domingo, 29 de abril de 2012

SISTER GOLDEN HAIR / AMERICA

 
"Sister Golden Hair" es una canción de la banda inglesa America, que fue lanzada como single en mayo del año 1975 y que está incluída en su disco "Hearts", quinta placa comercial de este trio de folk-rock, y que cuenta con la producción de George Martin.
Esta emblemática agrupación estaba formada originalmente por tres hijos de militares estadounidenses radicados en el Reino Unido: Gerry Beckley (voz, guitarra, bajo y teclados), Dewey Bunnell (voz, guitarras) y Dan Peek (voz, guitarra, teclados, bajo).  Juntos lograron crear armonías llamativas y muy notables, que fueron recompensadas en buenas posiciones en los charts y en un éxito rotundo con un catálogo musical muy reconocido con el paso de los años.

Una de las canciones mas destacadas dentro de este periodo de la banda fue la llamativa balada "Sister Golden Hair", que fue escrita por Beckley en Abril del año 1974 durante las sesiones de grabación de su anterior disco, Holiday.
En varias entrevistas Beckley comenta que tomó como inspiración para la base musical de esta pieza la canción de George Harrison, "My Sweet Lord", la cuál contaba con una llamativa parte de guitarra acústica de 12 cuerdas que llamó de inmediato su atención.

En cuánto a la letra, esta tiene el tinte característico de las composiciones de Gerry, donde trata temas tan complejos como, en este caso, las relaciones humanas y el entorno o el pedazo de tiempo que las convoca. En ese entonces, la escena rockera del sur de California vivía un florecimiento creciente y muy luminoso, con temáticas sociales y también intra-personales en sus líricas. Eso marcó mucho a Gerry, quien se empapó de toda esa energía y empezó a depurar su letras con manos mas poéticas y cuidadodas ante cada detalle.

Es por esta razón, que la canción también tiene cierta influencia en las obras musicales del cantautor estadounidense  Jackson Browne, quien por esa época pasaba por su mejor  y más frustífero momento musical. Sobre esto, Beckley afirmó en una entrevista en el 2004 que su fanatismo por  Jackson Browne  era porque tenía " la capacidad de poner palabras en la música de manera perfecta y bajo el enfoque de la simplificación  sobre lo esencial ... Puede que la música Jackson sea depresiva, en algunos momentos, pero todo viene bajo una honestidad increíble. Fue por eso que canciones mías, como "Sister Golden Hair", traen esa visión sobre las cosas, con un estilo muy ligado a lo que se hacía en Los AngelesFue un esfuerzo por sacar algo parecido a esas canciones, y fue hecha bajo un estado de ánimo muy distinto al la atmósfera la canción".

Consultado por la temática de la canción, Beckley ha sido tajante al admitir que tan poética no es en su estructura y que simplemente es un mensaje de amor de un hombre a su amada. Incluso, cuenta en esa entrevista, que cuando se las presentó a sus padres estos quedaron muy asustados ya que entendieron mal la letra y pensaron que iba dedicada a su hermana, que al parecer en esos días no la estaba pasando muy bien en su vida sentimental. "Lo más poético de " Sister Golden Hair " son las metáforas nada mas, y fue por esa razón que mis padres pensaron que iba dedicada a mi hermana, y eso no pude explicarlo claramente. Al parecer no la habpían comprendido o quizás no escucharon atentamente la letra" declararía el músico.
Cabe señalar que el título, fue inspirado inicialmente por el color del cabello de las madres de los tres miembros del grupo: Las tres eran rubias.

 Musicalmente la canción es una joya que brilla con colores propios. Contiene unas capas de guitarras acústicas de 12 cuerdas que son muy llamativas y que tiene ciertos rasgos del rock clásico.
Gracias a esos detalles tan americanos, es que "Sister Golden Hair" llegó al primer lugar del Billboard Hot 100 un 14 de Junio del año 1975, donde estuvo por dos semanas hasta ser reemplazada por "Love Will Keep Us Together" del dúo Captain & Tennille. Este sería el segundo single de la banda en llegar a esa posición de los charts.
Que la disfruuuten!


sábado, 28 de abril de 2012

HELLO LITTLE GIRL / THE BEATLES

 

"Hello Little Girl" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue grabada el 1 de Enero del año 1962 pero que recién fue publicada de manera oficial en Novimbre de 1995 en la colección de material inédito de la banda llamada Anthology 1. 
La importancia de esta canción recae en un dato muy especial: Es la primera canción oficial escrita por John Lennon, por el año 1957, en la pre-historia de una de las bandas mas importantes para la historia de la música contemporánea del siglo XX.

Como ya mencionamos, esta canción data del año 1957, cuando Lennon ya estaba tomando sus primeras armas a la hora de la composición, con el fin de crear material nuevo para su banda.
No existen registros oficiales de la canción de esa epoca, aunque muchos estudiosos de la banda han recalcado que tendría existencia una copia de un demo grabado por John en su casa, pero hasta ahora es muy díficil encontralo en alguno de los tantos bootleg que hacen homenaje a esta gran banda.
Pero si existe una versión demo, grabada a principios de 1960 donde  Lennon, McCartney y Harrison en guitarras, y Stuart Sutcliffe en el bajo interpretan una versión algo improvisada (se nota claramente que algunos versos salen al azar) de "Hello Little Girl" a ritmo de balada, con ciertos acrodes parecidos a las canciones de Buddy Holly, el héroe musical de John.

Otra influencia musical que tuvo esta canción, en especial por la estrcutura musical, fue una pieza llamada "It's De-Lovely" que data del año 1936 y cuya autoría recae en el famoso compositor estadounidense Cole Porter. Según Lennon, esta era una canción que conoció gracias a que su madre, Julia, la cantaba casi todos los días. Debido a eso, se inspiró y escribió una canción que tuviera ese efecto de poder ser fácil de enteneder y fácil de memorizar con frases simples y pocos acordes.
"Es mia y fue mi primera canción. Recuerdo que existían treinta o cuarenta canciones que hablaban de lo mismo, con frases como "Eres encantadora, eres deliciosa y da da da". Eso siempre me había fascinado, por alguna razón u otra. También está conectada con mi madre. Es todo muy freudiano esto. Ella solía cantar esas canciones" mencionaría Lennon en una de sus ultimas entrevistas en 1980.

La banda le tenía cierta confianza a esta canción, y por ello donde iban la interpretaban sea como sea. Asi fue como la seleccionaron dentro del repertorio de la famosa e histórica audición que tuvo la banda en el sello Decca el 1 de Enero de 1962. Para esa instancia, la banda ya tenía una gran cantidad de tocatas en el cuerpo y además habían perfeccionado mucho en sus instrumentos y también en la producción. Es por esa razón que la nueva versión de "Hello Little Girl" ya contenía nuevos arreglos en su base musical y además se la jugaban con unos llamativos juegos vocales, que posteriormente serían uno de los platos fuertes o sellos importantes de la banda a la hora de marcar la cancha.

Con a confianza de que sus canciones originales tenían la fuerza suficiente para demostrar calidad ante los productores del sello, en una peoca donde pocas bandas escribían e interpretaban sus canciones, Lennon  y McCartney alistaron su mejor repertorio y sus mejores pintas.
 "Hello Little Girl" y "Like Dreamers Do" de McCartney, serían los "caballitos de batalla" para dejar "locos" a los asistentes  de la audición de Decca. Es que ambas canciones venían siendo interpretadas desde 1958 cuando se hacían llamar The Quarrymen.

