grabación entre Septiembre y Octubre de 1970, sin tantos arreglos de estudio y con un sentido homenaje a esta gran voz que fue protagonista escencial a finales de los sesentas.

El disco abre con el toque de batería de una rabioso blues llamado "Move Over", una magnífica canción compuesta por la propia Janis y grabada el 25 de Septiembre de 1970 en un estudio de grabación de Los Angeles.
Son tres minutos con cuarenta segundos cantados con toda la energía y potencialidad de esta artísta, como diciendonos de entrada que este disco está hecho con el corazón y todo el calor que solo la simpleza del blues nos puede entregar.

Janis y su incomparable voz nos canta sobre los hombres y como estos se dan mil vueltas antes de reconocer una relación amorosa. Además Janis hace una crítica abierta a todos esos "machos" que dicen amar eternamente a una mujer, pero realmente ese amor que tanto gritan al cielo le dura menos que una "zanahoria en la boca de un burro".
En la cancion, Janis Joplin exige, reclama, suplica y grita con rabia al cielo por tener un hombre a su lado, un hombre que la ame, la respete y no la deje sola ni juegue con ella, mientras un limpio riff de guitarra le acompaña detrpas de cada verso, como un fiél compañero en esas extensas noches de grabación llenas de drogas, alcohol y buenas fiestas.

Este blues gruñón y salvaje, es una de las canciones mas destacadas de este gran disco póstumo, donde queda reflejado toda la energpia y la potencia de la voz de esta gran cantante. Por el algo "Pearl" vendió mas de 4 millones de copias en todo en lundo y lideró por varias semanas los rankings, dandonos el mensaje que Janis Joplin solo se había ido de viaje por los cielos eternos y que su música no quedaría estancada en una sola época.

Que la disfruten!!!!