Ese 1 de enero de 1962 Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Pete Best  interpretaron, en menos de una hora, 15 canciones en los estudios del sello Decca bajo la atenta mirada del productor Tony Meehan.  El manager de la banda, el jóven empresario Brian Epstein, iugal tenía confianza en sus pupilos, y por ello había pagado por esta sesión e incluso se había dado el gusto de seleccionar algunas canciones del repertorio de la banda.
Finalmente, los gerentes de Decca decidieron tomar una semana para pensar si esta banda entraba o no en su catálogo.

Exactamente una semana despues llegó la respuesta por parte del sello, y esta fue negativa. La razón de esa llamativa  decisión  fue de antología: Los grupos de guitarra no prosperarían en los medios. Además, debido a los nervios y quizas también al mostrarse ansiosos frente a la propuesta, la banda no logró mostrar a pleno todo su potencial. En su reemplazo y para tapar bocas, Decca contrató a una banda llamada The Tremeloes, mientras Epstein lograba firmar un contrato con Parlophone (una subsidiaria de EMI), bajo la tutoría de George Martin, quien decidió cambiar a Best por Starr y el resto es historia...

Una vez que lograron quedar en este nuevo sello, el productor George Martin hizo un trabajo de pulir cada canción de la banda y finalmente una de las que quedó fuera del primer disco fue "Hello Little Girl". Pero Martin y compañía no querían dejarla eliminada por siempre y decidieron cderla a otra banda o solista.
Al primero que se le ofreció esta canción fue a la banda Gerry and the Pacemakers quienes tras escucharla atentamente no quedaron muy a gusto y optaron por tomar la segunda opción que les tenía Martin, la rola  "How Do You Do It" de Mitch Murray.
Finalmente la canción fue a parar en las voces de otra banda de Liverpool, llamada The Fourmost y que andaba en busca de una buena canción para sacar como single. Bajo la atenta mirada de George Martin, un 17 de Julio de 1963 esta banda grabó una versión de esta canción de Lennon y finalmente la publicó el 30 de agosto alcanzando la casilla #9 en el UK Singles charts.
 "Los Fourmost estaban ansiosos por tener un éxito en las listas y además eran muy buenos amigos con nosotros. Eran más parecido a un grupo de comedia, como de un acto de cabaret, realmente muy divertido, y cuando se trataba de hacer un disco o de ponerse serio en un programa de televisión, siempre se les veía riendo y uno altiro sonreía. Les era muy díficil ponerse serios. Por eso sabíamos que iban a conseguir un éxito y lo hicieron en un par de ocasiones" comentaría años después Paul McCartney sobre la desición de ayudar a esta banda con esta canción de Lennon.

En fin, hoy hemos traído a la palestra una pieza clave en la pre-historia de una de las bandas mas importantes para el siglo XX. Una pieza histórica, retocada, y que demostraba que estos cuatros chicos de Liverpool se tomaban las cosas en serio, y los resultados finales están a la vida...
Que a dis....!!!

jueves, 26 de abril de 2012

DANIEL / ELTON JOHN

 


"Daniel" es una canción del músico británico Elton John, que fue lanzada como single un 26 de Marzo del año 1973, con el fin de promocionar  el Lp "Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player", sexta placa comercial de este famoso artista.
Para el mundo del Pop/Rock, la figura de Elton John es un pilar fundamental a la hora de hacer balances históricos. Dueño de un talento especial para crear grandes melodías, un showman en el escenario y un actor camaleónico hacen de la carrera musical de Elton John una vitrina llena de premios, logros, doscos de Oro y un catálogo musical reconocido en todo el planeta.

Una de la canciones mas reconocidas de este sexto trabajo de Sir Elton es la balada "Daniel", dueña de una historia muy particular que pasaremos a contar.
Al igual que muchos de sus hits, el encargado de las letras fue el poeta, compositor y partner de Elton, el señor "Bernie" Taupin. Este se dió el tiempo de cederle un poema a Elton John llamado "Daniel", que fue escrito en Junio de 1972, y que hablaba sobre un veterano de la Guerra de Vietnam que intentaba buscar la paz y el descanso en su entorno cotidiano tras observar y vivir de manera cercana toda la crueldad de una guerra. Sobre la temática general de la canción, Taupin   declaró años después:  "La historia es sobre un chico que decide escapar a un pequeño pueblo en Texas, tras regresar de la guerra de Vietnam. Su entorno familiar alababa a este jóven, y lo trataban como un héore. Pero él solo quería descanzar, estar en su campo, e intentar recobrar la vida normal que tenía antes. La escribí como un homenaje a todos esos veteranos que llegaron a su casa y simplemente se dedicaron a olvidar y a empezar nuevamente a vivir".
 La historia finaliza cuando Daniel, que era un personaje fictício, ya no aguanta más tanta presión y homenajes y decide dejar todo tirado en su granja y pescar sus maletas rumbo a España, donde tenía como objetuvi fundamental comenzar de cero otra vez.

Hasta ahí todo iba bien, pero el problema vino a la hora en que Elton quiso musicalizar ese poema. Para el músico, el poema que le habia enviado Taupin era muy extenso y eso para el ojo comercial comercial del sello era muy peligroso. Debido a eso, Elton John decidió omitir el ultimo verso, lo cuál cambió por completo el significado de la canción. En ese discriminado verso se hablaba sobre la llegada de "Daniel" a su granja, y además se daba la razón por la cuál decidió irse a España en busca de una nueva vida.

Al día siguiente en que Taupin le pasó la letra a Elton, este compuso la música , hizo los arreglos correspondientes y a la noche ya la tenía grabada pero sin el verso final que fue desechado de manera tajante por el músico. Recordemos que en esas sesiones de grabación de Junio de 1972, Elton y Taupin se habían puesto como meta escribir el máximo de canciones en tan solo dos semanas. El resultado final fueron 12 piezas escritas y grabadas en tan sólo 12 días, lo cuál es impactante ya que ni se nota que fueron hechas a la rápida y queda a flote el nivel de moticación e inspiración que ambos compositores tenían a la hora de trabajar ese disco.

Pese a que la canción no contaba con mucho apoyo por parte de la discográfica, ya que la encontraban algo poco comercial por su duración y podía caer simplemente como una balada mas dentro de las tantas que andaban por las radios, Elton John y sus secuaces   decidieron lanzarla como single promocional.
Finalmente esa idea fue muy exitosa, ya que a un mes de su publicación, y con una promoción muy lenta, "Daniel" lograba llegar al segundo puesto del Billboard Hot 100 y a la cuarta posición del UK Singles Charts.

Tras el éxito vino una serie de especulaciones por parte de la fanaticada y la prensa sobre la temática de la canción. Es que la idea de sacar el ultimo verso a la balada, por parte del músico, dejó muy oscura la temática y dió paso a muchas interpretaciones.
Un grupo empezó a mencionar que la canción hablaba sobre un hermano de Taupin, y que era de carácter autobiográfica. Mientras tanto aparecían otros personajes, mas extremos en cuanto a imaginación,que se atrevían a decir que la canción era dedicada a uno de los amantes de Elton John. Ante este festival de mentiras e inventos por parte d ela prensa, Taupin señalaría años después: "'Daniel' debe ser la canción más mal interpretada, por parte de la prensa, que jamás se haya escrito"

En fin, le dejamos una de la canciones mas famosas de la etapa setentera de Elton John, una pieza inolvidable y de un sabor musical inigualable.
Que la disfruuuten!


domingo, 22 de abril de 2012

EARTH SONG / MICHAEL JACKSON




"Earth Song" es una canción del famoso cantante y músico estodounidense Michael Jackson que fue lanzada como single un 27 de Noviembre de 1995. Además, esta maravillosa canción fue publicada dentro del disco "HIStory: Past, Present and Future,. Book I", que fue lanzado a la venta en Junio de 1995 y es hasta estos días el disco doble mas vendido en la historia de la música Pop.
Uno de los discos trae un compilatorio de los mayores éxitos dentro de la carrera como solista de MJ, mientras que el otro traía material inédito, donde quedaba mas que claro la madurez musical de este famoso artista, en especial por las líricas que dan un paseo reflexivo sobre una reflexión de lo que ocurría en el mundo en esos días.

Una de las canciones mas emotivas y brillantes de este disco es, sin lugar a dudas,  "Earth Song" . Una preciosa y simple balada con tintes Gospel que iba dedicada en defensa del planeta tierra y al repudio a todos los humanos que simplemente se dedican a destruirla, bajo una ceguera mental de no ver que es el hogar de todos y que simplemente nos hacemos daño el uno hacia el otro con esos actos tan innecesarios.
La canción tuvo su origen en un hotel de  Austria, mientras Michael estaba de gira y en sus horas de descanso miraba por la televisión el desastre de las guerras, la lucha por el poder,  la tala indiscriminada de árboles y bosques, la matanza de ballenas, la discriminación racial y el avance de la  selva de cemento.

En una entrevista con la Rolling Stone, Jackson se dió el tiempo de hablar sobre esta canción: "Escribí  'Earth Song' durante mi estadía en Austria, en un hotel, empapado del dolor de ver tanto sufrimiento en el planeta tierra y cómo eso nos dejaba ciegos. Iba dedicada a la Tierra, porque me dí cuenta que estabamos tratando muy mal al medio ambiente, bajo un  desequilibrio ecológico que avanzaba día  a día. Creo que la tierra siente el dolor, y ella tiene muchas heridas. Por eso, tomé esta oportunidad de crear una canción, un sonido para el planeta y que el oyente la escuche y reflexione. Eso es 'Earth Song'. Y eso es lo que la inspiró".

Una vez que le hizo los arreglos, Michael la llevó a los estudios de grabación donde empezó a trabajarla junto a los productores David Foster y Bill Bottrell. Ambos tuvieron la misión de moldearla canción y crear arreglos y efectos que fueran interpretados de manera instantanea por el oyente como un canto de la tierra. Además, Michael quería que la canción fuera líricamente profunda pero a la vez melódicamente sencilla, para que todo el mundo la cantara, aunque no fuera un experto en el idioma inglés.

Musicalmente, y como ya mencionamos, la canción tiene tintes de música Gospel, y para ello la producción tomó contacto con un experto en el tema: El cantautor, arreglista y pastor  Andraé Crouch. Junto a él, Michael ideó y arregló los coros, que luego serían grabados e incluídos en esta notable pieza musical.
Otros músicos que colaboraron en esta canción, fueron dos integrantes de la emblemática banda Toto: El señor David Paich, quien puso su aporte en teclados, y "Steve" Porcaro que tuvo su misión en los sintetizadores.

Además, para promocionar el single, Michael Jackson decidió apoyarla con un costoso y llamativo video-clip. La idea principal de este material audiovisual era dejar en claro la devastación de la Tierra por el hombre; la pobreza en Africa y en otras partes del mundo, matanzas indiscriminadas del hombre a animales y el calentamiento global.
Gracias a esa campaña de promoción la canción llegó al puesto #11 del Billboard Hot 100, y además se convirtió en la pieza musical de MJ de mayor éxito en el Reino Unido, donde llegó al primer puesto del UK Singles charts llegando a vender exactamente 1.038.821 copias del single.
En el resto del mundo, el single vendió cerca de tres millones de copias y se convirtió en otro gran éxito de este gran artista, considerado por la prensa y los especialistas como el "Rey del Pop".

 Hoy, 22 de Abril, todo el mundo celebra el día de la Tierra, y que mejor que transmitir mensajes por medio de canciones y Michael nos dejó una pieza eterna y muy significativa para la humanidad.
Cuidemos nuestro hogar, cuidemos nuestra tierra, no dejemos que por unos miserables dólares más los empresarios destruyan bosques y reservas naturales para hacer innecesarias hidroeléctricas, o empresas papeleras que sólo le sirven a algunos y le rompen el paisaje a miles de personas y animales. Que dejen de cazar las ballenas en alta mar, que no destruyan las playas ni se roben de manera titánica los recursos marinos para venderlo en el extranjero. Es nuestro Planeta, y somos solo cuidadanos de este mundo, es nuestor hogar, es nuestra historia.
Que la disfruten!


sábado, 21 de abril de 2012

MONKBERRY MOON DELIGHT / PAUL & LINDA McCARTNEY

 

"Monkberry Moon Delight" es una canción del músico británico Paul McCartney, que está incluída en su comentado disco Ram, publicado en mayo del año 1971 y que es el segundo disco oficial como solista del ex-Beatle (y además es el único acreditado junto a su mujer, Linda).
Tras su lanzamiento, la crítica quedó confundida tras escuchar este disco, que estaba marcado por canciones de arreglos extraños, de psicodelia corriente y baladas hermosas. Además, el disco traía ciertos mensajes oscuros y amenzantes , que según la prensa y otros testigos del hecho, iban dedicadas a su antiguo compañero de banda, John Lennon.
Mas allá de esa leyenda, que hoy forma parte del anecdotario del Rock, Ram es un disco que se adelantó a su época, ya que con el paso de los años muchas bandas y solistas han declarado que ese disco debe formar parte sí o sí de la discoteca de todo amante del buen Rock y Pop.

Una de las canciones que mas llamó la atención, tanto por su extraña letra como por su magnífica parte musical, es la hiperactiva  "Monkberry Moon Delight", acreditada a Paul y Linda.
Esta pieza musical ha sido estudiada por muchos fanáticos de Paul, buscando un significado exacto a su letra, o algún mensaje que les abriera el camino a la inspiración original. Pero simplemente se trata de un juego de palabras que tomó Paul tras escuchar un dialogo de sus hijos mientras tomaban leche al desayuno una mañana en su casa de campo.
Los niños, en medio de sus juegos, le decían a la leche "Monk", que en español significa "monje", y de ahí nace la idea de Paul de crear una canción con un mensaje nublado, marcado por palabras extrañas o frases sin ningún peso metafórico real y que tuvieran como misión confundir o llamar la atención del oyente.

Pero Macca no se quedó solo con esa idea básica, y como buen escritor (o arquitecto de buenas canciones) buscó una historia y un objeto para su canción. Y así nace una extraña bebida imaginaria que bautizó como "Monkberry  Moon Delight" y que estaba inspirada en una historia similar de una canción del año 1959, escrita por la famosa dupla Leiber/Stoller, llamada "Love Potion No. 9" y que fuera popularizada por la banda estadounidense The Clovers .
"Tiene tintes a "Love Potion No. 9", en especial por la parte que dice 'sipping monkberry moon delight'. Era un batido de leche de fantasía nada más" declararía Paul años después tras ser consultado por esta canción.

Desde su epoca Beatle, Paul, y en mayor grado John, buscaban confundir a esos ilustrados que estudiaban día a día sus canciones para sacar mensajes extraño o reseñas de la muerte de uno de los integrantes de la banda. Uno de los ejemplos mas claros sobre ese comentado juego entre Beatles y fanáticada universitaria fue la canción "Glass Onion" donde se dan un paseo por las frases mas comentadas de sus canciones o supuestamente más polémicas, y le dan otro giro a las historias o dan la respuestas a varios mitos creados en torno a esas melodías. Al parecer, Paul hizo el mismo ejercicio con esta pieza musical, donde el objetivo fundamental iba para ese camino: Confundir al oyente con una lírica marcada juegos de palabras extrañas y a ratos casi sin sentido, como si fuera una obra hecha de la simple improvisación.

Por ello, muchos fanáticos cayern en ese juego tras escucharla. Algunos declaraban que Paul hablaba de las drogas o que la hizo bajo los efectos de alguna pastilla o alguna planta con efectos alucinógenos.  Otros se rindieron ante una obra abstracta, de tintes simples y que mostraba a un Paul McCartney inspirado, motivado y bien parado tras la caída de los Beatles.

Musicalmente la canción es una joya con aroma a Rock, mas bien a buen rock. Con una actuación vocal impresionante de Paul, donde aparece con una voz potente, gritona, rasposa y que recordaba canciones como "Oh! Darling" o su fantástica versión de "Long Tall Sally" . Pero también cuneta con un juego vocal muy llamativo, donde Linda toma vital importancia con una voz a contrapunto que respalda muy bien la actuación de su esposo. 
El resultado final fue una canción llamativa, interesante en cada detalle y que demuestra que este disco en su campo completo era cosa seria, y que no era llegar un criticarlo de manera tan fácil.

En 1979 apareció una nueva versión de esta canción pero en voz del maestro "Screamin" Jay Hawkins, quien cantó a viva voz una nueva " Monkberry Moon Delight" que fue publicada en su álbum Screamin' The Blues. McCartney quedó muy a gusto con esa sorpresiva versión, e incluso en algunos conciertos se dió el lujo de interpretar bajo esa versión su tan comentada pieza.

Una canción fenónemal es la que hemos tríado al ruedo hoy, y que viene en un disco altamente recomendado...
Que la disfruten!

 

domingo, 15 de abril de 2012

FRIDAY ON MY MIND / THE EASYBEATS



"Friday on My Mind" es una canción de la banda australiana The Easybeats, que fue lanzada como single un 17 de Noviembre del año 1967.
A pesar de que los integrantes de la banda no tenían la nacionalidad australiana puesto que eran de familias inmigrantes (del Reino Unido y de Holanda específicamente) que llegaron a esas tierras en el periodo de la Post-Guerra, los Easybeats dejaron un legado histórico para toda la escena rockera de ese país con sus vibrantes y poderosas piezas rockeras influenciadas por la psicodelia del momento y los aires de la ya aplaudida musica "Beat".
Los Easybeats estaban integrados por Stevie Wright en voz, y Gordon "Snowy" Fleet en batería (ambos de Inglatera); además del guitarrista George Young (de nacionalidad escocesa y además hermano mayor de los fundadores de la emblemática banda AC/DC) ; el también guitarrista Harry Vanda y el bajista Dick Diamonde (ambos de Holanda). Juntos hicieron bailar y saltar a su pais adoptivo, ganándose el respeto y la admiración de los medios.

La base de la banda se encontraba en Sydney, y allí era donde a mediados d elos 60's tenían su sala de ensayo y también donde recorrían los garitos tocando y ganando dinero por sus espectaculares acutaciones llenas de energía y rock de verdad.
Tras una serie de cambios de nombres, hasta llegar a su nombre mas reconocido, la banda ya intentaba mostrar que no solo vivirían de viejos "covers" de The Beatles y todos los secuaces que iban detrás de ellos, y que también lograrían fama con canciones originales.
Los primeros que tomaron las riendas de la creatividad fueron Young y Wright, quienes crearon un repertorio musical muy variado, donde sus influencias estaban a la vez muy marcadas en cada acorde. Ese puñado de canciones (donde podemos destacar a "For My Woman" , "She's So Fine" , "Wedding Ring" , "Come and See Her" y "I'll Make You Happy") fueron dueñas de los primeros puestos de los charts australianos, y dejando muy en claro que ellos eran la revolución del rock australiano. Pero ahora su discográfica quería probar suerte fuera del país, y para ello la banda decide ir en 1966 a probar suerte a Inglaterra, donde el sello Parlophone los quería tener sí o sí, e incluso ya le tenía productor: El emblemático Shel Talmy.
Tras dejar grabado un concierto de despedida para su fanaticada local , el emblemático show televisivo Coca- Cola Special, los Easybeats pescaron sus maletas y se embarcaron en su travesía por Londres, donde las cosas no empezaron tan bien como lo tenían planificado junto a su manager.

Primero, sus canciones que eran furor en Australia, ni siquiera sonaban en las radios en tierras británicas. Es que el fenómeno "Beat" en esos lares hacía rato que ya estaba en el olvido, ya que en ese entonces el "Revolver" de The Beatles era obligación escucharlo y también aparecían en escena otras bandas, como los Who o los Kinks, con un rock renovado, a ratos sucio en su producción pero efectivo ante una juventud con sed de riffs y locura sobre los escenarios.
Tras darse cuenta de este rotundo fracaso, la banda decidió escribir nuevas canciones tomando esos nuevos sonidos y retocando el ambiente donde estaban ahora probando suerte para lograr la fama definitiva.
Esta vez las riendas creativas fueron tomadas nuevamente por George Young, pero con un leve cambio; aparecía en escena Harry Vanda, quien tras agarrar experiencia con la banda decidió entrar a componer nuevo material.
Ambos músicos encontraron una canción definitiva una tarde en que estaban en el Hotel, esperando ir a un show televisivo. En ella los músicos recordaban parte de su infancia, en especial cuando pasaban jugando o conversando en esas largas y calurosas tardes de viernes en los extensos patios de los hostales en Sydney donde sólo vivían inmigrantes. Esos viernes cuando ya no había escuela, cuando se esperaba por la cena familiar y el descanso daba la bienvenida tras una semana dura o llena de trabajo. La canción llevaba por título "Friday on My Mind".

Con cierto toque Beatle en su estructura musical, "Friday On My Mind" contiene un manto de riffs de guitarra llena de energía y decorada por llamativos juegos de voces, que la hacen destacar aún más en toda su esencia.
Este homenaje a los "fines de semana", fue el mejor "caballito" de batalla para la banda en su estadía en tierras británicas, ya que de inmediato empezó a sonar en las radios, y a la vez de manera rápida fue tomada como un himno para la clase obrera, que siempre buscaba llegar a ese viernes por la tarde, cuando ya sólo podía venir la diversión y la junta familiar o con amigos para olvidar los malos ratos o sacar la tensión de la "pega".

"Friday on My Mind" llegó a la casilla #6 del UK Singles charts casi un mes después de su lanzamiento en Noviembre de 1967, mientras que en Mayo de 1968 la banda sacaba aplausos, ya que por fín tenían una canción en los primeros puestos de Billboard Hot 100, ya que esta rola había entrado en la posición #16 y sonaba constantemente en las radios estadounidenses.
También logró llegar a los primeros lugares de los charts de Alemania, Bélgica y Francias. Mientras que en Australia, y como ya era costumbre para la banda, la canción llegaba al primer puesto de los charts.
Con esos premios, y con ese debut, nada hacía presagiar, de ahora en adelante, un fracaso para los Easybeats. Pero lamentablemente, el éxito de la canción fue tan fuerte que opacó a las demás piezas que fueron publicando bajo los créditos de Young y Vanda.
La travesía de la banda por el Reino Unido terminó en 1969, con tres interesantes discos bajo el brazo y un puñado de buenas canciones que tuvieron poca promoción pero que en calidad musical eran muy notables.

Tras su llegada a Australia, la banda empezó nevamente a agarrar fama, pero tras experimentar sonidos cn el Acid- Rock, su fama se fue perdiendo en los charts y la fanaticada dejó de escucharlo de manera repentina. Por ello, y tras varios cambios en su formación, la banda se separó de manera definitiva a finales del año 1969.
Tras ese repentino pero necesario punto final, Vanda y Young no se quedaron de brazos cruzados y empezaron a trabajar como productores, reclutando a nuevos talentos australianos: Como los legendarios AC/DC, el cantante John Paul Young (cuyo hit mundial, "Love Is In The Air" pertenece a esta dupla de compositores), y además aportaron canciones para el debut solista de su compañero Stevie Wright.

Para la escena rockera de Australia los Easybeat son ejemplo e influencia a la vez para la juventud y para la historia. Ellos dejaron el camino pavimentado, por lo que el resto de los rockeros australianos sólo deben aprender a caminar y a disfrutar.
Que la disfruten! Buen Domingo!

viernes, 13 de abril de 2012

REMEMBER / JOHN LENNON



"Remember" es una canción del famoso músico británico John Lennon, que tuvo su aparición oficial en el aclamado disco John Lennon/Plastic Ono Band, publicado en el año 1970.
Tras unos extraños y a la vez criticados trabajos experimentales, y también bajo la extensa sombra de la caída del imperio Beatle, Lennon decide renovar su cancionero y cerrar las heridas de su infancia con un disco explosivo y marcado con una honestidad altamente brutal. Con este trabajo musical, Lennon buscaba encontrar nuevas energías y botar a la basura todos sus miedos, sus malos recuerdos y los malos momentos que le había tocado vivir. También, en varias canciones el músico deja en claro a todos los fanáticos de su antigua banda que simplemente "el sueño ha terminado" y que había que empezar todo de nuevo.

A principios de 1970 Lennon empezó a grabar todas esas canciones que tenía registradas desde hace un buen tiempo. Una de esas canciones llevaba por título "Across The Great Water", que más que canción en sí, era una melodía improvisada al piano donde Lennon gritaba las primeras frases que se le aparecieran en el camino. Se cuenta que en esas míticas sesiones de grabación también participaron Ringo Starr en batería, y el señor Klaus Voormann en el bajo.
A medida que la iban ensayando, la canción iba tomando buena forma, hasta que quedó con una estructura musical sólida y que solo necesitaba una buena letra. Esa tarea no le era para nada difícil para el gran Lennon.

Pero al aprecer, esta fue una de las canciones que le trajo mas dolores de cabeza a Lennon en cuanto a la letra, ya que la inspiración al parecer dse había apagado ante esos acordes. Pero tendrían que pasar varios meses para que encontrara buen rumbo. Y la solución ante el problema vino en el verano de 1970 tras el paso del músico y su pareja por la Terapia Primal junto al psicoanalista Arthur Janov.
Tras esas llamativas sesiones de terapia, Lennon tuvo el valor de hablar, llorar y agitar todos los malos momentos, adicciones, mañas e imágenes mentales que le hacía mal y que lo tenían por el suelo.

Fue bajo esos momentos, e inspirado por la ayuda que le proporcionó esta terapia, que Lennon empezó a escribir letras con una honestidad brutal y sin tapujos, y de una ellas aparece un semi-poema llamado "Remember", donde el músico habla sobre su infancia y los problemas que tuvo que pasar por no tener una vida familiar estable.

Una vez que Lennon tenía la letra, y a la vez tenía la estructura musical que habia dejado lista meses antes, simplemente decidió poner sus manos al piano y empezar a grabarla junto a Ringo y Klaus en los estudios Abbey Road.
La primera versión que grabaron de, la ahora llamada "Remember" tenía como tiempo de duración casi nueve minutos e incluía una letra con algunos toques de improvisación y olvido.
La historia cuenta que mientras Lennon, Ringo y Klaus grababan la canción apareció por la sala George Harrison que le regaló una llamativa rosa de plástico a su amigo, la cuál fue agradecida con un fuerte y apretado abrazo.
Ese día tres Beatles trabajaron y juguetearon un rato con algunos acordes en la sala de ensayo. Eso ya era histórico...

Dias después, Lennon y compañía volvieron a grabar "Remember" , pero esta vez bajo unos cambios de ritmo que tenían nervioso al pobre de Ringo. Lamentablemente esta grabación terminaría de manera sorpresiva por un fuerte ataque de risas por parte de su autor.
Finalmente, y tras una larga jornada de trabajo, Lennon decidió editar ambas grabaciones y en especial aquella que duraba casi nueve minutos, donde empezó a hacer ese trabajo de cortar y pegar sobre la cinta hasta llegar al corte definitivo: La frase "Remember the fifth of November."
Esta frase no es una de las tantas ironías que salían en la boca de este gran artista, sino que tenía un sentimiento local invocando una vieja tradición británica bautizada como "Bonfire Night" ( o también conocida como la noche de los Fuegos de artificio) que hace referencia al 5 de Noviembre del año 1605, día en que un grupo de católicos, liderados por Guy Fawkes, intentaron destruir el Palacio de Westminster, sede del parlamento en Londres, con el fin de dar muerte al rey Jacobo I y su círculo mas cercano.
Desde ese entonces, cada 5 de Noviembre en toda Gran Bretaña se hacen celebraciones locales y fiestas costumbristas que culminan con una noche donde los fuegos artificiales son el broche de oro para cerrar esas fiestas en honor a esos conspiradores. Por esta razón es que Lennon decidió darle un sorpresivo final a la canción con una fuerte estallido de bomba tras gritar esas comentada frase.
En la revista Rolling Stone, en 1970, el músico comentaría sobre esas fiestas: "En Inglaterra, ese día se celebra la ocasión en que casi volaron el Parlamento. La idea surge en la tercera toma, cuando ya sonaba al estilo de Frankie Laine y repentinamente decidí parar la grabación y grité esa frase de manera improvisada. Luego la grabamos nuevamente, con unas tomas que duraron 6 a 8 minutos y manteníamos esa frase. Finalmente la usé como un buen final, y también como una excelente broma".

Al día siguiente en que Lennon grabó "Remember", tuvo ocasión la ultima vez en que el músico se juntó con su padre , el señor Alfred Lennon, a charlar y compartir una cena en Tittenhurst Park. En esa ocasión Lennon padre fue con su joven esposa llamada Paulina y con su hijo David, de tan sólo 18 meses de edad.
En esa ocasión los Lennon, padre e hijo, se volvían a reencontrar tras una breve reunión en 1967 donde intentaron calmar las aguas del pasado con calma y tranquilidad.
El motivo de esta reunión era seguir los pasos de la Terapia Primal, y que John se encontrara cara a cara con su padre y le dijera todo lo que tenía sentía en ese momento y todo lo que lo hizo sentir tan mal y desesperado en el disfraz de la rebeldía en su juventud.

Bajo ese contexto, y bajo esos hechos que ahora son parte de la leyenda de John, "Remember" tomó forma y logró ser incluída en su primer LP con canciones ciento por ciento efectivas y comerciales.
Una canción que trae un pedazo del corazón y el pensamiento de uno de los músicos mas aclamados y talentosos del singlo XX.
Que la disfruten!

domingo, 8 de abril de 2012

THESE EYES / THE GUESS WHO



"These Eyes" es una canción de la banda canadiense de rock The Guess Who, que fue publicada como single en Diciembre del año 1968 y obtuvo un rotundo éxito en los charts.
Para la escena rockera de canadá, los Guess Who son un pilar fundamental a la hora de hacer recuentos e historias. Su mayor logro fue ser la primera banda de ese país en entrar al primer puesto de los charts estadounidenses con su coreada y archi-conocida "American Woman", en una época donde las bandas de rock eran de una calidad impresionante y semana a semana aparecía una canción liderando los charts con muchos pergaminos y buenas críticas.

Pero la magia y la calidad musical de esta banda empezó mucho antes de su gran hit, y una de esas piezas que ayudaron a la popularidad de estos rockeros oriundos de Winnipeg fue la maravillosa "These Eyes", una de esas canciones que hoy en día son catalogadas de "clásicas".
El autor de esta pieza fue el guitarrista Randy Bachman, quien se basó en una improvisación que empezó a sonar en su cabeza mientras esperaba a su novia.

Si amigos y amigas, tal como leen, la canción tuvo su génesis mientras Bachman esperaba a su novia, y posteriormente su esposa, la cantautora Denise McCann, para salir a algun bar a pasarla bien. Como ya todos sabemos, las mujeres siempre son detallistas a la hora de vestirse y maquillarse y suelen hacernos esperar varios minutos, e incluso horas (?). Esa noche de Febrero de 1968 Bachman se cansó de esperar en el living a su chicas, y no tuvo mejor idea que ir a un piano cercano y empezar a escribir una canción mediante el juego de la improvisación.
En tan sólo 15 minutos, el guitarrista de los Guess Who tenía la mitad de la canción ya escrita y casi arreglada, e incluso ya le había puesto titulo: "These Eyes". La ensayó un rato, arregló unas cuantas frases , y cuando Denise por fin salió de la pieza se fueron a disfurtar de la noche.

Unpar de semanas después, Bachman le presentó la canción a su compañero Burton Cummings, quien ya llevaba dos años a cargo de los teclados en la banda tras reemplazar a Bob Ashley y que se convirtió en un pilar fundamental a la hora de la composición de canciones, donde dejaba en claro que talento tenía de sobra.
Juntos empezaron a trabajar la canción y modificar letras, acordes y estructuras para dejarla como un futuro single.

El resultado final fue una joya, que dejó sorprendidos incluso a los demás integrantes de la banda. En especial la intro con ese magnífico toque de piano con pausas intermedias que ya era un toque distintivo. Luego viene una guitarra que sigue el paso firme y sirve de cortina para la base musical que ya era efectiva dentro de su simpleza. Punto aparte para la parte del bajo, donde la canción saca nuevamente aplausos en mano de Jim Kale y su técnica.
Juntos acompañan a la genial interpretación vocal que estaba a cargo de un inspirado Burton Cummings, que con toda su alma nos canta sobre un amor perdido, sobre un corazón roto.

El productor Jack Richardson, que estaba muy a gusto con la canción, tuvo la excelente idea de incluir bronces y cuerdas dentro de la melodía, como un complemento eficaz para que la canción tomara ese toque necesario a balada clásica. Esos arreglos le dieron una nueva emoción a la canción y son el compañero eficaz para adornar la parte vocal.
Richardson fue el dueño y comandante de una producción compleja, donde pasó horas y días buscando el punto exacto en los arreglos, y el resultado final fue impresionante.

"These Eyes" fue un suceso en Canadá, donde llegó a la séptima ubicación en los charts y eso fue de vital importancia para que la RCA intente promocionarla en Estados Unidos en Abril de 1969. Si bie, en un comienzo, la canción tuvo un tibio recibimiento en los medios, al cabo de un mes en las radios "These Eyes" logró llegar a la sexta plaza del Billboard Hot 100, siendo el primer single de la banda en entrar al Top Ten de ese reconocido ranking. Además, la canción fue certificada con disco de Oro tras vender un millón de copias en tierras estadounidenses.

Una canción esencial para los 60's, y una joya que no debe faltar en el tracklist de la nostalgia.
Que la disfruten!

viernes, 6 de abril de 2012

CROCODILE ROCK / ELTON JOHN



"Crocodile Rock" es una canción del cantautor inglés Elton John, que fue lanzada como single un 27 de Octubre del año 1972 en el Reino Unido y recién el 20 de Noviembre de ese mismo año fue publicada en los Estados Unidos.
Incluída en el exitoso LP "Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player", esta canción también forma parte del extenso y maravilloso catalogo musical de este extraordinario músico que supo hacer de las suyas en los 70's con una puesta en escenario totalmente renovada y original, quedando para la eternidad como uno de los artistas mas importantes dentro del género del Pop.

La historia de esta canción empieza en el año 1972, cuando Elton John se encontraba de gira por Australia. Durante su estadía en esas hermosas tierras, el músico quedó impactado con una banda de rock local llamada Daddy Cool, quienes tenían a todo su país bailando bajo los acordes de su éxito "Eagle Rock". Tras escucharla en la radio, Elton John partió a la disquera mas cercana y compró el disco de los Daddy Cool, a quienes encontraba muy retro en sus melodias pero a la vez muy originales a la hora de la producción.
Fue tanto su fanatismo por la banda, que el músico también se dió el tiempo de ir a uno de los recitales en Melbourne, con el fin de buscar inspiración para sus futuras canciones.

En Junio de ese año, Elton decide empezar a grabar su nuevo material junto a su amigo y también compositor Bernie Taupin en los Strawberry Studios, ubicados en Château d'Hérouville en la bella Francia.
Fue en esas sesiones en que ambos compositores dieron vida a una pieza inspirada en los acordes de los Daddy Cool. Se llamaba "Crocodile Rock", y era una pieza con aires nostálgicos en su letra y con acordes retros en su melodía.
En ella, se cuenta la historia de un joven que durante los 50's y 60's frecuentaba un bar donde disfrutaban del Crocodile Rock, un un ritmo y un paso de baile que era distnto a los que sonaban en las radios en esos días (en la canción lo compara con la revolución del "Rock Around The Clock" de Bill Halley y sus Cometas) . Obviamente, con el paso de los años el mundo giró, la música cambió y su nuevo ritmo ya no pegaba como antes y simplemente pasó al olvido como tantas bandas y solistas que eran furor en los 50's y 60's.

La letra trae un mensaje nostpalgico. Por ello, y si escuchan muy bien la "rola", aparecen ciertos ganchos musicales y frases sobre algunas canciones de esa época, como "Cry Myself to Sleep" de Del Shannon y "Little Darlin'" de The Diamonds. En los coros de la canción se nota fuerte la inspiración de la famosa "Speedy Gonzales" del maestro Pat Boone, quien tras escuchar la "rola" intentó acusar a Elton John de plagio, pero tras varias amenazas por la prensa y programas de televisión, de un día para otro se quedó callado y todo pasó a formar parte de una anécdota.

Elton John en varias entrevista menciona que la canción viene de la mano con varios momentos de su juventud, donde era fanático de todos los nuevos estilos musicales que aparecían en las radios. En su biografía oficial,The Definitive Biography of Elton John, el músico comenta sobre la canción: "Yo quería que fuera un registro de todas las cosas con las que crecí. Pero el resultado final es una estafa."
Taupin también se dió el tiempo de hablar sobre la canción semanas después de lanzarla como single. En una entrevista con la BBC el compositor declaró que la canción contenía una dicotomía extraña, pero que a la vez su simpleza la hacía ser alg fácil de escuchar.

Grabada el 20 de Junio de 1972, "Crocodile Rock" llegó al primer lugar del Billboard Hot 100 el 3 de Febrero de 1973, convirtiéndose en el primer hit de Elton John en los Estados Unidos. La canción se mantuvo en el primer lugar hasta el 17 de febrero, cuando fue superada por "Killing Me Softly with His Song" de Roberta Flack. Mientras que en el Reino Unido, donde este artista gozaba de una popularidad muy creciente, la canción llegó a la quinta plaza del UK Singles charts.

Al repentino éxito de la canción deben sumarle el éxito en ventas del disco Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player", que fue "number one" en ambos lados del atlántico. Pero a pesar de esos pergaminos, Elton John declararía años despues que "Crocodile Rock" simplemente era "Pop desechable". Mientras que en 1989 Taupin declararía en una entrevista con el programa Music Connection que no quería ser recordado por escribir 'Crocodile Rock' y que sería mejor que la fanaticada lo recuerde por canciones como 'Candle In The Wind' o 'Empty Garden", las cuáles tenían mensajes en sus letras. "Hay cosas como "Crocodile Rock", que fue muy divertido escribirlas y grabarlas a la vez, pero solo eran momentos de Pop. Eran hechas para decir,"Bueno, fue muy divertido, pero ahora tírelo a la basura, y aquí está la siguiente". No podemos negar que también habían elementos en nuestra música que eran desechables " mencionaría Taupin en esa entrevista.

A pesar de la honestidad brutal y las criticas de sus autores, no pueden dejar de darle gracias a esta humilde canción que los llevó a ser reconocidos en todo el mundo, y que hizo de la figura de Elton John una leyenda para el Pop setentero y la historia de la música popular.
Que la disfruten!

jueves, 5 de abril de 2012

LIFE IN THE FAST LANE / EAGLES



"Life in the Fast Lane" es una canción de la banda norteamericana Eagles, que fue lanzada como single un 3 de Mayo del año 1977. Además, esta pieza rockera aparece dentro del LP Hotel California (1976), uno de los discos mas comentados y aplaudidos de esta famosa banda californiana.
Comenzaron rescatando el rock sureño, con toques de folk y de música Country. Ante esas influencias, apareció en escena el rock, los riffs y el gusto por el sonido Pop. Con una amplia gama de canciones archiconocidas, esta mítica banda quedó como uno de los pilares fundamentales dentro de la historia del rock setentero.

Tras la llegada de Joe Walsh, quien entró para reemplazar a Bernie Leadon, la banda empezó a tener mas cercanía musical con el rock mas puro. La guitarra en manos de Walsh traía energía del rock mas sucio, y eso fue una influencia muy positiva para la banda, que venía con un poco de inseguridad tras el lanzamiento tan apurado del disco "On the Border".

Una vez que tenían completa su formación, la banda decidió entrar la estudio de grabación para grabar y ensayar su nuevo repertorio. El búnker de la banda se encontraba en Los Ángeles, California, que además era la cuna y el centro de todo el Jet Set rockero que se paseaba por los charts en esos días. Obviamente, el ser estrella de rock iba de la mano con el descontrol y el abuso del poder de la fama ante varios sucesos cotidianos. De esa manera, muchos colegas de los Eagles caían en las garras del abuso de la vida nocturna y de los lujos. Sobre ese contexto, el guitarrista y vocalista de la banda, el señor Glenn Frey declaraba en una entrevista con la BBC en 1981: "En esos días Los Ángeles era el sinónimo de vivir la vida al máximo cada 24 horas. Era correr a toda velocidad en un porche en medio de una carretera y sin tomar en cuenta a ninguna persona."

De hecho cuanta la historia que una tarde de 1975 Glenn Frey pescó un bus rumbo a su casa y se fue sentado junto a un llamativo personaje que se presentó ante el músico como "The Count". Durante el viaje, este personaje le fue contando parte de su vida al rockero, y le reveló que era un narcotraficante. Frey quedó impactado con el estilo de vida de este personaje, marcado por la vida nocturna extrema y transfuga que escondían las calles de Los Angeles.

Ante este adrenalínico episodio sobre los estilo de vida,Joe Walsh, Glenn Frey y Don Henley dieron vida a una potente canción que retrataba de manera perfecta esta situación de lujos y excesos: esa pieza se llamaba "Life in the Fast Lane"
En ella, se cuenta la historia de una pareja que vivía "a concho" de los excesos y la buena vida, pero que de un día para otro la moneda cambió su lado y se dieron cuenta que lo habían perdido todo. La culpa era de su estilo de vida, marcado por el consumismo y las cuentas mal pagadas.
Pero también la canción era una advertencia para la los demás intgrantes de la banda, que por estar en Los Ángeles poco a poco iban cayendo en ese estilo de vivir la vida. Así lo comentaría Frey a la BBC: "En realidad es un llamado de atención para algunos integrantes de la banda, y buscaba hacer reflexionar sobre el estilo de vida burgués de algunos integrantes del famoso Jet Set". En respuesta a estas palabras de Frey, el turno fue ahora de Walsh, quien decidió dar su impresión sobre la temática de esta canción, donde puso un riff de guitarra fenomenal y que deja los pelos de punta: "Problablemente eso sea cierto, y es muy saludable saberlo. Nos dejó muy clara la pelicula, especialmente cuando dice que los coches caros y a alta velocidad en la carretera no es la respuesta ante la rebeldía. Todo eso era superficial, y nos alejaba de la realidad, de qué estabamos en el planeta tierra y que teníamos una banda de rock".

Con su energía rockera y toda su historia sobre sus acordes,"Life in the Fast Lane" llegó a ser considerada como un hit para la banda tras llegar al puesto #11 en el Billboard Hot 100.
A raíz de ese momento, esta canción no puede faltar en ningun tracklist sobre el Pop setentero ya que refleja, de manera crpitica, el estilo de vida de tantos rockeros que quedaron amarrados a la noche, la bebida y las drogas al ver como el mundo se paralizaba con la fama.
Que la disfruuten

domingo, 1 de abril de 2012

DON'T LET ME DOWN / THE BEATLES



"Don't Let Me Down" es una canción del grupo inglés The Beatles, compuesta al cien por ciento por John Lennon (pero acreditada comercialmente a Lennon/McCartney) y que fue lanzada como single el 11 de Abril del año 1969 como cara B de "Get Back".
Cabe señalar que en esas sesiones de grabación, donde nace esta y un puñado de otras canciones, fueron marcadas por el ambiente tenso al interior del grupo. Las relaciones personales entre los cuatro Beatles estaban por el suelo, y en mas de una ocasión habían mandado al carajo su proyecto musical demandando libertad y vacaciones permanentes. Era el proceso final de la banda mas influyente dentro de la música popular, que tras su caída dejó al mundo casi paralizado a finales de los 60's.

En las famosas sesiones bautizadas como "Get Back" de Enero de 1969, y donde el más inspirado y motivado era Paul McCartney, la banda decidió volver a las raices del blues y del rock a secas. Para ello, y junto al tecladista Billy Preston como invitado especial para aliviar el ambiente, los Beatles proyectaban un renacimiento que podría hacerlos llegar a los 70's con una cara nueva, renovada y listos para seguir paralizando al mundo. Pero la historia pasaría su cuenta...

En esas sesiones aparece nuevamente Lennon con una canción dedicada abiertamente a su amada Yoko Ono, con quien se casaria en Marzo de 1969. Esta canción se llamaba "Don´t Let me Down", y en su letra el autor reflejaba sus miedos, sus depresiones y su sed de amor ante lo que le había preparado la vida y ante los ojo de Yoko, su auxiliadora en ese momento según el propio músico. "Cuando todo llega a su fin, cuando te estás ahogando, nadie llega y dice "yo estoy contento de saberlo y pedir ayuda". Eso es mentira, la reacción natural es gritar" mencionaría Lennon sobre esta canción en 1970 en una entrevista con la Rolling Stone.

Pero la canción también reflejaba el duro momento que pasaba la pareja en esos días, donde el abuso con la heroína y otras drogas estaban dejando una cuenta horrible para ambos personajes que ya no vivían en el plano real y pasaban bajo los efectos de esas sustancias dañinas. Asi lo comentaría Paul McCartney en su autobiografía Many Years From Now: "Fue un período muy tenso: John estaba con Yoko y ambos estaban empapados de heroína y todas las paranoias que acompañan esos momentos pero eso ya les estaba pasando la cuenta. Yo creo que él siempre escondía dentro de sus emociones y su espíritu divertido un secreto que lo aterraba. Asi que "Don't Let Me Down" era una súplica genuina... En ella le pide a Yoko toda su ayuda para salir del desastre. Fue un grito en busca de ayuda. Fue una buena canción"

"Don't Let Me Down" fue grabada el 22 de Enero del año 1969 en los Twickenham Film Studios. En esas sesiones, que fueron inmortalizadas en el penoso documental "Let it Be" (1979) dirigido por Michael Lindsay-Hogg, la banda estaba grabando material para un disco que ya tenía título: "Get Back".
La historia cuenta que fue en esa primera versión de la canción en que Lennon le pidió a Starr que golpeara los platillos con toda su alma, para "darle el valor de entrar en la canción chillando".

La segunda grabación de la canción fue hecha el 28 de enero, cuando apareció en escena Billy Preston (a quien la banda conoció en 1962 en una gira junto a Little Richard) quien le imprimió una nueva gota de talento musical a la rola con su magnífica interpretación en los teclados. Esta versión sería la seleccionada para acompañar como cara B en el single que lideraba la llamativa y polémica "Get Back", y que sería publicado en Abril de ese año y que llegaría al primer puesto en los Estados Unidos.

Dos días después la banda volvió a trabajar la canción y ahora en formato en vivo, ya que se subieron a la azotea de Apple y la interpretaron dos veces. La primera versión es la que podemos ver la pelicula "Let It Be", y la otra versión quedó inmotalizada en los fabulosos Bootlegs que todo fanático de los Fab-Four debe tener.
"La grabamos en el sótano de Apple para "Let It Be" y luego en la azotea. La ensayamos varias veces para ese evento. Yo cantaba en algunas partes e incluso llegué a preguntarme si le había ayudado en alguna frase, pero no creo. La canción simplemente era de John" mencionaría Paul años después.

El 30 de Enero de 1969 los Beatles tocaron por ultima vez en vivo ante su publico, y lo hicieron de manera magistral sobre la terraza de su estudio de grabación y además de manera gratuita para su fanaticada. Nada de luces y juegos pirotécnicos multicolores, nada de promociones mundiales, obras teatrales de millones de dólares, nada de discursos de despedida, simplemente se fueron como volvieron: Tocando para todo su publico en un lugar común y corriente, o sobre un camión, o en un club nocturno under o sobre la terraza de sus casas, como cuando eran tímidos adolescentes que amaban el rock and roll y sus herores en vez de capas usaban guitarras.
La idea de tocar en una terraza vino para darle el final necesario al documental y a la banda. En ese mítico concierto de rock, Lennon cantó a viva voz su "Don't let me Down" e incluso olvidó parte de la letra debido a la excitación de estar de vuelta en las canchas junto a sus amigos, y sentir esa energía de antaño.

Tras ese concierto, la banda dejó varias cintas con canciones nuevas y otras que aparecían en la película. La idea era hacer un disco con ese material, pero la tensa relación entre los integrantes volvió a surgir de manera espontánea, y el que se hizo a cargo de las canciones fue Lennon, que agotado de tantas malas caras y depresiones varias le cedió el lugar a Phil Spector. Este mítico productor pasó meses arreglando esas cintas y decidió no incluír en el tracklist del album a "Don't Let me Down" por encontrarla muy simple y mal grabada. Los demás Beatles habían tomado nuevos rumbos y preparaban sus discos solistas ante la caída de la banda, asi que Spector tenía el camino libre para hacer lo que quisiera con las cintas cedidas por John e incluso agrgarle coros angelicales y partes instrumentales casi innecesarias.

Recien en el año 2003, Paul McCartney, bajo el permiso de Ringo y las familias de George y John, decidió darle rienda suelta a la idea de remasterizar ese disco a la manera como estaba previsto en su versión original. O sea, quitarle el toque Spector y darle el toque George Martin. Para ello, Martin y McCartney decidieron eliminar del tracklist las innecesarias "Maggie Mae" y "Dig It" para darle paso a una nueva versión, limpia y bien interpretada de "Don't Let me Down" (la segunda toma del concierto en la azotea) la pieza que su amigo John había escrito en esas sesiones y que de manera injusta había quedado fuera del proyecto.
Que la disfruuuten!